Mother Mary (2026)

Mi ha fatta un po' penare, ma alla fine sono riuscita a vedere Mother Mary, diretto e sceneggiato dal regista David Lowery.

Trama: Mother Mary, una diva del pop in crisi, si rivolge alla sua ex stilista, con la quale ha rotto i rapporti, per farsi realizzare l'abito che la vedrà tornare ad esibirsi...

Dire che Mother Mary "mi ha fatta un po' penare" è un eufemismo coi fiocchi. Innanzitutto, dalle mie parti non è uscito quindi ho dovuto ricorrere al pensiero laterale. La visione casalinga, purtroppo, è cominciata sotto i peggiori auspici, perché dopo mezz'ora sono crollata addormentata e non c'è stato verso di riuscire a finire il film, in quanto ogni volta che rimandavo indietro il video il risultato era sempre lo stesso. Ho quindi deciso di guardare Mother Mary a pezzi, in orari giornalieri, e sono contenta di non avere rinunciato all'impresa, perché l'ultimo film di Lowery è una ghost story atipica, zeppa di immagini affascinanti e legata a doppio filo con un mondo che mi attira da sempre, pur senza capirne nulla, ovvero quello della moda. La protagonista titolare, Mother Mary, è una pop star in crisi che ha quasi rischiato di morire sul palco, durante il suo ultimo concerto. Il suo ritorno in scena è imminente, ma il giorno prima dell'esibizione la cantante fa sparire le sue tracce e raggiunge Sam, ex compagna di vita e stilista personale, alla quale chiede un abito per l'occasione. Il motivo per cui Mother Mary mi ha inizialmente annientata è la voluta, statica freddezza del primo atto. Mary e Sam sono due donne che hanno condiviso un sentimento totalizzante, i cui echi riverberavano inevitabilmente anche in ambito lavorativo, e che si sono lasciate malissimo, a costo di cicatrici irreparabili e una distanza incolmabile. La prima parte del film è intrisa di tutta la freddezza derivante da un amore trasformatosi in odio, e propone il duetto di due attrici grandiose che si rinfacciano, rispettivamente, un dolore impossibile da quantificare, il tutto mentre Sam, all'interno di un fienile riadattato ad atelier, prova con riluttanza a creare l'abito per Mary. Le due donne, con enormi difficoltà, cercano di colmare un vuoto di anni e di tornare a conoscersi, superando la diffidenza consolidata nel tempo. I loro tentativi sarebbero inutili, non fosse per un elemento gotico e sovrannaturale, "qualcosa" che ha letteralmente "attraversato gli oceani del tempo", nato oppure richiamato da un limbo nel momento esatto in cui qualcosa, dentro Sam, è morto ed è stato tagliato via; un'appendice che, inevitabilmente, è stata attirata da un vuoto simile all'interno di Mary, poiché figlia del medesimo sentimento che univa le due donne. L'arrivo di questo "fantasma" rende Mother Mary più movimentato ed interessante, non solo perché aggiunge un elemento perturbante alla trama, ma anche perché movimenta, di conseguenza, tutta la messa in scena di un film che, dalle prime sequenze, mi era erroneamente sembrato un mero esercizio di stile fine a se stesso.

Mother Mary, visivamente, è un'opera splendida e molto intelligente. Tutta la prima parte è dominata da toni neutri e cupi, con l'unica eccezione delle sequenze in cui vengono mostrati spezzoni dei faraonici spettacoli di Mother Mary, più una dea scesa in terra che un essere umano; è il modo migliore per accentuare la distanza tra le due donne e per dare un'immagine negativa di Mary, divorata dalla fama e dal successo, trascendente i comuni mortali al punto da abbandonare Sam dopo averla sfruttata. In realtà, man mano che il film prosegue ci viene mostrata una Mary fragile e altrettanto sola, molto umana nel rapportarsi con le persone e ben diversa sia dalla visione negativa che ne ha Sam, sia dal relitto tremante che bussa alla sua porta non invitata. La macchina da presa rimane anche relativamente statica, almeno finché l'elemento sovrannaturale non comincia a mostrarsi, sebbene non dichiaratamente, attraverso l'incredibile performance fisica in cui Anne Hathaway si impegna in una forsennata danza silenziosa. Da quel momento, il film fa uso di un montaggio dinamico che alterna e fonde passato e presente, narrazioni e ricordi, potenziali visioni a sequenze di una realtà troppo assurda per essere vera, all'interno delle quali la danza e il movimento hanno più valore dei statici fiumi di parole dell'inizio. I toni neutri lasciano spazio ad un rosso vivace, tinta distintiva della trovata più interessante del film (realizzata in collaborazione con l'artista Daniel Wurtzel): uno spirito senza forma, che appare alle due donne come un lembo di leggera, preziosa stoffa scarlatta, simbolo di ciò che le univa un tempo, amore e moda. A proposito di moda, i costumi nati dalla collaborazione tra Bina Daigeler e la stilista Iris van Herpen non sono solamente delle splendide sculture di stoffa, ma sono fondamentali per sottolineare il percorso artistico di Mother Mary e quello del legame tra lei e Sam. Uno degli elementi più evidenti, in tal senso, è il progressivo modificarsi dell'aspetto delle aureole indossate dalla protagonista, che passano dall'essere artigianali e piene di personalità ad inutili e pesanti orpelli privi di significato. Arrivata a questo punto, non vorrei che pensaste che Mother Mary "si salvi" solo da un certo punto in poi. Il problema di non essermi fatta coinvolgere da una parte iniziale fatta di dialoghi e stasi è solo mio, perché Anne Hathaway e Michaela Coel sono fantastiche, hanno un'espressività e un'alchimia tali da spezzare il cuore all'idea che i due personaggi si siano feriti reciprocamente, e i primi piani coi quali le grazia Lowery sono dei distillati puri di bellezza ed emozioni. Quindi, il mio consiglio è quello di recuperare Mother Mary. Potrebbe non essere la cup of tea di molti e richiede tanta pazienza, non lo nego, ma val la pena "soffrire" un po' e magari, perché no, riguardarlo una seconda volta "col senno di poi". Secondo me è un'opera in grado di crescere di visione in visione. 

