Il Bollodromo #54: Lupin III - Parte 5 - Episodio 11

Nuovo appuntamento con la quinta stagione di Lupin, arrivata ormai all'episodio 11, ambientato ai tempi della giacca rossa. Vediamo cosa ci ha riservato パブロ・コレクションを走れ (Paburo Korekushion o hashire - All'inseguimento della Pablo Collection). ENJOY!

Tempo presente. Lupin, Jigen e Goemon in veste di cuoco stanno festeggiando il capodanno nel rifugio franzoso e rimembrano i bei tempi in cui Lupin indossava una sgargiante giacchetta rossa. La madeleine del terzetto è uno stemma dorato appartenente alla Pablo Collection, la "collezione" di un re dei cartelli della droga che i tre, accompagnati da Fujiko, erano andati a cercare parecchi anni prima. Dopo un rocambolesco viaggio nella foresta e uno scontro con gli "eredi" di Pablo, un branco di guerriglieri scappati di casa, i quattro scoprono che la Pablo Collection è una collezione di auto d'epoca; all'improvviso, una di esse si anima a mo' di Christine e quando né Jigen né Goemon riescono a distruggerla, Lupin decide di sfidarla impelagandosi in una corsa su una pista realizzata in mezzo alla foresta (il cui percorso forma le lettere del nome PABLO), ovviamente vincendo. Il ladro scopre che il pilota dell'automobile misteriosa altri non è che il fantasma di Pablo e la sua vittoria scioglie l'incantesimo che preservava la collezione, trasformando così il prezioso bottino in un cumulo di rottami. Lupin si prende comunque un souvenir, lo stemma dorato di cui sopra, proprio nel momento in cui la marina del luogo, desiderosa di mettere le mani sul tesoro di Pablo e contattata dai guerriglieri strepponi di prima, decide di attaccare i nostri con missili e quant'altro. Si potrebbe scappare su uno yellow submarine nascosto in una grotta sotterranea, ma il mezzo porterebbe al massimo due persone e i nostri sono in quattro così, tra una litigata e l'altra, i tre ometti vanno alla carica contro un esercito di mille persone e Fujiko scappa col sottomarino solo per affondare miseramente e beccarsi un raffreddore. Una settimana dopo, Lupin, Jigen e Goemon escono dalla foresta straccionati ma ringalluzziti dall'esperienza e più amici di prima... tuttavia, nel presente il ricordo scatena una serie di litigate da primato (con botte di vecchio smemorato al povero aMMoro Jigen!!) e l'episodio si conclude con un'infiammata discussione a tavola.

Avrete notato come la "sinossi" dell'episodio sia assai breve. Devo dire che dopo undici puntate la serie ha mostrato il primo segno di stanchezza e sciatteria, con una trama abbastanza MEH e delle animazioni imbarazzanti; non tanto nei primi piani o nelle inquadrature ravvicinate, dove i personaggi sono ancora tratteggiati con un minimo di rispetto di tratti somatici e anatomie (salvo i due palloni da basket che Fujiko ha per sise ma quello ci sta, fa parte del cleavage power nominato da Lupin!), quanto nei campi lunghi e nelle scene d'azione, al minimo storico per quel che riguarda la quinta serie. La storia è esile e sciocchina, senza una sua particolare identità salvo la giacca rossa di Lupin, e lo spirito della seconda serie che dovrebbe omaggiare si concretizza in un Lupin particolarmente porco (che, per dirla nei termini di Jigen, "non riesce a tenerlo nei pantaloni". Parentesi nella parentesi: il linguaggio dei vari doppiaggi italiani è edulcorato oppure sono i subbi che trovo io ad essere azzeccati e creativi?) e una Fujiko particolarmente oca, in perenne conflitto col povero pistolero che vorrebbe vederla morta. Ho apprezzato comunque la rappresentazione cameratesca del rapporto tra gli uomini della combriccola, tre "migliori in quello che fanno", tre primedonne bizzose che alla fine si vogliono un bene dell'anima benché litighino come le peggiori comari. Fun fact: Jigen ha un solo vestito come Dylan Dog ma fatto di materiali diversi, adatti a tutti i climi e le stagioni. Sogno che il buon Daisuke si rifornisca dalla Kingsman di Londra e che in un futuro live action occidentale ci sia un Colin Firth col barba ad interpretarlo così, senza un motivo plausibile (asciuga la bava). Fun fact 2: da fonti ufficiali, Jigen è il più basso e più ciccio del gruppo, mo' si scopre che è anche il più vecchio (anche se mi sembrava cosa già risaputa, presente nei meandri della mia testolina di fangirl). Di quanto non è dato sapere ma, come si dice, gallina vecchia fa buon brodo! La prossima puntata sarà interamente dedicata a Goemon, infiltrato in una fiera del cosplay e concupito da una bionda brutta come il peccato... aiuto, che la fortuna della quinta serie si sia già esaurita?

