War No More! - La guerra lampo dei Fratelli Marx (1933)

Il 28 luglio cadeva il centenario dell'inizio della Grande Guerra e al buon Kelvin di Solaris è venuto in mente di organizzare una rassegna di blogger dove ognuno avrebbe parlato di un film che avesse per tema la guerra, ovviamente a scopo pacifista. La mia scelta è caduta quindi su La guerra lampo dei Fratelli Marx (Duck Soup), diretto nel 1933 dal regista Leo McCarey.

Trama: Per continuare ad ottenere prestiti dalla ricca Signora Teasdale, Rufus T. Firefly viene nominato capo del governo di Freedonia, una nazione sull'orlo della bancarotta. L'uomo però si dimostra un folle dittatore e decide di dichiarare guerra alla vicina Sylvania...

Per cominciare a parlare de La guerra lampo dei Fratelli Marx in relazione a quello che noi blogger vogliamo celebrare sarebbe bene partire dal titolo originale, Duck Soup. Duck Soup è un vecchio modo di dire americano e, tradotto in italiano, sarebbe "Un gioco da ragazzi", una cosa facile da fare. Purtroppo, e lo sappiamo bene nonostante la gran parte di chi legge il Bollalmanacco molto probabilmente non avrà mai avuto esperienza di eventi tanto terribili, non c'è nulla di più facile che dichiarare guerra, imbracciare le armi, uccidere soldati o inermi civili e farsi condurre alla rovina da chi è bravo a giocare con le parole ed il disagio delle persone, facendo leva su religione, razzismo, interessi economici. I Fratelli Marx affrontano l'orribile facilità e faciloneria della guerra con il sorriso, prendendo in giro a modo loro (ovvero in modo scanzonato e divertente, da avanspettacolo, mai malinconico come accadeva invece con Charlie Chaplin) le grandi dittature che in quegli anni si stavano affacciando cupe nel panorama politico Europeo e creando le due nazioni di Freedonia e Sylvania, i cui nomi già di per sé darebbero un'idea di libertà e pace se non fosse per i problemi economici della prima e per la smania di potere dei governanti della seconda. I vertici di Freedonia, costretti a chiedere prestiti all'abbiente signora Teasdale, vengono costretti da quest'ultima a far salire al potere Rufus T. Firefly, un pazzoide dall'animo anarchico e dalle idee fasciste, una mina vagante i cui capricci e deliri lo porteranno a litigare con l'ambasciatore di Sylvania: paradossalmente, l'amore del popolo verso un simile psicopatico è tale che tutti combatteranno fino allo stremo una guerra assurda e priva di motivazioni alcune, zeppa di spie e doppiogiochisti, perché tanto "Tutti i figli di Dio hanno i fucili", alla faccia dell'inno di Freedonia, beffardamente ripetuto per tutto il film, che proclama lo staterello come "Terra dei coraggiosi e dei liberi".

