Tutti i soldi del mondo (2017)

Stanotte assegnano i Golden Globe. Dei film in gara ne avrò visto tre e anche per questo sabato ho costretto il Bolluomo ad andare a vedere l'ultimo film di Ridley Scott, Tutti i soldi del mondo (All the Money in the World), da lui diretto nel 2017, tratto dal libro omonimo di John Pearson e candidato a tre Golden Globe (Christopher Plummer Miglior attore non protagonista in un film drammatico, Michelle Williams Migliore attrice protagonista in un film drammatico, Ridley Scott Miglior regista di film drammatico).

Trama: Il nipote del famoso miliardario Paul Getty viene rapito in Italia. La madre e un collaboratore del nonno cercano di recuperare i soldi del riscatto, che il vecchio rifiuta di pagare...

Tutti i soldi del mondo è un film che mi ha scioccata. Non tanto per la visione di Christopher Plummer al posto di Kevin Spacey (ma posso dire che, forse, cambiare attore non è stata nemmeno una brutta cosa? Nei panni del vecchio maledetto ci vedo meglio Plummer piuttosto che Spacey con quel trucco posticcio...) quanto per i ragionamenti del protagonista, perle di ordinaria taccagneria che ogni giorno sento nei corridoi dell'azienda per la quale lavoro. Spesso mi ritrovo a chiedermi, e non sono la sola, perché mai qualcuno zeppo di soldi debba agire costantemente ponendosi nei confronti del proprio interlocutore come se quest'ultimo volesse fregarlo, a prescindere da qualunque argomento si stia discutendo (SPOILER: il film non lo spiega). Mi si è spezzata la matita e vengo a chiederti di poterla cambiare? Viziata, continua col mozzicone! Il soffitto mi sta crollando in testa? Ah, figuriamoci, sembrerà a te! Dovrei andare dal dottore, non sto bene. "Seh, scuse per prendersi un giorno di ferie". Un, guarda il fornitore che mi ha fatto un regalo! "Non è possibile, dove ca**o è il mio???" And so on. Paul Getty uguale. L'uomo più ricco del mondo viene portato sullo schermo da Ridley Scott come un Paperon De' Paperoni afflitto dal terrore di poter prendere una fregatura e quindi sempre pronto ad agire d'anticipo mettendola nello stoppino al prossimo; unici legami sicuri del vecchio barbogio sono gli oggetti d'arte, perenni, immutabili e di facile comprensione, arido conforto di un uomo che nella vita ha sempre tenuto le distanze dagli esseri umani che non fossero suoi dipendenti (e anche questi ultimi avevano vita breve...). Nel momento in cui il "nipote prediletto" viene rapito, il vecchio miliardario ovviamente fa spallucce, riuscendo in tempo zero a svalutare la vita del ragazzo e lasciando che sia la madre dello stesso a togliere le castagne dal fuoco con i soldi che la sventurata non ha, terrificante vendetta per un affronto subito anni prima. Come un novello Mazzarò, Getty identifica figli e nipoti, ovvero il "sangue", con la Roba ma, come per tutti gli oggetti di valore da lui posseduti, il maledetto cerca di tirare sul prezzo anche in condizioni estreme e Scott non esita a mostrarcelo impegnato ad acquistare opere d'arte ed eleganti magioni mentre al nipote viene tagliato un orecchio di fronte all'ennesima "svalutazione" della merce.

Un po' thriller e un po' biografia, Tutti i soldi del mondo ci catapulta in un'Italia anni '70 che non era solo Dolce Vita ma anche rapimenti, camorra e criminalità gestita da gente poco più istruita di un contadinasso qualsiasi e l'ambiente brutto e sporco delle cascine calabresi, arse dal sole, fa da contraltare al cupo e freddo maniero inglese di Getty o dei suoi efficienti uffici, all'interno dei quali si discute di soldi mentre la gente fuori muore. In tutto questo, la povera Gail Harris, nuora di Getty, si ritrova ad essere considerata ricca e priva di scrupoli non solo da un branco di criminali ma anche dalla stampa affamata di scandali, quando la realtà è che dal matrimonio con un rampollo di ricchissima famiglia la donna non ha mai ricavato altro che sofferenza ed umiliazioni; il destino di Gail è quello di vedersi portare via le persone amate a causa della ricchezza, di arrivare ad odiare il denaro e la Famiglia e di ritrovarsi tuttavia sempre più infognata all'interno di un Impero dove chiunque vorrebbe mettere le mani tranne lei. La storia che scorre sullo schermo (la quale, viene specificato più volte, è stata MOLTO romanzata) alterna epiche immagini "alla Scott", con la neve tra le rovine romane, sterminati campi di grano, giornali che si animano quasi volessero attaccare il loro lettore, a quelli che mi sono sembrati azzeccati omaggi al poliziottesco violento e alle atmosfere Sorrentiniane de La grande bellezza ma forse ciò che mi ha colpita di più è la cura riposta nella realizzazione degli interni della magione di Getty, talmente piena di opere d'arte che riconoscere ogni stile ed autore è stato praticamente impossibile, almeno per me. Gli attori mi sono sembrati tutti in parte, Plummer e Michelle Williams in primis benché non da Golden Globe, ma rimpiango di non aver potuto vedere il film in lingua originale perché il ridoppiaggio in italiano di molti attori autoctoni mi ha fatto letteralmente accapponare la pelle tanto mi è parso forzato (forse perché c'è molta differenza tra chi è doppiatore e chi si ritrova in sala doppiaggio per la prima volta?); fortunatamente la cosa non ha inficiato la visione del film, che si conferma solido e capace di intrattenere e far riflettere. Con buona pace dei fan di Kevin Spacey, che vi devo dire.