Del regista e sceneggiatore David Lowery ho già parlato QUI. Anne Hathaway (Mother Mary) e Hunter Schafer (Hilda) le trovate invece ai rispettivi link. 

Michaela Coel interpreta Sam Anselm. Inglese, ha partecipato a film come Star Wars - Gli ultimi Jedi e Black Panther: Wakanda Forever. Anche sceneggiatrice, produttrice, regista e compositrice, ha 39 anni. 

Se Mother Mary vi fosse piaciuto recuperate Il cigno nero, Perfect Blue e In Fabric. ENJOY!

2026 Horror Challenge: Milk & Serial (2024)

Il film per la challenge settimanale era a scelta libera. Per questo, incuriosita da Obsession, ho deciso di recuperare il film d'esordio di Curry Barker, Milk & Serial, da lui diretto e sceneggiato nel 2024 e disponibile gratuitamente su Youtube. 

Trama: Milk e Seven sono due youtuber che gestiscono un canale famoso per le burle a ignare vittime. Il giorno del compleanno di Milk, Seven decide di fare uno scherzo al collega ed inscena la morte di un'amica comune proprio il giorno della festa...

Milk & Serial è il primo lungometraggio horror realizzato in seno al canale Youtube That's a Bad Idea, dove il duo comico formato da Curry Barker e Cooper Tomlinson si sono fatti le ossa a colpi di sketch zeppi di umorismo nero, sconfinando talvolta nell'horror tout court. Ne avevo sentito parlare credo da Marika, ma avevo lasciato perdere il recupero perché, ingannata dalla parola "serial", ero convinta si trattasse appunto di una serie a episodi, invece Milk & Serial è proprio un film, per quanto breve, che i due hanno deciso di mettere gratis sul loro canale quando, dopo un anno, non avevano ancora trovato qualcuno interessato a distribuirlo. La trama prende spunto proprio dall'esperienza su Youtube di Barker e Tomlinson, i quali si ritraggono, appunto, come gestori di un canale dedicato a sketch beceri e discutibili burle ai danni del prossimo. A beneficio del canale, Seven decide di giocare un pesante scherzo a Milk, il giorno del suo compleanno. Sotto l'occhio di una telecamera e con l'aiuto di un paio di amici e collaboratori, Seven compra una pistola con pallottole a salve e, la sera della festa, si porta dietro un attore che spara ad una degli invitati. Lo scherzo riesce, Milk si dichiara entusiasta dell'inventiva dell'amico e del sicuro picco di visualizzazioni ricavate da un video simile, ma l'episodio è solo il prologo per qualcosa di più oscuro, che ovviamente non vi spoilero. Sfruttando la tecnica del found footage, Curry Barker mette insieme pezzi di un puzzle contorto e malato, stuzzicando lo spettatore con scritte introduttive a vari capitoli presentati in ordine non cronologico, che spalancano le porte di un "orrore della porta accanto". Il regista e sceneggiatore sembra sputare nel piatto in cui mangia, ma in realtà Milk & Serial non è una critica di un certo genere di canale Youtube, quanto piuttosto il risultato di tutta l'esperienza di anni passati a realizzare video accomunati da un preciso fil rouge, di cui il film è la summa. Pur non essendo un prodotto particolarmente "profondo", Milk & Serial funziona perché veicola un intenso senso di incertezza attraverso la rappresentazione di un gaslighting da manuale, e mescola sapientemente realtà e finzione giocando con generi e stili riconoscibili pur seguendo un linguaggio personale.

Le radici di ciò che, per quanto mi riguarda, era uno dei punti forti di Obsession, si possono ritrovare qui, ovvero la natura meno che perfetta delle amicizie, il fatto che delle persone vediamo solo ciò che ci fa più comodo, al punto che qualora spuntasse del "marcio" rischierebbe di coglierci impreparati. E marcio ce n'è parecchio in Milk & Serial, nascosto sotto strati di affabilità e simpatia, non solo per quanto riguarda l'aspetto thriller/horror della vicenda, ma anche per tutte le piccole cattiverie "normali" che si evincono dai dialoghi, per non parlare dell'idea imbecille che dà il via a tutto, uno scherzo di cattivo gusto se mai ne è esistito uno. Mi pare di capire che a Barker piacciano i personaggi idioti o, comunque, distaccati dalla realtà e convinti di essere gli unici protagonisti di una storia che deve andare come dicono loro, a prescindere dalle conseguenze, e che non si faccia scrupolo a metterci la faccia. In Milk & Serial, costato 800 dollari contro il quasi milione di Obsession, basta proprio "quella" faccia per gelare il sangue dello spettatore, assieme a pochi, efficaci effetti pratici e a riprese che rivelano una realtà tutto sommato banale e squallida, dove si rischia di morire male (e stupidamente) nella semi-indifferenza di amici e familiari, e dove le relazioni sono governate da SMS e interazioni social. La fine ingloriosa del film e i deliri ascoltati per tutta la sua durata sono l'espressione massima del "molto rumore per nulla", che lascia depressi e svuotati, colpiti dalla beffarda cattiveria di un giovane Autore dalle idee ben chiare, bravissimo sia dietro che davanti la macchina da presa. Per questo sono molto contenta che anche Anything But Ghosts, il prossimo film della coppia Barker-Tomlinson, sia sceneggiato da entrambi. Continuare a esprimere in toto la propria personalità penso sia l'indispensabile chiave del successo per un regista che troverei sprecato a dirigere storie altrui.

