Bolla Loves Bruno: Il falò delle vanità (1990)

Pensavate che mi fossi dimenticata della rubrica dedicata a Bruce Willis? Nemmeno per sogno! Oggi parliamo de Il falò delle vanità (The Bonfire of the Vanities) diretto nel 1990 da Brian De Palma e tratto dal romanzo di Tom Wolfe.

Trama: un giornalista alcoolizzato ottiene soldi e successo raccontando lo scandalo che ha coinvolto un brocker di Wall Street, accusato di avere investito un ragazzo di colore e di essere fuggito, lasciandolo in coma...

Il falò delle vanità è stato uno dei film più odiati del 1990. Lo dimostrano non tanto le nomination a quasi tutte le categorie dei Razzie Award, quanto piuttosto il fatto che Tom Wolfe lo abbia praticamente disconosciuto, Hanks lo abbia definito il peggior film della sua carriera, Morgan Freeman non l'abbia mai guardato e De Palma ricordi l'esperienza come un incubo dentro e fuori dal set. Per quanto riguarda Bruce Willis, pare che se la tirasse un sacco in quanto attore sulla cresta dell'onda, tanto che sul set lo odiava persino Tom Hanks, irritato dal suo "sorrisetto mangiamerda". Insomma, un trionfo. Eppure, a me Il falò delle vanità era piaciuto sia la prima volta che l'avevo visto, tantissimi anni fa, che durante questo rewatch, pur riconoscendo che la trama è l'emblema del cerchiobottismo e si mantiene molto ambigua (però non ho mai letto il romanzo di Tom Wolfe, quindi non posso sapere se questa caratteristica si ritrova anche nell'opera cartacea). Per chi non avesse mai visto il film, Il falò delle vanità è la fiera dell'ipocrisia e dell'arrivismo ed è incentrato sulla caduta dall'Olimpo di Sherman McCoy, ricchissimo operatore di Wall Street il quale, dopo aver investito un ragazzo di colore assieme all'amante, diventa il mezzo attraverso cui una serie di personaggi deprecabili cercano di ottenere fama, denaro e successo (in primis il giornalista in disgrazia Peter Fallow) spacciando le loro azioni come spasmodica ricerca di giustizia. L'intenzione dell'opera è quella di essere una satira spietata verso personaggetti di varie etnie, con le mani in pasta nel settore economico, giudiziario e religioso, i quali apparentemente cercano di fare l'interesse delle classi più povere e disagiate (che escono a loro volta con le ossa rotte da una descrizione impietosa) ma, in realtà, perseguono semplicemente il loro tornaconto, travolgendo con la grazia di elefanti chiunque blocchi loro il passo. A trovarsi in mezzo, stavolta, è Sherman McCoy, che come protagonista è quasi peggio di chi cerca di trascinarlo nel fango; è difficile provare empatia per un paraculo razzista, pavido e bugiardo, ed è ancora più difficile accettare le parole finali con cui Peter Fallow, altro parassita con la coscienza a intermittenza, dichiara come McCoy abbia perso soldi e fama ma abbia ritrovato un'anima, gettando una luce positiva su un personaggio che, a ben vedere, non si redime mai.

Lo stile con cui De Palma cerca di rappresentare questo enorme esempio di pochezza umana è ironicamente pomposo e "teatrale", "ridicolo", se mi passate il termine, tanto quanto la convinzione di Sherman di essere un novello Don Giovanni; la macchina da presa del regista (coadiuvato, in quella che è una delle scene introduttive più belle mai viste, dall'esperto di steadycam Larry McConkey, un piano sequenza talmente immersivo che sembra di essere a fianco di Bruce Willis, ubriachi quanto il suo Peter Fallow) annulla il confine tra realtà e showbusiness, presentandoci alternativamente personaggi ripresi dal basso che incombono sia sullo spettatore che sul loro interlocutore, panoramiche su folle desiderose solo di spettacolo e totalmente noncuranti del vero dramma vissuto dall'oggetto dei loro sguardi e pochi momenti di intimità zeppa di bugie e ripicche, dove persino le persone integerrime arrivano a rinnegare i propri ideali per salvare la faccia. La mano dell'Autore, a mio avviso, si vede eccome, e onestamente non ho trovato male neppure il tanto criticato cast. Certo, se De Palma avesse potuto avere John Lithgow come Sherman McCoy avremmo probabilmente goduto di un capolavoro, ma la faccetta giovane e clueless di Tom Hanks aggiunge quella punta di dabbenaggine in grado di rendere il personaggio ancora più fastidioso e biasimevole e lo stesso vale per "il sorrisetto mangiamerda" di Bruce Willis; Peter Fallow è viscido quanto basta, il finto amico che venderebbe la madre per la fama, e non faccio fatica a credere che l'atteggiamento sul set di Willis abbia contribuito ad arricchire la personalità del giornalista alcoolizzato di interessanti, benché sgradevoli, sfumature. Probabilmente, l'unico vero difetto de Il falò delle vanità è quello di essere uscito in un periodo in cui l'America non era ancora pronta a criticare quell'ipocrisia che è il fondamento dell'utopica idea del self made man, mentre nel 2022 la sua satira risulta ambigua e all'acqua di rose (lo speech finale di Freeman, detestato dallo stesso De Palma, e la chiosa di Willis sono davvero imbarazzanti, bisogna ammetterlo), ma nella sua imperfezione l'ho trovato comunque molto interessante e ben realizzato, così come lo ricordavo. Se vi capitasse sottomano, dategli una chance!