Del regista Ridley Scott ho già parlato QUI. Michelle Williams (Gail Harris), Christopher Plummer (J. Paul Getty), Mark Wahlberg (Fletcher Chase), Timothy Hutton (Howard Hinge) e Marco Leonardi (Mammoliti) li trovate invece ai rispettivi link.

Nicolas Vaporidis interpreta il Tamia. Nato a Roma, lo ricordo per film come Notte prima degli esami e Notte prima degli esami - Oggi, inoltre ha partecipato a serie quali Carabinieri. Anche produttore, ha 36 anni e un film in uscita.

E' risaputo, e non devo essere io a ricordarlo, che Christopher Plummer ha rimpiazzato Kevin Spacey dopo gli scandali sessuali che hanno coinvolto quest'ultimo; tuttavia, Plummer era già nella rosa di candidati papabili per i ruolo (assieme a Jack Nicholson e Gary Oldman tra l'altro) e, oltre ad avere già letto lo script, aveva anche incontrato Getty ad alcune feste negli anni '60. Quello che forse non sapete però è che il ruolo di Gail Harris era stato offerto prima ad Angelina Jolie poi a Natalie Portman, che hanno entrambe rifiutato. Detto questo, se Tutti i soldi del mondo vi fosse piaciuto potete recuperare The Counselor - Il procuratore anche se a me proprio non è garbato. ENJOY!

Thelma (2017)

Nelle vacanze di Natale ho avuto modo di vedere Thelma, diretto e co-sceneggiato nel 2017 dal regista Joachim Trier nonché film scelto dalla Norvegia come film da proporre nella categoria Miglior Film Straniero ai prossimi Academy Awards.

Trama: Thelma, ragazza molto religiosa, affronta il primo anno di università lontana dai genitori e tutti i cambiamenti che la vita indipendente comporta, soprattutto dal momento in cui la giovane scopre di avere strani poteri...

Mi ha incuriosita e sorpresa, ovviamente in senso positivo, l'idea che la Norvegia potesse proporre all'Academy una pellicola dalle forti basi sovrannaturali come Thelma (ah, spoiler: ovviamente non è finito tra i candidati), soprattutto quando il Belgio non ha avuto lo stesso coraggio nel proporne una come Raw, con la quale il film di Joachim Trier (cognomen omen?) ha molti punti in comune. Anche Thelma è infatti una pellicola in cui l'elemento sovrannaturale o fantastico, in questo caso i poteri latenti della protagonista, non è una mera scusa per introdurre scene zeppe di effetti speciali o splatter, bensì il veicolo attraverso cui il personaggio principale si scopre diverso all'interno di una situazione già di per sé di transizione e cambiamento, quindi potenzialmente difficile, se non addirittura esplosiva. Thelma introduce l'argomento "poteri" in maniera sottile, mascherandoli all'inizio attraverso crisi epilettiche che colpiscono la giovane protagonista; il regista ci da ad intendere che qualcosa in Thelma non vada dal momento in cui il film viene introdotto da un'inquietante sequenza ambientata nel passato di lei ma per il resto la sceneggiatura si concentra sulle paure della ragazza, sul legame morboso coi genitori e sugli stimoli esterni che arrivano a toccare in profondità la protagonista. Il background religioso di Thelma è importante ma stavolta non vengono introdotti i soliti genitori bigotti e violenti che hanno cresciuto una figlia terrorizzata e cattolica a son di descrizioni infernali. Qualcosa, nel passato di Thelma in particolare e in quello della famiglia in generale, ha reso i genitori molto attenti a mantenere attorno a lei un ambiente tranquillo, rilassante e colmo di speranza cercando di raggiungere l'obiettivo attraverso la fede, mentre le costanti telefonate alla figlia sono un modo per capire e, volendo, prevenire eventuali "danni". Il problema è che Thelma, come tutte le ragazze che diventano donne, sta cambiando ed è proprio il cozzare tra i naturali desideri di una persona che diventa adulta e consapevole e i divieti imposti da una fede che la ragazza ha abbracciato inizialmente con gioia a causarle disagio e turbamento, fino a raggiungere le inevitabili conseguenze. Per questo, prima ancora di un film "fantastico" che sul finale sconfina nel thriller/horror (potrei definirlo fiaba nera?) Thelma è il bellissimo e delicato ritratto di una persona che comincia a scoprire sé stessa e gli altri, sviluppando le naturali pulsioni che si concretizzano innanzitutto nel desiderio di amicizia e amore, anche solo per non rimanere soli in un luogo sconosciuto, e che portano inevitabilmente ad allontanarsi dall'infanzia e dalla protezione della famiglia.