Del regista e sceneggiatore Curry Barker, che interpreta anche Milk, ho già parlato QUI.

Il film vede Cooper Tomlinson, storico collaboratore di Curry Barker, presente anche in Obsession e nell'imminente Anything But Ghosts, nei panni del co-protagonista Seven. ENJOY!

Backrooms (2026)

Con Backrooms, diretto e co-sceneggiato da Kane Parsons, si completa un miracoloso trittico di uscite horror consecutive al multisala di Savona (e lo so che al giovedì di solito non pubblico, ma mi spiaceva rimandare il post a martedì prossimo, vista l'importanza del film)!

Trama: il proprietario di un negozio d'arredamento in odore di fallimento scopre, al piano inferiore, l'ingresso per una dimensione nascosta fatta di ambienti semi-deserti potenzialmente infiniti...

A beneficio di chi, come me, è piuttosto ignorante a livello di thread Reddit, Youtube e videogame, prima di lanciarmi in una critica vera e propria vorrei fare un po' di chiarezza sulle "backrooms". Lunedì il cinema era pieno zeppo di adolescenti e bambini non accompagnati (questi ultimi non avrebbero nemmeno dovuto essere presenti ma vabbè...) e la cosa mi aveva lasciata stupita. In mio soccorso, erano arrivati il mio storico compare di visioni horror e il suo figliolo liceale, asserendo che Backrooms fosse tratto da un videogioco famosissimo. In realtà, non è proprio così, ma la cosa gioca a favore di Parsons e della A24. Il concetto di "backrooms", infatti, era nato come creepypasta nel 2019 ed è stato solo nel 2022 che il regista ha caricato un corto horror a tema sul suo canale Youtube, diventato poi il primo episodio di una web series. I videogiochi hanno cominciato ad arrivare praticamente qualche mese dopo la nascita del creepypasta e, sebbene l'argomento sia lo stesso e la lore assai simile, non c'entrano nulla col film di Parsons, cosa di cui ero assolutamente convinta, prima che la sicumera dei miei amici mandasse in frantumi le mie certezze. Fatta chiarezza e appurato che non sono ancora entrata nel buco nero dell'Alzheimer, parliamo un po' di Backrooms "il film". Backrooms vede come protagonista Clark, proprietario di un fallimentare e squallido negozio di arredamento, costretto a viverci dentro dal giorno in cui la moglie lo ha sbattuto fuori di casa. Un giorno, per puro caso, Clark scopre, su un muro al piano inferiore del negozio, un passaggio invisibile che porta in un'altra dimensione fatta di stanze apparentemente infinite, perlopiù vuote oppure con all'interno oggetti di uso comune talvolta fusi con le pareti e i pavimenti. Clark, formatosi come architetto, comincia ad esplorarle per gioco, si convince di poterle mappare, dopodiché si perde in più di un senso. Pur non fornendo spiegazioni chiare e definitive, le "backrooms" del film sembrerebbero essere una dimensione in cui la realtà in cui viviamo viene distorta, espressa "come se qualcuno che non sa cosa sia un cane dovesse disegnarlo partendo da una descrizione che gli viene fatta"; le stanze e ciò che contengono sembrano normali, ma c'è sempre qualcosa che stona, dettagli abbozzati di oggetti, ambienti (e altro) filtrati da un punto di vista incerto, comunque impreciso. L'idea che mi sono fatta io è quella di un'entità che ha cercato di creare una copia della realtà che conosciamo, senza capirla al 100%. In aggiunta, la dimensione aliena delle "backrooms", sempre in base a un'opinione puramente personale, si alimenta dei pensieri e dei ricordi di chi ci finisce dentro, espandendosi così in maniera ugualmente imperfetta proprio perché nessuno è in grado di ricordare o riprodurre fedelmente ambienti e volti passati, in quanto la memoria, inevitabilmente, si logora col tempo.

Al di là di queste considerazioni speculative sulla natura delle backrooms, il film di Parsons sottolinea il fascino che un luogo come questo rischia di esercitare sulle menti più permeabili. Clark è un uomo solo, che fatica ad accettare una realtà vissuta sempre (dal suo punto di vista) nel ruolo di "vittima". Come molte persone che non riescono ad uscire da questo impasse, Clerk si è lasciato attirare dalle promesse di un miglioramento attraverso nastri di auto aiuto, accompagnati da sedute periodiche con chi questi nastri li ha incisi, Mary, la quale però è sola e spezzata quanto lui. Un luogo come le backrooms, senza regole, potenzialmente infinito, che si plasma di volta in volta in base ai ricordi di chi lo abita, è l'ideale per fuggire da un mondo altrettanto vuoto, squallido e incomprensibile, che ha però l'aggravante di essere governato da precise regole sociali ed economiche. Oltretutto, probabilmente le backrooms consentirebbero di recuperare luoghi e persone perdute, a patto di accontentarsi di averne delle versioni imperfette, e ciò è un ulteriore incentivo a lasciarsi andare e soccombere al loro potere, per chi non ha più nulla da perdere. L'altra faccia della medaglia di un mondo senza regole, popolato da "concetti", da idee, è ovviamente la possibilità concreta di morire male per mano di queste stesse astrazioni, che non conoscono dolore né morte, e che quindi sono governate da istinti basici; la consapevolezza che non esiste modo di fuggire da noi stessi, e che realtà e backrooms non sono poi così diverse nel loro intento di divorarci o sbatterci in faccia quanto poco contiamo nell'universo (per non parlare poi dell'illogicità che le accomuna, e che rende impossibile coglierne il senso ultimo), fa di Backrooms un'opera lucida e malinconica, per non dire pessimista. 

