Un giorno di terrore (1964)

Hai capito quante ne sa lo zio Stephen? La sua Danse Macabre mi fa sempre scoprire dei gioiellini, come questo Un giorno di terrore (Lady in a Cage), diretto nel 1964 dal regista Walter Grauman.

Trama: una donna costretta da una frattura ad usare l'ascensore per arrivare al secondo piano della sua enorme villa vi rimane bloccata all'interno a causa di un'interruzione di corrente. La signora non si perde d'animo e suona l'allarme che, purtroppo, non viene udito dalla polizia ma da un branco di balordi che la terrà prigioniera...

Stephen King ne sa da vendere ma stavolta mi ha fatta diventare matta a cercare Un giorno di terrore! Nella mia edizione di Danse Macabre il film è infatti segnato come The Cage, diretto da Walter GraumanN e  persino del 1961. Insomma, King non ne ha azzeccata una ma sono convinta di aver trovato la pellicola che intendeva e comunque, se anche così non fosse, avrei avuto la fortuna di incappare in un gioiellino che potrebbe essere definito tranquillamente l'antenato degli home invasion. Un giorno di terrore, come da titolo italiano, è la cronaca di una terribile giornata in cui Cornelia Hilyard, molto banalmente, rimane chiusa nel piccolo ascensore casalingo di cui è costretta a servirsi dopo essersi rotta un'anca; per un banalissimo incidente l'ascensore si ferma a pochi metri dal suolo e Cornelia si ritrova in gabbia proprio durante il caldissimo 4 luglio, giorno in cui ogni americano benestante che si rispetti parte per il meritato weekend fuori porta. Fuori dalla villa di Cornelia c'è il caos di macchine e clacson e nessuno sente il richiamo della povera donna... nessuno, ovviamente, tranne l'ubriacone di quartiere che purtroppo si porterà appresso senza volerlo tre animali, i "genitori" dei drughi di Arancia Meccanica e i "nonni" dei tre maledetti mascherati di The Strangers. Fulcro del thriller è proprio la dicotomia tra la "Lady" del titolo originale, convinta di vivere il suo perfetto idillio altoborghese, e la jungla selvaggia che esiste appena fuori dai confini del suo praticello ben tagliato, un microcosmo fatto di esseri sudici ed arrabbiati che lottano con le unghie e con i denti per sopravvivere strisciando (volutamente ignorati) ai margini della società. Questa realtà selvaggia e priva di regole irrompe violenta nella casa di Cornelia e lei si ritrova inerme chiusa all'interno di una gabbia, con gli "animali" che sono liberi di scorazzare e di aprirle gli occhi su molte cose spiacevoli, non ultime quelle che accadono sotto il suo stesso naso, all'interno di un nucleo familiare apparentemente perfetto. L'aspetto "melodrammatico" della pellicola è giusto un di più per portare progressivamente Cornelia alla follia ma quello che rende Un giorno di terrore meritevole ancora oggi è il senso di claustrofobica tensione che permea l'intero film e che, di fatto, dovrebbe essere alla base di ogni home invasion che si rispetti: la protagonista è ad un passo dalla libertà ma è fisicamente impossibilitata a raggiungerla, sente gente che le entra in casa ma non è in grado di vederla, quando finalmente si ritrova faccia a faccia con gli invasori questi hanno la testa inguainata in dei collant che ne distorcono i lineamenti facendoli assomigliare a veri e propri mostri e il loro comportamento è altrettanto folle ed imprevedibile. Insomma, uno shock via l'altro, povera donna!

La donna in questione, peraltro, è Olivia de Havilland, assolutamente perfetta. Sì, forse se nell'ascensore ci fosse stata Joan Crawford come avrebbe dovuto, il film sarebbe diventato ancora più cult di quello che è ma Lady de Havilland ha il phisique du role adatto ad interpretare un'altolocata signora destinata a perdere il controllo col passare del tempo e a diventare sempre più sudata, spettinata, impresentabile e soprattutto folle di terrore e disperazione. I cattivi non sono da meno, ovviamente. Il giovanissimo James Caan, che per tutto il film scimmiotta il Marlon Brando di Un tram chiamato desiderio, mette una paura incredibile e i suoi lacché (un guappo sudamericano e una fatalona bionda completamente in botta che mi ha ricordato tantissimo la Baby di Sheri Moon Zombie) infondono al gruppetto quel pizzico di imprevedibile ed "innocente" follia in grado di mettere i brividi non solo agli sfortunati che finiscono per capitare nelle loro grinfie ma anche allo spettatore. E comunque Un giorno di terrore è disturbante sin dai titoli di testa, che ricordano tanto quelli dello Psyco di Hitchcock, con delle linee verticali che frantumano l'azione delle scene tratte da un ordinario giorno di calura estiva seguendo il ritmo jazz e sincopato delle note di Paul Glass; tra le scene "interrotte", due sono particolarmente inquietanti e riguardano una bimba di colore che gioca con le ruote di un pattino sulla gamba di un uomo privo di sensi e un cane che giace morto a bordo strada nell'indifferenza degli automobilisti vacanzieri. La macchina da presa di Walter Grauman (che poi è finito a fare serie e film TV, chissà perché) ci trasforma poi intelligentemente in voyeur penetrando la santità di casa Hilyard passando direttamente dalle ventole per l'aria condizionata, facendoci capire quanto sia facile per chiunque violare la sicurezza delle nostre case e delle nostre convinzioni; d'altronde, a quei tempi gli americani avevano visto un presidente morire davanti agli occhi di milioni di persone e la minaccia nucleare era uno spauracchio palpabile quanto la crisi missilistica di Cuba quindi non è difficile pensare a Un giorno di terrore come allo specchio oscuro di quei tempi colmi di incertezza e paura. Motivo in più, ovviamente, per recuperarlo!

Di James Caan, che interpreta Randall Simpson O'Connell, ho già parlato QUI.

Walter Grauman è il regista della pellicola. Americano, ha diretto episodi di serie come Perry Mason, Gli intoccabili, Ai confini della realtà, Visitors e La signora in giallo. Anche produttore e sceneggiatore, è morto proprio a marzo di quest'anno, all'età di 92 anni.

Olivia de Havilland interpreta Cornelia Hilyard. Nata in Giappone, la ricordo per film come La leggenda di Robin Hood, Via col vento, Piano... piano, dolce Carlotta, Airport '77 e The Swarm, inoltre ha partecipato a serie come Radici e Love Boat. Ha vinto due Oscar come miglior attrice protagonista, uno per L'ereditiera e uno per A ciascuno il suo. Ha 99 anni.

