Bollalmanacco On Demand: Il bosco fuori (2006)





Me l'aveva detto er prete che me dovevo fa li cazzi mia!

Appunto. La prossima volta un film simile non lo guardo più nemmeno sotto tortura..

Torna il Bollalmanacco On Demand, la rubrica dove chiunque può chiedermi (nei limiti della decenza) qualunque film da recensire. Ho detto “nei limiti della decenza”? Visto che su Facebook Silvia mi ha chiesto di recensire Il bosco fuori, diretto e sceneggiato nel 2006 dal regista Gabriele Albanesi, credo che tale limite vada ulteriormente ridotto e ridefinito!! Il prossimo film On Demand sarà Terrore dallo spazio profondo, quindi… ENJOY!

Trama: dopo essere stati aggrediti da un terzetto di delinquenti, due ragazzi vengono salvati da un uomo e una donna che li accolgono nella loro casa persa in mezzo ai boschi. Come a dire, dalla padella alla brace…

Prima di partire con le invettive e divertirci a stroncare Il bosco fuori come merita, soffermiamoci un attimo sui due aspetti positivi che hanno reso la visione meno ammorbante rispetto ad altre. Innanzitutto, la pellicola è un tentativo, per quanto maldestro, di far rientrare l’Italia nel campo dell’horror passando dalla porta di servizio, ovvero attraverso l’ennesimo omaggio neanche troppo velato al Non aprite quella porta di Tobe Hooper e ai suoi tremila emuli. Questo significa effettacci splatter come se piovessero e un gusto per la violenza e il gore decisamente sopra le righe, con un orrore che sconfina spesso e volentieri nel parodico e nel grottesco. Se avete fame di sangue, quindi, potreste aver trovato l'horror che fa per voi, per me ha solo reso la visione più leggera e un po' più divertente. Allo stesso tempo Il bosco fuori è stranamente ben congegnato per quel che riguarda il finale, talmente particolare e poetico da aver prodotto su di me lo stesso effetto che mi fece in Giappone il 60% dei cibi ingeriti: disgusto stranito al primo morso, secondo tentativo altrettanto disgustato, terzo tentativo e così via, fino ad arrivare alla fine del pasto col piatto vuoto e una voglia matta di risentire quel gusto strano, disgustoso ma allo stesso tempo intrigante. Finita la pellicola rimane un'insana voglia di riguardarla, se non fosse che, prima di arrivare alla conclusione, c'è da superare lo scoglio(namento) della struttura portante del film. Praticamente impossibile, nemmeno Obelix riuscirebbe a cammallarsi sulle spalle un menhir così gigantesco e pesante. E qui finiscono gli aspetti positivi, se di positivo si può parlare.

Come immaginerà chi ha avuto l'incredibile fortuna di guardare Ubaldo Terzani Horror Show, quello che abbatte senza possibilità di recupero questo genere di horror italiani è innanzitutto la presenza di attori che, a chiamarli tali, si rischierebbe la denuncia da parte di qualsiasi incapace guitto di strada; tali quadrupedi ululanti renderebbero inguardabile ed inascoltabile persino un personaggio ben costruito, figuriamoci quando la trama offre allo spettatore solo caratteri malamente abbozzati, per non dire imbarazzanti. I due protagonisti sono, rispettivamente, una zoccola e un inutile zerbino. Quando dico zoccola, intendo che questa signorina poco più che adolescente (lo dimostrano gli orridi disegni da bambina delle elementari che ella pretenderebbe di creare persino mentre copula con l'amichetto, sperando invano che possano venire meglio o più ispirati) passa l'intero film a scoparsi l'ex fidanzato per poi ribadire quanto non lo ami mentre infila 8 mt. di lingua felpata nella gola del primo streppone che le fa un complimento, salvo poi pentirsi quando lo streppone in questione si rivela essere anche un maniaco omicida e quindi tornare dall'ex in lacrime a dire quanto, oh quanto ti amo ora che stai schiattando privo d'arti. A fronte di questo atteggiamento a dir poco libertino, pare anche ragionevole che i tre borgatari che incontrano per caso la coppietta decidano lì per lì di massacrare di botte lui e violentare lei: il paese è piccolo, la gente mormora, i tre burini (che, per comodità, chiameremo Er Patata, Er Mutanda e Er Fijodéna perché è un po' più cattivo degli altri) avranno pensato "La da a tutti, perché a noi no?". E voi invece vi chiederete come mai tutto ad un tratto arrivino questi tre figuri. Immagino per dare un tocco di colore, far vedere che il film è ambientato in provincia di Roma e, soprattutto, far schiattare dalle risate lo spettatore avvincendolo con la battuta clou der Mutanda: "Me l'aveva detto er prete che me dovevo fa li cazzi mia!". Questa, ovviamente, è solo la punta dell'iceberg, non voglio mica togliervi la sorpresa.

