Il migliore dei mondi (2023)

Cercando un film molto poco impegnativo da guardare col Bolluomo dopo una settimana stancante, la scelta è inevitabilmente caduta su Il migliore dei mondi, disponibile su Prime Video e diretto da Maccio Capatonda, Danilo Carlani (anche co-sceneggiatori) e Alessio Dogana.

Trama: Ennio Storto, elettricista cinquantenne e drogato di tecnologia, si ritrova in un universo parallelo dove quest'ultima è rimasta bloccata agli anni '90. Disperato, cerca di tornare indietro...

A casa nostra si vuole bene a Maccio dai tempi di Mai Dire nonricordonemmeno cosa, quando assieme ai suoi sodali era comparso in TV col reality Il divano scomodo. Nel frattempo sono passati quasi 20 anni, sono arrivati notorietà, serie, video, film, libri e infine Amazon, che ha prodotto e distribuito direttamente su Prime Video l'ultima opera del comico abruzzese, Il migliore dei mondi. Che è un film particolare perché vede Maccio privo dei suoi compagni/spalle di sempre, Herbert Ballerina in primis (sostituito dal frizzante Pietro Sermonti, sempre più a suo agio nei panni di personaggi sbarellati e assurdi) ma continua più o meno la poetica della sua pellicola d'esordio, Italiano medio, presentando un irreprensibile quanto sfigatissimo protagonista che, a causa di eventi al limite del fantascientifico, si ritrova costretto a cambiare vita. Ennio Storto è una persona "media" ma più orientata verso la sgradevolezza, un cinquantenne incapace di vivere senza tecnologia e convinto di non dovere mai investire più del 40% di se stesso nelle relazioni con gli altri; al di là delle esagerazioni da smartphone (una delle gag più riuscite del film è la  sua incapacità ad orientarsi senza navigatore anche solo per brevissimi tratti conosciuti), Ennio può tranquillamente venire descritto come uno stalker frustrato che sfrutta i social per procurarsi la scopata settimanale, oltre che un nerd con problemi di egocentrismo, condannato a vivere per i like che i suoi video da smanettoni gli procurano. E' inevitabile che una persona simile, ritrovatasi per "magia" in una realtà parallela dove la tecnologia si è fermata ai livelli pre-millenium bug, venga a ritrovarsi priva di tutto ciò che gli consente di vivere bene, riscoprendosi più scemo e sfigato di altri e costretto letteralmente a re-imparare cose elementari; la critica alla società moderna dove il caso o l'imprevisto non sono più contemplati è dunque palese (io stessa ammetto di dipendere molto da navigatore e recensioni di ristoranti/locali) ma non c'è, da parte dei realizzatori, una demonizzazione totale della tecnologia. Il migliore dei mondi è, anzi, un'opera attenta a sottolineare come un uso sano di smartphone e affini possa ampliare le conoscenze, facilitare la vita o rendere le persone meno sole, a patto di usarli con giudizio e non basare interamente la nostra esistenza su di loro. Un concetto che può sembrare banale, certo, ma che inconsciamente tendiamo spesso a dimenticare, o minimizziamo con un pizzico di ipocrisia.

Questa riflessione si inserisce in una trama che offre poco il fianco alla comicità tipica di Maccio, costruita piuttosto a colpi di cliché presi a spizzichi e bocconi dai generi più disparati, dalla fantascienza alla distopia, passando per l'action e la commedia romantica, che rendono Il migliore dei mondi altalenante a livello di qualità e ritmo; la parte centrale soprattutto, quella in cui il protagonista riscopre se stesso attraverso l'amore, l'ho trovata abbastanza pesantina, mentre quella finale, con un deus ex machina insospettabile, percorre il sottilissimo confine tra il surreale e l'imbarazzante. L'intuizione generale ed alcune gag sono però ottime. Come sempre succede quando c'è Maccio Capatonda di mezzo, la sua mimica facciale e il suo modo di affrontare situazioni da italiano medio riescono comunque a strapparmi una risata e Sermonti, per quanto impegnato in un personaggio infantile e, a suo modo, talmente stupido da fare il giro, ormai è diventato una garanzia di sicuro divertimento; meno sopportabile, invece, la Viola di Martina Gatti, spesso troppo artificiosa nel suo essere "innocente" a tutti i costi, anche in un contesto irreale come quello descritto nel film (ma voto 10 per le mise à la Madonna versione anni '80!). A livello di regia, siamo nella media. Le ambizioni di realizzare un film particolare ci sono, ma i limiti di budget sono abbastanza evidenti, soprattutto quando la trama entra in territori "ammeregani" che richiederebbero un po' più di dinamicità e qualche effetto speciale degno di questo nome. Nel complesso, speravo di divertirmi di più e ritengo che il buon Maccio non sia ancora troppo tagliato per argomenti ed interpretazioni "seri", ma per una serata senza troppe pretese Il migliore dei mondi non è il peggiore dei film, soprattutto se avete già un abbonamento Prime Video. Viceversa, don't bother.

