Inside Out (2015)

Giovedì sono andata a vedere Inside Out, diretto e co-sceneggiato dai registi Pete Docter e Ronaldo Del Carmen. Le aspettative per l'ultimo film della Pixar erano altissime e sono state tutte ripagate.

Trama: fin dalla più tenera età, l'interno della testa dell'undicenne Riley è governato dalle emozioni Gioia, Tristezza, Paura, Rabbia e Disgusto. Dopo un traumatico trasloco, Tristezza comincia a comportarsi in modo strano e contamina i ricordi base della ragazzina; Gioia cerca di fermarla ma finiscono entrambe fuori dal "centro di controllo" assieme a questi importanti ricordi, perdendosi nella mente di Riley e lasciandola in balia di Paura, Rabbia e Disgusto..

Sono passati parecchi giorni ma ancora non riesco a dimenticare le mille emozioni che ha suscitato in me la visione di Inside Out, ultimo arrivato in casa Pixar e subito entrato di diritto nella top 5 dei capolavori della casa di produzione americana. Non sarà facile scrivere un post sensato perché non riesco a ripensare alla maggior parte delle sequenze presenti nel film senza sentire un groppo in gola, un magone difficile da spiegare. Perché Inside Out, al netto delle gag esilaranti (e ce ne sono tante, soprattutto negli imperdibili titoli di coda), della caratterizzazione splendida delle cinque emozioni che governano la piccola Riley, dell'incredibile bellezza della sua realizzazione, è un'amarissima e per questo molto realistica rappresentazione del passaggio dall'infanzia all'adolescenza, un passaggio che, per dirla negli stessi termini utilizzati nel film, si è probabilmente sedimentato nella mente di molti di noi come un "ricordo base", fondamentale per lo sviluppo della nostra personalità. Senza stare a raccontare la trama del film o a rovinare la sorpresa, Inside Out è una pellicola "tosta", capace di veicolare un messaggio complesso senza ricorrere a spiegoni e senza concedere scappatoie allo spettatore, che viene brutalmente spinto a ricordare e rivivere esperienze che ognuno di noi avrà sperimentato almeno una volta nella vita. La complessità dei ricordi, che da bambini avevano ognuno un "colore" specifico e che crescendo hanno cominciato ad acquisire sempre più sfumature, sensazioni tristi che vanno necessariamente a braccetto con i momenti più felici, inevitabili "sacrifici" richiesti dal tempo che passa e dalla necessità di crescere, emozioni apparentemente negative che servono invece a renderci più sensibili e percettivi; sono tutti argomenti che Inside Out affronta con eleganza e semplicità, deliziandoci con un paesaggio mentale allo stesso tempo favoloso ma anche molto realistico e offrendoci alcune ironiche spiegazioni sui più comuni "scherzi mentali" a cui siamo soggetti quotidianamente, come il deja vu, quelle maledette canzoncine che non riusciamo a toglierci dalla testa o quelle nozioni di trigonometria che sono andate misteriosamente diminuendo fino a venire dimenticate del tutto.