Aggiungo solo che, come se già non bastassero gli attori pessimi (si salvano solo i bambini, forse perché hanno poche scene), dei dialoghi scritti credo dai già citati pargoletti e una trama che vede i personaggi girare praticamente in tondo, impossibilitati a ritrovare non dico la strada di casa, ma almeno quella per arrivare al cancello da cui sono entrati, la regia di Albanesi è a dir poco discontinua. A tratti sembra di stare guardando un film girato da un malato di Parkinson all'ultimo stadio, a tratti spunta invece una sorta di autorialità e il regista ricerca dei punti di vista particolari, delle luci psichedeliche che rendono gli ambienti misteriosi ed inquietanti, giochi di ombre e nebbia neppure troppo spiacevoli; è un attimo, che tuttavia porta Il bosco fuori ad assomigliare più ad un videoclip che ad un film (influenza dei produttori Manetti Bros?), però diciamo che è meglio di quando sembra di guardare un corto amatoriale. Un po' poco per definire Il bosco fuori un bel film. Un po' poco anche per definirlo film, insomma. Diciamo che, su una scala di disgustorama che va da uno a Ubaldo Terzani Horror Show la pellicola si colloca un pelino sotto In the Market giusto perché non si prende troppo sul serio e getta in pasto allo spettatore tre incredibili elementi trash come Er Patata, Er Mutanda e Er Fijodéna. Tuttavia, ecco, esistono attività migliori da fare la sera. Per esempio, provare a disegnare una casetta col camino mentre fate all'Amore col fidanzato o la fidanzata. Credo che nemmeno Rocco nel suo programma tristemente imbarazzante consiglierebbe una cosa così trash per ravvivare il rapporto, ma ognuno è libero di fare quel che vuole. Anche guardare Il bosco fuori.

Gabriele Albanesi è il regista e sceneggiatore della pellicola. Originario di Roma, oltre a diversi corti, ha diretto l'orrido Ubaldo Terzani Horror Show. Anche produttore e attore, ha 36 anni e un film in uscita.

Daniela Virgilio, che interpreta Aurora, ha partecipato alla serie Romanzo Criminale nei panni di Patrizia mentre, come avrete intuito, il primo a schiattare in macchina altri non è che Enrico Silvestrin. Al momento, è atteso il seguito de Il bosco fuori, ovvero Kid in the Box, di cui è già disponibile in rete il teaser nonostante non si sappia ancora quando uscirà. Detto questo, se Il bosco fuori vi fosse piaciuto recuperate Non aprite quella porta di Tobe Hooper e altri film simili. ENJOY!!

Get Babol! #96

Buon lunedì a tutti! Torna oggi la discontinuissima rubrica che parla delle uscite USA consigliatemi dal sito TvTag (non più GetGlue: forse dovrei cambiare titolo? Mah). Poca roba questa settimana... e poco interessante, direi. ENJOY!

Muppets Most Wanted
Di James Bobin
Con Tina Fey, Ricky Gervais, Ty Burrell
Trama (da Imdb): Durante un tour mondiale, i Muppet si ritrovano invischiati in un rocambolesco furto di gioielli messo in atto da un sosia di Kermit e dai suoi vili compari.

Il sito lo consiglia perché mi sono piaciuti Cattivissimo me, Cattivissimo me 2 e il Muppet Show. Con i Muppet ho un rapporto ambivalente. Lo Show è storico ed è un pezzo della mia infanzia mentre i film non li ho mai seguiti più di tanto, a parte Festa in casa Muppet e I Muppet e l'isola del tesoro... quindi dubito mi fionderò a vedere quest'ultima uscita cinematografica dedicata ai pupazzi di Jim Henson, se mai dovesse approdare in Italia. Lo recupererò di sicuro comunque viste le guest star della Madonna che costellano la pellicola: Chloe Moretz, Tom Hiddleston (!!), Danny Trejo, Stanley Tucci, Salma Hayek, persino Lady Gaga! Che trashume!

Ma... Tommolino, che orrore!! XD

Divergent
Di Neil Burger
Con Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet
Trama (da Imdb): In un mondo diviso in fazioni basate sulle virtù, Tris scopre di essere una "Divergente" e di non potersi integrare. Un giorno, Trish scopre un piano atto a distruggere i Divergenti e lei e il misterioso Four dovranno capire cosa renda i Divergenti pericolosi prima che sia troppo tardi.

Il sito lo consiglia a prescindere, senza un perché. Nonostante abbia apprezzato Limitless, diretto dallo stesso regista, questo Divergent mi sembra banalotto e debitore di altri mille film sulle distopie. Però sarei curiosa di vedere la Winslet nei panni della cattiva. La pellicola uscirà in Italia il 3 aprile, per ora sospendo il giudizio nell'attesa di nuovi sviluppi!