Del regista e co-sceneggiatore Maccio Capatonda, che interpreta anche Ennio Storto, ho già parlato QUI. Pietro Sermonti (Alfredo Storto) e Tomas Arana (Steve Jobs) li trovate invece ai rispettivi link.

Danilo Carlani e Alessio Dogana sono entrambi al loro primo lungometraggio; Carlani aveva già lavorato con Maccio Capatonda come sceneggiatore per diversi progetti, tra cui il film Italiano medio, che vi consiglio di vedere nel caso vi fosse piaciuto Il migliore dei mondi. ENJOY!

Lupin III VS Cat's Eye (2023)

 Venerdì è uscito su Amazon Prime Video il film Lupin III VS Cat's Eye (ルパン三世VSキャッツ・アイ), diretto dai registi Hiroyuki Seshita, Kôbun Shizuno e Keisuke Ide. Potevo forse lasciarmelo scappare?

Trama: quando un'organizzazione neo nazista prende di mira le opere del pittore Michael Heinz, gli obiettivi di Lupin III e della banda Occhi di Gatto li portano a uno scontro frontale...

Lupin III VS Cat's Eye è un'opera creata appositamente per il mercato dello streaming, nata per festeggiare sia i 50 anni "televisivi" della creatura di Monkey Punch che i 40 anni delle gattine create da Tsukasa Hojo. Che io sappia (ma potrei sbagliarmi, in quanto sono più vecchia delle Cat's Eye e ormai la mia memoria fa cilecca) i due gruppi di personaggi non si erano mai incontrati, almeno nei media animati, però l'idea non è poi così peregrina, visto che si tratta, in entrambi i casi, di ladri. Certo, le Cat's Eye hanno sempre un obiettivo ben preciso, ovvero rubano solo le opere del pittore Michael Heinz, il papà delle tre belle fanciulle, mentre Lupin e soci non fanno favoritismi e rubano qualunque cosa capiti loro a tiro ma, poiché pare che questo Heinz fosse un pittore piuttosto famoso, nonché prolifico, era destino che, prima o poi, i cammini delle due bande si sarebbero incrociati. Ebbene, questo incontro è avvenuto negli anni '80, epoca in cui è ambientato Lupin III VS Cat's Eye e, senza addentrarmi troppo nello spoiler per chi non avesse ancora guardato il film, l'oggetto del contendere è un trittico di Heinz che nasconde più di un segreto e che per questo viene bramato anche da un'organizzazione neo nazista i cui trascorsi sono legati non solo al pittore, ma anche al passato di Lupin III. A livello di trama, la sceneggiatura del semi-esordiente Shuji Kuzuhara riesce in qualche modo ad unire i due universi narrativi senza troppe sbavature e senza snaturare le personalità dei singoli personaggi, creando un'avventura dinamica e divertente, dalle caratteristiche comuni a entrambe le serie, e utilizzando come trait d'union non già Sheila/Hitomi, come si evincerebbe dalla locandina, quanto piuttosto Tati/Ai. Quest'ultima viene letteralmente messa al posto delle mille ragazzine (Clarice, Letizia, Ami, ecc.) diventate co-protagoniste di alcune delle opere più conosciute legate al franchise di Lupin III e, come accade ogni volta, serve a smussare un po' la natura criminale di Lupin fornendogli un'obiettivo più "nobile", più da "Superhero"; non è uno spoiler né una sorpresa, infatti, scrivere che il "VS" del titolo originale diventerà un "feat." nel giro di mezz'ora di film, di conseguenza non servirebbe nemmeno parlare di occasione sprecata anche se, diciamolo pure senza troppi peli sulla lingua, trattasi proprio di questo.