"Vecchio stoca**o!" (cit.)

Ecco le altre puntate di Lupin III - Parte 5:

Episodio 1
Episodio 2
Episodio 3
Episodio 4
Episodio 5

Episodio 6
Episodio 7
Episodio 8
Episodio 9

Episodio 10

Bollalmanacco On Demand: Picnic ad Hanging Rock (1975)

Torna il Bollalmanacco On Demand dopo la solita centenaria attesa! Oggi tocca ad un film richiesto da Arwen del blog La fabbrica dei sogni, ovvero Picnic ad Hanging Rock (Picnic at Hanging Rock), diretto nel 1975 da Peter Weir e tratto dal romanzo omonimo di Joan Lindsay. Il prossimo film On Demand sarà Southland Tales - Così finisce il mondo. ENJOY!

Trama: il giorno di San Valentino tre ragazze e un'insegnante scompaiono misteriosamente durante un picnic ad Hanging Rock. Mentre le indagini proseguono, gli equilibri all'interno del college frequentato dalle ragazze si fanno sempre più instabili...

Dopo 12 anni faccio fatica a ricordare tutti i luoghi visti in Australia e dovrei andare a recuperare il diario di viaggio scritto (rigorosamente A MANO) all'epoca per essere certa dei posti toccati durante le gite fatte con il santo Leo ma sono quasi sicura di essere stata a Bendigo e di aver deviato verso Ballarat invece di tirare dritta verso Melbourne, città che dista solo a un paio d'ore di macchina da Hanging Rock. Probabilmente, se allora avessi visto Picnic ad Hanging Rock avrei fatto carte false per visitare questo luogo misteriorissimo e, chissà, magari sparire nel nulla come Miranda e le sue compagne, ma niente, ho aspettato fino al 2018 per guardarlo e chissà quando (e se) riuscirò a tornare nella terra dei canguri e farmi catturare dal fascino senza tempo di quello che è ormai diventato un sito turistico con tanto di statua di una delle protagoniste della vicenda. Sognare non è vietato ma nel frattempo meglio parlare del film altrimenti si fa notte! Picnic ad Hanging Rock è uno stranissimo mix di dramma e thriller, immerso in un'atmosfera surreale e onirica, che pone mille domande ma non offre risposta alcuna. Fin dalle prime linee di dialogo, pronunciate dall'affascinante Miranda, viene insinuato il dubbio che la realtà in cui viviamo, quello che percepiamo, non sia altro che un sogno dentro un sogno e più avanti ci viene detto che "tutto comincia e finisce esattamente nel posto e nel tempo giusti"; verrebbe dunque da dire che non vi è alcun mistero in Picnic ad Hanging Rock, che bisognerebbe solo accettare la scomparsa di Miranda e delle altre come un dato di fatto, pena il disgregarsi delle nostre convinzioni e della nostra percezione della realtà, fino alle inevitabili, disastrose conseguenze. La roccia di Hanging Rock diventa infatti, a poco a poco, emblema di un "tarlo", che non è solo quello che rode la polizia o la terribile direttrice del collegio, ma incarna un senso di insoddisfazione e di desiderio represso che accomuna tutti i personaggi del film e che può, a seconda del carattere, spingere a superare i propri limiti psicofisici (come nel caso di Michael) oppure portare ad abbandonare ogni speranza, ogni voglia di vivere, concretizzandosi nel desiderio di sparire dalla faccia della terra come se fosse un destino ineluttabile.