Ghost in the Shell Night

Oggi parliamo della Ghost in the Shell Night, che è solo uno dei tanti eventi proposti dalla Nexo Digital, nell’ambito della rassegna Nexo-Anime, con lo scopo di far scoprire, riscoprire ed apprezzare i capolavori dell’animazione giapponese. Dopo aver proiettato nelle sale italiane Akira, Madoka Magica, Evangelion 1.0 e 2.0 con l’Evangelion Night, Evangelion 3.0 e Wolf Children, l’11 e il 12 Marzo è toccato a Ghost in the Shell meravigliare il pubblico con un’accoppiata decisamente entusiasmante, volta ad introdurre la nuova serie GITS Arise, prequel delle due serie tv GITS Stand Alone Complex e GITS 2nd Gig. Se le due serie diluiscono l’approccio filosofico del Ghost e della storia del Maggiore prediligendo l’azione alla riflessione, i film proposti in questa maratona (Ghost in the Shell 2.0 (攻殻機動隊 2.0 - Kōkaku kidōtai 2.0) e Ghost in the Shell: Innocence (イノセンス - Inosensu), diretti nel 2008 e 2004 dal regista Mamoru Oshii) premono l’acceleratore sui tormenti e i dubbi dei cyborg protagonisti.   Come potete notare, qui e là all'interno della mia indegna recensione, rigorosamente in grassetto, troverete anche gli appunti dell'amico Massimo Bentivoglio, sicuramente più esperto in materia e presente alla Night in questione. 

In una società sempre più tecnologicamente all’avanguardia si può ancora parlare di differenza tra uomo e macchina e di superiorità dell’anima su un cervello computerizzato, oppure eventuali ragionamenti in merito sono forzati e viziati da pregiudizi ormai superati? Su queste complesse domande filosofiche, etiche ed esistenziali sono imperniati i due lungometraggi che hanno composto questa interessante ma difficile Ghost in the Shell Night, ovvero Ghost in the Shell 2.0 e Ghost in the Shell: Innocence. Il primo anime, riedizione del Ghost in the Shell originale del 1995, si concentra sulla figura della glaciale cyborg Motoko Kusanagi e sulla sua lotta per comprendere cosa si nasconda nella sua anima e se, effettivamente, ne esista una. Messa di fronte al Burattinaio, una coscienza artificiale in grado di evolversi ed infettarne altre, il Maggiore Kusanagi mette in dubbio la propria stessa natura: essendo un cyborg completo, a differenza dei suoi compagni, e vivendo in un mondo dove anche i ricordi più semplici possono essere manipolati o creati ex novo, la donna è arrivata al punto da non riuscire a comprendere se il suo Ghost (l'anima) sia vero o sia stato creato artificialmente come il suo corpo. Se è vero, come dice il Burattinaio, che l’unica differenza tra gli esseri artificiali e gli umani sta nel fatto che questi ultimi possono morire e trasmettere i loro geni creando qualcosa di completamente nuovo, nel caso un computer riesca a compiere queste due azioni cosa rimarrebbe a differenziarli? L’unica cosa che separa completamente i due mondi e consente ad un essere di fregiarsi del titolo di “umano” è invece probabilmente il riuscire a raggiungere una libertà che lo avvicinerebbe all’onnipotenza di un Dio, poiché tutti i membri della Sezione 9, anche quelli con meno “parti di ricambio”, sono strettamente legati ad un contratto che impedirebbe loro di abbandonare l’organizzazione senza rinunciare a buona parte dei ricordi e delle esperienze acquisite.

E se Ghost in the Shell 2.0 non offre risposte ma da solo il La ad eventuali interpretazioni personali (questa era la mia), Innocence va ancora oltre, facendo evolvere una storia di ginoidi assassini in una profonda riflessione sul bisogno dell’uomo di creare esseri artificiali sempre più simili a lui, imponendo loro la capacità di soffrire e provare emozioni ma continuando a trattarli come giocattoli o esseri inferiori da temere e sfruttare. In questo caso, la differenza tra umani e robot è talmente sottile da venire annullata, diventa quasi un cavillo, una convenzione, soprattutto in una realtà in cui non esiste persona che non abbia una parte del corpo artificiale: ironicamente inquietante è la figura della scienziata che sottolinea come i bambini, per i genitori, siano quanto di più vicino al coronamento del sogno di ricreare una vita artificiale e lo stesso vale per le bambine quando giocano con le bambole (l’immagine della figlia di Togusa con una bambola in braccio, sul finale, risulta disturbante tanto per lo spettatore quanto per Batou). Le citazioni filosofiche e religiose presenti in Innocence si sprecano e lo rendono molto affascinante ma estremamente difficile da seguire, triste e malinconico nella misura in cui lo spettatore riesce ad affezionarsi al taciturno Batou e a provare pietà per la sua consapevolezza di essere meno che umano e, allo stesso tempo, molto di più. Probabilmente (sempre interpretazione personale) il burbero poliziotto prova anche vergogna per non essere riuscito ad accompagnare il Maggiore Kusanagi nel suo ultimo viaggio, incapace di abbandonare la realtà conosciuta per immergersi in una Rete pregna di possibilità ma anche di pericolose incognite.