Lasciando perdere il fatto che Lupin III VS Cat's Eye si concentra più sui personaggi di Hojo che su quelli di Monkey Punch, con conseguente riduzione del tempo di presenza di questi ultimi (Jigen, Goemon e Fujiko compariranno in totale mezz'oretta scarsa), ciò che da fan mi ha urtata a dismisura è vedermi agitare davanti agli occhi la promessa di una versione più hard boiled di Lupin e soci, come dimostra il tesissimo confronto finale col villain di turno, e scoprirla ridotta a un "non lo famo ma lo dimo" rappresentato dalla comparsa di Jigen e Goemon completamente coperti di sangue dopo una battaglia mai mostrata (!!!). Qui lo dico e qui lo nego, Lupin III VS Cat's Eye a livello di gente ferita male è quasi al pari di un'opera di Koike, e tutta questa potenzialità sprecata solo per ridurre Lupin a un rottame, quasi a mo' di punizione per essere "cattivo" mentre le Cat's Eye sono buone, mi ha messo addosso un dispiacere impossibile da sedare solo con la consapevolezza che, finalmente, Zenigata ha il ruolo di intraprendente e capace ispettore che gli spetterebbe da tempo (mentre Matthew/Toshio ci fa la figura del minchione. Ma nei miei ricordi non era tanto diverso...). A tal proposito, mi avrebbe fatto inoltre piacere che le caratteristiche ed abilità delle singole sorelle Kitsugi andassero ad amalgamarsi/cozzare con quelle dei membri della banda di Lupin, mentre invece l'interazione tra i due gruppi, al di fuori di Lupin e Ai, è praticamente nulla e se non è uno spreco questo non so davvero cosa sia! Un'altra cosa che personalmente non ho apprezzato, ma lì trattasi di gusti e quindi passabili di venire contestati con facilità, è il character design. Riconosco che sia mille volte meglio un design comune a tutti i personaggi piuttosto che quell'orribile accozzaglia di stili che mi sono subita guardando i crossover con Detective Conan, però mi fa impressione vedere Lupin e soci con quei nasi a patata e quei busti e braccia tagliati con l'accetta; tanto quanto, Goemon mi diventa ancora più belloccio, non fosse per quei pettorali alla Toriyama, ma Lupin è davvero improponibile e Fujiko, per quanto bella bella in modo assurdo, non sembra nemmeno lei. Quanto a Jigen, l'unica cosa che ho apprezzato di questa rigida e sciapa versione senza personalità del mio amato pistolero, è l'elegante gilet. Altro punto dolente, almeno per me, le animazioni, ma anche qui vale il gusto personale, visto che non amo la freddezza derivante dalla combinazione di animazioni computerizzate e disegni tradizionali, in quanto mi comunicano lo stesso senso di rigidità del character design di cui sopra. Insomma, immaginavo che Lupin III VS Cat's Eye non avrebbe incontrato i miei gusti a livello "visivo", ma non che sarei rimasta con l'amaro in bocca pensando a tutte le cose potenzialmente belle che vengono solo accennate e poi lasciate cadere a livello di trama, quindi per quanto mi riguarda il giudizio è una bocciatura con tristezza annessa e la speranza che, in futuro, possano riproporre un crossover come questo con tutti gli aggiustamenti del caso. I want to believe!

Hiroyuki Seshita è il co-regista della pellicola. Giapponese, ha diretto film come Blame! e Godzilla - Il pianeta dei mostri. Anche produttore, ha 56 anni.

Kôbun Shizuno è il co-regista della pellicola. Giapponese, ha diretto film come Ken il guerriero - La leggenda del vero salvatore, Ken il guerriero - La leggenda di Toki, Detective Conan: L'undicesimo attaccante, Godzilla - Il pianeta dei mostri e serie quali Elfen Lied. Anche animatore, ha 50 anni. 