E' incredibile che a realizzarla sia stato un ragazzo che, all'epoca delle riprese, aveva solo 19 anni. Kane Parsons ha una conoscenza dei meccanismi che governano l'orrore cinematografico da far invidia a tanti suoi colleghi più blasonati. I lenti movimenti di macchina, accompagnati da inquadrature atte a modificare la percezione dello spazio all'interno delle singole stanze, alimentano un senso di angoscia che va oltre i pochi jump scare ben piazzati nel corso del film e si insinua sotto pelle per rimanere molto tempo dopo la visione. Alle panoramiche delle backrooms, ai lenti timelapse che danno l'idea di un luogo senza tempo e in continua espansione ma comunque soggetto a deteriorarsi, si affiancano riprese di una realtà che sembra ancora più allucinante e spaventosa. Le villette a schiera tutte uguali, gli ospedali asettici, gli immensi parcheggi abbandonati, lo stesso negozio di Clark, vuoto e inconsistente, le persone che, quando non sono sfocati complementi d'arredo sullo sfondo, sono comunque personaggi bidimensionali oppure grotteschi frutti di ricordi dolorosi; tutto concorre a creare un clima allucinato, un mix tra la grottesca (ir)realtà Lynchiana e gli episodi migliori della serie Channel Zero, d'altronde a sua volta basata sui creepypasta. Oltre a vantare un'ottima regia, Backrooms ha delle scenografie che mi hanno lasciata più volte con la mascella sul pavimento, da tanto sono arzigogolate e fantasiose. Unite alla fotografia giallastra e all'utilizzo di filtri e post-produzione per dare l'idea delle riprese di una telecamera amatoriale anni '90, queste scenografie reali e "calpestabili" facilitano l'immedesimazione del pubblico e non hanno quel sapore posticcio di CGI, che avrebbe reso tutto molto meno efficace. Lo stesso, fortunatamente, vale per le sparute creature che si vedono nel film e, soprattutto, per il mostro che rende l'ultima parte di Backrooms materiale per incubi da qui all'eternità, frutto di un pesante make-up prostetico applicato sull'altissimo Robert Bobroczkyi. Onestamente, ci sono stati momenti in cui inghiottire sorprese bestemmie onde non scatenare l'ilarità delle orde di ragazzini che mi circondavano è stato molto difficile, e la mia unica fortuna tornata a casa è stata l'essere accompagnata da un Bolluomo appena tornato dalla sala prove. Per quanto mi riguarda, dunque, l'attesa e le aspettative su Backrooms sono state completamente ripagate, al punto che nemmeno la faccetta da cazzo di Mark Duplass ha rovinato l'esperienza. Abbandonatevi pure all'hype senza remore, per una volta è giustificato!!

Di Chiwetel Ejiofor (Clark), Renate Reinsve (Mary), Mark Duplass (Phil) e Katharine Isabelle (Robin) ho parlato ai rispettivi link.

Kane Parsons è il regista e sceneggiatore del film, al suo primo lungometraggio. Inglese, ha 21 anni ancora da compiere ed è anche attore, compositore, montatore, produttore e tecnico degli effetti speciali. 

Se Backrooms vi fosse piaciuto recuperate la web series The Backrooms, cosa che farò di sicuro io, e aggiungete Cube - Il cubo, Vivarium, Strade perdute, Inland Empire e Skinamarink, anche se a me non è piaciuto e lo trovo uno degli horror più sopravvalutati di sempre. ENJOY!

Passenger (2026)

A Savona è miracolosamente uscito anche Passenger di André Øvredal! Prima di tornare alla solita, fastidiosa situazione di penuria, sono andata a vederlo.

Trama: dopo aver assistito a un incidente stradale mortale, una coppia di fidanzati comincia a venire perseguitata da un'entità demoniaca...

Uscito un po' in sordina e bocciato da molti, in realtà Passenger è un horror dignitosissimo, con delle ottime intuizioni e una solida regia. Persino la trama, nonostante si appoggi sui tipici cliché delle storie a tema "infestazione demoniaca", ha degli sprazzi originali, perché a memoria non rammento un horror in cui siano le strade americane ad essere infestate da entità che si legano in maniera inscindibile alle sfortunate automobili che le incrociano, portando alla morte autisti e passeggeri (ma se mi sbaglio, scrivete pure i titoli nei commenti!). Gli sventurati del caso sono Maddie e Tyler, una coppia di fidanzati che gira l'America a bordo di un van. Tra i due, che pur sono innamoratissimi, ci sono delle divergenze taciute: la massima ambizione di Tyler è vivere libero, assieme a Maddie, a bordo di un camper, senza mettere mai radici, mentre Maddie vorrebbe finalmente crearsi una famiglia in un luogo da poter chiamare casa. Il comprensibile fastidio di Maddie nei confronti della nuova vita on the road (io sono una couch potato, quindi mi mette quasi più paura l'idea di vivere passando da un parcheggio all'altro, usando le palestre per fare la doccia, che trovarmi davanti un demone) si acuisce quando i due si imbattono in un incidente stradale mortale e, subito dopo, cominciano a succedere cose abbastanza strane e terrificanti all'interno del van, tutte riconducibili a una creatura sovrannaturale. Passenger va spedito come un treno nei primi due atti, durante i quali viene introdotta la demoniaca figura del "passeggero" del titolo, il suo modus operandi atto a fare impazzire le persone prima di ucciderle, e la sua lore, fatta di regole ben precise da seguire, nel caso si voglia tentare di sopravvivere. Nel prefinale, purtroppo, queste stesse regole vengono disattese o piegate ai voleri di una trama sempre più legata agli schemi dell'horror demoniaco, cosa che rende difficile allo spettatore non sentirsi un po' preso in giro. Inoltre, Passenger si indebolisce proprio quando la presenza tangibile dell'entità diventa preponderante, appoggiandosi sempre più a jump scare telefonati, diversamente da una prima parte in cui le apparizioni del maligno vengono centellinate, costringendo André Øvredal a sbrigliare tecnica e fantasia a beneficio della tachicardia della gente in sala. 