Visivamente parlando, sia Ghost in the Shell 2.0 che Innocence sono due capolavori che andrebbero visti assolutamente al cinema per godere appieno delle splendide immagini che passano sullo schermo. A onor del vero, Ghost in the Shell patisce un po’ il restyling moderno, che mal concilia animazioni tipicamente anni ’90 e “passatelle” (ma comunque tuttora sconvolgenti e dinamiche) a rigide sequenze in CGI ricreate alla bisogna con una Motoko Kusanagi che sembra ancora più burattino di quanto non sia. Innocence invece è più fluido per quel che riguarda questa fusione e grazia lo spettatore con due delle sequenze animate più belle che abbia mai visto (e che mi hanno letteralmente ammutolita): una è la processione con i carri semoventi che anima le strade della malfamata città in cui Batou e Togusa vanno in cerca dell’informatore, preceduta dalla veduta di una splendida cattedrale che unisce elementi architettonici gotici e statue orientali, l’altra scena invece è quella dello sconcertante loop in cui vengono a ritrovarsi i due agenti, ambientato in un edificio che contiene ingranaggi, carillon e ologrammi di vite passate mescolati senza soluzione di continuità. Tutta questa meraviglia di tecnica e animazione viene arricchita dalla grandiosa colonna sonora di Kenji Kawai e dai due temi portanti di entrambi i film, che mescolano sonorità tradizionali giapponesi ad inquietanti cori in grado di perseguitare lo spettatore per giorni (true story). Le sonorità elettroniche di Yoko Kanno presenti negli episodi seriali sarebbero state assolutamente fuori luogo (NDMassimo). Per quanto riguarda quindi l’aspetto puramente estetico Innocence è il lungometraggio che ho apprezzato maggiormente nonostante la stanchezza derivata dalle quasi quattro ore passate chiusa in sala; tuttavia è troppo prolisso e filosofico per poter essere degnamente assimilato nel corso di un’unica visione e la lentezza, nonostante qualche guizzo horror incarnato dalle orde di simil-bambole assassine, si fa sentire parecchio. Come trama, quindi, ho preferito indubbiamente Ghost in the Shell, più dinamico nonostante i temi trattati non siano meno importanti o profondi di quelli di Innocence. D’altronde, c’è anche da dire che a favore di Ghost in the Shell giocava una forte componente nostalgica visto che il lungometraggio è stato il primo anime “serio” che avessi mai avuto occasione di vedere in videocassetta (che custodisco ancora gelosamente!) ai tempi del liceo ma, a parte questo, direi che le due opere si equivalgono e che, nel complesso, costituiscono un dittico imprescindibile per tutti i fan del cyberpunk e dell’animazione giapponese. Solo, ecco, badate di non vederli entrambi nella stessa sera o rischierete di farvi esplodere il cervello!

Mamoru Oshii è il regista sia di Ghost in the Shell 2.0 che di Ghost in the Shell: Innocence (del quale è anche co-sceneggiatore). Giapponese, ha diretto anche film come Lamù - Only You, Lamù - Beautiful Dreamer, Patlabor: The Movie, Patlabor 2: The Movie, Ghost in the Shell ed episodi delle serie Yattaman, Gatchaman la battaglia dei pianeti e Lamù, la ragazza dello spazio. Anche produttore e animatore, ha 62 anni e tre film in uscita.

Ghost in the Shell 2.0 è essenzialmente la riedizione del Ghost in the Shell girato nel 1995 e le differenze sono davvero poche. Tutte le sequenze in CGI sono state rifatte per renderle più simili a quelle di Innocence e solo la scena di apertura e quella dell'immersione vedono il personaggio del Maggiore completamente in 3D, mentre la trama è rimasta sostanzialmente invariata se non rammento male. In quanto ad Innocence, è stato persino nominato per la Palme d'Or al Festival di Cannes del 2004, quindi chapeau. Il manga di Masamune Shirow, oltre a queste due pellicole, ha generato due seguiti cartacei (Ghost in the Shell 1.5: Human-Error Processor del 2003 e Ghost in the Shell 2: ManMachine Interface del 2001, entrambi pubblicati in Italia) e due serie televisive (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex e Ghost in the Shell: Stand Alone Complex - 2nd GIG, seguiti dallo special Ghost in the Shell: Solid State Society) a cui si è aggiunta da poco Ghost in the Shell: Arise, serie di 4 OAV che debutterà con i primi due episodi in Italia il 3 aprile al cinema sempre grazie a Nexo e Dynit. A proposito delle serie, dice Massimo che in esse sono presenti i Tachikoma, gruppo operativo di robot da combattimento, dotati di un’avanzata Intelligenza Artificiale condivisa che mancano nei due lungometraggi. Durante le missioni ogni esperienza del singolo viene condivisa con gli altri per aumentare le proprie capacità di reazione sul campo. Nelle serie  pubblicata in DVD, oltre ad affiancare il Maggiore Kusanagi negli interventi della Sezione 9, erano protagonisti di una miniserie di piccoli episodi intitolati “Un giorno da Tachikoma”. Se gli episodi di GITS lasciavano ad un ruolo marginale l’introspettiva vicenda personale di Motoko, la miniserie dedicata ai robot offriva spunti di riflessione importanti nonostante gli sketch esilaranti in cui i THINK (carri armati pensanti) affrontavano certe tematiche filosofiche, in maniera piuttosto infantile. Non di rado, il centro di controllo che li ospita risulta simile più ad un asilo che ad una sezione speciale governativa. Senza contare l’affetto di Batou nei loro confronti, che li tratta quasi come dei figli. Grazie delle informazioni, zio! Insomma, se la Ghost in the Shell Night vi ha catturati, cose da recuperare ne avete ma potete anche aggiungere la trilogia Rebuild of Evangelion, Blade Runner, A.I.: Intelligenza artificiale e la serie Cowboy Bebop. ENJOY!