Tutto ciò che ho scritto sopra, ovviamente, è soltanto nella mia testa perché lo stesso Groucho Marx disse che La guerra lampo dei Fratelli Marx non ha alcun significato ma è solo l'opera di quattro ebrei che cercano di strappare una risata... e allora, che diamine, ridiamo ed esorcizziamo lo spettro della guerra! E' impossibile non farlo visto che Groucho, Chico e Harpo in questa pellicola sono a dir poco esilaranti e snocciolano battute e gag senza dare un attimo di tregua allo spettatore: il film è del 1933 ma si ride oggi come allora, soprattutto per i surreali dialoghi e monologhi di Groucho e Chico, in grado di spiazzare personaggi e spettatori e di scolpirsi nella memoria come imperituri aforismi adatti ad ogni circostanza (Quest'uomo parla come un idiota e sembra un idiota, ma non lasciatevi ingannare: E' un idiota!). Immancabile contraltare alla simpatica logorrea dei fratelli è, ovviamente, la fisicità di Harpo, come al solito muto ma in grado di portare avanti gag geniali come quella dello specchio, un omaggio al già citato Charlie Chaplin, e soprattutto quella del cappello scambiato, due numeri che prevedono una perfetta sinergia tra gli attori chiamati a prendervi parte e dei tempi comici che spaccano il secondo, una delizia per gli occhi e, soprattutto, una fonte di grandissime e sanissime risate! Completano il tutto un paio di brevi e per nulla fastidiosi numeri musicali tra cui spicca il Pop! goes the weasel con cui Firefly minaccia tutti quelli che oseranno infrangere le sue assurde leggi e ovviamente la presenza di quel quarto fratello Marx di cui nessuno si ricorda, il povero e surclassato Zeppo (e chi guardava Buffy The Vampire Slayer come me sa di cosa sto parlando!). E se ancora non vi ho convinti a recuperare questo capolavoro beh, sappiate che Mussolini aveva vietato in Italia La guerra lampo dei fratelli Marx perché convinto che fosse una critica contro il suo regime (d'altronde, il personaggio di Chico fa ben Chicolini di nome) e che la pellicola viene omaggiata sia da Woody Allen in Hannah e le sue sorelle che da Rob Zombie ne La casa dei 1000 corpi e La casa del diavolo. Con questo spero di avervi convinti ma la rassegna contro la guerra non finisce mica qui: date un'occhiata ai film presentati dai miei colleghi e... PEACE!

Il Bollalmanacco On Demand: I 400 colpi (1959)

Per il Bollalmanacco On Demand di oggi Arwen Lynch mi ha lanciato una bella sfida, ovvero recensire un capolavoro della storia del Cinema come I 400 colpi (Les quatre cents coups), diretto e co-sceneggiato nel 1959 da François Truffaut. Se sopravviverò a questa impresa Arwen mi darà il colpo definitivo col prossimo film On Demand, che sarà Velluto Blu. 

Trama: il piccolo Antoine è un lettore e cinefilo incallito, non ama andare a scuola e vorrebbe trovarsi un lavoro per poter vivere da solo. Un furto compiuto assieme all'amico René è la goccia che fa traboccare il vaso per i genitori, che decidono di mandarlo in riformatorio...

Siccome questo è il Bollalmanacco e non Il Mereghetti, non starò a raccontarvi della Nouvelle Vague, del cinema inteso come espressione Autoriale, dei Cahiers Du Cinema e del fondatore André Bazin, a cui I 400 colpi è dedicato, né starò ad illustrarvi come la pellicola di Truffaut sia in gran parte autobiografica, tanto che il piccolo Jean-Pierre Léaud sarebbe cresciuto per diventare l'alter ego del regista e sceneggiatore, incarnandone sullo schermo le vicende lavorative e sentimentali. Se volete conoscere le basi del Cinema fate come me e leggete dei libri seri, a me interessa solo parlarvi di quel che mi ha lasciato la visione de I 400 colpi e di quanto mi sia piaciuto questo Caposaldo del Cinema mondiale. Comincerei in modo strano, confutando quella che potrebbe essere la prima (oserei dire l'unica) obiezione di un non cinefilo che si ritrovasse "costretto" a doverlo vedere, una cosetta banale come "Eh ma è in bianco e nero e francese, sarà noioissimo!". E invece no. I 400 colpi è in bianco e nero, è vero, ma è leggero come una piuma e contemporaneamente tanto profondo. Chi, infatti, non si è mai sentito come Antoine? Solo, non apprezzato, desideroso di rendersi indipendente da una vita che palesemente non fa per lui, con la voglia di immergersi nei libri e nel cinema e dimenticare, per un istante, il grigiore della realtà? La tristezza di vivere in una famiglia fragile, costruita su menzogne, ipocrisie e rari sprazzi di affetto (peraltro non rivolti quasi mai verso di lui) porta il ragazzino a volersi distaccare sia dai genitori che dalla scuola e cominciare a trovare un posto adatto solo a lui, cominciando dal tanto agognato mare. Non ci sono pesanti ragionamenti filosofici o "pippe mentali" alla Shinji Ikari in tutto questo, solo le innocue, quasi sciocche marachelle di un bambino scafatissimo che gioca a fare l'adulto (faire les 400 coups in francese significa "fare il diavolo a quattro"), spalleggiato dall'amichetto aristocratico e meno sensibile di lui, un perfetto viveur che in futuro, come minimo, diventerà un truffatore o un fancazzista. C'è il maestro convinto che la Francia sia destinata alla rovina, il bambinetto secchione, la madre libertina da prendere a ceffoni e il padre impiegato che fa tristezza come Fantozzi, tutte figure indimenticabili ma non imponenti, che sembrano tirate fuori da una commedia e invece sono tristemente familiari, una caricatura della nuova piccola borghesia degli anni '50.