Il regista realizza almeno tre sequenze davanti alle quali bisognerebbe togliersi il cappello. La prima è quella iniziale, dove la magistrale tensione creata da una lentissima panoramica il cui punto di vista è situato all'interno della macchina si combina ad un sonoro da brividi e un montaggio intelligente (per non parlare dell'omaggio alla terrificante scena del ciclista in Il seme della follia!); la seconda è interamente ambientata in un parcheggio, e impiega più o meno la stessa tecnica per enfatizzare il terrore e il senso di spaesamento della protagonista; la terza sfrutta invece in maniera originale un'opera inaspettata, Vacanze romane, un film che con l'horror non c'entra nulla ma che penso non riuscirò mai più a guardare allo stesso modo. André Øvredal si conferma dunque un ottimo regista di genere che sa il fatto suo, in grado di confezionare ottimi e divertenti horror "commerciali". Personalmente, ho anche apprezzato il sembiante del "passenger", soprattutto nelle inquadrature che lo vedono ripreso da lontano, di scorcio, appena fuori dal campo visivo, perché l'insieme mi ha ricordato il Bob di Twin Peaks, contribuendo non poco al terrore provato durante le sue apparizioni. Meno interessante il volto del demone, ahimé, che ho trovato poco originale, ma tutto sommato si tratta di un piccolo difetto che, assieme agli altri citati nel post, non inficia il valore di un film interamente dedicato alla paura fine a se stessa, senza ambizioni elevate di critica sociale, o di realizzare un capolavoro che rimarrà negli annali. Ogni tanto c'è bisogno anche di questo tipo di horror medi ma genuini per mandare avanti la baracca, quindi il mio consiglio è quello di premiare Passenger andando a vederlo in sala! 

Del regista André Øvredal ho già parlato QUI mentre Melissa Leo, che interpreta Diana Larson, la trovate QUA.

Jacob Scipio, che interpreta Tyler, era nel cast di I mercen4r - Expendables. ENJOY!

2026 Horror Challenge: Bug (2006)

La challenge settimanale chiedeva la visione di un film uscito nel 2006, quindi ho scelto di festeggiare i 20 anni di Bug, diretto dal regista William Friedkin.

Trama: Agnes, separata da un marito violento appena uscito dal carcere, vive da sola in un motel. Un giorno, un'amica le presenta Peter, uomo dal passato misterioso. Dopo essersi fermato a dormire da lei, Peter sviluppa con Agnes un rapporto sempre più stretto e pericoloso...

Se vogliamo essere proprio precisi, Bug festeggerà i vent'anni l'anno prossimo, perché l'opera di Friedkin era stata distribuita nelle sale statunitensi a maggio del 2007, dopo essere stata presentata al festival di Cannes l'anno prima. Per amor di challenge, e poiché ormai ho già guardato il film, ho deciso di far valere comunque il 2006, tanto l'anno prossimo ci sarà già un sacco di gente appassionata che vi parlerà di Bug e il mio post sarebbe un'insignificante goccia nel mare. Tra l'altro, la challenge mi ha dato modo di colmare l'ennesima lacuna. Nonostante la regia importante, infatti, non avevo mai avuto modo di guardare Bug e ne sono rimasta folgorata. Il film racconta, in maniera lucidissima, una triste vicenda dove proprio la lucidità va a invece farsi friggere e, come da orripilante sottotitolo italiano, la paranoia diventa contagiosa. La vicenda, tratta dall'omonima pièce teatrale di Tracy Letts (autore anche della sceneggiatura), ruota attorno al rapporto che si instaura tra Agnes, donna spezzata da un passato doloroso e in fuga dal marito violento, e Peter, taciturno veterano della Guerra del Golfo. I due si incontrano una sera grazie ad un'amica comune e Agnes decide di ospitare per la notte Peter, privo di un posto dove stare. Inizialmente, le interazioni tra i due, pur influenzate dalla profonda solitudine di entrambi, sono all'insegna di un cortese distacco. Una notte di sesso, tuttavia, segna l'inizio di una connessione più profonda e deleteria per entrambi. Agnes, vittima del senso di colpa legato alla scomparsa del figlio e terrorizzata dal marito appena uscito di prigione, sviluppa una contorta dipendenza da Peter, un mix tra un istinto di protezione quasi materno verso una "vittima" della società e dei "poteri forti" e il bisogno di avere accanto un uomo che la faccia sentire necessaria. L'atteggiamento di Agnes, al tempo stesso altruista ed egoista, non fa altro che esacerbare i problemi mentali di Peter, il quale, privo di qualcuno in grado di porre un freno logico alle sue paranoie, le porta all'estremo. In una graduale ma inarrestabile inversione dei ruoli, la natura potenzialmente salvifica di Agnes viene sconfitta dal desiderio di tenere vicino Peter a tutti costi e la donna di polso dell'inizio diventa uno scricciolo impaurito e privo di pensieri "suoi"; viceversa, Peter passa dall'essere l'uomo timido che voleva soltanto un amico a complottista terrorizzato ma sicuro di sé, autoproclamandosi guida di Agnes all'interno di un mondo governato da un'élite di potenti intenzionati a controllare il genere umano. La cosa triste e angosciante di Bug è la zona grigia in cui si muovono i due protagonisti, due anime perse che non possono venire definiti come carnefice o vittima, colpevole o innocente. Lo stesso Peter non è cattivo, anzi, vuole soltanto il bene dell'unica persona che ha ascoltato e accolto ciò che per altri erano solo paranoie da curare, senza rendersi conto che il suo atteggiamento è persino più deleterio e pericoloso di quello dell'ex marito di lei.  