Keisuke Ide è il co-regista della pellicola. Giapponese, anche animatore, ha diretto episodi della serie Levius. 

Il Bollodromo #96: Lupin Zero (2022)

Poiché uno dei punti d'onore del mio Blog è quello di avere un Progetto Lupin III che, non si sa come, sono più o meno riuscita a tenere aggiornato salvo per le prime quattro serie (chissà, magari quando sarò in pensione...), mi sembra giusto scrivere due righe anche su Lupin Zero, serie animata uscita direttamente su internet nel dicembre del 2022 a cui, onestamente, non avrei dato un euro. Questo è uno dei motivi per cui non mi sono impegnata a fare l'ormai tradizionale recensione episodio per episodio, ed è un peccato, perché Lupin Zero è davvero uno spin-off carinissimo! Al momento la serie non è stata ancora adattata per il mercato italiano ma Anime Factory ha annunciato che la farà uscire anche da noi in futuro, quindi aguzzate occhi e e orecchie e, nel frattempo, leggete i miei affettuosi pensieri in merito. ENJOY!

AGGIORNAMENTO AL 18/01/2023: mi è appena arrivato un comunicato di Anime Factory dove si dice che da oggi, 18/01/2023, tutti gli episodi sono disponibili in lingua originale sottotitolata, in attesa della versione doppiata che arriverà a pochi mesi di distanza. È possibile guardare tutti i 6 episodi della miniserie di LUPIN ZERO su Amazon Prime Video, tramite il seguente link: https://bit.ly/LupinZero_PrimeVideo

Di cosa parla?

Lupin Zero è una sorta di prequel della serie principale e vede Lupin e Jigen in un'inedita ambientazione scolastica che serve giusto da sfondo e per contestualizzare più o meno gli anni in cui accadono le vicende narrate (gli anni '60, direi). Fulcro delle sei puntate sono i tentativi del giovane Lupin, non ancora divenuto "terzo", di trovare un cammino alternativo rispetto a quello che vorrebbero per lui il nonno, Lupin I, e il padre, Lupin II, oltre alla nascita e il consolidarsi del rapporto di amicizia tra il ragazzo e Jigen. 

Cose che mi sono piaciute

Come ho scritto all'inizio, temevo che Lupin Zero fosse una cretinata della peggior specie, invece è riuscita ad infondere al franchise un po' della freschezza che era andata perdendosi nella sesta serie, quella sì molto deludente. Vedere Lupin e Jigen alle medie è stato uno shock da cui mi sono ripresa abbastanza facilmente, considerato che le avventure che li vedono protagonisti sono incentrate essenzialmente su furti e bravate commessi da due ragazzini scapestrati, il che rende la serie molto divertente e ne vivacizza parecchio il ritmo; in sei puntate, inoltre, i realizzatori sono riusciti anche ad imbastire un'interessante trama orizzontale, legata a un paio di episodi del manga originale, e creare l'inizio di una mitologia del "terzo", un Lupin indipendente dai suoi predecessori (ma più simile al "secondo" di quanto si possa pensare). Da amante di Jigen ho trovato ovviamente molto interessante l'idea di un lupo solitario cresciuto da un padre mercenario, sballottato in giro per il mondo e costretto a crescere molto più in fretta rispetto ai suoi coetanei, che in Lupin riesce a trovare non solo un alleato ma anche una scintilla della fanciullezza perduta e uno sprone a lottare per ottenere quello che gli fa battere il cuore, a prescindere dalla sua natura (la quinta puntata mi ha commossa e mi ha messo i brividi, sono sincera). Le animazioni sono nella norma per il genere di produzione, senza infamia e senza lode, viceversa la sigla iniziale e finale sono una spettacolare botta vintaggia, soprattutto per noi italiani che non le conoscevamo, per così dire: la prima è una versione riarrangiata della storica Afro "Lupin '68", tema portante della prima serie che avrete sentito mille volte, la seconda è un po' meno conosciuta e trattasi di Rupan Sansei shudaika II, quella in cui Fujiko corre su una moto al tramonto per intenderci, una roba meravigliosa che grida "anni '60" in ogni nota. 