Truffaut segue passo passo le vicende di Antoine, regalandoci dei vivaci scorci di una Parigi da cartolina e di altri angoli più nascosti, insinuando la macchina da presa nel microcosmo scolastico, nella casa risicata della famiglia del ragazzino o nelle strade zeppe di negozi, cinema, librerie e bugigattoli dove rifugiarsi quando la vita va male o quando si ha voglia di un po' di libertà (come nella deliziosa scena della corsa col maestro). La mano dell'Autore si vede e si sente, sia nei momenti seri che in quelli faceti, anche perché l'allegria e l'umorismo di cui sono infarcite alcune scene nascondono sempre un risvolto amaro, una sensazione di malinconia a cui è difficile sottrarsi; queste sensazioni esplodono con prepotenza quando Antoine viene trasferito in riformatorio, quasi come se la sua prima lacrima sincera nel vedere l'amata Parigi (e la famiglia, nonostante tutto) allontanarsi a poco a poco incrinasse la maschera di "commedia" indossata da I 400 colpi. E' una svolta cupa che si palesa definitivamente nel commovente dialogo tra Antoine e la psicologa, dove le spiazzanti e finalmente sincere risposte del ragazzino spezzano il cuore, nel sorriso assurdamente felice alla vista dell'amico René, nella conseguente delusione quando le guardie gli impediscono l'ingresso in riformatorio, nel freddo congedo di una madre che ha deciso di condannare il figlio per i propri errori di gioventù e, soprattutto, nella toccante immagine finale di Antoine davanti al mare sconfinato, dove i passi rallentano come la musica che accompagna l'intera vicenda. Quella quieta immensità, quel desiderio finalmente raggiunto, quell'incredibile solitudine, la terribile incertezza per il futuro: possiamo vedere tutte queste e mille altre sensazioni nello sguardo sparuto che Jean-Pierre Léaud rivolge alla macchina da presa, cristallizzato in uno dei fermo immagine più belli della storia del cinema. Uno sguardo in grado di distruggere la quarta parete e unire come non mai lo spettatore, il regista e l'attore, accomunandoli con delle emozioni in grado di superare il tempo, i confini e lo spazio. E questa, signori miei, è la Magia del Cinema. I call it Magic. I call it True.

François Truffaut (vero nome François Rolande Truffaut) è il regista e co-sceneggiatore della pellicola, inoltre compare nella scena della giostra accanto al giovane protagonista. Francese, ha diretto film come Tirate sul pianista, Jules e Jim, L'amore a vent'anni, Fahreneit 451, La sposa in nero, Baci rubati, La mia droga si chiama Julie, Non drammatizziamo... è solo questione di corna, Effetto notte, Adele H. una storia d'amore, L'ultimo metrò, L'amore fugge e La signora della porta accanto. Anche produttore e attore, è morto nel 1984 all'età di 52 anni.

Jean-Pierre Léaud interpreta Antoine, personaggio che tornerà anche nei film L'amore a vent'anni, Baci rubati, Non drammatizziamo... è solo questione di corna e L'amore fugge. Francese, ha partecipato inoltre a Ultimo tango a Parigi, Effetto notte e ha doppiato Miracolo a Le Havre. Anche regista e sceneggiatore, ha 70 anni.