Peter Weir ce lo palesa questo tarlo; indugia sui gesti ancora acerbi ma comunque sensuali di Miranda e delle altre quando si tolgono calze e scarpe per scalare Hanging Rock, stufe della repressione di un collegio femminile dove a malapena ci si può sfilare i guanti, inquadra il volto della stessa Miranda, gli occhi persi verso un orizzonte a noi precluso, ci concede di spiare nella triste vita di Sara, abbandonata dal tutore e dalla migliore amica nonché vessata da Mrs. Appleyard, ci atterrisce con improvvisi picchi di isteria e terrore, come se il tarlo fosse diventato un enorme mostro impegnato a divorare l'animo delle ragazze superstiti e di quanti sono stati toccati dalla vicenda. In tutto questo, ci pone anche dei dubbi, perché alla fine siamo sempre umani. Incapaci di rassegnarci davanti a una mancanza di spiegazione, ci attacchiamo come i personaggi ad indizi materiali e siamo pronti a puntare il dito contro chi mostra qualsivoglia comportamento "sospetto". Nell'anno del Signore 2018 è troppo facile dubitare di John Jarratt, all'epoca ventiquattrenne ma già dotato di quel viso da compagnone pronto a cacciarti un machete giù per la gola, ed è quasi divertente pensarlo mentre schernisce con la sua risata le tre sfortunate prima di portarle nel suo rifugio a Wolf Creek... ma, a parte questo, già nel 1975 la costruzione della scena in cui Albert e Michael guardano Miranda e le altre saltare sulle rocce del fiume assecondava naturalmente l'idea che la scomparsa delle fanciulle derivasse da un tentativo di violenza sfociato in omicidio. Allo stesso modo, è facilissimo inquadrare come "colpevoli" le due ragazze sopravvissute e considerare le loro amnesie come menzogne, arrivando a odiarle come Mrs. Appleyard arriva a detestare Sara, colpevole di essere rimasta in vita al posto di studentesse che erano il fiore all'occhiello dell'istituto mentre lei è povera, timida, bruttina, svogliata. Eppure, con tutta la frustrazione che può causare un film come Picnic ad Hanging Rock, è proprio il suo strenuo aggrapparsi all'irrisolutezza del mistero a renderlo tuttora affascinante, emblema di un modo di fare Cinema che oggi porterebbe gli spettatori a scrivere su internet "Picnic ad Hanging Rock spiegazione finale" e scatenerebbe fastidiose lotte sui social tra chi apprezza il filtro onirico della visione di Weir e chi lo maledice perché "in questo film non succede nulla". Ah, bei tempi quelli in cui non c'erano tutte le risposte. Ma se io ora salissi sul Monte Diogene, riuscirei a sparire in un passaggio temporale per il 1975?

Del regista Peter Weir ho già parlato QUI mentre John Jarratt, che interpreta Albert Crundall, lo trovate QUA.

Proprio il mese scorso è uscita per il canale Showcase la serie Picnic a Hanging Rock, una miniserie in sei parti con Natalie Dormer tra i protagonisti; non l'ho ancora vista ma se il film di Weir vi fosse piaciuto potete guardarla e aggiungere Cracks. ENJOY!

Tito e gli alieni (2018)

Consigliata da più persone, venerdì sono corsa al cinema d'élite per vedere Tito e gli alieni, diretto e co-sceneggiato dalla regista Paola Randi.

Trama: dopo la morte del padre, Tito e la sorella Anita vanno a vivere in America dallo zio, uno scienziato ormai privo della voglia di condurre le sue ricerche che da anni risiede vicino all'Area 51...

La visione di Tito e gli alieni conferma ancora una volta la bontà della scellerata idea di aprire un blog e l'importanza di un confronto con altri appassionati di cinema e spero che dopo aver letto questo post vi fiondiate anche voi in sala a vedere il film di Paola Randi, senza troppi pregiudizi. Ammetto infatti di essere stata a lungo combattuta sul vedere o meno Tito e gli alieni, in primis per la sua natura di lungometraggio italiano, secondariamente per aver visto un servizio al TG zeppo di iperboli, complimenti esagerati, interviste che mi puzzavano di sòla lontano un chilometro, benché effettivamente i pochi spezzoni mostrati nel corso del servizio invogliassero alla visione. Poi è arrivato Mr. Ink e mi ha detto "Vai!" e chi sono io per dire di no a uno dei blogger migliori del web? Accompagnata da un Bolluomo miracolosamente liberatosi degli impegni lavorativi, sono corsa al cinema d'élite e sono uscita dalla visione sfatta di lacrime ma felice, perché Tito e gli alieni è davvero delizioso, un altro piccolo passo verso l'uscita del cinema italiano dal terrificante baratro di polpettoni  autoriali indigeribili e insipide commedie tutte uguali. Fa un po' specie, a dire il vero, che per "liberarsi" da determinate etichette gli autori italiani debbano ambientare le loro storie all'estero (in questo caso l'America e l'Area 51) oppure guardare ad esempi anglofoni (qui si respira aria Andersoniana, Gondryana, Spielberghiana, Littlemissunshineiana e chi più ne ha più ne metta), però in questo caso è interessante e simpatico lo scontro di culture tra due scugnizzi napoletani che sognano un'America fatta di grandi città, piscine e personaggi famosi (DOV'E' LADY GAGAAA????) e si ritrovano invece a vivere in mezzo al deserto con uno zio taciturno, costretto a ricorrere ad un'autista per solcare l'enorme distanza tra il suo laboratorio e il primo avamposto di civiltà. Relegati in una zona "mitica" come l'Area 51, i due ragazzini fanno del loro meglio per superare il dolore della morte del padre dopo aver già subito quella della madre e se Anita, più grandicella, cerca di farsi forza rifugiandosi nella superficialità tipica degli adolescenti, il piccolo Tito abbraccia un mondo di fantasia dove il papà può parlargli attraverso la foto sottratta alla lapide e dove lo zio è un grande scienziato in grado di raggiungere il genitore per riportarlo a casa, dovunque sia andato. In realtà, anche il Professore è una persona distrutta dal dolore della perdita e rifiuta di stabilire una connessione con le persone che lo circondano, preferendo vivere nel ricordo della moglie morta arrivando persino a negare l'attrazione verso Stella, la sua giovane e carinissima autista.