Inside Out, come dice il titolo, è un viaggio all'interno della mente della protagonista ma anche la rappresentazione delle conseguenze di questo viaggio nella vita quotidiana di Riley, che smette di'essere una ragazzina solare e gioiosa diventando all'improvviso cupa, incapace di provare emozioni che non siano di rabbia, disgusto e paura. L'intelligenza del film sta nel rappresentare ciò che dall'esterno può essere percepito (soprattutto da genitori ed insegnanti) come un periodo negativo di transizione in modo che invece, per le emozioni all'interno della testa di Riley, equivalga ad una sorta di armageddon, con intere zone di paesaggio annichilite da forze sconosciute oppure sgomberate da solerti operai mentali; in realtà, tutto quello che succede a Riley è quello che è accaduto (o che prima o poi accadrà) a tutti noi ed è proprio la consapevolezza di stare assistendo ad eventi normali e condivisibili a rendere Inside Out un piccolo gioiello in grado di regalarci ben DUE racconti di formazione, uno più bello ed intrigante dell'altro. Ognuno a suo modo, i due personaggi chiave della pellicola imparano che non è giusto indulgere costantemente in pensieri tristi e sprecare la propria esistenza a lamentarsi ma non è neppure giusto prendere tutto alla leggera, convincendosi che ogni cosa possa essere risolta con una risata o che tutto stia andando per il meglio: questo è l'importantissimo messaggio che Inside Out vuole comunicare. E' un messaggio forse impopolare e di sicuro contro corrente rispetto a quell'"impara a fischiettar" che negli anni '30 cercava di inculcarci la buona Biancaneve, sorridente persino davanti alla morte, ma io mi sento meglio sapendo che un cartone animato si sia preso il mal di pancia di insegnare ai bambini che la vita può essere brutta e che non si può essere vincitori sempre e comunque; se la vita dà dei limoni non bisogna fare per forza buon viso a cattivo gioco e bersi una limonata con gli amici oppure "fischiettare" aspettando che passi ma avere la sensibilità (cosa rarissima a questo mondo) di ascoltare e condividere la tristezza altrui oltre al coraggio di vincere Rabbia, Paura e Disgusto e confidarsi con chi è pronto a consolarci ed aiutarci. Forse, quest'atteggiamento non ci porterà dritti sulla Luna che sognavamo da piccoli ma chissà che non ci possa semplicemente aiutare a vivere un'esistenza serena benché semplice e, soprattutto, ad affrontare tutti quei cambiamenti che riteniamo devastanti ed impossibili da superare. Per il resto, ci sono sempre i sogni e i ricordi preziosi, quelli non ce li può togliere nessuno perché sono parte di noi e di ciò che siamo. Tra i miei ci sarà di sicuro e per sempre questo meraviglioso Inside Out... e almeno UN indimenticabile, dolcissimo e coraggioso personaggio.

P.S.
Sì, il corto Lava, che precede il film, è meraviglioso. Sì, la canzone che fa da trama e colonna sonora insieme è entrata di diritto a far parte di quelle melodie che partono a tradimento nella mia testa. E sì, piango ogni maledetta volta che succede. Grazie, Pixar.

Del regista e co-sceneggiatore (nonché voce originale della rabbia di papà) Pete Docter ho già parlato QUI mentre Kyle MacLachlan, che doppia il papà di Riley, lo trovate QUA.

Ronaldo Del Carmen è il co-regista e co-sceneggiatore della pellicola, al suo primo lungometraggio. Filippino, ha diretto episodi della serie Freakazoid. Anche e soprattutto animatore, ha 56 anni.

Tra le altre ventisette emozioni prese in considerazione c'erano anche Sorpresa, Orgoglio e Fiducia, ma i realizzatori hanno deciso alla fine di limitarsi a cinque, per rendere tutto meno complicato e sono stati eliminati anche un cucciolo e una sorella minore, per rendere Riley più vulnerabile; allo stesso modo, è stato presto scartato il primo plot di Inside Out, nel quale un bimba di 8 anni veniva colpita da un ramo perdendo la memoria a breve termine e costringendo le emozioni a recuperare i ricordi, così come l'accoppiata Gioia-Paura (al posto di Tristezza) o l'idea di fare viaggiare Riley nella propria mente. A parte questo, sappiate che nell'edizione home video del film sarà incluso anche il corto Riley's First Date?, che prosegue la storia del film; nell'attesa, QUI trovate un assaggio e se Inside Out vi fosse piaciuto recuperate Up, la saga di Toy Story e Monster & Co. ENJOY!