I 400 colpi ha vinto il premio per la miglior regia a Cannes nel 1959 ed è stato nominato all'Oscar per la miglior sceneggiatura originale, premio che gli è stato strappato da Il letto racconta. Claire Maurier, che interpreta la madre di Antoine, ha partecipato anche a Il favoloso mondo di Amélie nei panni di Madame Suzanne, la padrona del caffé Les Deux Moulins. La vita di Antoine, alter ego di Truffaut, verrà ulteriormente raccontata in L'amore a vent'anni, Baci rubati, Non drammatizziamo... è solo questione di corna e L'amore fugge; purtroppo non li ho mai visti ma se I 400 colpi vi è piaciuto recuperateli! ENJOY!

E sono 1000!!!

Il Buddy Christ approva.

1000 post sul Bollalmanacco.
1000 grazie a tutti voi che mi seguite, che non siete veramente mille ma valete come se foste milioni.
1000 altri post non sono sicura di scriverli tuttavia ci proverò!
1000 film conto comunque ancora di vederli (sebbene non ne abbia recensiti proprio 1000. Ma nel blog dovrebbero essercene più o meno 700, se ho fatto bene i conti) da qui alla vecchiaia.
1000 volte meglio ora stare zitta e godere l'attimo prima di scrivere 1000 altre ca**ate!
1000 volte... ENJOY!

Il WE, Bolla! del diludendo (31/07/2014)

Il multisala savonese è ovviamente ancora chiuso. Poco danno, direte voi, è estate. Fai dell'altro, non andare al cinema. Il problema è che ho, letteralmente, una scimmia sulle spalle e non mi scende perché delle uniche DUE uscite settimanali ce n'era una che avrei assolutamente voluto vedere... ENJOY!!

Apes Revolution - Il pianeta delle scimmie

Inaspettatamente il primo film, L'alba del pianeta delle scimmie, mi era piaciuto moltissimo. Non era un capolavoro e aveva i suoi difetti ma anche un cuore. E il Cesare di Andy Serkis era una delle scimmie più espressive mai viste al cinema. Sono stra-convinta che Apes Revolution non potrà che essere inferiore, tuttavia avrei tanto voluto guardarlo per godere ancora una volta della bravura di questo grandissimo attore e per scoprire come se la passano le scimmie e gli umani sopravvissuti al virus ma probabilmente fino all'anno prossimo ciccia!! 

Mario Bava Day: Sei donne per l'assassino (1964)

Oggi la blogosfera unita festeggia un regista italiano tra i più amati, ovvero il buon Mario Bava. Orgoglio nostrano in più di un senso visto che, nonostante si sia poi insediato a Roma, il regista è nato a Sanremo, in Liguria, nel 1914. Quindi, per ribadire l'innegabile supremazia ligure, ho deciso di guardare Sei donne per l'assassino, diretto da Mario Bava nel 1964.

Trama: un assassino comincia ad uccidere le modelle che lavorano in un atelier di moda. Tra droga, ricatti e misteriosi diari il mistero si fa sempre più fitto...

Pur amando l'horror e, relativamente, il giallo all'italiana, di Mario Bava avevo visto solo La maschera del demonio e I tre volti della paura. Convinta com'ero di non avere altro che questi due film in casa ho inveito contro i blogger che se li sono accaparrati (scherzo, vi lovvo!) quando a un tratto ho rinvenuto in mezzo alla polvere questo Sei donne per l'assassino, che mai avevo visto prima d'oggi. Male, molto male!! Intanto shame on me perché la pellicola di Bava è praticamente la Bibbia a cui si è rifatto ogni altro regista intenzionato a girare gialli, Dario Argento in primis (le inquadrature iniziali di Sei donne per l'assassino mi hanno ricordato un sacco Suspiria), poi perché il film in questione è veramente bello e, per quanto al giorno d'oggi risulti zeppo di cliché che possono fare sorridere, riesce ad intrattenere dall'inizio alla fine. Il canovaccio è piuttosto esile: le sei donne del titolo (le ho contate, sono proprio sei!!) vengono uccise una ad una da un killer letteralmente senza volto. Ovviamente, il divertimento sta innanzitutto nello scoprire l'identità dell'assassino, cosa che sono riuscita a fare poco dopo aver passato la prima metà del film, e nell'assistere ai fantasiosi modi in cui il bruto fa scempio delle povere fotomodelle: niente di troppo gore, per carità, ma l'utilizzo di un triplo uncino e di una stufa fanno il loro effetto anche dopo 40 anni, senza contare il gusto sadico con cui Bava indugia sui volti sofferenti e sfigurati delle belle fanciulle. Neanche a dirlo, le motivazioni finali dell'assassino sono risibili e anche troppo esagerate, equivalgono al bruciare un nido di calabroni scagliando una bomba atomica nel circondario ma così è, il pubblico dell'epoca non aveva bisogno di grandi motivi e cervellotiche spiegazioni ed era molto meno smaliziato di quanto potremmo essere noi. Sei donne per l'assassino quindi potrebbe essere un giallo come tanti... se non fosse che la mano dell'Autore si riconosce eccome.