Cose che non mi sono piaciute

Non c'è nulla che mi abbia fatto storcere particolarmente il naso, salvo forse che avrei voluto qualche puntata in più. Dopo i 26 inutili episodi della sesta serie, averne una dozzina di Lupin Zero non mi avrebbe fatto schifo per niente. Al limite, cambiando argomento, avrei delle perplessità sulla scelta di lasciare a Jigen e Lupin, più o meno, le stesse identiche personalità delle serie ufficiali, senza grandi differenze che potessero lasciare spazio a degli sviluppi; inoltre, non ho idea di quanti anni dovrebbe avere Jigen qui (Lupin dovrebbe essere tredicenne e Jigen ripetente, forse, quindi un sedici/diciassette anni, considerato che il canon lo vorrebbe più vecchio rispetto al protagonista?), ma vederlo fumare come una ciminiera mi ha perplessa.

E quindi?

E quindi spero, per il pubblico italiano, che Lupin Zero approdi presto da noi, possibilmente senza troppe censure (sperate che rimanga fuori da Mediaset o probabilmente Lupin I lo vedrete in scena giusto per 5 minuti, tra donne nude, violenza e "sospetti" di bisessualità, mentre la puntata del condotto zeppo di whisky rischia di trasformarsi in un episodio sul the alla pesca) perché è un'opera piccolina ma deliziosa che merita di essere guardata e che potrebbe regalare delle gioie ai fan!

Ballo Ballo (2020)

L'uscita imperdibile della settimana scorsa, ahimé solo su Amazon Prime Video, è stata Ballo ballo (Explota Explota), diretto e co-sceneggiato nel 2020 dal regista Nacho Álvarez. 

Trama: dopo aver mandato a monte un matrimonio, María torna a Madrid e lì viene notata dal presentatore di un programma televisivo che le fa riscoprire un mai sopito amore per il ballo.

Era l'ottobre del 2020, forse anche prima, e tra le varie notizie che si rincorrevano relativamente al Torino Film Festival c'era la quasi certezza che ad aprire la kermesse ci sarebbe stato il musical di un regista uruguayano, interamente basato sulle canzoni di Raffaella Carrà. Potete immaginare la mia gioia alla notizia e la mia conseguente delusione quando, sul programma della versione online del festival, ho visto che di Ballo Ballo non c'era traccia. Aspetta aspetta, Explota Explota è arrivato su Amazon Prime Video e forse è meglio così: non so se, persa nel pubblico cinèfilo e un po' snob delle sciure bene torinesi mi sarei goduta il film, costretta a trattenermi dal cantare, ballare e applaudire senza freni, come invece ho fatto a casa durante una chiassosa, esilarata proiezione col Bolluomo. E considerato che Ballo Ballo è un film che fa della libertà e della trasgressione il suo punto di forza, vedere un pubblico trattenuto avrebbe dato dispiacere non solo al regista, ma anche alla sua italica musa, quella Carrà che noi piccini anni '80 abbiamo imparato a conoscere come "seria" (benché ancora un po' trash. Chi dimentica Lalla nell'isola di Tulla è complice) conduttrice di Pronto Raffaella? e dei suoi emuli ma che, in realtà, negli anni '60-'70 era diventata famosa a livello internazionale proprio grazie a testi, balli e mise per l'epoca assai audaci. Non è un caso, dunque, che Ballo Ballo sia ambientato negli anni '70 di una Spagna ancora franchista, all'interno di uno studio televisivo controllato dalle rigidissime regole del censore Celedonio Cuesta, al quale si oppone la ribellione ballerina della giovane María, che oltre ad amare la danza ha avuto anche il coraggio di lasciare sull'altare uno sposo che non era certa di amare, e non è un caso che tutti i protagonisti del film anelino alla libertà, all'amore e alla libertà di amare, con una modernità di cui la Carrà era pioniera.