Wes Craven Day: Il serpente e l'arcobaleno (1988)

Il giorno stesso in cui è venuto a mancare Wes Craven ho chiesto al solito gruppetto di Blogger di organizzare un Day per commemorarlo e le adesioni sono state subito tantissime, a dimostrazione di quanto fosse amato lo zio Wes. Ho così colto la triste occasione per riguardare, dopo più di 10 anni, Il serpente e l’arcobaleno (The Serpent and the Rainbow), tratto dall’omonimo libro dell’etnobotanico Wade Davis, che all’epoca non avevo affatto apprezzato.

Trama: l’etnobotanico ed antropologo Dennis Alan si reca ad Haiti, su invito di un’azienda farmaceutica, per studiare il caso di un uomo morto sette anni prima e tornato in vita come zombi. Alan scoprirà tuttavia che curiosare tra le polveri e le leggende haitiane può essere estremamente pericoloso…

E’ proprio vero che i gusti cambiano ogni 10 anni. De Il serpente e l’arcobaleno mi aveva attirata all’epoca la spettrale locandina con un Bill Pullman più vampiro che zombi e un terrificante trailer che passava spesso in TV di cui ricordo alberi e, per l’appunto, un serpente. La visione mi aveva lasciata però totalmente insoddisfatta perché gli  zombi che mi aspettavo erano quelli della tradizione romeriana, non certo degli uomini di colore dall’aspetto un po’ trasandato e privi della tipica brama di carne umana. L’altra sera invece mi sono messa lì, satura di horror banali come solo chi ne guarda da 20 anni può essere, e mi è scesa di nuovo una lacrima al pensiero di come Wes Craven, prima di morire “fisicamente” di cancro, fosse già stato ucciso da spettatori stupidi come la sottoscritta, quel genere di pubblico che condanna film come Il serpente e l’arcobaleno ad essere un inevitabile insuccesso commerciale e spinge gli Autori, per non morire di fame, a piegarsi alle regole del business e girare della merda per ragazzini. Il serpente e l’arcobaleno è una pellicola particolare e coraggiosa, un horror nato nientemeno che da un trattato scientifico sulle sostanze velenose impiegate dai cosiddetti stregoni vodoo haitiani per creare degli zombi (laddove, ovviamente, per zombi si intende persone spinte in uno stato di coma assai simile alla morte, “resuscitate” e poi rese docili e prive di volontà da altre sostanze psicotrope). Partendo dal trattato di Wade Davis, il film di Craven ricama una favola nera che affonda le radici nelle credenze superstiziose della misteriosa Haiti, dove il confine tra suggestione mentale e magia è talmente sottile da essere quasi inesistente, e anche nell’attualità; è palese infatti che la condizione dello zombi e di tutti coloro a cui è stata rubata l’anima dal malvagio capo dei Tonton Macoute è la stessa in cui versavano gli haitiani alla fine degli anni ’80, vessati dalla dittatura di Bebé Doc Duvalier, ed è emblematico che la sconfitta del “cattivo” vada di pari passo con l’esilio del dittatore e la conseguente esplosione di gioia della popolazione (in realtà il film è stato girato in parte nella Repubblica Dominicana proprio a causa delle sommosse popolari haitiane, che avrebbero reso impossibile garantire la sicurezza della troupe). L’horror come specchio della realtà dunque, con l’angosciante tristezza di una persona consapevole di essere stata privata dell’anima e della libertà, costretta a camminare nella terra del Serpente senza poter raggiungere l’Arcobaleno.