La storia di Thelma viene messa su pellicola con una delicatezza senza pari, ricorrendo a sequenze eleganti e poetiche, all'interno delle quali le fredde terre del Nord si alternano a luoghi pieni di calda luce soffusa ma anche a momenti in grado di gelare il sangue nelle vene. In Thelma non si vedono scene "forti" dal punto di vista del gore o dell'effetto speciale ricercato ma i momenti di "rottura" ci sono e sono emozionanti, per non dire da incubo: la concretizzazione delle pulsioni sessuali della protagonista è un trionfo di erotismo allucinato, la scoperta di "cosa" sia successo nel passato di Thelma è raggelante nella sua fredda esposizione mentre gli esami ai quali viene sottoposta per capire a cosa siano dovute le sue crisi epilettiche non avrebbero sfigurato nella clinica de La cura del benessere, questo giusto per citare un paio di scene che mi hanno particolarmente colpita. Personalmente, ho trovato azzeccata anche la scelta della protagonista. Non un "ragnetto" pronta solo a ricevere degli sputi dalle compagne come la povera Sissy Spacek in Carrie ma nemmeno una di quelle attrici pronte a sfoderare il fascino di chi ha preso improvvisamente consapevolezza di un potere devastante, Eili Harboe incarna alla perfezione la ragazza carina ma timida che rischia di passare inosservata, inghiottita da caratteri più esuberanti o inclini all'esibizionismo, eppure regge da sola un intero film con un'interpretazione misurata e in qualche modo "dolce", con la quale non è possibile non empatizzare. Per rimanere sempre in tema Raw, è interessante notare la diversità delle metamorfosi subite dalle due attrici protagoniste: Garance Marillier, impegnata in un film "sanguigno", caricava molto su una graduale trasformazione più "animalesca" del personaggio mentre la Harboe mantiene comunque una sorta di etereo distacco anche nei momenti più concitati, espressione di un potere che deriva dallo spirito e che, se incanalato al meglio, potrebbe anche non essere negativo. Forse. In definitiva, un film da vedere e dispiace che l'Academy abbia mostrato, anche stavolta, una ben scarsa lungimiranza. Speriamo in The Shape of Water, che vi devo dire!

Joachim Trier è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Danese, ha diretto film come Segreti di famiglia. Anche produttore, ha 44 anni.

Come già accennato più volte nel post, se Thelma vi fosse piaciuto recuperate Raw. ENJOY!

(Gio)WE, Bolla! del 4/1/2018

Buon giovedì a tutti e di nuovo buon anno! Primo post del 2018 dedicato alle uscite settimanali, con gli Oscar che si stanno avvicinando e gli strascichi Natalizi che finiscono qualcosina di interessante al cinema c'è, anche a Savona. ENJOY!

Jumanji: Benvenuti nella Giungla

Reazione a caldo: Ehm...

Bolla, rifletti!: Che vergogna. Premettendo che a me Jumanji non ha mai detto più di tanto, ero già lì per lanciare strali contro l'ennesimo remake e... no, niente, per me l'accoppiata Jack Black & The Rock ha cancellato ogni dubbio. Temo andrò a vederlo, anche perché potrebbe essere l'unico film che interessa anche al Bolluomo e con la zampa infortunata necessito di un autista per muovermi!

Tutti i soldi del mondo

Reazione a caldo: Però...

Bolla, rifletti!: Però ovviamente vorrei andare a vedere questo. Sperando che non sia una menata di palle come il maledetto The Counselor - Il procuratore e alla faccia del povero Kevin Spacey, un film di Ridley Scott va visto a prescindere, su.

Il ragazzo invisibile - Seconda generazione

Reazione a caldo: Bastava la prima

Bolla, rifletti!: Ecco l'unico film che proprio non mi interessa vedere. Mi è bastato sentire le voci degli "attori" nel trailer per decidere di dedicarmi piuttosto ad una maratona Runaways, quello sì che è un bel racconto di giovani supereroi!