Jeff Corey interpreta George L. Brady Jr. Americano, ha partecipato a film come Frankenstein contro l'uomo lupo, Il miracolo della 34sima strada, Il Grinta, Butch Cassidy, L'altra faccia del pianeta delle scimmie, I quattro dell'oca selvaggia, Conan il distruttore, Due nel mirino, Beethoven 2, Il colore della notte e a serie come Star Trek, Starsky & Hutch, Il tenente Kojak, A-Team, Pappa e ciccia, Santa Barbara e Streghe. Anche regista, è morto nel 2002, all'età di 88 anni.

Olivia de Havilland si è ritrovata a dover sostituire Joan Crawford, che era già stata annunciata come protagonista, e lo stesso è successo poi l'anno seguente con Piano... piano, dolce Carlotta perché, a quanto pare, la Crawford detestava talmente tanto Bette Davis dal finire per ammalarsi e rinunciare così al film. Detto questo, se Un giorno di terrore vi fosse piaciuto recuperate Funny Games, The Strangers, L'ultima casa a sinistra, Panic Room, La notte del giudizio e You're Next. ENJOY!

La notte delle streghe (1962)

In queste calde noti d'estate prosegue la rassegna Danse Macabre, che oggi ci porta in Inghilterra con La notte delle streghe (Night of the Eagle o Burn, Witch, Burn), diretto nel 1962 dal regista Sidney Hayers e tratto dal romanzo Ombre del male (o Il complotto delle mogli) di Fritz Leiber.

Trama: Norman, professore universitario notoriamente scettico nei confronti di magia e paranormale, scopre un giorno che la moglie Tansy si diletta con la stregoneria e ha nascosto in tutta la casa amuleti e talismani per propiziare la buona sorte...

La notte delle streghe comincia con una lapidaria scritta su una lavagna: "Io non credo". Una roba da far inorridire Mulder e il suo "Io voglio credere". Avete mai provato a ragionare con una persona assolutamente ottusa, qualcuno che non è semplicemente incapace di accettare le vostre parole, bensì non vuole proprio provare a capirle perché sono totalmente avulse da ciò in cui egli crede fermamente? I razionalisti a tutti i costi, che non accettano neppure per un secondo superstizioni, paure o fantasie a mio avviso sono folli quanto quelli che vedono le Madonne nelle crepe del muro o i fascisti che ripetono imperterriti "quando c'era lui i treni arrivavano in orario" perché mancano dell'elasticità mentale per affrontare l'imprevedibile e quando le loro vite vengono stravolte sono i primi ad uscire di testa. Il che è proprio quello che succede a Norman, protagonista di La notte delle streghe. La sua vita, come direbbe Zerocalcare, è "'na crema": ha una bella casa, un lavoro prestigioso all'università e sta per ottenere una promozione, è amato dai suoi studenti nonché rispettato dai colleghi, infine ha una bellissima moglie che morirebbe per lui. Tansy, la moglie in questione, ha un unico, trascurabile difetto, ovvero è MOLTO superstiziosa. Anzi, sembrerebbe quasi che la donna pratichi la stregoneria visto come ha disseminato la casa di talismani per "proteggere il marito dalla malasorte". Siccome Norman, come abbiamo detto all'inizio, non crede e in più sta anche scrivendo un libro sulle nevrosi, la situazione lo porta, da bravo uomo degli anni '60, a liquidare la moglie come pazza e a convincerla a liberarsi di tutti gli ammenicoli ed è proprio qui che scatta ciò che rende La notte delle streghe incredibilmente interessante: vuoi per il caso, vuoi perché davvero Tansy è una strega, da quel giorno Norman comincia ad essere vittima delle sfortune peggiori. E' in questo momento che Sidney Hayers e gli sceneggiatori, tra i quali spicca l'ormai onnipresente Richard Matheson, cominciano il gioco che sta alla base dell'intero film, ovvero il continuo palleggiare tra dubbio e certezza, tra possibilismo nei confronti della magia e scetticismo, tra superstizione e razionalismo, un gioco che non offre risposte chiare allo spettatore ma lo costringe a parteggiare per l'una o l'altra fazione e a farsi continuamente delle domande: d'altronde, come dice uno dei personaggi, la magia trae il suo potere dalla capacità della vittima designata di credere e una volta che il tarlo dell'incertezza si è insinuato nella mente è difficile chiudere gli occhi o non ravvisare una satanica melodia in quello che dovrebbe essere solo un semplice suono.

Il dualismo della pellicola e i tormenti dei protagonisti vengono rappresentati alla perfezione da Sidney Hayers. Se credete che un film in bianco e nero dei primi anni '60 non possa fare paura, sappiate che bastano alcune rapide inquadrature che staccano repentine dagli occhi terrorizzati dei protagonisti e vanno a fissarsi su una porta dalla quale provengono dei colpi fortissimi per mettere l'ansia anche a chi ormai di horror ne ha visti parecchi. Nonostante l'argomento trattato (e forse anche per un budget inevitabilmente limitato) gli effetti speciali sono davvero pochi e si concentrano essenzialmente nel dare un corpo all'Aquila citata in uno dei due titoli con cui è stato distribuito il film ma questo non è un difetto, anzi: la scelta o la necessità di mostrare ambienti borghesi e familiari quasi interamente girati in interni insinua nello spettatore innanzitutto un senso di claustrofobia e sospetto, poi impedisce di dare una spiegazione unilaterale agli eventi narrati, anche quando sembra che l'ago della bilancia penda decisamente verso l'interpretazione "irrazionale". L'eleganza della regia e della fotografia in bianco e nero, che mettono in risalto soprattutto gli occhi e i volti dei protagonisti, sopperiscono ad un cast non proprio di prim'ordine, fatto di visi anche troppo anonimi (tra i quali forse l'unico degno di venire ricordato è quello dell'odiosa Flora interpretata da Margaret Johnston) ma anche questo sono arrivata a non considerarlo un difetto perché probabilmente degli attori più carismatici o particolari avrebbero privato la pellicola di quel taglio "borghese" assolutamente necessario a preservare la sua magia (anche se di magia non si può parlare con certezza, ovvio!). Lo zio King ha colpito ancora, quindi. Se siete in vena di horror d'annata e un po' particolari seguite anche voi il suo consiglio e recuperate La notte delle streghe (sul Tubo si trova. In inglese e senza sottotitoli ma si trova!).

Sidney Hayers è il regista della pellicola. Scozzese, ha diretto film come Il circo degli orrori e episodi delle serie Agente speciale, Ralph supermaxieroe, Magnum P.I., Manimal, Hunter, Supercar, A-Team e Baywatch. Anche produttore, sceneggiatore e attore, è morto nel 2000, all'età di 78 anni.