Tito e gli alieni è dunque un film che, attraverso i topoi della fantascienza e del road movie, racconta una toccante storia di perdita ed elaborazione del lutto, con i personaggi che dopo l'iniziale diffidenza reciproca arrivano a riformare una piccola, strampalata famiglia con la benedizione di chi non c'è più. A onor del vero, il film mostra il fianco proprio quando introduce l'elemento fantascientifico, fatto di intelligenze artificiali parlanti e "gombloddi" militari che portano lo spettatore smaliziato a guardare da un'altra parte per l'imbarazzo, mentre vince a man bassa quando abbraccia i toni della commedia e quelli della favola fantastica. I momenti migliori di Tito e gli alieni sono infatti quelli imperniati sullo shock culturale provato da Anita e Tito e sulla spontanea "napoletanità" dei due, sottolineata ancor più dallo scontro con la natura taciturna dello zio, e tutto quello che riguarda il legame tra vivi e morti, dove la fantasia di Tito la fa da padrone e dove la delicatezza della sceneggiatura riesce a toccare altissimi picchi di poesia capaci di spezzare il cuore a un sasso; in tutto questo, benché debitori di una certa commedia indie USA, ho gradito molto anche i tocchi di weird legati ai matrimoni spaziali di Stella e alle idiosincrasie del Professore, uomo che ama dormire su un divano all'aperto nonché dotato di gusti peculiari in materia di arredamento. A fare da cornice a una storia già di per sé deliziosa, c'è la regia di Paola Randi, che non disdegna la ricerca di punti di vista particolari per le riprese e si avvale di un cambio di formato a metà film oltre a realizzare una carinissima sequenza onirica, resa ancor più vivace da una fotografia accattivante, dai colori vivaci come quella della serie Smetto quando voglio. Molto bravi anche gli attori, sui quali spiccano un Valerio Mastandrea goffo e malinconico, perfetta spalla del vivace Tito interpretato dall'esordiente Luca Esposito, dotato di un faccino da schiaffi tutto da mangiare. A proposito però dei piccoli attori partenopei, chiederei pietà e la possibilità, la prossima volta, di avere i sottotitoli non solo per i dialoghi in inglese ma anche per quelli in napoletano, ché noi povere genti del nord non capiamo! Scherzi a parte, date una chance al cinema italiano e correte a vedere Tito e gli alieni, non ve ne pentirete!

Di Valerio Mastandrea, che interpreta il Professore, ho già parlato QUI.

Paola Randi è la regista e co-sceneggiatrice della pellicola. Nata a Milano, ha diretto anche il film Into Paradiso. Anche produttrice, ha 48 anni.

Clémence Poésy interpreta Stella. Francese, ha partecipato a film come Harry Potter e il calice di fuoco, In Bruges - La coscienza dell'assassino, Harry Potter e i doni della morte - Parte I e Harry Potter e i doni della morte - Parte II. Anche regista e sceneggiatrice, ha 36 anni.

Cargo (2017)

Ne ho letto recensioni contrastanti ed ero quasi tentata di non guardarlo ma per un caso fortuito qualche sera fa ho recuperato su Netflix il film Cargo, diretto nel 2017 dai registi Ben Howling e Yolanda Ramke, anche sceneggiatrice.

Trama: a seguito di una non ben precisata epidemia che trasforma gli uomini in famelici "vaganti", Andy si ritrova solo con la figlia Rosie, di un anno, costretto a cercare una famiglia a cui affidarla dopo essere stato morso ed infettato a sua volta...