Al cinema d'élite esce l'unico film che avrei voluto vedere a Natale (assieme a La ruota delle meraviglie, già uscito però al Multisala), proprio quando non posso muovermi per lo zampone infortunato T__T

Dickens - L'uomo che inventò il Natale

Reazione a caldo: Dickens!! Dan Stevens! SbaaaVV!!!

Bolla, rifletti!: Dickens era davvero così figo? Ehm, no, ignoratemi. Il motivo per andare a vedere il film è che adoro Dickens, amo Il canto di Natale, gioisco davanti ai film inglesi in costume, quindi DEVO correre (bella battuta...) a vederlo!!!

Coco (2017)

Buon 2018 a tutti! Vi faccio gli auguri oggi perché il post di El Bar l'avevo già scritto mesi fa mentre questa è la prima volta che mi metto a scrivere sul blog con l'anno nuovo e spero di non essere arrugginita perché vorrei parlare bene di Coco, diretto e co-sceneggiato nel 2017 dal regista Lee Unkrich e co-diretto (nonché co-sceneggiato) da Adrian Molina. NO SPOILER, ovvio.

Trama: desideroso di diventare un musicista benché osteggiato dalla famiglia, il piccolo Miguel ruba una chitarra dalla tomba del famosissimo Ernesto de la Cruz proprio nel dia de los muertos e, a causa di una maledizione, finisce per rimanere bloccato nell'aldilà...

L'ho già scritto su Facebook ma lo ripeto anche qui: Coco è uno dei film più belli del 2017 e, come ha detto il buon Sauro di Solaris, ha fregato tutti i blogger che, come me, avevano già stilato le loro classifiche. Ben lontano dall'essere una pallida imitazione de La sposa cadavere o, come avrei temuto, del pregevole Il libro della vita, Coco è un'altra vittoria della Pixar, che è riuscita a confezionare l'ennesimo capolavoro non solo di animazione ma anche e soprattutto di sceneggiatura. L'idea di partenza, oltre alla caratterizzazione del protagonista, è in effetti molto simile a quella del film di Gutiérrez; ne Il libro della vita c'era un torero che voleva diventare musicista, qui abbiamo il piccolo rampollo di una famiglia di calzolai che vorrebbe intraprendere la stessa strada ma, mentre Manolo veniva da una stirpe di toreri che con la musica non avevano mai avuto nulla a che fare, Miguel sa che la sua antenata ha espressamente vietato ai propri discendenti di approcciarsi alla musica dopo essere stata abbandonata da un marito spinto dal desiderio di diventare famoso. Coco si apre dunque col triste racconto di Mamá Imelda, prima di una serie di matriarche forti e determinate, molto vicine all'immagine di "donna del sud" sdoganata dai simpatici sketch di Casa Surace, armate di ciabatta e pronte a rifocillare gli amati nipotini ma anche impossibili da contraddire e incredibilmente testarde e fiere, e continua nel modo più bello possibile. Coco infatti non parla solo di contrasti familiari e di desideri di libertà affidati al solito protagonista intraprendente e baciato dal talento ma è soprattutto una pellicola sulla Famiglia con la F maiuscola e su un concetto di morte che è quanto di più distante da quello cupo e disperato sdoganato in anni di animazione per bambini, una diversità che non si limita alla rappresentazione coloratissima di un aldilà da sogno; Coco, per la prima volta da che ricordi, parla della morte con naturalezza rendendola parte dell'inevitabile ciclo vitale e sottolinea l'importanza della commemorazione dei defunti come fonte di forza per chi è rimasto in vita, anche quando sembra che le memorie ad essi legate siano solo negative oppure terribilmente tristi. La testardaggine di Miguel, al quale vanno sin dall'inizio le simpatie dello spettatore, si trasforma nel corso del film in un'arma a doppio taglio che fa riflettere sulla necessità di "ascoltare tutte le campane" senza lasciarsi accecare da rabbia e pregiudizi e, soprattutto, senza allontanarsi da chi, benché sbagliando e per quanto in modo maldestro, ci ha comunque sempre voluto bene.