 

Essendo un dramma teatrale, gli ambienti dove si svolge Bug sono ridotti all'osso. La maggior parte della vicenda ha luogo all'interno della stanza di motel dove vive Agnes, mentre quel paio di sequenze nel bar e nel supermercato hanno due funzioni diverse, la prima quella di contestualizzare il sostrato sociale in cui si muove la protagonista, la seconda per delinearne il dramma passato. La stanza del motel, già claustrofobica e squallida all'inizio, tanto che sembra quasi di sentire l'odore stantio dell'alcol, delle sigarette e del caffè che scandiscono i giorni e le notti di Agnes, si trasforma sotto la cinepresa di Friedkin in un mondo alieno. La metamorfosi del mondo ridotto dei due protagonisti passa attraverso un drastico cambiamento di scenografia, che va di pari passo con una fotografia sempre più fredda; da insicuro ricettacolo di sporcizia ed insetti, dove chiunque o qualunque cosa potrebbe entrare senza nemmeno troppa fatica, la stanza diventa un asettico trionfo di alluminio, proiettando all'esterno la follia che divora la mente di Agnes e Peter. Friedkin, rigorosissimo nel mettere in scena una discesa agli inferi quanto più verosimile possibile, lascia talvolta che le paranoie dei protagonisti trovino sfogo sullo schermo, coinvolgendo lo spettatore con movimenti di macchina e un montaggio isterici, sottolineati da un sonoro invasivo, oppure giocando di sottrazione e lasciando che siano gli attori a convincere il pubblico della presenza o meno dei fantomatici insetti del titolo. Ed è difficile, credetemi, non cominciare a grattarsi in maniera forsennata, nel momento in cui Michael Shannon e Ashley Judd iniziano a convincersi gradualmente che ci sia un'infestazione (o peggio) in corso. Coadiuvati da un sapiente trucco prostetico, i due attori sono talmente tanto intensi nelle loro interpretazioni da far scomparire dalla memoria dello spettatore i pochi comprimari che li affiancano (tranne un surreale Brían F. O'Byrne). In particolare, Michael Shannon, che già interpretava Peter a teatro, compie un lento e convincente percorso da eccentrico tutto sommato innocuo a matto col botto dotato di una logica agghiacciante, difficile da confutare, mentre Ashley Judd, nei suoi disperati tentativi di rimanere aggrappata a una sanità mentale sempre più labile, spezzerebbe il cuore a un sasso; il dialogo e la sequenza "rivelatori", prima dell'inevitabile, scioccante epilogo, sono tra i punti più alti raggiunti al cinema quell'anno, e lasciano svuotati, vittime di un tarlo nel cervello che rischia di rendere difficile il sonno. Se, come me, avete sempre vissuto nell'ignoranza, è giunto il momento di festeggiare i 20 anni di Bug recuperandolo e inserendolo nei vostri film preferiti di sempre. E' un viaggio angosciante, ma val la pena, credetemi!

Del regista William Friedkin ho già parlato QUI. Ashley Judd (Agnes White) e Michael Shannon (Peter Evans) li trovate invece ai rispettivi link.

Harry Connick Jr. interpreta Jerry Goss. Americano, lo ricordo per film come Il mio piccolo genio, Independence Day e serie quali Will & Grace. Anche produttore, cantante e compositore, ha 59 anni. 

Lynn Collins interpreta R.C.. Americana, ha partecipato a film come Number 23, X-Men: le origini - Wolverine e a serie quali The Walking Dead. Ha 49 anni e un film in uscita. 

Twisted (2026)

Attirata da un paio di nomi eccellenti, qualche tempo fa ho deciso di guardare Twisted, diretto dal regista Darren Lynn Bousman. Non l'avessi mai fatto.

Trama: una truffatrice finisce prigioniera di un geniale ma folle neurochirurgo che vorrebbe far rivivere la moglie...