Sarà che sto invecchiando ma ultimamente trovo assai gradevoli quegli horror "poco horror", che puntano maggiormente sull'elemento umano piuttosto che sulle terribili circostanze in cui vengono a trovarsi i protagonisti o su jump scare da due soldi. Cargo, è bene dirlo fin da subito, è un film di una banalità sconcertante, prevedibile dall'inizio alla fine e popolato da personaggi che fanno quello che ci si aspetterebbe in un film a tema "pandemia zombie"; c'è la famigliola costretta a sfaldarsi perché i suoi membri non rispettano le basilari regole di sicurezza che li farebbe altrimenti campare cent'anni, c'è il tizio che ha approfittato dell'epidemia per diventare uno stronzo da primato, c'è la popolazione indigena che, in quanto portatrice di valori antichi, della tragedia che ha colpito la civiltà se ne sbatte abbastanza ed è pronta a prosperare in una landa deserta, mostrando un bel dito medio all'uomo moderno. Tutti questi elementi topici vengono mescolati all'interno di una trama che fin dall'inizio punta alla tragedia senza alcuna possibilità di speranza, col cuore dello spettatore che si stringe sempre di più e cerca di mettere delle barriere per non ritrovarsi sul finale sanguinante e ricoperto di lacrime copiose, mentre i pochi "zombie" che compaiono a mettere in pericolo i protagonisti vengono quasi dismessi come se di loro ce ne fregasse assai poco, cosa che in effetti è. A noi, o perlomeno a me, è fregato solo di Andy, Rose e della giovane aborigena Thoomi, tre vite che a un certo punto si intrecciano dopo essere state mostrate separate per almeno metà pellicola, divise ma parallele; Andy percorre le lande desolate dell'Australia onde cercare una famiglia per Rosie e salvarla, Thoomi invece fugge dalla propria per "salvare" l'anima e il corpo di suo padre, convinta che la malattia sia solo una maledizione alla quale si può porre rimedio, prima che la tribù riesca a uccidere e bruciare l'uomo. Le disavventure di questo piccolo manipolo di disperati sono scandite da un orologio impietoso, che scala le 48 ore rimanenti ad Andy prima di trasformarsi a sua volta e dimenticarsi di Rosie o, ancora peggio, ucciderla... ma, come ho scritto sopra, Cargo non punta sull'ansia trasmessa da questo countdown.

Quello che interessa ai due registi è piuttosto mostrare il coraggio di un uomo buono, la disperazione di chi ama la propria famiglia e sa che non potrà più proteggerla (disperazione che porta a due diversi esiti, uno dei quali assai angosciante e triste...), il dolore che scava dentro e rischia di distruggere una persona, il tutto immerso nel brullo paesaggio Australiano, salvifico e insidioso allo stesso tempo; in una Terra così vasta c'è effettivamente la possibilità di salvarsi da una simile epidemia ma per contro sopravvivere diventa molto difficile, soprattutto per un uomo solo costretto a portarsi in spalla una bimbetta di un anno con esigenze ovviamente particolari. In tutto questo, comunque, quello che ho apprezzato maggiormente è stato Martin Freeman. Ho letto di come i registi abbiano lodato la recitazione dell'esordiente Simone Landers, ragazzina molto sensibile e finalmente "vera", sgamata ma nei limiti del realistico, eppure a me è andato il cuore dietro all'attore inglese, con quel suo volto da uomo "medio" ma buono, il tipico cittadino che non saprebbe sopravvivere un giorno nel bosco ma perlomeno ci prova, per amore della moglie e della figlia; con tutti gli horror (migliori, per carità) visti fino a oggi, vedere questo simpatico attore preda di convulsioni, costretto a sbavare sangue terrorizzando figlia e piccola compagna di viaggio, impegnato ad ricorrere alla soluzione estrema che era il cuore del corto da cui è tratto Cargo, mi ha fatto davvero male. E chiunque non si sia sciolto in lacrime davanti alla scena della piccola Rosie che, con tutta la genuinità che solo un piccolo, paffutissimo ravatto biondo può avere, sbavussa il naso di Martin Freeman a mo' di bacio, è una persona davvero MALE. Mentre io ormai sono una vecchia ciabatta piagnona, lo ammetto.

Di Martin Freeman, che interpreta Andy, ho già parlato QUI.

Ben Howling è il co-regista della pellicola, al suo primo lungometraggio, e ha diretto il corto Cargo. Australiano, è anche produttore e sceneggiatore.
Yolanda Ramke è la co-regista e sceneggiatrice della pellicola, al suo primo lungometraggio, e ha diretto il corto Cargo. Australiana, è anche attrice e produttrice.

Cargo è l'estensione dell'omonimo cortometraggio del 2013, diretto sempre da Ben Howling e Yolanda Ramke. Se il film vi fosse piaciuto recuperatelo e aggiungete magari Contagious: epidemia mortale e gli altri due film nominati QUI.

2001: Odissea nello spazio (1968)

Martedì sera sono andata al cinema di Savona in occasione del restauro e della riedizione di 2001: Odissea nello spazio (2001: A Space Odyssey), diretto nel 1968 da Stanley Kubrick e sceneggiato dal regista assieme allo scrittore Arthur C. Clarke, che ne ha fatto uscire un romanzo uscito praticamente in contemporanea col film. Segue post da Non Competente Amante del Cinema.

Trama: una spedizione di astronauti trova sulla Luna un misterioso monolite nero. Mesi dopo, un'altra spedizione viene inviata su Giove per svelarne i segreti...