Da questo punto di vista, Ballo Ballo è meno superficiale di quanto appaia. María si è allontanata dalla religione in quanto ne ha sempre visto solo l'aspetto repressivo, di contro Amparo apre il suo cuore ai miracoli di Santa Chiara, non solo ai bei ragazzi che le passano davanti, e mai una volta si ha l'impressione di un giudizio negativo nei confronti del suo essere "libertina" e "procace"; Pablo, figlio di Celedonio, si innamora di Marìa e questo gli apre gli occhi sul proprio atteggiamento nei confronti del padre in particolare e della vita in generale, Massimiliano rispetta la libertà di María e in definitiva, poiché la ama, rispetta le sue scelte. Alla fine ci sono solo due personaggi davvero negativi in Ballo Ballo, il censore e il laido presentatore, in quanto entrambi violano la libertà altrui, il primo perché la nega tout court e il secondo perché chiede un prezzo alle cosiddette Roselline per poterla mantenere. Questi temi non del tutto sciocchi vengono inseriti all'interno della cornice gioiosa, colorata e trash che ci si potrebbe aspettare da un musical basato sulle canzoni della Carrà; tra coreografie esaltanti, costumi sgargianti ed esilaranti momenti kitsch, Nacho Álvarez non dimentica nemmeno uno dei successi più conosciuti di Raffa nostra e ne aggiunge alcuni perfetti per completare la storia che personalmente non conoscevo, come per esempio la modernissima Luca (quella che mi ha colpito maggiormente), che già nel '78 poneva dubbi sulla sessualità di un uomo. Il risultato è un film trascinante ed allegro, dotato di una forza trascinante anche nei momenti più "tristi", che sicuramente in questo periodo di malumore e sconforto potrebbe funzionare come un raggio di sole per molti spettatori anche se, ovviamente, i difetti non mancano.

Gli attori, per esempio, hanno strappato a me e Mirco più di una risata e anche qualche sguardo indignato da parte sua. I giovanotti sono infatti tutti fighi da morire e se Fernando Guallar sembra un incrocio tra Ryan Gosling e Chris Evans (uccidetemi ma quella di Ballo Ballo è una better love story than La La Land, peraltro a mio avviso spesso citato nei colori degli abiti di María e in un paio di momenti "intimi" tra lei e Pablo), Giuseppe Maggio ha due occhi splendidi, il che rende Ballo Ballo uno spettacolo soprattutto per il pubblico femminile... ma non si può dire che attori e attrici siano dei mostri di recitazione, a partire dalla stessa Ingrid García-Johnsson, più brava a ballare che a recitare. C'è poi un enorme problema che nasce dal momento in cui uno spettatore italiano, com'è successo a me, vuole godersi le canzoni della Carrà nella nostra lingua, anche per fare un po' di sing-along. Il doppiaggio rispetta fedelmente i testi delle canzoni di Raffaella e il labiale ne risente, anche perché, ovviamente, in Explota Explota cantano in spagnolo, e la cosa purtroppo dà al film un aspetto raffazzonato, di adattamento e doppiaggio fatto a tirar viva, il che unito a un'abilità recitativa non proprio all'altezza, rischia di fare storcere il naso a più di uno spettatore. Io, in questo caso, me ne sono fregata: ho seguito il cuore e ho già eletto Ballo Ballo a guilty pleasure del 2021, un film antidepressivo da guardare e riguardare nei momenti di Grossa Grisi. Grazie Amazon per averlo finalmente portato in Italia!!

Nacho Álvarez è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Uruguayano, è al suo primo lungometraggio. Anche attore, ha 34 anni.

Oltre a Raffona nostra, che compare non vi dico dove, tra le guest star ce n'è una insospettabile, ovvero il regista Fede Alvarez, che è uno dei clienti del bar dove Massimiliano va a cercare María. ENJOY!

The Lie (2018)

Parliamo oggi del secondo film della serie Welcome to the Blumhouse, che potete trovare dal 6 ottobre su Amazon Prime Video, ovvero La bugia (The Lie), diretto e co-sceneggiato nel 2018 dalla regista Veena Sud.

Trama: Kayla, figlia di genitori separati, si reca a un ritiro di danza classica in macchina col padre. Durante il tragitto, i due incrociano un'amica di Kayla, diretta allo stesso ritiro, e le danno un passaggio ma durante una sosta imprevista la ragazza scompare...