L'importanza di "ascoltare" e cercare di capire le ragioni degli altri si traduce, ironicamente, in un film a tema musicale che di musica, fortunatamente, ne ha ben poca all'interno. A differenza del corto che precede la pellicola, quel Frozen - Le avventure di Olaf sul quale tornerò più avanti, Coco non è zeppo di numeri musicali, anzi, è molto parco e si riduce a quattro, massimo cinque siparietti assolutamente funzionali alla trama ed importantissimi, brevi e molto accattivanti (senza parlare, ovviamente, dello score "di sottofondo", realizzato da un Michael Giacchino particolarmente ispirato). La musica, d'altronde, ha tenuto la famiglia di Miguel arroccata sulle sue posizioni per decenni e probabilmente ha costretto la maggior parte dei membri a prendere una strada diametralmente opposta alle loro aspirazioni ed è giusto che essa venga dosata con parsimonia nel corso del film, come qualcosa che Miguel, giovane ed entusiasta, deve ancora imparare a gestire... e anche come una magia capace di richiamare ricordi, emozioni e gioia di cantare. Quel che non manca a Coco è invece la bellezza di sequenze animate mozzafiato, all'interno delle quali spicca un aldilà non soltanto coloratissimo e soffuso della magica luce arancione del tagete messicano, ma anche strutturato in modo che ogni cosa all'interno dello skyline vintage della città dei morti (solcato da magnifici spiriti guida) ricordi il volto di un calavera; e se le citazioni a Frida Kahlo, favolosa nume tutelare del film, sono allo stesso tempo esilaranti e bellissime (il numero delle ballerine sulla papaya mi ha uccisa sulla poltrona) e il flashback iniziale realizzato animando i festoni di carta è un piccolo capolavoro, quello che mi ha colpita di più guardando Coco è stata la delicatezza del character design. Con questo non mi riferisco tanto agli eleganti teschi dipinti che popolano il regno dei morti, per quanto comunque bellissimi, ma piuttosto alla verosimiglianza con cui gli animatori hanno riportato in maniera stilizzata i tratti somatici tipici di un popolo fino a creare quel capolavoro di nonnina tutta rughe e lunghe trecce bianche che ha rischiato di strapparmi il cuore dal petto proprio ora che la mia, di nonna, non sta troppo bene; la nonna di Miguel è bellissima, con una faccia tenera tutta da amare come si farebbe con qualunque vecchina veneranda ed è la prima volta che mi capita, sempre in un film per bambini, di vedere la vecchiaia riproposta, pur con tutti i suoi difetti (malattie comprese, ché qui si parla di alzheimer), in maniera così dolce e rispettosa quando di solito gli anziani vengono usati o come delle specie di Yoda o messi a mo' di burberi rompiscatole. Quindi andate, andate a vedere Coco, portatevi manciate di fazzoletti, preparatevi a ridere, emozionarvi e piangere senza ritegno... e, soprattutto, armatevi di santa pazienza prima che inizi.

Sì perché prima di Coco c'è, ahinoi, il "corto" Frozen - Le avventure di Olaf. VENTIDUE MINUTI difficili da sopportare persino per me (che ho adorato Frozen e mi sono divertita anche col corto precedente, Frozen Fever), durante i quali un bambino si è alzato è ha detto al padre "Ma papà, io mi sto annoiando!". E ne hai ben donde, povero patato! Il problema non è che Olaf, il pupazzo di neve con la voce da pittima che "ama i caldi abbracci", sia il protagonista praticamente assoluto, quanto piuttosto che i VENTIDUE MINUTI siano TUTTI cantati. Tutti, santiddio. L'unico momento in cui mi sono esaltata/commossa è stato quando le note di "Do You Want to Build a Snowman?" hanno fatto capolino, per il resto se nel 2019 mi daranno un Frozen 2 interamente cantato e imperniato per l'ennesima volta sulla tristezza derivante dall'infanzia perduta di Elsa e Anna andrò ad impiccarmi a un albero di Natale perché, signore mie, quanto ancora la vogliamo tirare avanti con sta storia di Elsa che si deprime perché per colpa sua Anna non ha mai avuto una famiglia, una festa, un legame fraterno, un chediaminenesò? E basta, dai, tiriamo fuori un po' di palle! Anche perché diverse catene cinematografiche americane hanno ritirato il corto, quindi non devo essermi rotta le scatole solo io... (e poi non avete idea di quanto sia piacevole guardare i colori di Coco dopo venti minuti di toni freddi)

Del regista e co-sceneggiatore Lee Unkrich ho già parlato QUI mentre Cheech Marin (la voce originale del poliziotto che parla con Hector) lo trovate QUA.

Adrian Molina è il co-regista e co-sceneggiatore del film. Americano, è alla sua prima esperienza come regista ma ha già lavorato in casa Pixar come sceneggiatore e animatore in Ratatouille, Monster University e Il viaggio di Arlo. Ha 32 anni.

Gael García Bernal è la voce originale di Hector. Messicano, ha partecipato a film come Amores perros, Y tu mamá también - Anche tua madre, I diari della motocicletta, La mala educación e a serie come Mozart in the Jungle. Anche produttore, regista, cantante e sceneggiatore, ha 40 anni e due film in uscita.

Benjamin Bratt è la voce originale di Ernesto de la Cruz. Americano, ha partecipato a film come Demolition Man, Catwoman, Doctor Strange e La fratellanza mentre come doppiatore ha lavorato in Cattivissimo me 2. Anche produttore e cantante, ha 55 anni.

La voce originale di Papá Julio è quella del regista Alfonso Arau. Se Coco vi fosse piaciuto, potete trovare su internet il corto Dante's Lunch: A Short Tail, avente per protagonista il cane guida di Miguel e, in aggiunta, potete guardare Ratatouille, Inside Out, Il libro della vita e Up. ENJOY!