Craven è già pienamente conscio della tragedia e dell’orrore insiti in questa condizione ed è per questo che non calca la mano con splatter o scene vietate ai minori, non ne ha bisogno: sangue e viscere sono orpelli con cui si divertono i ragazzini, l’horror adulto parla attraverso suggestioni, sguardi e “idee”. L’idea di venire sepolto vivo per esempio, con un muto terrore racchiuso nella lacrima di Christoph all’inizio, oppure il tremendo e allucinato sguardo del bokor Peytraud, un Zakes Mokae talmente inquietante che se me lo trovassi davanti scapperei a gambe levate (cosa che, effettivamente, il protagonista ad un certo punto fa). Però Haiti è anche magia, terra dei sogni e degli incubi voodoo e sappiamo tutti che Craven in questo campo è maestro. Fin dall’inizio, quindi, Il serpente e l’arcobaleno è impreziosito da una serie di sequenze oniriche che si alternano senza soluzione di continuità alle riprese “reali”  tanto che è spesso difficile capire quando finiscano le une e comincino le altre; tra le più efficaci rientrano sicuramente quella in cui Bill Pullman scopre il suo totem animale (ho adorato la tipica “incertezza” dei sogni più belli, quelli in cui gioia e terrore si compensano e si fondono) e quella terribile ed angosciante in cui il protagonista viene sepolto vivo e ricoperto da un mare di sangue prima di risvegliarsi e capire che l'incubo è appena iniziato. Non di soli sogni vive l'uomo però e, nonostante queste incursioni nell'horror, è anche vero che Craven utilizza spesso una regia documentaristica, soprattutto nelle sequenze che riguardano funerali e processioni, tanto da spingere lo spettatore a chiedersi se davvero quella che ha davanti è una semplice messinscena oppure il regista si è nascosto per riprendere delle cerimonie realmente esistite. Insomma, Il serpente e l'arcobaleno è un film atipico ma sicuramente non da sottovalutare, né da considerare come un'opera minore del regista: forse è un po' ingenuo sul finale, che ricorda tanto Grosso guaio a Chinatown, ma in generale è una visione interessante e consigliatissima!

Wes Craven è stato spesso ospite del Bollalmanacco. Ecco i film di cui ho parlato:

L'ultima casa a sinistra (1972)

Le colline hanno gli occhi (1977)

La casa nera (1991)

Scream 1, 2 e 3 (1996 - 2000)

My Soul to Take - Il cacciatore di anime (2010)

E se ancora, come spero, non vi basta, ecco gli altri blog che oggi hanno celebrato il buon Wes Craven:

Non c'è paragone - La casa nera
Mari's Red Room - L'ultima casa a sinistra
Scrivenny - Scream
Combinazione casuale - Nightmare - Dal profondo della notte
Non c'è paragone - La casa nera
WhiteRussian - Red Eye
Cinquecento Film Insieme - Scream 3 e 4
Pensieri Cannibali - Nightmare - Nuovo incubo
In Central Perk - Nightmare - Dal profondo della notte
Il Zinefilo - Dovevi essere morta
Montecristo - L'ultima casa a sinistra
Director's Cult - La casa nera

Immancabile e doveroso l'omaggio de Il giorno degli zombi: visto che in quasi ogni post di Lucia viene citato Wes è palese che gli voleva bene più di tutti noi quindi cercate anche le recensioni dedicate ai suoi film!! :)

(Gio)WE, Bolla! del 17/09/2015

Buon giovedì! Avete notato che da qualche tempo le uscite settimanali partono di lunedì e continuano per tutta la settimana? Rischio di non capirci davvero più nulla! A parte questo, c'è qualcosa di interessante al momento al Multisala? Direi proprio di sì! ENJOY!

Inside Out
Reazione a caldo: YAY!!!
Bolla, rifletti!: Universalmente riconosciuto da chi ha già avuto la fortuna di vederlo come uno dei Capolavori Pixar. Spero di riuscire ad andare domenica, nel frattempo preparo i fazzoletti che già il trailer mi mette un magone infinito...

L'attesa
Reazione a caldo: ??
Bolla, rifletti!: Primo dei molti film arrivati dritti dalla Mostra del cinema di Venezia, racconta di due donne in "attesa" di un uomo, figlio di una e fidanzato dell'altra, e di una verità troppo dolorosa per essere rivelata. Sicuramente sarà un bellissimo film ma l'argomento mi sembra troppo deprimente e viste le due settimane "calde" che mi aspettano potrà rimanere serenamente al palo.