E' arrivato il momento di ammettere anche sulle pagine di questo blog un fatto assai scandaloso: non avevo MAI visto 2001: Odissea nello spazio prima di martedì. Un po' perché ai tempi delle superiori chi lo aveva visto a scuola ne era rimasto annichilito, e non in senso buono, un po' perché nello stesso periodo mi era capitato di vedere l'intera sequenza di apertura, L'alba dell'uomo, in TV e di aver cambiato canale pensando "Ussignur, che strazio...", un po' perché comunque dura quasi tre ore e non sono mai riuscita a fare lo sforzo di volontà, sta di fatto che alla veneranda età di 37 anni ho preso la macchina e sono andata a Savona, mi sono infilata in una sala di sole 20 persone e, agitata come poche volte al cinema, mi sono accinta alla visione. Come faccio spesso per capolavori universalmente apprezzati, incensati, sviscerati e criticati, non starò a scrivere un post dove tenterò di spiegare la poetica Kubrickiana o il significato dell'intera opera (anche perché ovviamente ci ho capito ben poco), ma mi limiterò a parlare delle sensazioni provate guardando 2001: Odissea nello spazio. Tra le quali elencherò anche il sonno, siete avvertiti, perché sono una persona ORRIBILE. Dunque, la prima cosa che mi ha colpita di 2001: Odissea nello spazio è la freschezza incredibile degli effetti speciali (non a caso celebrati con un Oscar), che non hanno nulla da invidiare a quelli odierni e talvolta li surclassano brutalmente, alla faccia della computer graphic. Le astronavi, sia all'interno che all'esterno, sembrano vere, gli ambienti rotanti sono geniali e suggestivi, le sequenze che mostrano i pianeti dall'alto, per non parlare di quella che precede il passaggio nel wormhole, esempio di perfetta simmetria, sono mozzafiato ed esaltano per la loro bellezza insuperata. Finalmente ho capito perché 2001: Odissea nello spazio è un film praticamente senza dialoghi, visto che le immagini riescono a parlare da sole e ad ipnotizzare lo spettatore, guidandolo attraverso una miriade di sensazioni diverse e portandolo ad empatizzare con personaggi e creature che più diverse tra loro non si potrebbe. Non è scontato, infatti, seguire con partecipazione le vicende degli uomini primitivi all'inizio, arrivando a provare la loro stessa terrorizzata fascinazione per l'inquietantissimo monolite nero che giunge a sconvolgere il loro mondo per poi testimoniare con rassegnata tristezza la comparsa della prima arma usata consapevolmente per uccidere i propri simili... né è scontato provare sentimenti contrastanti per un robot.

In 37 anni non ho vissuto sotto una campana di vetro e, tra citazioni, omaggi (a proposito, non odiatemi se per buona parte del film ho pensato a Homer che mangia ciambelle a gravità zero sulle note di Strauss), letture e quant'altro mi si è ghiacciato subito il sangue nelle vene davanti all'occhio rosso di Hal-9000, insidioso ed apparentemente onnisciente, oppure ascoltando la sua voce suadente e innaturalmente calma, perfetta anche nel doppiaggio italiano. Per questo, il respiro concitato dei due astronauti nella seconda parte del film, persi nel silenzio dello spazio siderale, ha rischiato di bloccare il mio nel petto nemmeno stessi guardando un horror. Ho odiato Hal-9000, come Dave ne ho avuto paura, eppure, come a lui, anche a me si è stretto un po' il cuore quando ho visto spegnersi a poco a poco una creatura così complessa e in qualche modo umana, con quelle implorazioni sempre più tristi e quel girogirotondo sempre più lento, nemmeno Dave stesse sopprimendo un suo simile. Poi, ovviamente, sensazioni "semplici" come queste e la consapevolezza di avere davanti delle immagini splendide, frutto di genio registico puro e di un perfezionismo ineguagliato, sono tutto ciò che la mia mente caprina ha potuto ricavare dalla visione di 2001: Odissea nello spazio, ché ovviamente non ci ho capito una mazza. Le parole di Arthur C. Clarke mi confortano, tuttavia, perché un giorno lo scrittore ha detto " If you understand '2001' completely, we failed. We wanted to raise far more questions than we answered". Tranquillo, Arthur, con me non hai fallito. Quel finale psichedelico io l'ho vissuto come una rinascita di Dave, evolutosi fino a raggiungere una natura "aliena" e diventare una sorta di silenzioso guardiano della Terra, fuori dallo spazio e del tempo, ma non avendo letto il romanzo di Clarke né i suoi seguiti potrei sbagliare in pieno e aggiungo anche un po' chissenefrega visto che 2001: Odissea nello spazio non è nato per essere compreso in toto, bensì per essere vissuto.