El Bar (2017)

Ultimamente Netflix mi ha fatto una bella sorpresa e ha messo in programmazione El Bar, l'ultimo film diretto e co-sceneggiato dal regista Álex de la Iglesia.

Trama: otto persone rimangono chiuse in un bar di Madrid mentre all'esterno le persone sembrano prese di mira da cecchini invisibili...

De la Iglesia è pazzo, non c'è dubbio. Un pazzo adorabile ed imprevedibile, che parte lento e divertente e finisce lasciando lo spettatore con un'angoscia incredibile. El Bar è, mi si passi il paragone azzardato, il The Mist di de la Iglesia, con una minaccia esterna non meglio identificata (almeno all'inizio) al posto della nebbia e dei mostri assetati di sangue, ma a tratti ricorda anche un altro grande esponente dell'horror spagnolo, l'indimenticato [Rec], soprattutto quando la situazione comincia a farsi più chiara, benché non meno terribile. Perché ho nominato The Mist? Perché il fulcro della pellicola è mostrare cosa succede quando delle persone normalmente civilizzate vengono rinchiuse per lungo tempo all'interno di quattro mura mentre "qualcosa" ne alimenta la paura e mette in pericolo la loro incolumità fisica, privandole persino dei fondamentali appigli di sicurezza presenti nella società attuale: televisione e telefoni cellulari. Gli avventori del bar per prima cosa accendono la TV per vedere se qualcuno sta parlando della situazione esterna e la loro confusione aumenta quando l'apparecchio mostra solo programmi spazzatura ed inquietanti film horror, come se nulla fosse successo nel centro di Madrid; ancora peggio, il 90% dei loro cellulari o è quasi scarico (la vita appesa ad una tacca di batteria, aiuto!) oppure non prende, quindi ricevere notizie dall'esterno o chiedere aiuto è praticamente impossibile. Rimane quindi solo da affidarsi ai compagni di sventura ma come si fa quando la paura comincia a mordere con forza e chiunque potrebbe essere un terrorista, un nemico, un folle pronto a fare una strage? Nella prima parte di El Bar, più commedia surreale che thriller, si rincorrono senza sosta dialoghi atti non solo ad indagare sul mistero esterno all'esercizio ma soprattutto a sottolineare l'incomunicabilità che vige tra gli esseri umani, l'innato disprezzo verso persone di ceto sociale diverso, i pregiudizi verso chi non corrisponde al proprio ideale di "probo cittadino", la strenua volontà di indossare una "maschera" che possa o isolarci dalla società oppure farci spiccare agli occhi delle persone: emblematico è non solo Nacho, con le sue pose da hipster, ma anche la bella Elena che "mai sarebbe entrata in un posto come questo" oppure la sanguigna proprietaria del bar, preoccupata solo della sua pelle. Ironicamente, l'unica voce della verità è quella del folle barbone Israel, che approfitta della situazione non tanto per ricoprire gli astanti con le sue vaneggianti citazioni bibliche ma per svelare a poco a poco, col suo comportamento imprevedibile e violento, la vera personalità di tutti quelli che, dall'alto del loro essere integrati nella società, si credono superiori a lui e meno istintivi o bestiali.

Nella seconda parte del film esplode invece la personalità esagerata di de la Iglesia, quel cinema dell'eccesso sanguinolento e chiassoso che fa un po' da corollario alle opere del regista, anche le più poetiche (come per esempio Ballata dell'odio e dell'amore). Lì il buon de la Iglesia non si risparmia tra momenti di claustrofobia pura, sangue, merda (chiamiamola col suo nome anche perché giuro che a me veniva schifo), violenza, follia e altri scomodi momenti di verità persino commovente (la rivelazione di Trini fa vergognare persino lo spettatore per averla malgiudicata); il montaggio si fa serrato, la regia diventa quella di un incubo, il paragone tra El Bar e un prodotto come [Rec] diventa ancora più calzante (anche se per fortuna qui non abbiamo riprese da found footage) e nonostante l'ambiente cupo di cantine e fogne le immagini sono molto belle e il regista non smette di usare l'ironia, per quanto amara e terribile. Sul finale, non si capisce bene se ciò che viene mostrato sia frutto di sceneggiatura oppure, in parte, sia stato ripreso dal vero, come in una candid camera; nel secondo caso, la direbbe lunga sul punto di degrado raggiunto dalla nostra società, all'interno della quale la gente tende a farsi i fatti suoi anche davanti a persone ridotte quasi a brandelli, e confermerebbe la tesi portata avanti dal regista per tutto il film. La tristezza di un bar dove non solo i proprietari o i dipendenti fingono empatia per attirare i clienti o perché "è il loro lavoro" ma anche di habitué che in realtà non si conoscono, non parlano, non vanno oltre le dicerie, o di persone sole che sembrano lottare con le unghie e con i denti per trovare un minimo di felicità o di empatia nel prossimo ma, in sostanza, sono concentrati esclusivamente su loro stessi. Un piccolo bar di Madrid diventa così metafora del mondo intero e quanto fa male assistere all'ironica, ridicola e geniale scena di dialogo in cui ognuno parla di ciò che lo preoccupa senza nemmeno ascoltare quello che hanno da dire gli altri...