Boomstick Award - Edizione 2014

Giovedì cazzeggiavo allegramente su Feisbuc e, tagga io che tagghi tu, mi spunta una notifichescion che mi avverte di una cosa: avevo vinto un Boomstick Award. Ad assegnarmelo con motivazioni degne di mille lacrime commosse (perché s’incazza, Erica, se non la taggo ogni volta che diffondo gli articoli su TWD; perché la trovo divertente e brillante, e queste qualità si evincono dai post sul suo blog; perché il suo è uno dei pochi blog di cinema che non finisce per essere ritrovo di esaltati monomaniaci) è stato nientemeno che il creatore del prestiGGioso premio, ovvero il padrone del blog Book and Negative. Posso quindi essere più orgogliosa di così? No, ovviamente. Ma cos'è questo Boomstick Award?

Per dirlo con le parole del suo creatore, il Boomstick è un premio per soli vincenti, per di più orgogliosi di esserlo. Tutto qua.
Come si assegna il Boomstick? Non si assegna per meriti. I meriti non c’entrano, in queste storie. (cit.).
Si assegna per pretesti. O scuse, se preferite. In ciò essendo identico a tutti quei desolanti premi ufficiali che s’illudono di valere qualcosa.
Il Boomstick Award possiede, quindi, il valore che voi attribuite a esso. Nulla di più, nulla di meno.
Ecco il banner dell’edizione 2014:

Per conferirlo, è assolutamente necessario seguire queste semplici e inviolabili regole:
1 - i premiati sono 7. Non uno di più, non uno di meno. Non sono previste menzioni d’onore
2 – i post con cui viene presentato il premio non devono contenere giustificazioni di sorta da parte del premiante riservate agli esclusi a mo’ di consolazione
3 – i premi vanno motivati. Non occorre una tesi di laurea. È sufficiente addurre un pretesto
4 – è vietato riscrivere le regole. Dovete limitarvi a copiarle, così come Egli (e per Egli intendo Hell) le ha concepite.

Vincitori in rigoroso ordine sparso:

Criticissimamente
Perché Valentina ci mette l'anima. In tutto quello che fa. E riesce a trasmettere a tutta la blogosfera la sua passione per il cinema.

Prevalentemente Anime e Manga
Perché Acalia mi propone divertentissimi Crossposting, asseconda le mie fantasie malate sui meme ponyci e ama alla follia i Biker Mice da Marte.

Book & Negative
Perché ha inventato il Boomstick Award (Germano did it!!!) e, oltre a supercazzolare con un paio di innominabili serie, scrive in tempo zero degli approfondimenti della Madonna su film che ho adorato.

Il giorno degli zombi
Perché Lucia è la mia musa. E come scrive di cinema lei non scrive nessuno.

Combinazione casuale
Perché i gusti del padron Frank sono simili ai miei e ne sa sia di horror che di anime. E poi ospita la dolce Silly, che è sempre un piacere leggere.

Viaggiando (meno)
Perché la Poison ha stile e mi fa venire tutte le volte voglia di prendere un treno e andare in quel di Torino ad aperitivare prima e (s)parlare di cinema poi.

Mari's Red Room
Perché di blog horrorcentrici semplici, umili e divertenti non ce ne sono tanti e il suo spicca per simpatia ed accuratezza. E poi perché mi ha messa tra i suoi siti di riferimento con questa giustificazione: "Un giorno ci leggi la recensione di Creepshow e il giorno dopo quella dei My Little Pony. Mai scontata." Eheh.

Costoro possono a loro volta assegnare il premio ad altri 7 blogger, ma non arrogarsi la paternità del banner e del premio, che è di Hell, quindi citatelo o giustamente s'incazza. Eh. L’assegnazione del premio deve rispettare le 4 semplici regole sopra esposte. Qualora una di esse venga disattesa, il Boomstick Award sarà annullato d’ufficio, con sommo Diludendo, sul blog Book & Negative, e in sostituzione, verrà assegnato quel premio che tanto aDDoro ma che è meglio non ricevere perché reca seco sfiga e disonore:

ENJOY!!