Del regista Brian De Palma (che compare come guardia di sicurezza nella scena iniziale) ho già parlato QUI. Tom Hanks (Sherman McCoy), Bruce Willis (Peter Fallow), Melanie Griffith (Maria Ruskin), Kim Cattrall (Judy McCoy), Morgan Freeman (Giudice Leonard White), Donald Moffat (Mr. McCoy), Kurt Fuller (Pollard Browning), Kirsten Dunst (Campbell McCoy) e  F. Murray Abraham (P.D. Abe Weiss) li trovate invece ai rispettivi link.

Saul Rubinek interpreta Jed Kramer. Tedesco, ha partecipato a film come L'ospedale più pazzo del mondo, Wall Street, Gli spietati, Una vita al massimo, Gli intrighi del potere - Nixon, La ballata di Buster Scruggs e a serie quali Oltre i limiti, Frasier, Lost, Masters of Horror, Grey's Anatomy e Hunters. Anche regista, sceneggiatore, produttore e compositore, ha 74 anni e tre film in uscita. 

Tra le guest star figurano Rita Wilson, la moglie di Tom Hanks, che interpreta la PR che accompagna Fallow nella scena iniziale, e Geraldo Rivera, ovvero il reporter che si occupa della storia di Lamb. La sceneggiatura originale prevedeva che, alla fine, la vittima dell'incidente uscisse dall'ospedale con le sue gambe, chiaro segno di frode, ma gli screen test hanno dimostrato che il pubblico non gradiva questa versione. Siccome nel libro il giudice è ebreo, De Palma avrebbe voluto Walther Matthau o Alan Arkin nel film, ma il ruolo è finito a Freeman quando il regista ha deciso che sarebbe stato più efficace un giudice di colore; per quanto riguarda Sherman, quando ancora il film doveva venire diretto da Mike Nichols, l'attore scelto era stato Steve Martin, mentre sia John Cleese che Jack Nicholson hanno rifiutato quello di Fallow. Per quanto riguarda le quote rose, Michelle Pfeiffer ha rifiutato il ruolo di Maria (tra le altre, Uma Thurman, Lena Olin e Robin Wright non hanno invece ottenuto la parte), mentre Kristin Scott Thomas ha dovuto rinunciare a quello di Judy perché, al momento di fare lo screen test con Tom Hanks, era in vacanza coi figli. Grandi rinunce infine anche tra i registi, con Steven Spielberg e Adrian Lyne in prima linea. ENJOY!

La cosa (1982)

Siccome non lo vedevo da più di dieci anni e siccome sta per uscire nelle sale italiane il remake, ho deciso di riguardare in questi giorni La cosa (The Thing), diretto da John Carpenter nel 1982 e già remake de La cosa da un altro mondo del 1951.


Trama: all’interno di una base antartica un gruppo di uomini deve tenere a bada “la cosa”, un alieno in grado di assumere le sembianze di qualsiasi essere vivente, dopo averlo ucciso e assimilato.


Come ho detto, La cosa l’ho visto almeno una decina di anni fa, se non di più. Lo ricordavo noioso e di una lentezza rara, decisamente bruttarello, il che mi lasciava perplessa a ripensarci, visto che Carpenter è il mio regista horror preferito. Adesso mi chiedo cosa cavolo ho guardato all’epoca, perché La cosa di noioso e lento non ha proprio nulla, anzi! Erano anni che non mi capitava di venire catturata così da un horror e di provare una tensione palpabile, la curiosità di sapere “come va a finire” e “chi è il mostro”. Probabilmente allora ero stata confusa dalla fotografia un po’ buia, dagli ambienti tutti uguali e dall’abbondanza di personaggi appena abbozzati, cose che adesso con un po’ più di maturità apprezzo e trovo funzionali.