Alla fine della visione di The Lie mi verrebbe da chiedere a Jason Blum se la sua intenzione è quella di coglionare il pubblico. Onestamente, non so come sia nato questo progetto Welcome to the Blumhouse ma, visto il titolo, mi verrebbe da pensare che i quattro film di cui è composta la serie dovrebbero essere una vetrina della famosissima casa di produzione. Tenendo a mente questo, passi Black Box che è un thriller con risvolti alla Black Mirror sottilmente inquietante, ma The Lie sembrerebbe quasi un fondo di magazzino. Dico "quasi" perché il cast, così come la regia, sono di primo livello e tutti i coinvolti, in primis Joey King e Peter Sarsgaard (che pare essersi trasformato in una versione giovane di Jack Nicholson, solo più calma), offrono interpretazioni assai valide, ma già parliamo di un remake di un film tedesco che probabilmente conoscono in quattro, e poi The Lie è quasi più un dramma familiare che un thriller, dove per "dramma familiare" intendo "trio di deficienti che meriterebbero di morire male, soprattutto la figlia". The Lie è infatti uno schiaffo alla suspension of disbelief necessaria ad accettare il 90% degli horror o thriller, perché va bene UNA scelta cretina che mette in moto tutta la trama, ma per assistere a un'ora e mezza di scelte cretine motivate da un attaccamento familiare che rasenta il patetico e spesso raggiunge ragguardevoli livelli Mulino Bianco, allora guardo uno slasher anni '80 dove l'ignoranza e l'intrattenimento la fanno da padrone.

I personaggi di The Lie, ahiloro, sono tutti mediamente odiosi, inizialmente di quell'"odiosità" tipica di personaggi codificati nel più banale dei modi: c'è la figlia adolescente in piena tempesta di disagio emotivo, il padre che all'età di quasi 50 anni ancora non ha smesso di fare il musicista bohemien, la madre che è ovviamente una donna in carriera esigentissima con la figlia e disgustata dall'ex marito. Insomma, ci sarebbe tutto quello che serve per una bella Muccinata a base di pianti e strilli finali, il problema è che nel mezzo serve inserire anche un po' di thriller psicologico, e ciò comporta trasformare tre personaggi già odiosi di per sé in tre creature per le quali non riuscire a provare neppure un po' di empatia, non davanti a un twist nel pre-finale che a me ha fatto l'effetto di un Nelson che punta il dito urlando "Haa-haa!" e soprattutto NON davanti a un finale in cui ho sperato che The Lie diventasse il peggiore dei torture porn con annessa possibilità di infilarsi un visore 3D e avere l'illusione di partecipare alla mattanza per sfogarsi un po'. Peccato, soprattutto peccato perché ogni qualvolta The Lie minaccia di diventare davvero angosciante entra a gamba tesa il momento "tristezza casalinga" che affloscia ogni cosa e non bastano le belle immagini, fatte di luce, neve, vetri e ambienti spaziosi dove è impossibile nascondere e nascondersi, per arrivare ad apprezzare il secondo Welcome to the Blumhouse. Punto tutto sui prossimi due, che dovrebbero uscire proprio oggi, sperando di non rimanere delusissima da un'operazione che aspettavo con ansia. 

Di Peter Sarsgaard (Jay) ho già parlato QUI mentre Joey King (Kayla) la trovate QUA.

Veena Sud è la regista e co-sceneggiatrice del film. Canadese, ha diretto un altro lungometraggio, The Salton Sea. Anche produttrice, ha 53 anni.

The Lie è il remake di un film tedesco del 2015 inedito in Italia, We Monsters. Se il film vi fosse piaciuto recuperatelo, altrimenti anche no! ENJOY!

Black Box (2020)

Il sei ottobre sono usciti su Amazon Prime i primi due film della serie Welcome to the Blumhouse e ovviamente non potevo esimermi dal guardarli! Il primo è stato Black Box, diretto e co-sceneggiato dal regista Emmanuel Osei-Kuffour.

Trama: dopo un terribile incidente in cui la moglie ha perso la vita, Nolan non ha più ricordi e fatica ad avere una vita normale per lui e per la figlioletta Ava. Disperato, chiede aiuto alla dottoressa Lillian, ma qualcosa continua ad essere terribilmente sbagliato...