Peter Wyngarde (vero nome Cyril Louis Goldbert) interpreta Norman Taylor. Francese, ha partecipato a film come Flash Gordon e a serie come Agente speciale, Simon Templar e Doctor Who. Ha 82 anni.

Dal romanzo di Fritz Leiber sono stati tratti altri due film, Weird Woman (del 1944, con Lon Chaney Jr.) e Witches' Brew (del 1980, con la Inga di Frankenstein Jr. Teri Garr e Lana Turner); io non li ho mai visti ma se La notte delle streghe vi fosse piaciuto potreste provare a cercarli! ENJOY!

Ballata macabra (1976)

Continua l'informale "rassegna Dance Macabre", discontinua ma sempre presente nel mio cuore! Oggi tocca a Ballata macabra (Burnt Offerings), diretto e co-sceneggiato nel 1976 dal regista Dan Curtis partendo dal racconto omonimo di Robert Marasco.

Trama: una famiglia decide di affittare una villa per le vacanze estive. Presto cominciano ad accadere cose strane e pericolose ed in particolare mamma Marian inizia a risentire dell'atmosfera negativa del luogo, diventando morbosamente attaccata all'edificio...

Il buon Stephen King mi sta facendo scoprire delle perle che nella mia ignoranza crassa nemmeno sapevo esistessero e, soprattutto, sta risvegliando in me il gusto per l'horror vintaggio anni '60-'70. Alla strafaccia della censura vigente, quelli erano gli anni in cui il cinema assestava allo spettatore le stilettate più cattive ed inaspettate, senza rispettare nessuno, nemmeno donne, vecchi o bambini e nell'attesa che arrivassero i Signori dello slasher o degli zombie ci pensavano onesti mestieranti come Dan Curtis a rendere insonni le notti degli americani. Pur essendo privo dei soliti fantasmi infestanti o di momenti da spavento facile Ballata macabra (il cui titolo americano si rifà ai sacrifici votivi ed è ovviamente molto più calzante anche se magari meno elegante di quello italiano) è infatti molto inquietante, tanto che ho avuto un po' di difficoltà a guardarlo da sola e al buio, soprattutto per la terrificante presenza di un terribile becchino ghignante ma non solo. L'orrore di Ballata macabra è di quelli che penetrano sotto la pelle, un'inquietudine sottile fatta di comportamenti bizzarri, improvvisi scoppi di violenza, eventi inspiegabili e silenzi, è il disagio derivante da legami familiari ed amicizie che si sgretolano poco a poco senza che i protagonisti possano fare nulla per impedirlo. E tutto perché un giorno papà e mamma decidono di passare le vacanze in una Casa. Le solite, maledette quattro mura tanto care alla tradizione gotica, a Shirley Jackson e a Stephen King, questi ultimi convinti sostenitori dell'idea che un edificio possa essere malvagio e pericoloso più di qualsiasi altro mostro partorito da mente umana. I membri della famiglia Rolf a poco a poco si lasciano condizionare dall'atmosfera di questa villa enorme, dove le serre sono piene di piante appassite e al piano superiore vive la misteriosa Mrs. Allerdyce, ottantenne con problemi di deambulazione e un'infinita collezione di ritratti fotografici, e cominciano a rimanere vittime di malesseri fisici e soprattutto mentali, in un'escalation di follia che raggiungerà l'apice nell'angosciante finale.

La Casa è la protagonista assoluta del film, un essere maligno con un sembiante ricco ed elegante che seduce la natura piccolo borghese dei protagonisti con promesse di lusso ad un prezzo troppo bello per essere vero. Gli arredi, le suppellettili, l'architettura degli interni e degli esterni diventano elementi fondamentali di Ballata macabra, tanto che la cinepresa di Dan Curtis indugia spesso in dettagli "di design" solo apparentemente insignificanti; importantissimi anche gli abiti ed il trucco di Karen Black che mutano impercettibilmente nel corso del film e diventano espressione della follia che sta prendendo il sopravvento nella mente della donna. A tal proposito, gli elementi più disturbanti di Ballata Macabra sono proprio gli attori. Non tanto la divina Bette Davis, nel ruolo spezzacuore di zia Elizabeth, quanto soprattutto Oliver Reed e la già citata Karen Black, due attori, mi si permetta la mancanza di rispetto, dotati di volti che ispirano ben poca simpatia o sicurezza; Reed ha già di suo un'espressione allucinata e una stazza imponente che lo rende inquietante mentre la Black, coi suoi lineamenti sensuali e lo sguardo cupo, è molto poco convincente nei panni della madre di famiglia. Questi due iconici artisti mettono in scena l'angosciante distruzione di un rapporto di coppia che forse cominciava già a mostrare delle crepe prima degli eventi portati sullo schermo (effettivamente Curtis aveva girato un'introduzione ambientata a New York, eliminata poi dallo stesso regista perché "troppo noiosa"), come se la vacanza fosse una sorta di riparazione, mentre un veleno invisibile si spande arrivando a contaminare anche il figlio e la zia, gli unici con in quali i protagonisti si mostrano rilassati, almeno all'inizio. A completare l'atmosfera cupa di Ballata Macabra c'è infine una bella colonna sonora che accompagna con insistenza lo spettatore fino ai titoli di coda, lasciandolo a fissarli impotente e con un discreto peso sullo stomaco, degno coronamento di un film che comincia lento, è vero, ma a poco a poco cattura proprio come la Casa che ne è protagonista. Recuperatelo, si trova tranquillamente su Youtube!

Di Karen Black (Marian Rolf), Oliver Reed (Ben Rolf), Burgess Meredith (Arnold Allardyce), Eileen Heckart (Roz Allardyce) e Bette Davis (Zia Elizabeth) ho già parlato ai rispettivi link.

Dan Curtis (vero nome Daniel Mayer Cherkoss) è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto episodi delle serie Dark Shadows e Venti di guerra. Anche produttore, è morto nel 2006 all'età di 78 anni.

Qualche anno dopo la casa utilizzata per questo film (la Dunsmuir Hellman House a Oakland) sarebbe diventata l'agenzia di pompe funebri di Fantasmi. Dan Curtis non ha mai apprezzato il finale aperto del racconto di Robert Marasco, che si interrompe con la sequenza della piscina in cui Ben guarda impotente il figlio mentre quest'ultimo cerca di non annegare, e ne ha inventato un'altro per il film che, tra l'altro, modifica leggermente anche la natura di Mrs. Allerdyce. Detto questo, se Ballata macabra vi fosse piaciuto recuperate Gli invasati, Sentinel, Changeling e Amityville Horror. ENJOY!