Tutte lo vogliono
Reazione a caldo: Io no.
Bolla, rifletti!: Brignano gigolò per caso? Ma nemmeno nei miei incubi più perversi, grazie.

Anche al cinema d'élite arrivano strascichi della Mostra e la protagonista assoluta è Valeria Golino, vincitrice della Coppa Volpi...

Per amor vostro
Reazione a caldo: Hmm...
Bolla, rifletti!: Opera in bianco e nero con sprazzi di colore, usati per raccontare la storia di una donna convinta di essere "una cosa da niente". Il film promette di essere particolare e molto interessante, spero di poterlo recuperare un giorno!

Allarme rosso (1985)

Non so perché ma ultimamente ho voglia di guardare vecchi horror oppure cazzabubbole dei miei tempi ed è per questo motivo che sono incappata in Allarme Rosso (Warning Sign), diretto e co-sceneggiato nel 1985 dal regista Hal Barwood.

Trama: all'interno di un laboratorio di ricerca viene accidentalmente liberato un virus che scatena nelle persone un insano desiderio di violenza...

Com'erano belli gli horror minori anni '80, lineari ed ingenui nel loro modo di rapportarsi alle paure "del momento"! L'ingegneria genetica e le ricerche applicate alle armi biologiche erano praticamente le scie chimiche di allora e Allarme rosso asseconda quelle leggende neanche troppo metropolitane per cui degli apparentemente innocui centri di ricerche avevano in realtà terribili doppi fini e nascondevano virus in grado di mettere in pericolo non tanto l'umanità quanto la popolazione autoctona, per la maggior parte formata da buzzurri aMMeregani. Nel film tutto parte da un piccolo errore umano che contamina un centro ricerche dove sono ovviamente tutti amici finché non scattano i protocolli di sicurezza; da una parte c'è chi è ligio al dovere nonostante, in soldoni, non conosca la vera natura degli esperimenti portati avanti in loco, dall'altra ci sono gli scienziati che sanno e ovviamente se la sentono colare, in mezzo stanno i dottorucoli che si credono importanti e invece non sanno una cippa, ovvero quelli che poi scatenano tutto il casino. Fuori dal microcosmo del laboratorio ci sono chiacchiere di paese, persone che "sapevano" e per questo si sono prima defilate poi date all'alcolismo e l'immancabile Governo che, assieme ai Matusa, cerca in tutti i modi di salvare i terribili segreti senza pensare agli esseri umani. Ricetta quasi completa, manca solo l'eroe! Non temete, in Allarme rosso ce ne sono ben DUE (anzi tre ma uno non si vede!), quanto agli effetti del virus gli sceneggiatori mescolano un pizzico di follia, tanta cattiveria e qualche suggestione zombi, trasformando il già labirintico laboratorio in un luogo claustrofobico e pieno d'insidie. Il divertimento anni '80 non manca ma purtroppo Allarme rosso difetta di dinamismo e quando gli infetti pazzoidi non si fanno vedere c'è da chiudere gli occhietti per la letargia, anche perché sono passati i tempi in cui, da ragazzini, ci si entusiasmava per questi film adattissimi alle disimpegnate seconde serate mediasettare!