Il bello de La cosa, infatti, è questa lenta ma costante costruzione della tensione, di un senso crescente di paranoia, di claustrofobia. Immaginatevi di essere isolati dal mondo, in un inferno di ghiaccio, per mesi e mesi con le stesse persone… immaginatevi ora di venire minacciati da un alieno in grado di assumere le sembianze di chi vi sta vicino, senza possibilità di distinguerlo da un normale essere umano e sicuramente pronto a farvi la pelle appena avrete abbassato la guardia. L’idea di perdere il controllo di ciò che ci circonda, della nostra percezione della realtà, l’incapacità di distinguere l’amico dal nemico, l’isolamento fanno nascere sicuramente una paranoia che tende ad essere autodistruttiva, e Carpenter gioca molto su questo, riuscendo a riversare sullo spettatore le stesse sensazioni provate dai protagonisti de La cosa con un semplice espediente: mostrare il minimo indispensabile. Il regista ci preclude l’onniscienza, nessuno di noi sa chi, fra i personaggi del film, sia diventato la cosa (pare che non lo sapesse nemmeno lui!). Certo, ci aspettiamo che MacReady non lo sia ed arriviamo a prendere per vero quello che crede lui, ma ad un certo punto non siamo più sicuri neppure di quello, perché il personaggio è tutt’altro che infallibile e può essere facilmente ingannato. Alcune sequenze sono emblematiche di questo “gioco” del regista: l’inizio in primis, dove un cane viene inseguito e braccato senza un motivo apparente, lo stesso cane che si introduce in una stanza dove siede uno dei protagonisti, di cui vediamo solamente l’ombra (quindi chi è quello che, molto probabilmente, è stato infettato?), il finale dove i sopravvissuti si confrontano in un clima di diffidenza a dir poco palpabile.


Centellinare le apparizioni dell’alieno è quindi una diretta conseguenza della scelta di mostrare il minimo indispensabile. Per carità, gli effetti speciali del mitico Rob Bottin sono devastanti, ottimi, rendono proprio il senso dell’aberrazione incarnata da questo essere, della sua natura pericolosa ed ingannevole, e allo spettatore non vengono risparmiate le scene gore (peraltro una la ricordavo molto bene e lo strazio è stato proprio nell’attesa, nel non rammentare quando avrei dovuto chiudere gli occhi!) … ma il vero terrore nasce dalla consapevolezza che la cosa si trova tra i protagonisti e che è impossibile da individuare. Non a caso, la sequenza che più mi ha messo ansia è quella in cui MacReady riunisce tutti i compagni in una sola stanza e prova a smascherare l’alieno osservando le reazioni che il loro sangue presenta vicino ad una fonte di calore, ma sinceramente ad un certo punto mi bastava anche solo che il regista facesse dei primi piani per puntare il dito e dire “o Cristo!! E’ la Cosa!! E’ lui!! Si sta grattando il naso in modo ambiguo!” e questo per darvi anche un’idea di quanto siano bravi tutti gli attori coinvolti… e di quanto sia importante il bellissimo, minaccioso score di Ennio Morricone. Quanto al finale… eeh, il finale. Mah. Sinceramente, non so come prenderlo ma, personalmente, non l’ho vissuto come un happy ending, anzi. Contagiata dalla paranoia? Forse, ma conoscendo Carpenter le risoluzioni felici non esistono. E neppure i film davvero brutti, perdonami se ho dubitato, John!


Del regista John Carpenter ho già parlato qui (tra l’altro compare anche come attore, nei panni di uno dei norvegesi mostrati in uno dei filmati d’archivio), mentre qua trovate il solito trafiletto sul bellissimo Kurt Russell (MacReady) e qui quello su Keith David (Childs).

Wilford Brimley (vero nome Anthony Wilford Brimley) interpreta il Dr. Blair. Americano, lo ricordo per film come Il Grinta, Hotel New Hampshire, il meraviglioso Cocoon, l’energia dell’universo, Cocoon, il ritorno, Il socio e In & Out, inoltre ha partecipato a serie come Walker Texas Ranger. Anche stuntman, ha 77 anni.


Richard Masur interpreta Clark. Americano, lo ricordo innanzitutto per avere interpretato il “breve ma intenso” Stan Uris dell’It televisivo e per altri film come lo straziante Papà ho trovato un amico, L’uomo senza volto, Il mio primo bacio e Mi sdoppio in quattro; ha inoltre partecipato a serie come MASH, Happy Days e Blossom. Anche regista e sceneggiatore, ha 63 anni.


Donald Moffat interpreta Garry. Inglese, ha partecipato a film come Popeye – Braccio di ferro, Il falò delle vanità e A proposito di Henry, oltre a serie come La casa nella prateria, Dallas, La signora in giallo, Ai confini della realtà, Colombo. Ha 81 anni.


Nel cast doveva anche esserci il meraviglioso Donald Pleasence, già collaboratore di Carpenter nel bellissimo Il signore del male, ma l’attore ha dovuto rinunciare per impegni pregressi, mentre gente del calibro di Jeff Bridges e Nick Nolte hanno rifiutato il ruolo di MacReady. Passando invece all’ambiguo finale, pare ne esistano almeno due alternativi: uno in cui MacReady viene sottoposto a delle analisi del sangue, girato nel caso in cui il pubblico avesse mostrato reazioni negative verso quello “vero”, e un altro in cui un cane lascia la base, correndo tra i ghiacci. Finali a parte, dopo averne letto peste e corna comunico ufficialmente che il remake se ne starà dov’è e che, al massimo, lo recupererò in altro modo! ENJOY!