David Cronenberg Day - My Life in Cronenberg

Buon sabato a tutti! Oggi faccio più di uno strappo alla regola visto che di solito non pubblico di sabato. Innanzitutto perché il 15 marzo del 1943 nasceva David Paul Cronenberg, uno dei miei registi preferiti nonché oggetto del Day del mese organizzato dagli amici blogger. Come vedete, non recensirò un film. Per mancanza di tempo avrei dovuto parlare di Videodrome (il mio film preferito e quello su cui sarebbe ovviamente ricaduta la mia scelta) in modo sbrigativo ed irrispettoso, quindi all'urlo di "GIAMMAAAI!!" ho preferito raccontare il modo in cui ho vissuto le pellicole del regista (quelle che ho potuto vedere, ovviamente) nel corso della mia esistenza. Dandovi appuntamento a stasera per un altro post extraordinary del Bollalmanacco auguro tremila di questi anni ancora a Cronenberg e a voi dico solo... ENJOY!

La mosca (1986)
Tutto cominciò quando un mio vicino di casa decise di prestarmi delle videocassette per provare il mio nuovo videoregistratore, acquistato ai tempi della quinta elementare/prima media. "Uh guarda, poi c'è questo. Non l'ho visto, ma è di fantascienza". E io, scema, a guardarlo. Il mio primo, tenero approccio con Cronenberg e il suo body horror, roba da non dormire la notte per l'orrore e il raccapriccio di vedere il bellissimo Jeff Goldblum liquefarsi progressivamente in un mostro abominevole. Inutile dire che mi innamorai follemente del film, nonostante la paura atroce.

La zona morta (1983)
Passano pochi anni e, dopo aver letto per un'intera estate i Dylan Dog di mio cugino grande, decido di fare il grande passo durante una vacanza in Val D'Aosta: acquistare il mio primo dailandog (così come pronunciato di fronte ad un attonito edicolante). Il numero in questione era Ti ho visto morire, che ovviamente altro non era che un omaggio a La zona morta del mio (già allora) amatissimo Stephen King. Da lì a procurarmi il film in videoteca il passo fu breve e passare la serata angosciandomi davanti ad un Christopher Walken perfetto fu bellissimo. Cronenberg continuava ad insinuarsi nella mia giovane vita.

Videodrome (1983)
Passano gli anni, si arriva al liceo, tempo di Arance Meccaniche e altri deliri proibiti. Comincia la mia passione per il cinema, si consolida quella per l'horror e una sera, su Italia Uno, registro Videodrome, innamorandomene perdutamente. IL capolavoro di Cronenberg, almeno per me. L'apologia della nuova carne si compie in questo delirio di mutazioni, ossessioni e inganni. Da quel momento decido che Cronenberg sarebbe stato il mio regista preferito in assoluto.

Il demone sotto la pelle (1975) e Rabid - Sete di sangue (1977)
Visti una volta a Fuori Orario e mai più dimenticati. La visione è stata ovviamente costellata da pause ed interruzioni che, se i miei mi avessero beccata a guardare 'sta roba, probabilmente avrebbero pensato che la figlia impazzita e in preda crisi ormonale si fosse data alla pornografia. Lì decido che Cronenberg è un genio. Perverso e malato, in grado di far sentire sporchi e a disagio come nessuno ma, diamine, un Genio con la G maiuscola.

Inseparabili (1988)
La mia vergogna più grande. La G maiuscola si era tramutata in una g minuscola. Non sono mai riuscita a finire di vederlo, complice anche una registrazione pessima: il mio fedele videoregistratore aveva già cominciato a tirare il gambino. O forse il motivo sta nel fatto che Jeremy Irons non l'ho mai sopportato più di tanto. Comunque, prima o poi lo riguarderò, forse ero troppo giovane.

Il pasto nudo (1991)
La seconda vergogna. Prima visione funestata dalla solita registrazione maffa che mi portava a mettere il volume a livelli imbarazzanti solo per ottenere dei bisbigli appena percettibili. Ovviamente, non ci ho capito una mazza. Seconda visione: sento tutto ma non ri-capisco una mazza. Acquisto il libro, maledico Burroughs perché, ribadisco, non capisco una mazza. Terza visione: piango. Non lo capisco, è inutile. Quarto step: acquisto il DVD, in lingua originale, per poi scoprire che è senza sottotitoli. Eh ma che sfiga!!!

eXistenZ (1999)
Cronenberg dal Canada ode i miei pianti disperati e mi regala la versione 2.0 di Videodrome, un po' meno bello e affascinante ma comunque comprensibile ed intrigante, con degli attori bravissimi e delle idee sconvolgenti. In casa Bolla partono i cori da stadio, le miccette e le lacrime di commozione.