Piccolo disclaimer per tutti quelli che si accingeranno a guardare i due originali Blumhouse su Amazon Prime Video: non aspettatevi un horror da non dormire la notte, anzi, non aspettatevi un horror, almeno per quanto riguarda il film in esame. Black Box si pone più sulla falsa riga di un episodio di Black Mirror, e si appoggia a un concetto di tecnologia utile e futuristica ma foriera di incubi se messa nelle mani sbagliate e racconta di un uomo che, dopo un incidente in cui è morta la moglie, si ritrova senza alcun ricordo della sua vita precedente. La sceneggiatura di Black Box si impegna molto a sottolineare il disagio legato a questa mancanza di ricordi, unita all'orrore di vedere la propria mente sempre più labile e slegata dalla realtà, e ci presenta un uomo "normale" costretto a fare fronte, in solitudine, all'inevitabile distacco verso una figlia "estranea" che, poverella, si adopera in ogni modo per aiutare papà, finendo vittima di un dolore enorme quando quest'ultimo dimentica cose fondamentali per una bimba matura ma ancora piccolina. Quel che è peggio è che il protagonista è piagato da orribili visioni di una creatura senza volto e disarticolata che ogni volta tenta di inserirsi nei suoi ricordi impedendogli di afferrare quelli fondamentali, soprattutto quando subentrano le terapie della dottoressa Lillian, che mescolano l'ipnosi alla realtà virtuale, terapie che, invece di rendere Nolan integro e consapevole, lo spingono ancor più alla confusione e al terrore di perdere ciò che resta della sua esistenza. E più non dimandate, perché se è vero che un paio di colpi di scena sono intuibilissimi per uno spettatore mediamente scafato, è comunque vero che il gusto della sorpresa rende Black Box più interessante. 

Per quanto riguarda la realizzazione, l'unico aggettivo con cui posso definire la regia è "pulita". Emmanuel Osei-Kuffour, al suo primo lungometraggio, non si perde in troppi fronzoli e realizza un film fatto di immagini chiare e luminose, con alcune inevitabili concessioni a qualcosa di più onirico, com'è ovvio per una pellicola che prevede una parziale esplorazione della mente umana, ma senza esagerare: il passaggio tra ricordi e realtà, per esempio, è sempre chiaro e netto e se non fosse per volti cancellati e creature che ricordano l'uomo storto di The Conjuring non ci sarebbe molta differenza tra ricordi e presente. E' palese inoltre l'omaggio a uno dei film di punta della casa di produzione, Get Out, a cui si rimanda non solo grazie al cast all-black ma anche per alcune sequenze di ipnosi che ricordano tantissimo il capolavoro di Jordan Peele e che, neanche a dirlo, mi hanno fatto venire voglia di riguardarlo. Nulla da dire sul cast, composto quasi tutto da facce per me nuove che non mi hanno particolarmente entusiasmata se devo essere sincera, salvo per il meraviglioso zappino della piccola Amanda Christine, che avrebbe fatto faville nel cast di Otto sotto un tetto o Tutto in famiglia con quel suo modo di fare tra il petulante e il tenerissimo, che verso il finale è in grado di spezzare il cuore a un sasso. A dirla tutta, come potenziale vetrina della Blumhouse Black Box non è un film fenomenale o indimenticabile, ma si lascia guardare. Sono curiosa di vedere come saranno i prossimi! 

Emmanuel Osei-Kuffour è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Americano, è al suo primo lungometraggio. E' anche produttore e attore.

Mamoudou Athie interpreta Nolan. Mauritano, ha partecipato a film come The Circle e Underwater. Anche produttore, ha 32 anni e un film in uscita. 

Phylicia Rashad interpreta Lillian. Famosa per il ruolo di Claire nella sit-com I Robinson, ha partecipato a film come Buon compleanno Topolino!, Creed - Nato per combattere, Creed 2 ad altre serie quali Santa Barbara, Love Boat, Blossom e Cosby; come doppiatrice ha lavorato in Tartarughe ninja alla riscossa e The Cleveland Show. Anche produttrice, ha 72 anni e due film in uscita tra cui Soul.