Brood - La covata malefica (1979)

La Danza Macabra di Stephen King mi ha ricordato che di tutti i film scritti e diretti dal regista David Cronenberg me ne mancavano giusto un paio; uno di questi era Brood - La covata malefica (The Brood) del 1979.

Trama: Frank Carveth cerca di tirare fuori dalla casa di cura gestita dal Dottor Raglan, esperto di rabbia, la moglie Nola, convinto che le cure del dottore stiano facendo peggiorare la salute della donna. Nel frattempo, i membri della famiglia Carveth cominciano a venire coinvolti in strani e sanguinosi omicidi...

Diavolo di un Cronenberg. Solo dalla sua mente contorta poteva nascere un film in grado di rendere tangibili ed inquietanti le emozioni negative derivanti dal suo vero e tumultuoso divorzio (con vertenza di custodia annessa) dall'allora moglie Margaret Hindson. Da questa brutta esperienza di vita vissuta, il geniaccio canadese è riuscito a trarre ispirazione e regalare così allo spettatore uno dei grandi classici dell'horror mondiale, nonché l'ennesimo tassello della sua personale poetica del body horror, agendo come i protagonisti di Brood: David ha preso la propria rabbia, il proprio disagio e le frustrazioni e li ha trasformati in qualcosa di tangibile da scatenare contro il mondo, rendendo così Brood uno squisito esempio di metacinema. Guardando il film, infatti, si può avvertire fin dalle prime sequenze un odio neanche tanto velato verso la moglie e madre Nola, una pazza iraconda priva di qualsiasi qualità positiva, e contemporaneamente un senso di amore impotente verso la piccola Candice, costretta a subire le peggiori cose senza che nessuno, men che meno gli inadeguati genitori, possa proteggerla dagli inevitabili traumi psicologici e dalle loro inevitabili, terribili conseguenze. Nonostante tutto questo, però, neanche il padre e marito, Frank, è descritto come un eroe, anzi: Cronenberg non sembra provare simpatia neppure per il personaggio maschile della pellicola, che viene descritto come un uomo costretto a mettere una pezza ad un matrimonio sbagliato solo quando è ormai troppo tardi, una persona incapace di fare il padre e costantemente distratto da cose "più importanti", a rischio di perdere la figlioletta. In tutto questo, è ovviamente immancabile il tipico dottore "Cronenberghiano", un altro adepto della "nuova carne" capace di dare un corpo alle emozioni intangibili, a rischio di scatenare orrori inenarrabili sull'umanità ignara; come spesso accade nei film di Cronenberg, il dottor Hindle è un personaggio borderline e fortemente ambiguo, spinto più da una sorta di egoistico autocompiacimento che da un reale desiderio di liberare i suoi pazienti dalla rabbia che li affligge, incapace di fermarsi davanti alle pericolose deformazioni causate dal suo metodo di cura.

Ma in soldoni come si manifesta fisicamente la rabbia in questa pellicola? Beh, se non avete ancora visto Brood - La covata malefica non sarò io a rovinarvi il gusto di scoprire la sequenza più raccapricciante del film, quella in cui viene mostrato tutto l'orrore delle deformità nate da una rabbia incontrollabile; vi basti solo sapere che il colpo di scena finale è per stomaci incredibilmente forti (non a caso la scena è stata censurata in parecchie versioni della pellicola) e che stravolge in maniera crudele uno dei concetti più belli dell'esistenza umana. In generale comunque il film è molto efferato, nonostante il body count sia basso. Cronenberg cerca di celare per buona parte della pellicola l'aspetto degli assassini che cominciano ad assaltare i membri della famiglia Carveth, preferendo concentrarsi sui sanguinosi effetti delle loro azioni e su pochi, raccapriccianti dettagli in grado di provocare brividi lungo la schiena dello spettatore e allo stesso tempo alimentare la sua curiosità; proprio per questo, personalmente ho trovato visivamente più debole la seconda parte di Brood (ovvero quando il "mistero" viene svelato), nonostante il concetto che sta alla base della trama non perda la sua forza nemmeno per un secondo. Neanche a dirlo, anche gli attori scelti sono perfetti per i loro ruoli: il volto stravolto dall'odio di Samantha Eggar (il cui personaggio, secondo la leggenda, condivide molte caratteristiche con la ex moglie di Cronenberg) non è di quelli che si dimentica facilmente e Oliver Reed ha una presenza scenica difficile da ignorare, un carisma naturale che rende assolutamente plausibile la morbosa dipendenza dei pazienti del Dottor Raglan, peraltro viscido ed ambiguo come pochi. Brood - La covata malefica non è un film per tutti, ormai l'avrete capito, ma se riuscirete a racimolare un po' di fegato per guardarlo riuscirete a godervi uno dei capolavori incontrastati del genere horror e anche uno dei migliori Cronenberg "d'annata".

Del regista e sceneggiatore David Cronenberg ho già parlato QUI mentre Art Hindle, che intepreta Frank Carveth, lo trovate QUA.

Oliver Reed interpreta il dottor Hal Raglan. Inglese, ha partecipato a film come Oliver!, I diavoli, Tommy, La stangata 2, Le avventure del Barone di Munchausen e Il gladiatore. E' morto nel 1999 all'età di 61 anni.

Samantha Eggar (vero nome Victoria Louise Samantha Marie Elizabeth Therese Eggar) interpreta Nola Carveth. Inglese, ha partecipato a film come Il favoloso dottor Dolittle, The Astronaut's Wife - La moglie dell'astronauta e a serie come Colombo, Starsky e Hutch, Love Boat, La signora in giallo, Magnum P.I. e Cold Case; come doppiatrice, ha lavorato per le serie Prince Valiant ed Hercules (dopo aver doppiato anche il film Disney). Ha 76 anni.

La piccola Cindy Hinds, che interpreta Candice, sarebbe poi comparsa anche ne La zona morta, sempre di Cronenberg. A questo proposito, se Brood - La covata malefica vi fosse piaciuto recuperate anche Rabid - Sete di sangue, Il demone sotto la pelle e Videodrome. ENJOY!

La maschera del demonio (1960)

Ultimamente avevo un po' abbandonato i recuperi consigliati da Stephen King in Danse Macabre ma con oggi si ricomincia col botto visto che parlerò de La maschera del demonio, diretto e co-sceneggiato nel 1960 dal regista Mario Bava e tratto dal racconto Il Vij di Nikolaj Vasil'evič Gogol'!

Trama: due viaggiatori trovano la tomba della strega Asa, condannata a morte alcuni secoli prima, e accidentalmente la risvegliano, mettendo così in pericolo i suoi discendenti...