Trattandosi di un film girato trent'anni fa, qui e là sbucano però delle sorprese affatto male per il medio spettatore nerd o nostalgico, soprattutto tra gli attori. Impossibile non sorridere davanti ad un giovane Dale di The Walking Dead con il solito sopracciglione nero nei panni dell'ex scienziato alcoolizzato ma vegano, così come è automatico far scattare l'applauso davanti all'immagine di un Capitano Harris finalmente impegnato in un film che non sia Scuola di polizia oppure di fronte all'improvvisa comparsa di un Yaphet Kotto falsamente simpatico e infattamente molto ma molto stronzo. Per il resto, il budget del film è palesemente risicato però Hal Barwood e gli attori si impegnano nell'offrire allo spettatore un prodotto mediamente dignitoso che ha l'unico difetto di "frenarsi" e non scatenare tutte le sue potenzialità; il trucco degli infetti, composto semplicemente da qualche bubbone sul viso, copioso sudore e occhi dilatati, non è male nella sua semplicità e l'idea di utilizzare una sorta di luminol per scoprire chi sia o meno malato deforma ancor di più i volti degli interpreti... però parliamo sempre di un "corretto" film pensato per un pubblico mainstream. Riflettevo che la stessa trama, quella delle persone infettate da un misterioso virus che perdono ogni inibizione diventando incredibilmente violente e malvagie, sta alla base del fumetto Crossed di Garth Ennis, una roba che a) ho quasi schifo a toccarla per leggerla e b) nascondo pregando che non finisca mai nelle mani di mia madre, mentre Hal Barwood e Matthew Robbins si sono limitati a suggerire qualche colpo d'accetta ben assestato e una pazzia che regala allo spettatore ben pochi brividi, senza farlo troppo riflettere su ciò che nasconde la debole facciata dell'umano perbenismo. Forse che Allarme rosso sia uno di quei rari film bisognosi di un remake aggiornato e un po' più con le palle? Possibile, ma ci sono poche speranze che possa venire realizzato in maniera intelligente, quindi meglio tenerselo così!

Hal Barwood è il regista e co-sceneggiatore della pellicola, al suo primo e ultimo lavoro dietro la macchina da presa. Americano, anche produttore, attore e animatore, è più famoso in effetti come game designer.

Sam Waterston interpreta Cal Morse. Americano, ha partecipato a film come Il grande Gatsby, Capricorn One, I cancelli del cielo, Hannah e le sue sorelle, La signora ammazzatutti e a serie come Law and Order; come doppiatore, ha lavorato in episodi de I Griffin. Anche produttore e regista, ha 75 anni e un film in uscita.

Kathleen Quinlan interpreta Joanie Morse. Americana, ha partecipato a film come American Graffiti, Airport '77, Independence Day, Ai confini della realtà, Il grande cuore di Clara, The Doors, Apollo 13, Punto di non ritorno, Le colline hanno gli occhi, Horns e a serie come Il tenente Kojak, Dr. House, CSI - Scena del crimine, Prison Break e Glee. Anche produttrice, ha 61 anni e quattro film in uscita.

Yaphet Kotto interpreta il Maggiore Connolly. Americano, ha partecipato a film come Agente 007 - Vivi e lascia morire, Alien, L'implacabile, Nightmare 6 - La fine e a serie come Radici, A-Team e La signora in giallo. Anche sceneggiatore, produttore e regista, ha 76 anni.

Jeffrey DeMunn interpreta il Dottor Dan Fairchild. Conosciuto ai più come il Dale di The Walking Dead, lo ricordo per film come The Hitcher - La lunga strada della paura, Blob - Il fluido che uccide, Le ali della libertà, Phenomenon, X-Files - Il film, Il miglio verde, The Mist, Burn After Reading e altre serie come Ai confini della realtà, Moonlighting, La tempesta del secolo e E.R. - Medici in prima linea. Americano, ha 68 anni e un film in uscita.

G.W. Bailey (vero nome George William Bailey) interpreta Tom Schmidt. Indimenticabile capitano Harris della serie Scuola di polizia (se li è fatti tutti, dal primo al settimo), lo ricordo per altri film come Corto circuito e serie come Charlie's Angels, Chips, Starsky & Hutch, Happy Days, MASH, La signora in giallo e Nip/Tuck; come doppiatore, ha lavorato nel film Mucche alla riscossa. Americano, ha 71 anni e un film in uscita.

Se Allarme rosso vi fosse piaciuto recuperate Leviathan, Contagion, Stuff - Il gelato che uccide, Slither e La città verrà distrutta all'alba. ENJOY!