Sei donne per l'assassino, infatti, è innanzitutto bello visivamente, fin dai quei titoli di testa accompagnati da un'accattivante e sculettosa melodia (Bossa nova? di musica ci acchiappo proprio poco...). Il regista ci conduce per mano all'interno di un'atelier dove il lusso e la decadenza imperano e dove il salotto principale è popolato da inquietanti manichini dai colori accesi (il rosso e il blu la fanno da padroni) sui quali la macchina da presa indugia spesso e volentieri, mostrando alternativamente questi pupazzi privi di vita e le fotomodelle, quasi a voler precorrere il loro destino e a mostrarcele altrettanto frivole e vuote. Il primo omicidio, così come quelli che seguono, è il perfetto manuale dei codici del Giallo all'italiana, con l'assassino che si confonde tra le ombre di tempestosi boschi solitari o compare e scompare come un fantasma all'interno di case abbandonate dalle architetture impossibili mentre la povera vittima si aggira sempre più inquieta e perduta... ed è più la tensione provata nell'attesa del colpo inferto a scuotere lo spettatore rispetto all'assassinio in sé. Altrettanto interessanti sono le carrellate sui possibili colpevoli durante la sfilata, durante la quale lo sguardo di tutti i personaggi (uno più sospetto dell'altro, ovviamente) è attirato da una borsetta nera contenente il diario della prima vittima che a un certo punto sparisce, una bella sequenza girata apposta per trarre in inganno lo spettatore, così come molti altri dettagli inseriti nel corso di alcune scene chiave girate in modo da mettere la pulce nell'orecchio anche ai più scafati... e, alla fine, credetemi, tutto tornerà alla perfezione, come il meccanismo di un orologio svizzero. Si può sicuramente trovare un difetto a Sei donne per l'assassino ed è il livello altalenante della bravura degli interpreti, ma anche così nella pellicola predominano una tale cura, qualità e stile che su questo dettaglio si può benissimo sorvolare.. ed è per questo che Mario Bava merita il nostro e mille altri omaggi!

A tal proposito, i festeggiamenti continuano su questi blog... ENJOY!

Whiterussian 
Montecristo
Director's cult
Non c'è paragone
Scrivenny
La fabbrica dei sogni
Obsidian
Recensioni Ribelli

All Cheerleaders Die (2013)

Siccome Lucia e Silvia, tra tutte e due, mi hanno fatto salire la scimmia, una di queste sere ho deciso di guardare All Cheerleaders Die, diretto e sceneggiato nel 2013 da Lucky McKee e Chris Sivertson e remake del loro omonimo film del 2001.

Trama: Maddie cerca di mettere zizzania tra le cheerleaders e i giocatori di football del liceo ma il gioco le sfugge di mano e la questione si complica tra morti, sangue e magia...