E io l'ho vissuto, eh. Mi sono immedesimata tanto che, durante la sequenza finale, ho fatto come gli hippy negli anni '60 e me la sono viaggiata, tantissimo, assecondando il desiderio del mio cervello di assopirsi dopo una visione comunque provante a seguito di lavoro, faccende casalinghe da sbrigare, ciclo, mancanza di qualcuno con cui scambiare due parole meravigliate durante il film e ora tarda. Mi tocca ammettere pubblicamente che, probabilmente, rivedrò 2001: Odissea nello spazio solo se e quando lo ridaranno al cinema, ché un film simile visto a casa per me è impossibile da guardare non solo perché le immagini girate da Kubrick rendono soprattutto sullo schermo di una sala cinematografica, ma anche perché una visione casalinga significherebbe dormire dall'inizio alla fine. 2001: Odissea nello spazio, con tutta la sua bellezza, non mi ha infatti folgorata come accadde ai tempi di Arancia meccanica, non mi ha sconvolta come Full Metal Jacket, non mi ha terrorizzata come Shining né mi ha affascinata come Barry Lyndon, solo per citare i miei film preferiti tra quelli girati da Kubrick, forse anche perché la fantascienza, lo ripeto, non è il mio genere. Tuttavia, sono felice di avere finalmente superato questo "scoglio" e di averlo fatto nel migliore dei modi, come fossi uscita di casa nel 1968, emozionata all'idea di andare al cinema come mi succede solo quando esce un nuovo film di Tarantino; nel bene o nel male, la visione di 2001: Odissea nello spazio, film moderno, bellissimo, fresco e ancora in grado di far discutere ed emozionare pur con i suoi 50 anni sul groppone, diventerà un ricordo indelebile e nell'anno domini 2018 queste sensazioni non hanno prezzo!

Del regista e co-sceneggiatore Stanley Kubrick ho già parlato QUI.

Keir Dullea interpreta il Dr. Dave Bowman. Americano, ha partecipato a film come Black Christmas (Un Natale rosso sangue), 2010 - L'anno del contatto e a serie quali La signora in giallo. Ha 82 anni e un film in uscita.

Nel film compare la figlia di Stanley Kubrick, Vivian, nei panni della figlia di Floyd. Stanley Kubrick, dopo aver visto Astroboy, avrebbe voluto che Osamu Tezuka collaborasse al film per quanto riguarda l'impostazione artistica generale, ma il mangaka ha dovuto rinunciare a causa delle difficoltà di trasferimento dal Giappone all'Inghilterra. Nel 1984 è uscito il film 2010 - L'anno del contatto, il sequel ufficiale di 2001: Odissea nello spazio ma gli unici attori a tornare sono stati Keir Dullea e Douglas Rain, la voce di HAL-9000. Se 2001: Odissea nello spazio vi fosse piaciuto potete recuperarlo e magari aggiungere Moon, Arrival e Interstellar. ENJOY!

(Gio)WE, Bolla! del 7/6/2018

Buon giovedì a tutti! Altra settimana un po' triste, segno che sta arrivando un'estate non ancora pronta per blockbuster interessanti. Io avei visto volentieri Rabbia furiosa - Er Canaro, ma ovviamente a Savona non è contemplato quindi... ENJOY!

Jurassic World - Il regno distrutto

Reazione a caldo: Bah.

Bolla, rifletti!: Credo di essermi fermata a Il mondo perduto, ché i dinosauri non mi hanno mai interessata più di tanto. Auguro però ai fan della saga di potersi godere un bel film!

Lazzaro felice

Reazione a caldo: Ussignur.

Bolla, rifletti!: Sono una capra ma già solo il trailer di questo film mi ha abbattuta d'ammorbo. Lascio opere simili agli spettatori sensibili che possono apprezzarle e passo oltre!

Al cinema d'élite arrivano gli alieni!!

Tito e gli alieni

Reazione a caldo: Hmm...!

Bolla, rifletti!: Questa storia di bambini, lutti e alieni mi sembra molto simpatica ma, essendo made in Italy, il rischio schifezza diretta male e recitata peggio è dietro l'angolo. Riuscissi a far incastrare i terribili orari del cinema d'élite però andrei a vederla, sono sincera...

Il Bollodromo #53: Lupin III - Parte 5 - Episodio 10

Sangue! Furti! Mancano solo gufi, un po' d'introspezione psicologica sui personaggi secondari e delle sise per far raggiungere a Lupin III - Parte 5 l'empireo delle mie serie preferite di sempre! Ma cos'è successo nell'episodio 10 (泥棒と泥棒 - Dorobo to dorobo - Ladro & ladro) da rendermi così felice? ENJOY!