Del regista e co-sceneggiatore Álex de la Iglesia ho già parlato QUI.

Blanca Suárez interpreta Elena. Spagnola, ha partecipato a film come Shiver, La pelle che abito, Gli amanti passeggeri e Mi gran noche. Ha 29 anni e un film in uscita.

Mario Casas interpreta Nacho. Spagnolo, ha partecipato a film come Tres metros sobre el cielo, Tengo ganas de ti, Le streghe son tornate e Mi gran noche. Ha 31 anni e tre film in uscita.

Terele Pávez interpreta Amparo. Spagnola, ha partecipato a film come Il giorno della bestia, Film per non dormire: La stanza del bambino, Ballata dell'odio e dell'amore, Le streghe son tornate e Mi gran noche. E' morta proprio quest'anno, all'età di 78 anni, tuttavia devono ancora uscire tre pellicole che la vedono protagonista.

In El Bar c'è abbondanza di attori che avevano già collaborato con de la Iglesia: Carmen Machi, alias Trini, ha partecipato a Mi gran noche assieme a Jaime Ordóñez (Israel, l'attore è apparso anche in Le streghe sono tornate) mentre Secun de la Rosa, che interpreta Sátur, era nel cast di Le streghe son tornate e Joaquín Climent, ovvero Andrés, è comparso in Ballata dell'odio e dell'amore. Se El Bar vi fosse piaciuto recuperate The Mist e The Divide. ENJOY!

Bolla's Top 5: Best of 2017

Eccoci arrivati alla doppia Top 5 del meglio del 2017, almeno per me. Mai come quest'anno è stato difficile separare le categorie in "generico" e "horror", viste le mille contaminazioni che si sono insinuate nel mio genere preferito e vista la marea di pellicole che hanno lasciato il segno in modi tutti particolari. Siccome ormai la mole di film vista è abbastanza sostanziosa (benché, visti i soliti problemi di tempo e distribuzione mi sia persa come al solito molte pellicole imprescindibili) ho deciso quest'anno di inserire nella classifica quelle opere che si sono impresse nella mia memoria a prescindere dall'effettiva qualità, che magari ricordo ancora dopo quasi un anno per svariati motivi: non stupitevi quindi se piccole opere indipendenti hanno preso il posto di cose più blasonate benché molto apprezzate... e no, non sto parlando di Dunkirk, film che non sarebbe rientrato nemmeno in un'eventuale Top 10! ENJOY quindi e... auguri per l'imminente 2018!!!

5. Silence
Potevo lasciare fuori l'amato Scorsese dalla Top 5? No. Come Tarantino, Egli avrà sempre un posto nel mio cuore. Soprattutto perché il bellissimo, "faticoso" Silence mi ha fatto ritirare fuori i libri di testo dell'università e reimmergermi nella poetica del grande Regista nello sforzo di apprezzare al meglio il suo ultimo lavoro.

4. A Monster Calls (Sette minuti dopo la mezzanotte)
Un film struggente e doloroso, che probabilmente non riguarderò mai più ma che lo stesso mi si è impresso a fuoco nel cuore. L'elaborazione del dolore in chiave horror/fantasy in una pellicola capace comunque di travalicare i generi.

3. A Ghost Story
Un film piccolino. Indipendente. Malinconico. La quotidianità resa un inferno in terra dal punto di vista di un'eternità passata ad attendere. Una delle sorprese dell'anno, senza dubbio.

2. Arrival
Dopo un film piccolino, un film grandioso, quello che a ragione avrebbe dovuto sbancare gli Oscar. E invece mi limito a consegnare ai malinconici alieni di Villeneuve e alla bellissima Amy Adams il secondo posto di questa mia indegna classifica.

1. Detroit
Arrivato cronologicamente per ultimo, il film della Bigelow è un ariete lanciato a 180 km/h nel petto dello spettatore. A tratti insostenibile ma bellissimo, un viaggio all'inferno difficile da dimenticare.