Credo che se avessi visto All Cheerleaders Die ai tempi delle scuole superiori sarei uscita di testa, cominciando a vestirmi da darkettona, acquistando una telecamera portatile o cercando di penetrare i segreti delle pietre e dei cristalli. Per fortuna di anni ne ho 33 e posso solo dire che All Cheerleaders Die è l'horror più dannatamente "giusto", divertente ed esaltante che abbia visto quest'anno e mi dispiace per roba più seria ma finirà dritto nelle prime cinque posizioni di un'eventuale classifica di fine 2014. Prendete la sciocca e spocchiosa cattiveria di due capisaldi (e lo ribadisco: CA-PI-SAL-DI!!) come Ragazze a Beverly Hills e Mean Girls, aggiungeteci l'inevitabile richiamo per adolescenti maschi medi consistente nel binomio baci saffici/cheerleader che già serpeggiava allegro ne Il corpo di Jennifer, non dimenticate l'horror di un tipico teen slasher alla Scream e infine un pizzico della magia di Giovani Streghe e avrete un'idea di cosa sia questo All Cheerleaders Die, una pellicola dove può davvero succedere tutto e il contrario di tutto, zeppa di twist e trovate geniali che riescono ad rendere freschi e frizzanti anche i cliché di cui è infarcita. Lucky McKee e Chris Sivertson, infatti, non si fanno scrupolo nel cambiare registro e spiazzare lo spettatore ogni volta che possono, tenendolo sulla corda con misteri e motivazioni che verranno svelati al momento giusto o richiamati brutalmente alla memoria nel caso ce li fossimo dimenticati: All Cheerleaders Die è una storia di amicizia, vendetta, tradimento, amore, pregiudizi e disperazione, che mette l'uno contro l'altro due "branchi" di animali, cani e cagne (bitches, come si chiamano tra loro le Cheerleader), ognuno stupidamente in lotta per la supremazia all'interno del variegato bestiario studentesco americano, pieno di regole e convenzioni discriminatorie. La rabbiosa ribellione di una persona, che inserisce all'interno della perfetta comunione tra giocatori e cheerleader l'elemento estraneo e "pensante", da il via ad una serie di eventi che porterà tutti i coinvolti a mostrare il loro vero volto, con risultati inaspettati anche per gli stessi protagonisti, che scopriranno a loro spese che non è tutto oro quello che luccica.

Non avendo visto la versione del 2001 non posso fare confronti tra originale e remake ma in questo All Cheerleaders Die ho molto apprezzato la colonna sonora "trendy" (immancabile in un teen horror che si rispetti!), la parsimonia con cui sono stati utilizzati gli effetti speciali, l'abbondanza di gore "sensato" e non baracconesco e, ovviamente, i dialoghi tipicamente GGiovani e zeppi di slang che non mancano di alleggerire ogni scena, anche quelle più cruente, lasciando che la pellicola danzi allegramente sul filo della supercazzola senza scadere nella farsa come, per esempio, quella grandissima schifezza di Nurse 3D. A tal proposito. Del trinomio horror, tette e culi a me, come donna, importa davvero poco. Però, se vogliamo proprio che eros e thanatos vadano a braccetto o se vogliamo mostrare delle bambolotte immerse nel sangue, bisogna che queste bambolotte siano davvero delle badass di prima categoria, roba alla Russ Meyers o alla Tarantino, non delle innominabili cagne come Paz De La Huerta, perché sarà proprio il loro carisma a rendere godibile anche la più stupida delle sceneggiature. In All Cheerleaders Die nessuna delle protagoniste vincerà mai un Oscar ma perlomeno sono espressive, ci mettono impegno e passione, non parlano come se avessero appena bevuto 70 gin lemon e corrono, ballano, picchiano... urlano. Cristo, come urlano. Sianoa Smit-McPhee strilla talmente tanto alla fine che non riuscivo a staccare gli occhi dallo schermo e la incitavo a dare un happy ending al film con il solo potere del suo urlo praticamente infinito. Così come incitavo la Stasey e tutte le altre Cheerleader a corcare di mazzate quei poveri gonzi buoni solo a calciare un pallone, sbavare sulle matricole e farsi grossi con i nerd sfigatelli che popolano i corridoi del liceo. McKee, Sivertson, scripta manent: voi avete detto "part one". E io aspetto una part two dove quel mostro uscito dalla tomba con l'occhio rosso come Terminator possa dare un nuovo significato alla parola vendetta!