Spider (2002) e A History of Violence (2005)
Visti purtroppo in quel periodo della mia vita in cui ogni film che ho visto al cinema (o quasi) è stato inghiottito da un buco nero che ha obnubilato i ricordi. Sarà perché tra università, viaggi negli USA e lavoretti part-time la mia mente era occupata da MILLE altre cose? Non saprei. Di Spider ricordo solo la nenia che accompagnava il trailer e di avere acquistato il libro, quindi probabilmente mi era piaciuto molto. Di A History of Violence ricordo un finale scioccante e l'altrettanto scioccante consapevolezza che Viggo Mortensen, quando non è vestito da Aragorn, è MOLTO meno figo. Scusami, David. A quell'epoca eri stato surclassato da Quentin, Martin, Burton e Carpenter.

A Dangerous Method (2011)
La visione qualche anno fa non mi aveva entusiasmata: freddo, trattenuto e lento, nonostante sia diretto in maniera eccelsa, come ovviamente mi aspetto da Cronenberg. Al momento è l'ultimo film del regista che ho visto, non mi sono sentita di dare una chance a Cosmopolis e alla faccia inespressiva di Pattinson. Il Genio non è morto ma ripenso sempre con nostalgia a quelle opere che tanto mi avevano scioccata, portandomi ad amarlo.

Per finire, mi va di ricordare Cronenberg anche come attore. Nella fattispecie in Cabal. Nella fattispecie, inquietante e matto come un cavallo. Auguri, mio teSSoro. E, come sempre, lunga vita alla nuova carne.

Di seguito, troverete i link ai post-omaggio dei miei adorati compari di avventure e recensioni:

Scrivenny
In Central Perk
Pensieri cannibali
Ho voglia di cinema
Non c'è paragone
Recensioni ribelli
Director's Cult 
Combinazione Casuale
White Russian

Little Miss Sunshine (2006)

Dopo qualche anno ho deciso di rivedere il bellissimo Little Miss Sunshine, diretto nel 2006 dai registi Jonathan Dayton e Valerie Faris e vincitore di due premi Oscar, uno per la miglior sceneggiatura originale e uno per Alan Arkin come miglior attore non protagonista.

Trama: la famiglia Hoover si imbarca in un viaggio "della speranza" per accompagnare la piccola Olive al concorso Little Miss Sunshine. Le disavventure, neanche a dirlo, non mancheranno...

Se c'è un film che adoro, in grado di divertirmi e commuovermi allo stesso tempo, questo è Little Miss Sunshine. A pensarci bene, il mio amore è assurdo perché i protagonisti della pellicola, un branco di nevrotici disadattati, avrebbero tutte le carte in regola per farmi imbestialire, per non parlare poi del fatto che lo zio è interpretato da un attore che notoriamente non sopporto come Steve Carell. E invece quest'apologia del loser è semplicemente splendida proprio per il modo in cui i personaggi si compensano naturalmente nei pregi e nei difetti, per come ognuno di loro riesce ad apportare un sostegno fondamentale alla fragilissima famiglia Hoover e per i valori che la pellicola trasmette senza pedanteria né didascalismo. Effettivamente, non servono troppi giri di parole quando si hanno davanti i semplici gesti, la spontaneità e la tenerezza della piccola Olive, vero motore dell'intera vicenda e mossa da un sogno grandioso ed impossibile: diventare Little Miss Sunshine. Occhialuta, paffutella e decisamente poco aggraziata, la piccoletta non avrebbe una sola chance di vincere (e, povera pulcina, sotto sotto ne è consapevole), ma chissenefrega. Come al solito, non è l'obiettivo che conta, ma il viaggio (letterale e figurato), perché il vero perdente è colui che rinuncia subito all'impresa, non quello che fallisce dopo averci provato e questo semplice concetto si inculcherà nelle menti di ogni membro della famiglia, ognuno dotato di un desiderio impossibile da realizzare e per questo costantemente triste, frustrato e, peggio, incapace di cercare sostegno all'interno del nucleo familiare.

Il difficile viaggio "interiore" degli Hoover si rispecchia in un'odissea a bordo di un furgoncino Volkswagen ormai pronto per la rottamazione, scassato e logorato come i suoi padroni, che sono costretti così non solo a condividere a lungo uno spazio ristretto ma anche a collaborare fisicamente per riuscire a far sì che almeno Olive non diventi disillusa come tutti i suoi familiari. Purtroppo per la piccina, la compagnia non è delle migliori. Nonno Edwin rappresenta il lato "umano" della famiglia ed è sicuramente l'unico ad essersi vissuto la vita senza troppe pippe mentali ma ha deciso di passare la vecchiaia sniffando cocaina, papà Richard tiene corsi sul successo e vive seguendo i propri freddi dettami ma è un fallito di prim'ordine, mamma Sheryl è una pessima casalinga già al secondo matrimonio, il fratellastro Dwayne ha deciso di non parlare finché non riuscirà ad essere ammesso all'accademia di volo e, infine, zio Frank è uno studioso gay dalle tendenze suicide. Tra tutti, Olive è la persona più normale (forse perché è ancora piccina) ma purtroppo il suo sogno è interamente proettato verso un orrore tutto americano fatto di bimbe appena in grado di camminare e già truccate e vestite come le peggio baldracche, gettate a calci sui palcoscenici da genitori affamati di soldi e successo e, poverelle, sicuramente destinate a diventare delle oche decerebrate ed inchiattite che imporranno alle figlie lo stesso amaro destino. Quando l'innocenza e l'allegria dell'infanzia incontreranno questo orrido mondo fatto di regole, lustrini e zoccolette in miniatura gli Hoover si accorgeranno che la normalità è relativa... e che, per loro, c'è ancora speranza, in barba all'incertezza del futuro.