Può un horror girato nel 1960 fare tuttora paura? Accidenti se può! E accidenti alle circostanze che hanno portato Bava dall'esordire alla regia (tolte le collaborazioni con Freda) con una meraviglia come La maschera del demonio, caposaldo dell'horror mondiale, al mettersi al servizio della Rai per un congedo miserrimo come La venere d'Ille, di cui ho parlato nei giorni scorsi! Siccome ho visto i due film in un periodo abbastanza ravvicinato, il paragone mi viene spontaneo e per un paio di motivi. In entrambe le pellicole l'amore proibito e sensuale è uno dei temi fondanti ma mentre ne La venere d'Ille viene declinato in chiave soapoperistica, in La maschera del demonio il sentimento che nasce tra Katia e il fascinoso dottor Gorobec è subordinato a un'atmosfera perturbante, minacciosa, un'oscura sensualità interamente racchiusa negli occhi neri di Barbara Steele e nel suo sembiante aristocratico ed inquietante allo stesso tempo. Anche il tema del "doppio" è presente in entrambe le pellicole. La Venere assumeva le sembianze dell'interesse amoroso del protagonista ma il distacco tra le due donne era netto, facilmente intuibile; in La maschera del demonio la giovane principessa Katia è identica alla strega Asa, terribile antenata condannata a morte per empi atti di stregoneria e probabilmente anche incesto, e lo spettatore non è mai interamente sicuro di avere davanti l'una o l'altra, così come del resto non lo sono i protagonisti della vicenda che, ingannati dalla bellezza di Asa, vengono rapiti dal suo sguardo e trasformati in vampiri senz'anima, interamente asserviti al desiderio di vendetta della donna. Come già accadeva nel film I vampiri di Riccardo Freda, la figura del succhiasangue presente in La maschera del demonio non si rifà ai modelli stokeriani e per il suo film d'esordio "in solitaria" Bava sceglie di distaccarsi completamente dal mito del vampiro sdoganato dalla Hammer e di andare a scavare nel floklore dell'Europa dell'Est, adattando quello che era il suo racconto preferito di Gogol', Il Vij, e realizzando così un mix di gotico italiano e fiaba horror dal sapore "esotico" in grado di sorprendere e coinvolgere ancora oggi.

Il motivo per cui La maschera del demonio è tuttora incredibilmente affascinante non è solo per la trama accattivante e audace (non a caso il film è stato censurato in molti paesi) ma anche e soprattutto per la regia di Bava e per lo splendido bianco e nero della fotografia, che spesso ricorda più i film dell'espressionismo tedesco piuttosto che gli horror della Universal. Bava sciocca lo spettatore fin dalla prima, insostenibile sequenza, che ha per protagonista La maschera del demonio del titolo ed è talmente crudele da far impallidire molte delle produzioni attuali, ma non è finita qui; l'apparizione del viso di Asa nelle acque del lago, il suo lento ma inesorabile ritorno dalla morte, la resurrezione di Javutich e il rogo sul finale sono tutte scene magistrali e tuttora inquietanti. Il chiaroscuro della splendida fotografia è talmente ricco di sfumature che sembra quasi di avere davanti una pellicola a colori e, complice la natura estremamente dettagliata delle scenografie e degli esterni, immerge lo spettatore in un sogno (o un incubo?) ad occhi aperti mentre gli ininterrotti giochi di luci ed ombre rendono la divina Barbara Steele una figura irreale alla quale è impossibile fuggire, nel bene o nel male. Barbarona potrà anche essersi trovata male sul set a causa dei pregiudizi nei confronti delle produzioni italiane e delle difficoltà legate alla lingua  ma ciò non toglie che la sua consacrazione ad icona horror è giustamente cominciata con questo film. Lo sguardo allucinato di Asa e le ferite inflittele dalla terribile maschera bucano lo schermo con una forza impressionante ma in generale è la mera presenza scenica della Steele, il suo sembiante sensuale ed innocente allo stesso tempo, ad imporsi all'attenzione dello spettatore e a sconvolgere l'atmosfera della pellicola persino nelle scene in cui l'attrice è assente perché tutti i personaggi paiono sempre scrutare nell'oscurità, in attesa dell'arrivo della terribile e crudele strega. Se non avete mai avuto modo di godere di questo caposaldo dell'horror italiano e mondiale cercate di recuperarlo il prima possibile, vi si aprirà un mondo, ve lo garantisco!

Del regista e co-sceneggiatore Mario Bava ho già parlato QUI mentre Barbara Steele, che interpreta Asa/Katia, la trovate QUA.

John Richardson interpreta il Dottor Andre Gorobec. Inglese, ha partecipato a film come Un milione di anni fa, La donna venuta dal passato, I corpi presentano tracce di violenza carnale, Scuola di ladri - parte seconda e La chiesa. Ha 71 anni.

Arturo Dominici interpreta Igor Javutich/Javuto. Originario di Palermo, ha partecipato a film come Caltiki - Il mostro immortale, Ercole contro Moloch, I promessi sposi, Danza macabra, L'indomabile Angelica, Angelica e il gran sultano, Satiricosissimo, Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto e Il trucido e lo sbirro; come doppiatore, ha lavorato per il film Vip, mio fratello superuomo. E' morto nel 1992 all'età di 74 anni.

La ragazza che interpreta la giovane figlia dei locandieri è Germana Dominici, figlia proprio di Arturo Dominici. All'estero La maschera del demonio è incappato in molti problemi di censura e vari ridoppiaggi, tanto che in America ne esistono quattro versioni con quattro titoli diversi (Black Sunday, Revenge of the Vampire, The Mask of Satan e La maschera del demonio); del film esiste inoltre un remake del 1989 diretto dal figlio di Mario Bava, Lamberto Bava, con Debora Caprioglio (all'epoca signora Kinski) nei panni della vergine (!!) ed Eva Grimaldi in quelli della strega. Credo tale remake sia recuperabile sul tubo ma non ci giurerei... il mio animo trash quasi bramerebbe vederlo ma se voi non siete pazzi come la sottoscritta e avete amato La maschera del demonio recuperate piuttosto I tre volti della paura. ENJOY!

L'uccello dalle piume di cristallo (1970)

La danza macabra di King questa volta mi ha portata in Italia a vedere L'uccello dalle piume di cristallo, opera prima di Dario Argento che il regista ha diretto e sceneggiato nel 1970.

Trama: uno scrittore assiste ad un tentativo di omicidio e da quel momento decide di portare avanti le indagini per conto suo, finendo inevitabilmente nel mirino del killer...