Il Bollodromo #13: Lupin III - L'avventura italiana (episodi 8-10)

Ormai la disquisizione sugli ultimi episodi di Lupin III - L'avventura italiana è diventata l'appuntamento fisso del martedì, oltre che il diludendo della domenica. Val la pena rimanere svegli fino all'una per poi alzarsi alle sette del mattino dopo e cominciare la giornata lavorativa cartonati davanti alla scrivania? Manco per sogno.

Episodio 8 - Il rapimento

Ennesimo, sciatto fill-in di raccordo nel quale si comincia a profilare la minaccia di un fantomatico "Sogno italiano". Certo che se tu profili la minaccia e poi te la dimentichi negli episodi seguenti non so quanta gente se la ricorderà ma, siamo onesti, questo è il male minore della puntata. Diretto e disegnato da un branco di babbuini attenti ai dettagli (character design e animazioni fanno schifo, in compenso le targhe delle macchine sono perfette!), l'episodio è interamente incentrato sulla "simpaticissima" figlia dell'agente Nix, che viene rapita da un branco di trafficanti di donne. Il perché la ragazzina segua di sua sponte due sconosciuti neppure troppo minacciosi, per di più all'interno di un luogo pubblico come un albergo di lusso, mi è oscuro ma questo è nulla rispetto al vedere l'agente Nix trasformarsi quasi in una sorta di supersayan. E Lupin, direte voi? Boh. Dopo essersi scofanato una pizza con Jigen lo vediamo svaligiare una gioielleria a caso prima di ergersi a paladino delle mocciose rapite. Insomma, nulla di fatto anche stavolta e, come accade negli episodi peggiori, la protagonista quasi assoluta è l'inutile ma sempre stilosissima Rebecca.

Episodio 9 - Benvenuti all'albergo infestato

Primo di due episodi che potevano essere tra i meno peggio della serie, se non fosse per i cervi di Nara reclutati in guisa di sceneggiatori che ci hanno messo la zampetta ungulata. FINALMENTE Lupin e Jigen vanno a caccia di un tesoro, in un antico maniero fiorentino utilizzato come albergo. La puntata è zeppa di trappole, misteri, tesori nascosti, opere michelangiolesche andate perdute, il finale è di una delicatezza incredibile... peccato per l'orrida visione di un Jigen completamente ubriaco che, dopo UN BICCHIERE di rosso, decide di mingere in mezzo ai corridoi dell'albergo, escamotage che consente a Lupin di scoprire un passaggio segreto. Cristo ma, TI PARE???? "Diventi sempre più scemo", dice Lupin all'amico di sempre. "Me n'imbelino!", rispondo io. Quale ragazzina odierna di 8-10 anni si innamorerebbe di uno streppone che piscia nei corridoi (cioé, non usi la pistola e in più segni il territorio come il protagonista della barzelletta di Tarantino in Desperado????!!!)? Ah, la fonte d'ispirazione per la villainess probabilmente è Vanna Marchi, non trovo altra spiegazione.

Si ringrazia Toto per aver fornito la sequenza incriminata. Se la gif fa schifo però la colpa è mia, non sua.

Episodio 10 - Requiem per gli assassini

I cervi di Nara, oltre ad avere la finezza comica dei Vanzina, probabilmente non hanno mai guardato una sola puntata di Lupin in vita loro. Finalmente, arriva l'episodio interamente incentrato su Goemon, dove tra l'altro il samurai offre delle piacevolissime esibizioni della sua bravura con la katana... e io mi ritrovo a pensare che probabilmente hanno sbagliato, l'avevano scritta per Jigen poi non sapevano come infilare Goemon nella serie! Spiegatemi infatti da quando il samurai sarebbe diventato un killer prezzolato pronto ad uccidere per soldi un dittatore solo perché un politico italiano ha bisogno dei suoi pozzi petroliferi (per di più in tandem con altri sicari armati di pistole, fucili e bombe!!!)!! L'intero plot fatto di rimandi al passato, nostalgia, violenza, tradimenti, sangue nero censurato da Mediaset e bionde disturbate porta scritto "Jigen" in ogni immagine. Certo, il pistolero non avrebbe potuto eseguire la WTFissima operazione chirurgica sul finale, ma son dettagli: preferivo un bel colpo di pistola "magico" ad un colpo di zip con minzione annessa. Sì, sono ripetitiva. No, non mi riprenderò mai da quel vilipendio al Daisuke. Altro che ricerca dell'illuminazione...