I registi Jonathan Dayton e Valerie Faris raccontano questa incredibile piccola storia immergendo i personaggi in un universo fatto di colori vivaci e tipici paesaggi americani; come se fossero la versione ancor più indie di Wes Anderson i due prestano un'attenzione incredibile agli abiti indossati dai personaggi (si vedano le buffe mise di Olive) e, ovviamente, al loro meraviglioso furgone, membro della famiglia tanto quanto gli esseri umani. Gli attori sono tutti perfetti e tratteggiano i protagonisti con incredibile sensibilità: Alan Arkin si è portato a casa un meritatissimo Oscar come miglior attore non protagonista perché nonno Edwin è un mattatore di prim'ordine e una presenza fondamentale (Granpa, am I pretty? You're the most beautiful girl in the world), ma i miei preferiti sono, neanche a dirlo, la tenerissima Abigail Breslin, il malinconico Steve Carell e il povero Paul Dano che, durante la terribile sfuriata dentro il furgone, spezza davvero il cuore per il realismo con cui reagisce davanti all'ennesimo sogno infranto. Fondamentale anche la colonna sonora, indispensabile per conferire al film un'atmosfera leggera e allo stesso tempo profonda, per non parlare poi dell'esilarante numero musicale finale sulle note di Super Freak, in grado di diventare in tempo zero una delle scene cult del cinema americano. Insomma, se non avete mai visto Little Miss Sunshine siete ancora in tempo, non perdetevi assolutamente un gioiellino come questo!!

Di Abigail Breslin (Olive Hoover), Greg Kinnear (Richard Hoover), Paul Dano (Dwayne), Alan Arkin (Edwin Hoover), Toni Collette (Sheryl Hoover), Steve Carell (Frank Ginsberg) e Bryan Cranston (Stan Grossman) ho già parlato ai rispettivi link.

Jonathan Dayton e Valerie Faris sono i registi della pellicola. Americani, marito e moglie, hanno diretto parecchi video e il film Ruby Sparks. Anche produttori e sceneggiatori, lui ha 57 anni, lei 56 ed entrambi hanno due film in uscita.

Tra gli altri attori segnalo la comparsata di Dean Norris (Barbie did it!!) nei panni dello sbirro che ferma i protagonisti in autostrada. Nonostante tutto il bene che voglio a Carell per questo film mi chiedo come sarebbe stato Frank se l'avessero interpretato Bill Murray, che era la prima scelta dei produttori, oppure la "seconda scelta" Robin Williams! Oltre a questo, sappiate che Little Miss Sunshine ha ben quattro finali alternativi, tutti contenuti anche nel DVD italiano che ho io: uno in cui la famiglia riunita brinda alla memoria del nonno e tre in cui, in un modo o nell'altro, i protagonisti fuggono dopo aver rubato l'ambito trofeo. Per concludere, se Little Miss Sunshine vi fosse piaciuto, infine, consiglierei la visione di A proposito di Schmidt, Il treno per il Darjeeling e Le avventure acquatiche di Steve Zissou. ENJOY!

Steven Seagal Action

Buondì a tutti!
Scommetto che non ve lo aspettavate un post di venerdì e per di più al mattino, così alla traditora, eh?
Effettivamente non risuccederà molto spesso e sarò breve, giusto una comunicazione di servizio per gli appassionati di action e affini, in particolare del vecchio Steven Seagal al quale voglio bene perché ha partecipato a Machete e al quale, comunque, ho lanciato qualche strale per aver snobbato per ben due volte Sylvester Stallone e i suoi Expendables.

Tutto questo per dire che, da ieri, in allegato alla Gazzetta dello Sport potete trovare il primo numero della collana di DVD Steven Seagal Action (al prezzo lancio di di 9,99€ + il prezzo del quotidiano). I primi tre titoli saranno Nico, Trappola in alto mare e Trappola sulle Montagne rocciose che, oltre ad essere disponibili in DVD,  per la prima volta usciranno anche in versione Blu-Ray.

Se Seagal non v'interessa smettete pure di leggere qui, altrimenti sappiate che i DVD saranno 33 e saranno tutti corredati da un booklet ricco di approfondimenti sull'attore, sul film, sugli anni '80 (Dio li benedica!!) e sui personaggi principali.
Io confido presto in monografie su altri generi ed attori a me più congeniali (una collana horror, una riedizione integrale e totale di Lupin, compresi live action e materiale introvabile lo so, sono pazza!!) ma nel frattempo, se voi amate Seagal e compagnia picchiant...ehm... cantante, correte in edicola!