Lucky McKee (vero nome Edward Lucky McKee) è co-regista e co-sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto film come All Cheerleaders Die del 2001, May, The Woman e l'episodio Sick Girl della serie Masters of Horror. Anche attore, produttore e compositore, ha 39 anni.

Chris Sivertson è co-regista e co-sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto film come All Cheerleaders Die del 2001, The Lost e Il nome del mio assassino. E' anche attore e produttore.

Caitlin Stasey (vero nome Caitlin Jean Stasey) interpreta Maddie. Australiana, ha partecipato a film come Il domani che verrà - The Tomorrow Series, I Frankenstein e alla soap australiana Neighbours. Ha 24 anni e un film in uscita.

Sianoa Smit-McPhee, che interpreta Leena, è sorella del Kodi Smith Mc-Phee che ha partecipato a Blood Story, Paranorman e The Congress. Detto questo, se All Cheerleaders Die vi fosse piaciuto provate a cercare la versione del 2001 e magari anche Scream, Giovani Streghe, Mean Girls, Ragazze a Beverly Hills e Jennifer's Body. ENJOY!

Drag Me to Hell (2009)

Mercoledì scorso è ricominciata Notte Horror su Italia 1 o, meglio, una parvenza di. Ciò mi ha dato perlomeno l'occasione di guardare finalmente Drag Me To Hell, diretto e co-sceneggiato nel 2009 dal regista Sam Raimi.

Trama: Christine lavora in banca e spera di fare carriera. L'occasione le si presenta quando una vecchia zingara si rivolge a lei per ottenere la proroga del rimborso di un prestito e la ragazza, per mostrarsi inflessibile e capace agli occhi del capo, rifiuta di concedergliela. Purtroppo per Christine la zingara deciderà di vendicarsi scagliandole contro la maledizione della Lamia, un terribile demone..

Onestamente, dopo aver visto Il grande e potente Oz mi aspettavo che Drag Me to Hell fosse una stupidaggine incredibile, tutto effetti digitali e niente anima. Tutto pensavo tranne che mi sarei divertita come una matta guardandolo e che, complice anche il vento che imperversava fuori da casa mia, avrei persino avuto qualche difficoltà ad addormentarmi nel timore che la vecchia zingara o la Lamia venissero a farmi visita nottetempo. Nel corso di Drag Me to Hell, infatti, si ride e si salta sulla sedia, senza soluzione di continuità, le immagini disgustose e i momenti inquietanti non si contano ma vengono quasi sempre stemperati da una sana dose di grottesca ironia e situazioni al limite del paradossale, un po' come accadeva ne La casa 2 e ne L'armata delle tenebre. La vecchia zingara è sì un avversario ridicolo ma è anche temibile per la sua natura vendicativa, implacabile e sovrannaturale, che si fonde con l'iconografia tipica di un inferno cristiano fatto di demoni, fuoco e sembianti caprini (tutte cose che a me, a prescindere, mettono l'ansia), tuttavia l'aspetto che più mi ha colpita di Drag Me to Hell è stato in realtà la natura fondamentalmente poco positiva della protagonista. Christine è una ragazzetta di campagna che vuole fare la sofisticata, è piena di fisime, insicura, arrivista e profittatrice, le piacerebbe essere buona e cara ma è palese il disgusto che prova, istintivamente, nei confronti della zingara che le insozza l'ufficio, le ruba le caramelle e si toglie la dentiera sulla sua scrivania: la sua decisione di rifiutarle la proroga del rimborso del prestito è ambivalente, alimentata in primis dal desiderio di fare carriera ma anche da un inevitabile moto di razzismo ed irritazione. Christine, a dirla tutta, si merita la maledizione così come se la meritava il protagonista di L'occhio del male di Stephen King e se la meriterà ancor più da un certo punto del film in poi, quando deciderà di infrangere una delle regole non scritte del codice morale cinematografico, una cosa indegna che la metterà sullo stesso, squallido piano della zingara/Lamia.