Fondamentalmente, un sacco di gente è morta malissimo e s'è vista una quantità inusitata di sangue e sapete quanto io aDDori le splatterate! Si comincia con dei cocci di vetro conficcati nella crapa pelata del direttore del DSGE, messo alle strette da Lupin e AlbeLt al punto da rivelare ai due dove si nasconde José. I due ladri, mentre rivangano un passato in cui Lupin ha salvato AlbeLt in Messico da un uomo tigre armato di spadone, partono dunque alla volta del castello in cui si cela il marrano ma vengono inseguiti dagli uomini del candidato presidente Salveen... ehm, Calvess. Fortunatamente, giungono in soccorso Jigen e Goemon! Ora, in uno dei dialoghi più esilaranti della serie lo zozzo AlbeLt, un po' geloso del boyfriend pistolero figo di Lupin, comincia a prenderlo in giro parlando di cavalieri senza macchia; Lupin si schernisce replicando che un'eventuale principessa sarebbe ben sfigata a trovarsi davanti un principe azzurro con una barba come quella di Jigen; la Bolla sbotta "Ma vai un po' a giocare in autostrada, vah, scimmia! La principessa avrebbe SOLO da leccarsi i gomiti!!" . Ma torniamo seri. Mentre Jigen, sentitosi chiamato in causa, sbaglia mira ma fondamentalmente sbaraglia un esercito da solo, Goemon spilla fontane di sangue impalando sicari dal tettuccio dell'automobile e finisce per scontrarsi con "la tizia col piercing che non è tanto bella", quella con unghie, zanne, ginocchia, gomiti fatti in metallo tagliente. La signorina vorrebbe farlo fuori ma anche un po' scoparselo, non necessariamente in quest'ordine, tuttavia il samurai è una figa di legno e dopo averla accecata con le sue stesse unghie affilate la taglia in due con un colpo di spada. Takeshi Koike sarebbe fierissimo di tanto sangue!!!

Nel frattempo, Lupin e AlbeLt arrivano al castello dove si nasconde José e il ladro gentiluomo viene usato un paio di volte come scudo dal bel poliziotto. Ma tra i due è tornato ad esserci un amore litigarello, la bromance piano piano viene ricucita, tra una presa in giro e l'altra, una bomba e un colpo di pistola, almeno finché i fanciulli non sono costretti a separarsi: Lupin infatti decide di vendicare Camille occupandosi del suo killer mascherato (che finisce spremuto all'interno di una venere di Norimberga, altro laCo di sanCue, beccate questa Mer*aset!) mentre AlbeLt si ritrova a dover affrontare il mocciosetto emo con la benda sull'occhio di nome Araignée che, nonostante la giovane età, prima gli scassa un braccio e poi lo uccide con la sua stessa pistola, telefonando infine a José per bullarsi del risultato. José è felice e, benché venga raggiunto da Lupin, riesce a liberarsi del ladro fulminandolo con una mano bionica ed elettrificata. Per Lupin parrebbe (di nuovo) finita ma ecco arrivare il suo nuovo Cavaliere senza macchia, ovvero AlbeLt, che spara un proiettile dritto nel corazon del marrano! "Ma non era morto??" già vi sento urlare! No, era una supercazzolona. In realtà Araignée è stato ucciso in un altro brutalissimo modo, prima accecato (pure lui? Eh tanto di occhio ne aveva solo uno...) con la sua stessa arma, quindi appeso a delle travi coi suoi stessi fili, infine imitato al telefono da AlbeLt, uomo che ha più voci di Nicola Savino. A José, con la vita appesa a un filo, non resta altro che farsi sportivamente esplodere ma Lupin riesce a salvare se stesso, AlbeLt e persino il Carnet Noir, riallacciando in tutto questo il rapporto di amore/odio con l'amico di un tempo. Sul finale, AlbeLt, convinto di avere sottratto il Carnet a Lupin, si ritrova con in mano un falso e scoppia a ridere, dai quotidiani scopriamo che Salveen... Calvess si è ritirato dalla corsa presidenziale e che il direttore del DSGE è stato arrestato, mentre il vero Carnet è finito a fare compagnia a Camille nella sua tomba. Tutto è bene quel che finisce bene e fine del Capitolo 2.

La seconda parte dell'avventura francese si è dunque conclusa e ammetto che un po' mi spiace. AlbeLt (o Aruberu, chiamatelo come volete!) si è rivelato un personaggio affascinante e valido, molto più della già apprezzabile Ami, ed è uno dei più degni avversari di Lupin, dotato di capacità assimilabili a quelle del ladro gentiluomo quindi capace di dargli più di un grattacapo. Tra flashback, sangue, killer e intrighi internazionali la mancanza di Fujiko e Zenigata non si è sentita, anche se io aspetto sempre di capire cosa sia successo tra la signorina Mine e Lupin; chissà che il Terzo Capitolo della storia non faccia un po' di luce su questo mistero. Nel frattempo, il prossimo episodio sarà un filler ambientato ai tempi della giacca rossa, quindi della seconda serie, una classica avventura a caccia di tesori in un paese straniero, tra militari corrotti e trappole... e con Fujiko a mostrarsi in tutto il suo splendore, per la gioia dei maschietti! Chissà se questo filler sarà all'altezza dell'episodio 6? Come direbbe Solo, I have a good feeling about this!

Le sise!!

Ecco le altre puntate di Lupin III - Parte 5:

Episodio 1
Episodio 2
Episodio 3
Episodio 4
Episodio 5

Episodio 6
Episodio 7
Episodio 8
Episodio 9