Era da tantissimo tempo che non guardavo un horror recente che mi facesse pensare "Cristo, che schifezza" e mi dispiace davvero che sia toccato a un film verso cui non dico avessi enormi aspettative, ma almeno delle speranze, visti i nomi di Lauren LaVera e Darren Lynn Bousman. Ma andiamo con ordine. Twisted, già dotato di un titolo generico non particolarmente attinente alla trama, racconta la vita "spericolata" di Paloma Joia (la quale, non si sa perché, parla in italiano, lascia intendere di avere origini nostrane, poi sciorina i nomi di due genitori palesemente ispano-americani, e che gli vuoi dire a quel "Joia"? Toda joia toda belessa?) e della sua compagna Smith (lei ha solo un cognome ad identificarla), le quali prima affittano appartamenti di lusso, poi truffano dei malcapitati fingendosi agenti immobiliari e intascando soldi per vendite farlocche. Non si sa come agisca Smith, ma Paloma usa nomi falsi tratti dai classici della letteratura inglese e, solitamente, come vittime sceglie uomini particolarmente sensibili al suo fascino, intortandoli come in un thriller soft-core anni '80-'90, che è un po' la vibe di tutto il film, come scoprirete più avanti. Le truffe vanno a gonfie vele finché Paloma non punta l'appartamento del Dr. Kezian, un brillantissimo neurochirurgo dalle idee, diciamo, rivoluzionarie; invece di incaprettare, Paloma finisce incaprettata, prigioniera in un dungeon sotterraneo dove il buon dottore porta avanti esperimenti atti a far rivivere la moglie Rebecca, in stato vegetativo a causa di una malattia degenerativa. E se le parole "malattia incurabile", "genio disperato che punisce persone deprecabili pensando di essere meglio di loro", "dungeon" e "crani scoperchiati" vi dicono qualcosa, soprattutto in relazione a Darren Lynn Bousman, siete voi che avete detto Saw, non io. In effetti, Twisted ricorda molto gli episodi peggiori della saga, con motivazioni già risibili in partenza che vengono mandate in vacca dopo brevissimo tempo, perché l'unico scopo del film è quello di scioccare lo spettatore con una violenza spietata e un sacco di gore. Lasciamo perdere Paloma, che gli sceneggiatori hanno pensato bene di caratterizzare come lesbica furibonda e innamoratissima in un mondo di uomini stronzi (è la sua unica peculiarità. Giuro.), ma il Dr. Kezian passa nel giro di un paio di sequenze dall'essere un luminare posato a un Mr. Hyde che vive solo per poter torturare la protagonista, talmente incauto nelle sue azioni da rischiare di farsi beccare dai due investigatori più pistola della storia dell'horror recente e, soprattutto, incapace di imparare dai suoi stessi esprimenti. SPOILER: Cristo, ma se hai visto che inserendo un pezzo di cervello nel cranio di un altro la personalità dominante diventa quella del donatore, perché diavolo tua moglie non dovrebbe trasformarsi in Paloma e tagliarti giustamente la gola? Tra gli sceneggiatori girava della gran bamba, per forza. FINE SPOILER

Fosse solo la trama, il problema. Lo stesso Bousman pare non sapere bene quale tono dare all'intera operazione. Da una parte, si vede che vorrebbe rinverdire i fasti della locura videoclippara di Saw, usando gli stessi tagli di inquadratura, lo stesso montaggio schizzato e i medesimi colori malati, uno stile che viene riservato, in particolare, alle sequenze che vedono coinvolti gli esperimenti di Kezian e il dungeon sotterraneo. Dall'altra, non so, forse è stato preso da una fortissima botta di nostalgia per i film TV o straight-to-video anni '90, o non si spiega come mai la relazione tra Paloma e Smith abbia la stessa valenza visiva di un pruriginoso inserto lesbo in un thriller soft-core, perché tutto ciò che vede protagonisti i due detective sembri uscito da una svogliata puntata di Hunter e perché Cristo i passaggi temporali vengano scanditi da terrificanti timelapse di elementi urbani come palazzi, ponti, strade ecc. Nonostante gli effetti speciali siano eccellenti, al punto che spesso dovevo girarmi dall'altra parte davanti a cervelli allegramente tagliati oppure portati a spasso dentro calotte craniche scoperchiate sul collo di gente ancora viva, la puzza di vecchio che emana Twisted dà l'idea di poterlo trovare, magicamente, all'interno di qualche svendita di DVD all'Autogrill, e ciò ammorba anche le performance degli attori. L'unica degna è Lauren LaVera, la quale se non altro infonde in Paloma un po' di cazzimma e una rabbia palpabile che fa sempre piacere vedere in una final girl. Tutti gli altri attori mi sono parsi inadeguati, per non dire cani (il detective uomo in particolare è imbarazzante), in primis un Djimon Hounsou palesemente fuori parte, incerto su quale direzione fare prendere a un personaggio scritto, purtroppo per lui, col culo. Era un po' che non mi usciva fuori una stroncatura così pesante, quindi approfittatene per evitare di perdere tempo, ché lo faccio già io per voi, e dedicate quello che avreste speso guardando Twisted per fare qualcosa di meglio. 

Del regista Darren Lynn Bousman ho già parlato QUI. Djimon Hounsou (Dr. Robert Kezian), Lauren LaVera (Paloma Joia), Neal McDonough (Bradshaw) e Alicia Witt (Rebecca Kezian) li trovate invece ai rispettivi link.

Gina Philips, che interpreta la detective Diane Warricker, era la Trish della saga Jeepers Creepers e questo è il suo ritorno "importante" sullo schermo dopo 13 anni. ENJOY!

Obsession (2025)

E' l'horror più chiacchierato del momento, quindi ero convinta che a Savona non sarebbe mai arrivato. Invece, la settimana scorsa sono riuscita ad andare a vedere Obsession, diretto e sceneggiato nel 2025 dal regista Curry Barker.

Trama: Bear ama da anni l'amica Nikki, in silenzio. Un giorno, il ragazzo trova in un negozio un misterioso bastoncino che garantisce di esaudire un unico desiderio e chiede che Nikki si innamori di lui. E' l'inizio di un incubo...