Tra uno spavento e un rigurgito, una battuta sarcastica e sangue che schizza, una capra che parla e una seduta spiritica, lo spettatore assiste alla versione 2.0 di un vecchio tipico film di Raimi che, neanche a dirlo, si autocita dall'inizio alla fine e mette in piedi un fumettone che sicuramente può fare storcere il naso agli horroromani tout-court ma che alla fine tanto male non è. Certo, alcuni effetti speciali fanno un po' ridere i polli e sarebbero andati benissimo nella pura artigianalità negli anni '80, mentre nel 2000 risentono di tutta la freddezza della CGI (e mi riferisco soprattutto alla caduta dell'incudine con conseguente schizzo di sangue e cervella, tra l'altro tutto virato in grigio nell'edizione passata in TV) e la prima parte è sicuramente più interessante della seconda, il cui momento clou è una di quelle banalissime, per quanto agitate, sedute spiritiche che ormai mi sono venute a nausea, però come visione disimpegnata ed estiva Drag Me to Hell è perfetto. Perfetto anche il cast, con la simpatica faccetta della bionda Alison Lohman che risulta per l'intera pellicola una credibilissima ragazza della porta accanto e con la professionalità di tutti i caratteristi del caso, chiamati ad interpretare delle macchiette in grado di offrire alternativamente spunti folkloristici o semplice appoggio così da rendere la protagonista più tridimensionale. Drag Me to Hell, quindi, è l'esempio perfetto di come anche i film "supercazzola", se affrontati con rilassatezza, amore per il genere e passione da parte di regista e autori, possano diventare non dico dei capolavori ma sicuramente delle pellicole gradevoli e in grado di farsi perdonare ogni difetto. Se non l'avete ancora fatto recuperatelo, vi divertirete!

Del regista e co-sceneggiatore Sam Raimi, che compare durante la seduta spiritica nei panni di uno dei fantasmi, ho già parlato qui mentre Justin Long, che interpreta Clay, lo trovate qua.

Alison Lohman (vero nome Alison Marion Lohman) interpreta Christine. Americana, ha partecipato a film come Big Fish - Le storie di una vita incredibile, La leggenda di Beowulf e ha doppiato la versione USA di Nausicaa della Valle del vento. Ha 35 anni.

Dileep Rao interpreta Rham Jas. Americano, ha partecipato a film come Avatar e Inception. Ha 41 anni e un film in uscita.

David Paymer (vero nome David Charles Paymer) interpreta Mr. Jacks. Americano, ha partecipato a film come L'aereo più pazzo del mondo... sempre più pazzo, Howard e il destino del mondo, Scappo dalla città - La vita, l'amore e le vacche, 4 fantasmi per un sogno, Scappo dalla città 2, Get Shorty, Mumford, Ocean's Thirteen e a serie come Happy Days, Saranno famosi, I Jefferson, Il mio amico Arnold, Moonlightning, Ghost Whisperer e My Name is Earl. Anche regista e produttore, ha 60 anni.

Ellen Page avrebbe dovuto interpretare Christine ma ha rinunciato per partecipare ad un altro film. Molly Cheek, che interpreta la madre di Clay, era già stata mamma di Jim nella serie di film American Pie. L'onnipresente Ted Raimi invece ha uno strano cameo, lo si sente infatti parlare con Justin Long nei panni di un dottore ma non lo si vede mai in faccia, ahimé, mentre Bruce Campbell non è riuscito a fare la sua solita apparizione perché impegnato con le riprese della serie Burn Notice. A proposito di Bruce Campbell, nel corso di Drag Me to Hell i riferimenti ai tre film legati a La casa si sprecano e il perché è presto detto: la sceneggiatura del film (che Raimi avrebbe voluto fosse un remake de La notte del demonio, solo che non è riuscito ad aggiudicarsi i diritti) era già pronta ai tempi de L'armata delle tenebre ma Sam Raimi ha scelto di dedicarsi ad altri progetti. Per concludere, se Drag Me to Hell vi fosse piaciuto recuperate questa famigerata trilogia, il già citato L'occhio del male e Sospesi nel tempo. ENJOY!