Devo averlo già accennato nel vecchissimo post dedicato a 4 mosche di velluto grigio: io e il giallo all'italiana non andiamo troppo d'accordo, soprattutto quando si parla di Dario Argento. Gli riconosco i meriti ma troppo spesso, soprattutto per quel che riguarda la natura pretestuosa delle trame, lo trovo sciocco e noiosino e L'uccello dalle piume di cristallo non fa eccezione. Qui abbiamo il solito assassino senza volto, vestito con pastrano e guanti neri (stile sdoganato e codificato dal divino Mario Bava), che si imbarca in una serie di uccisioni vagamente efferate e abbiamo uno scrittore particolarmente tignoso che, invece di farsi una bella barcata di affari suoi, decide di scoprire l'identità del serial killer perché "c'è qualcosa che non quadra nei suoi ricordi". Ora,  quel "qualcosa" che non gli torna, rivelato alla fine, è roba da facepalm, qualcosa che potrebbe spingere le vittime a risorgere solo per prenderlo a schiaffi, mentre il fantomatico uccello dalle piume di cristallo del titolo è quanto di più deus ex machinoso si possa trovare in una sceneggiatura ma, oh, si era negli anni '70 e Argento era alla sua prima opera come regista e sceneggiatore: non si può andare a spaccare il capello. Infatti non lo spaccherò, tranquilli. Anche perché, come ho detto, L'uccello dalle piume di cristallo ha comunque una sua oggettiva personalità che travalica le mie antipatie per il genere e l'ingenuità d'insieme; per esempio, come già in 4 mosche di velluto grigio ho molto apprezzato l'abbondanza di elementi weird e volutamente ironici, come l'intermezzo "felino" con un peculiare pittore interpretato dal grande Mario Adorf o i due delinquentucoli che aiutano il protagonista, ovvero il pappone balbuziente "Addio" e lo spione che fa tutto il contrario di quello che dice.

Al di là di questi elementi "folkloristici", devo anche riconoscere come Dario Argento, all'epoca, pur essendo alla sua prima opera avesse già la mano santa che avrebbe caratterizzato i suoi capolavori più blasonati. L'omicidio iniziale l'ho trovato geniale ed angosciante, girato in piena luce, visibile da qualsiasi passante perché commesso dietro un'enorme vetrata e, soprattutto, silenzioso, con l'urlo della vittima che viene bloccato da un doppio vetro; l'altra sequenza da brividi coinvolge invece una rampa di scale che all'improvviso diventa buia per metà, con la vittima costretta a passare dalla luce all'oscurità mentre una ripresa dall'alto trasforma la tromba delle scale in un abisso perfettamente geometrico. Questi sono due tocchi di classe non da poco, che fanno il paio con l'intelligente montaggio che mescola gli eventi presenti ad improvvisi e brevissimi flash del delitto di cui il protagonista è stato testimone; a completare il tutto, poi, ci pensa l'inquietante score di Ennio Morricone, un mix di melodie "d'atmosfera" ed insinuanti sospiri femminili che si accentuano ogni volta che l'assassino è nei paraggi. Per quel che riguarda gli attori invece non c'è molto da dire: tutti i coinvolti portano a casa dignitosamente la pagnotta, il protagonista è aitante ed espressivo quanto basta ma viene spesso surclassato dalla bravura dei caratteristi che gli vengono affiancati mentre le donzelle trucidate devono solo essere belle ed eleganti, cosa che riesce loro benissimo. Ho solo una domanda a tale proposito: ma perché davanti ad un cadavere con la testa spaccata c'è una tizia che pensa bene di pettinarsi per cinque minuti buoni i lunghi capelli biondi? Mistero. Guardate anche voi L'uccello dalle piume di cristallo, poi ne riparliamo.

Del regista e sceneggiatore Dario Argento ho già parlato qui.

Enrico Maria Salerno interpreta l'ispettore Morosini. Nato a Milano, ha partecipato a film come L'armata Brancaleone, Scuola di ladri e Scuola di ladri - Parte seconda. Anche regista e sceneggiatore, è morto nel 1994 all'età di 67 anni.

Mario Adorf interpreta Berto Consalvi. Nato in Svizzera, ha partecipato a film come Dieci piccoli indiani, Milano calibro 9, State buoni se potete, Momo e a serie televisive come Le avventure di Pinocchio, Mino, La piovra 4, Fantaghirò e Fantaghirò 2. Anche sceneggiatore, ha 85 anni.

Se L'uccello dalle piume di cristallo vi fosse piaciuto recuperate gli altri film della cosiddetta "Trilogia degli animali" (Il gatto a nove code e 4 mosche di velluto grigio) e aggiungete Profondo Rosso, Inferno, Opera, Phenomena e Suspiria. ENJOY!

Il giglio nero (1956)

Continuando sulla scia dettata da Danse Macabre è arrivato il momento di parlare de Il giglio nero (The Bad Seed), diretto nel 1956 dal regista Mervyn LeRoy e tratto dal romanzo The Bad Seed di William March.

Trama: dopo la morte di un compagno di scuola della figlia, la ricca Christine Penmark si rende conto che forse la piccola Rhoda non è innocente e carina come sembra...

Guardare Il giglio nero è un'esperienza molto interessante, soprattutto se si fa un minimo sforzo mentale e si cerca di immaginare come dev'essere stato, per l'audience dell'epoca, guardare un film che parla di una giovanissima serial killer. Per quanto la trama del romanzo di William March sia stata edulcorata per venire incontro al Codice Hayes allora in vigore e nonostante nei titoli di coda la giovane protagonista venga ironicamente sculacciata dall'attrice Nancy Kelly (come a dire "non preoccupatevi, si tratta di un'opera di fiction, qui siamo tutti amici") è indubbio che un film come Il giglio nero fosse abbastanza sconvolgente negli anni '50, tanto che il pubblico viene congedato con la preghiera di "non divulgare l'insolito climax della storia perché il film OSA essere diverso in maniera impressionante". E in effetti la pellicola di Mervyn Leroy "osa" mettere sul piatto la crescita di un seme cattivo, di una bambina nata malvagia e priva di alcun senso di pietà o altruismo, in grado di portare ad estremi inauditi la definizione stessa di mocciosa viziata. Rhoda è nata in una famiglia dell'alta borghesia americana, un ambiente che non dovrebbe spingere un ricco rampollo a compiere crimini abietti, ed è proprio questa sua condizione privilegiata che le consente di risultare sempre innocente agli occhi degli adulti che la circondano; LeRoy inscena una terribile battaglia psicologica tra madre e figlia ma rappresenta anche con ironia pungente la lotta di classe tra proletari e altoborghesi, l'incapacità di questi ultimi di vedere oltre le apparenze, la loro ferrea volontà di mantenere inalterato lo status quo (in questo il padre di Christine è il personaggio peggiore di tutta la pellicola) e la generale omertà di quel tipo di ambiente. Ad un certo punto sarebbe palese agli occhi di tutti che Rhoda è in qualche modo implicata nella morte del ragazzino ma, a parte l'impicciona vicina di casa che non vedrebbe un omicidio neanche se la stessero accoltellando, l'unica a parlare chiaro perché sotto effetto dell'alcool è la povera madre del bambino morto, dolorosamente consapevole del fatto che lei, parrucchiera ed estetista, non potrà mai spuntarla contro una famiglia blasonata come quella dei Penmark.