Uno dei temi portanti dell'horror recente sembrerebbe essere la progressiva demolizione dei legami di coppia attraverso il ritratto, spietato ed esasperato, di alcune caratteristiche sempre più comuni, che rendono le relazioni tossiche. Obsession non fa eccezione e presenta, sin dall'inizio, il punto di vista di un protagonista che a definirlo immaturo gli si farebbe un complimento. Bear è il classico belino mollo, che purtroppo moltə tendono a confondere con teneri virgulti vittime di una timidezza patologica. In realtà, il belino mollo, creatura pavida dotata di molte delle caratteristiche dell'inetto Sveviano, è uno che non prenderebbe una decisione né agirebbe concretamente nemmeno se ne andasse della sua vita il che lo rende, fondamentalmente, un coglione. Tutto ciò porta Bear ad amare da anni Nikki, senza mai essere stato in grado di dichiararsi, nemmeno quando le occasioni lo avrebbero favorito, finché non arriva il giorno in cui la ragazza gli comunica che lascerà il negozio dove i due lavorano insieme e Bear va in panico perché non potrà più vederla tutti i giorni. Dopo aver perso per l'ennesima volta il coraggio e l'occasione di dichiararsi, Bear decide di rimediare utilizzando un bastoncino in grado di esaudire i desideri, a cui chiede che Nikki lo ami più di chiunque altro al mondo. Il desiderio si avvera in maniera anche troppo letterale e Bear si ritrova ad avere a che fare con una ragazza ossessionata, possessiva, gelosa e tremendamente inquietante. In un crescendo di situazioni che vanno dall'imbarazzante al terrificante, l'idillio di Bear si rivela l'ennesimo aspetto della vita che il ragazzo non è in grado di gestire, vittima di un concetto di romanticismo superficiale ed unilaterale; la tragedia iniziale, per non parlare della dichiarazione "di prova" nella tavola calda e i vari rapporti interpersonali con gli amici, indicano che Bear è un immaturo incapace di agire per il bene degli altri, un egoista che vive di sogni ed illusioni, impreparato ad affrontare gli inevitabili aspetti negativi di una relazione adulta. Le "stranezze" di Nikki, messe in scena con ampia dose di humor nero, sono l'esasperazione di concetti radicati nella mente sia maschile che femminile, di atteggiamenti che vedono la coppia come un insieme di cliché più che un rapporto basato sulla comprensione e il rispetto reciproco, e sarebbero anche esilaranti, non fosse per tutto ciò che Obsession suggerisce e non mostra, ovvero la "realtà di Nikki".

L'intero film è costruito infatti per offrire allo spettatore la prospettiva di Bear, le cose percepite dal suo punto di vista, e ciò include anche Nikki, che noi vediamo idealizzata dal protagonista, oppure rovinata dal suo desiderio. Di Nikki cogliamo sprazzi, accenni di timide conversazioni che ce la mostrano ben lontana dall'essere perfetta ed irreprensibile, una ragazza, se vogliamo, "difficile" (mentre a Bear, povera stella, serve una ragazza tranquilla e gestibile) ma comunque umana. Bear, nel corso del film, invoca più volte il ritorno della "vera" Nikki, ma la cosa triste è che lui la verità non l'ha mai voluta e, nonostante l'orrore vissuto, continua a non volerla; per quanto mi riguarda, non c'è redenzione per il protagonista, né maturazione, solo un susseguirsi di emozioni grezze e superficiali (paura, disperazione, disgusto, forse pietà, ma anche una rabbia ingiustificata ed espressa nel momento di massima vulnerabilità di Nikki, cosa che mi ha messo un magone allucinante), dettate dalla situazione contingente e sempre frutto di un profondo egoismo. Un ossessione, sì, ma la sua. E dall'ossessione si passa al possesso e alla possessione, con un film codificato come se fosse, appunto, uno di quegli horror sulle possessioni demoniache ma senza tutti i noiosissimi cliché del caso. Alla sua prima opera "importante", Barker dimostra di avere le idee ben chiare e sceglie di affidarsi non tanto ai jump scare, che ci sono ma centellinati e legati più all'utilizzo del sonoro che di macchina da presa e montaggio, quanto ad uno stile di regia che richiama il J-Horror. Tra lenti movimenti di camera che rivelano "cose" nascoste nelle ombre o inquadrature fisse che lasciano presagire gli eventi peggiori in tempo reale, la visione di Obsession regala veri momenti di angoscia e un diaframma perennemente contratto, a prescindere che speriate o meno in una risoluzione felice per i coinvolti. A proposito dei quali, la faccetta clueless di Michael Johnston è perfetta per quel malessere travestito da orsetto che è, appunto, Bear, ma la vera star del film è Inde Navarrette. Non so cosa debba essere costato alla Navarrette tirare fuori una performance simile, perché qui non si tratta di overacting, ma del controllo totale di corpo ed espressioni del viso (ho visto il film doppiato quindi non mi esprimo sul lavoro vocale) che permette di veicolare sovrannaturale follia e umanissimo dolore, innescando nello spettatore sentimenti contrastanti di terrore e pietà. A lei auguro la migliore delle carriere e confido di vedere presto sul grande schermo sia lei, sia un'altra opera di Curry Barker, autore giovanissimo che spero non si perda e che ha realizzato l'horror che, probabilmente, finirà primo in classifica a fine anno. Ho solo un appunto da fargli: va bene, Cooper Tomlinson è collaboratore fidato, ma Michael Gandolfini sarebbe stato un Ian favoloso. Pensaci per il prossimo film, figliolo!  

Curry Barker è il regista e sceneggiatore del film. Americano, ha diretto il film Milk and Serial. Anche attore, montatore, compositore e produttore, ha 26 anni e un film in uscita.