Passiamo ora alla cinquina horror, che ho fatto davvero fatica a compilare. C'era sempre il tarlo di La cura del benessere, film di cui non ho parlato benissimo ma al quale penso ancora oggi e che, ne sono convinta, con una seconda visione sarebbe rientrato in classifica perché ricco di fascino malato e formalmente bellissimo. Quindi gli assegno il sesto posto d'ufficio o il quinto pari merito sulla fiducia con Dave Made a Maze, tanto il blog è mio, chissenefrega delle regole! Ah, per un compendio totale sull'horror 2017 andate QUI, ringraziate Lucia e passate, come me, il 2018 in religioso recupero di tutto quello che avete eventualmente perso (e in religiosa attesa di The Killing of a Sacred Deer e Thelma che finiranno sicuramente nella classifica del 2018!).

5. Dave Made a Maze
Non proprio horror. Forse "fantastico"? Beh, l'aggettivo più calzante è forse fantasioso vista la bellezza delle scenografie e l'assurdità della trama. Un gioiellino.

4. Raw
Coming of age in salsa (o sarebbe meglio dire sangue?) cannibale, elegante, raffinato ma comunque per stomaci forti.

3. Scappa: Get Out
Il film che ha mandato in sbattimento pubblico e critica: horror o thriller? Commedia o cos'altro? Per me, un horror degno di essere chiamato tale, divertente ma anche sottilmente angosciante, da recuperare assolutamente!

2. Madre!
Il delirio firmato Aronofsky. Forse non sarà horror ma a me ha messo ansia come se lo fosse, e tanto basta. E comunque la sequenza finale è quanto di più horror si sia visto quest'anno.

1. It
Primo posto di diritto. Per l'attesa, per l'amore, per Muschietti, per Skarsgard, per King e per tutti i piccoli interpreti. Non è di sicuro l'horror più bello dell'anno ma è quello a cui ho voluto più bene e tanto basta! E ora... tutti ad aspettare il 2019 per il secondo capitolo!

Ma c'è ancora spazio per qualcosa!!!

Fuori classifica: Twin Peaks
Un po' serie TV un po' film, ha fatto discutere, entusiasmare e soffrire gli spettatori per mesi. Il finale ancora mi spezza il cuore e mi ha lasciata con la voglia di averne ancora ma a prescindere da qualunque sentimento ignorante Lynch ha comunque firmato l'ennesimo capolavoro e Kyle McLachlan è già attore dell'anno quindi non potevo lasciare fuori Twin Peaks dal meglio del 2017!

Bolla's Top 5: Worst of 2017

Il Bolluomo ha inaugurato la tre giorni di classifiche, oggi riprendo la parola con i cinque film più deludenti dell'anno. Il 2017 fortunatamente ha recato seco poca roba davvero orrenda, perlopiù si è trattato di film risibili, indegni persino di venire ricordati, ma qualcosina di meritevole di essere condannato all'ignominia perpetua c'è... vediamo cosa! ENJOY e... non perdetevi domani la Top 5 generale e horror!

5. The Great Wall
In verità ero indecisa tra questo e John Wick - Capitolo 2 (che dopo Atomica bionda e Kingsman: Il cerchio d'oro ci ha fatto davvero una magra figura) ma vista la caratura di un regista come Zhang Yimou ho deciso per questo fantasy zeppo di CGI con i colori dei Power Rangers. Della serie, tra le cinesate tarocchissime e le americanate zamarre hanno vinto le prime.

4. The Ring 3
E' vero, ci sono stati horror ben più brutti quest'anno (Bedevil - Non installarla e The Bye Bye Man giusto per nominarne un paio) ma non meritavano nemmeno di entrare in classifica. The Ring 3 invece ottiene questo onore in virtù del suo essere film molto atteso, fuori tempo massimo e surclassato da una trashata come Sadako vs Kayako, ben più paurosa e divertente. Ah, basta far recitare Johnny Galecki fuori da The Big Bang Theory, grazie.

3. The Circle
Altro film attesissimo e rivelatosi 'nammerda. Sceneggiatura scritta alla belin di cane, mille domande anche intelligenti che rimangono senza una risposta valida, una protagonista bellina ma insipida e, soprattutto, mai una presa di posizione che sia una. Emmina, che mi combini?

2. Death Note
Il disgustorama fatto a film, probabilmente la peggior produzione Netflix finora. Il bignami imbecille di un manga intelligentissimo, realizzato a uso e consumo del popolo bue americano, con degli attori imbarazzanti. E' già il secondo anno consecutivo che Wingard entra nella Worst 5, cosa devo fare con te, Adam? Scrivere il tuo nome sul quaderno della morte?

1. La torre nera
Nell'anno in cui Stephen King ne ha compiuto 70 ed è stato celebrato da ben tre adattamenti stupendi (It, Il gioco di Gerald e 1922), il vilipendio ad una delle sue opere più celebri ed amate spicca come un prete sulla neve. La gente si lamenta di Roland nero ma Idris Elba è l'unica cosa che salvo di un film talmente brutto che nemmeno Matthew McConaughey è riuscito a risollevarlo. Vergogna sui vostri padri e sulla vostra mucca!