Con tutta questa carne al fuoco, Il giglio nero è un perfetto esempio di thriller "teatrale", dove nulla viene mostrato ma soltanto suggerito o descritto a voce. La vicenda si svolge prevalentemente in interni, con la macchina da presa che entra nell'elegante casa e nel giardino della famiglia Penmark seguendo da vicino le vite di Rhoda e della madre, mostrandoci come il tarlo del dubbio cominci a palesarsi anche fisicamente sul volto della povera Christine e, soprattutto, consentendo a noi spettatori di cogliere le meravigliose espressioni di odio o disinteresse che Rhoda si lascia sfuggire quando pensa di non essere vista da mamma, papà e vicina di casa, espressioni inequivocabili che fin dall'inizio ci fanno capire che qualcosa non va. Essendo un'opera di stampo teatrale, buona parte della sua riuscita va ricercata nella bravura delle interpreti femminili (Nancy Kelly, Patty McCormack e Eileen Heckart), tutte candidate all'Oscar per la loro performance. La Kelly ha il non facile ruolo di Christine, una donna combattuta tra il naturale amore per la figlia e l'altrettanto naturale terrore nei confronti della sua natura abietta e, come ho detto prima, sfiorisce mano a mano che il film prosegue fino a perdere totalmente il controllo in una delle scene più angoscianti mai girate, quella in cui la piccola Rhoda continua imperterrita a suonare Au claire de la lune mentre attorno a lei scoppia il finimondo e la madre urla di impotente frustrazione. Patty McCormack è un piccolo mostro, un essere alieno tutto vezzi e moine che saltella con le sue gonnelline vezzose e le treccine mentre si profonde in mille riverenze, almeno finché il suo vero io non viene fuori con prepotenza, soprattutto durante le litigate con l'ambiguo custode Leroy, l'unico in grado di vedere oltre l'apparente innocenza di Rodha. Infine, Eileen Heckart incarna tutto il dolore di una donna diventata madre a tarda età, costretta a subire la perdita di un figlio che era arrivato come un miracolo e a combattere da sola contro il silenzio di Christine, delle insegnanti di Rodha e anche del marito: ne Il giglio nero, infatti, viene messo in scena un dramma che si consuma nell'assenza quasi totale degli uomini, in un ambiente casalingo che la società vuole regno incontrastato delle donne. Quelle stesse donne educate a non poter fare a meno di padri e mariti eppure costrette a sopportare il peso della colpa, della vergogna e del giudizio impietoso della società perché i loro compagni sono troppo lontani, deboli o impegnati per poter essere di vero sostegno nelle situazioni più terribili. Il giglio nero è un film in grado di dare il la a mille altri spunti di riflessione ma vi lascio il piacere di scoprirli da soli e mi limito a ringraziare Stephen King per avermi dato modo di scoprire un altro piccolo gioiellino!

Mervyn LeRoy è il regista della pellicola. Americano, ha diretto film come Piccolo Cesare, Il mago di Oz (che ha co-diretto senza comparire nei credits), Sorvegliato speciale, Piccole donne e Quo Vadis. Anche produttore, attore, costumista e sceneggiatore, è morto nel 1987 all'età di 86 anni.

Patty McCormack (vero nome Patricia Ellen Russo) interpreta Rhoda Penmark. Americana, ha partecipato a film come Le avventure di Huck Finn, Bug insetto di fuoco, The Master e a serie come Love Boat, Fantasilandia, Dallas, Magnum P.I., La signora in giallo, Lassie, Freddy's Nightmares, Baywatch, E.R. Medici in prima linea, Cold Case, NYPD, Grey's Anatomy, Criminal Minds, I Soprano e Desperate Housewives. Anche produttrice, ha 70 anni e un film in uscita.

Henry Jones interpreta Leroy Jessup. Americano, ha partecipato a film come Quel treno per Yuma, La donna che visse due volte, Butch Cassidy, Due ragazzi e... un leone, Tom Sawyer, Dick tracy, Aracnofobia e a serie come Ai confini della realtà, Alfred Hitchcock presenta, Vita da strega, L'uomo da sei milioni di dollari, Fantasilandia, Chips, Love Boat, Hazzard, MacGyver, Magnum P.I., Il mio amico Ricky e La signora in giallo. E' morto nel 1999 all'età di 86 anni.

Eileen Heckart (vero nome Anna Eileen Stark) interpreta Hortence Daigle. Americana, ha partecipato a film come Lassù qualcuno mi ama, Fermata d'autobus, Le farfalle sono libere (che le è valso l'Oscar come miglior attrice non protagonista), Ballata macabra e a serie come Alfred Hitchcock presenta, I Robinson, Ellen e Quell'uragano di papà. E' morta nel 2001 all'età di 82 anni.

E ora, un paio di curiosità con qualche SPOILER sul finale. Pare che Alfred Hitchcock abbia rifiutato la proposta di dirigere Il giglio nero mentre Bette Davis aveva manifestato interesse nell'interpretare Christine Penmark ma il regista Mervyn Leroy ha voluto Nancy Kelly, già Christine nella versione teatrale dell'opera. L'adattamento cinematografico del romanzo di William March ha infine una conclusione completamente diversa rispetto a quella della fonte originale a causa del codice Hays che, all'epoca, impediva di mostrare il crimine come qualcosa verso cui provare ammirazione o simpatia (di conseguenza non era neppure lecito che i criminali la facessero franca). De Il giglio nero esiste un remake, un film TV del 1985 dal titolo The Bad Seed dove Lynn Redgrave interpreta Monica Breedlove (ruolo rifiutato da Patty McCormack) e David Carradine è Leroy Jessup; non l'ho mai visto quindi non mi sento di consigliarvelo ma se Il giglio nero vi fosse piaciuto recuperate Orphan, Il presagio, Il villaggio dei dannati, The Children e Spider Baby. ENJOY!

La morte dietro il cancello (1972)

Ispirata da quest'articolo di Lucia, dove si nominava il mai dimenticato saggio di Stephen King Danse Macabre, ho deciso di prendere l'elenco dei film che hanno ispirato il Re e cominciare a guardare, ovviamente con la mia solita lentezza, quelli che non avevo mai avuto modo di vedere. La prima pellicola è stata La morte dietro il cancello (Asylum), diretto nel 1972 dal regista Roy Ward Baker.

Trama: Un giovane psichiatra si reca in un manicomio e, per riuscire ad ottenere un lavoro, viene sfidato dal nuovo direttore ad interrogare i degenti e scoprire l'identità del dottor Starr, afflitto da doppia personalità e perciò rinchiuso assieme ad altri pazienti.

Nonostante mi ritenga una discreta appassionata di horror, spesso mi rendo conto che ci sono ancora parecchie cose che devo scoprire. Per esempio, non conoscevo l'esistenza della britannica casa di produzione Amicus, che tra gli anni '60 e i '70 ha prodotto una decina di cosiddetti portmanteau horror, ovvero dei film composti da vari episodi uniti da una trama "esterna", un po' come i Creepshow di cui ho già avuto modo di parlare. La morte dietro il cancello è un perfetto esempio della struttura di queste pellicole: il pretesto narrativo per raccontare quattro diverse storie è la sfida posta dal Dr. Rutherford al Dr. Martin, il quale deve farsi raccontare le storie di quattro diversi degenti del manicomio e scoprire chi di loro è il fantomatico Dr. Starr, ex direttore della casa di cura. Come spesso accade con queste antologie, la qualità dei diversi episodi cambia notevolmente e La morte dietro il cancello è particolarmente altalenante nel ritmo e poco omogenea nella distribuzione della suspance. Il film infatti comincia con il divertissment Frozen Fear, un "tipico" caso di omicidio coniugale ravvivato da alcuni dettagli weird come la presenza di arti insacchettati e di un braccialetto voodoo in grado di riportare sulla terra gli spiriti; l'episodio ha il sapore di un ironico amuse-bouche che stuzzica lo spettatore preparandolo per piatti più forti e vi assicuro che, nonostante la messa in scena ingenua, non manca di provocare qualche brivido. Purtroppo La morte dietro il cancello prosegue inaspettatamente con due episodi debolucci e, soprattutto per quel che riguarda Lucy Came to Stay, noiosetti e prevedibili, ravvivati giusto dalla presenza del sempre elegante Peter Cushing e dalla sensualissima Britt Ekland: in The Weird Tailor il tema è la magia (e a dire il vero un elemento inquietante c'è) mentre Lucy Came to Stay è un piccolo thriller psicologico che mette i brividi solo grazie alla risata finale di una giovane Charlotte Rampling.

Più nelle mie corde è invece il segmento Mannikins of Horror che, come avrete forse intuito, parla di burattini ed è l'unico che prosegue all'interno della storia di raccordo. L'episodio in questione è particolarmente pauroso non solo per l'argomento trattato ma soprattutto per il paio di imprevedibili twist che spiccano all'interno della pur breve sceneggiatura e poi è graziato, oltre che dalla valida interpretazione di Herbert Lom, da pochi effetti speciali sicuramente notevoli sia per l'epoca che per il budget con cui è stato realizzato La morte dietro il cancello, che si conclude col botto lasciando intuire le peggio cose allo spettatore (che poi è il modo di fare horror che preferisco, perché bastano il primo piano di un volto sofferente e un terribile rumore in sottofondo  per colpirmi più di quanto non facciano mille spiegoni!). Siccome Mannikins of Horror è strettamente legato alla storia principale si potrebbe dire che La morte dietro il cancello è composto da cinque episodi, soprattutto perché la cornice è molto ben curata per quanto riguarda la regia (interessanti le inquadrature delle stampe antiche all'inizio) ed è anche recitata da attori notevoli, tra i quali spicca quel Patrick Magee che da sempre il meglio di sé quando viene relegato su una sedia a rotelle. Non avendo mai visto gli altri portmanteau della Amicus non vi saprei dire se La morte dietro il cancello è il punto di partenza ideale per avventurarsi nell'impresa, sicuramente io ho molto apprezzato l'impianto vintage dell'intera operazione e il modo subdolo con cui Robert Bloch, autore della sceneggiatura, gioca con le aspettative e le paure del pubblico; come ho detto, le storie non sono tutte allo stesso livello ma hanno perlomeno il pregio di avventurarsi in sentieri horror per l'epoca poco battuti e per la maggior parte sono abbastanza fantasiose, quindi mi sento di promuovere in toto questo La morte dietro il cancello e di ringraziare Stephen King per avermelo fatto conoscere!

Di Peter Cushing (interpreta Smith nell'episodio The Weird Tailor), Britt Ekland (Lucy nell'episodio Lucy Came to Stay), Charlotte Rampling (Barbara nell'episodio Lucy Came to Stay) e Patrick Magee (Dr. Rutherford) ho già parlato ai rispettivi link.

Roy Ward Baker (vero nome Roy Horace Baker) è il regista della pellicola. Inglese, ha diretto altri film come Vampiri amanti, Il marchio di Dracula, Barbara il mostro di Londra, The Vault of Horror, La leggenda dei 7 vampiri d'oro, Il club dei mostri ed episodi di serie come Agente speciale e Simon Templar. Anche produttore, attore e sceneggiatore, è morto nel 2010, all'età di 93 anni.

Herbert Lom (vero nome Herbert Charles Angelo Kuchacevich ze Schluderpacheru) interpreta Byron. Nato a Praga, ha partecipato a film come La signora omicidi, Spartacus, Il fantasma dell'Opera, Il conte Dracula, La pantera rosa colpisce ancora, La pantera rosa sfida l'ispettore Clouseau, La vendetta della pantera rosa, Sulle orme della pantera rosa, Pantera rosa - Il mistero Clouseau, La zona morta e Il figlio della pantera rosa. E' morto nel 2012, all'età di 95 anni.

Il segmento The Weird Taylor è stato in seguito trasposto anche in un episodio di Thriller, serie antologica presentata nientemeno che da Boris Karloff; io non l'ho mai vista ma se La morte dietro il cancello vi fosse piaciuto potreste recuperarla assieme ad altri portmanteau della Amicus come Le cinque chiavi del terrore, La bambola di cera, Il giardino delle torture, La casa che grondava sangue, Racconti dalla tomba, The Vault of Horror, La bottega che vendeva la morte o Il club dei mostri. ENJOY!