Basta, io non ce la faccio più. Se vado avanti è solo per disperazione. Al diavolo l'Italia, l'amore, Lupin, la prima TV mondiale, il rispetto verso Jigen, il fatto di essere fan del franchise da 34 anni: Lupin III - L'avventura italiana è un'offesa al buon gusto e sta calando anche dal punto di vista tecnico, per non parlare dell'aberrante doppiaggio dei personaggi secondari e del modo assolutamente pretestuoso in cui viene utilizzata l'Italia che, quando non è un mero sfondo "esotico" ed elegante, diventa il Paese delle battone, dei trafficanti di donne, dei pedofili (il politico dell'episodio 10 è già il secondo personaggio a raccogliere una bambina dalla strada e a farne la sua amante, la piantiamo???), dei politici corrotti, della pizza e della pasta. Andarsene un po' al diavolo, no? Comunque il prossimo episodio, Nettare d'amore, sarà l'ennesima, inutile puntata di raccordo dove finalmente Fujiko e Rebecca si scontreranno per l'amore di Lupin, zizza vs zizza; seguirà Il sogno italiano, diviso in due parti. dove finalmente qualche nodo comincerà a venire al pettine? Non lo so e, in tutta onestà, me ne cale davvero poco. ENJOY!

Ecco le altre puntate di Lupin III - L'avventura italiana:

Episodi 1- 4
Episodi 5 - 7

Bollalmanacco On Demand: Interstella 5555 (2003)

Torna il Bollalmanacco On Demand con la particolare richiesta di Nabil, che mi ha portata dopo anni a completare la visione di Interstella 5555, diretto nel 2003 dal regista Kazuhisa Takenouchi. Il prossimo film On Demand sarà invece Jules e Jim. ENJOY!

Trama: in una galassia lontana lontana, un malvagio senza scrupoli rapisce una band composta da alieni azzurri e li trasporta sulla Terra per farne musicisti senz'anima, completamente asserviti alla sua smania di potere. Un eroico astronauta però accorre in loro soccorso...

Era l'inizio del nuovo millennio e all'epoca mi capitava molto spesso, magari studiando, di tenere accesa la TV con MTV in sottofondo. Uno dei video che mi avevano maggiormente colpita in quel periodo era ovviamente One More Time dei Daft Punk e non solo per la bellezza effettiva della canzone ma soprattutto per lo stile inconfondibile con cui era stato girato: in esso, degli alieni blu palesemente ideati da Leiji Matsumoto suonavano la canzone del titolo e poi venivano rapiti e trasferiti su un'astronave da un gruppo di inquietanti soldati. Immaginate la gradita sorpresa nel vedere, qualche mese dopo, un altro video dei Daft Punk dal titolo Aerodynamic, dove il gruppo tentava di opporre resistenza ai rapitori prima che qualcuno riuscisse a lanciare un disperato SOS a forma di chitarra, subito seguito da Digital Love (peraltro con una canzone ancora più bella di One More Time, se posso permettermi!), nel quale un aitante pilota di astronave, innamorato della bionda bassista del gruppo, veniva a conoscenza del rapimento dei suoi musicisti preferiti e si lanciava in un disastroso inseguimento che si concludeva con un terribile schianto sul suolo terrestre. A quel punto avevo capito che i video raccontavano una storia e incrociavo le dita perché uscisse presto un quarto episodio della vicenda, puntualmente arrivato con la galvanizzante Harder, Better, Faster, Stronger ma, purtroppo, anche l'ultimo a venire trasmesso o, meglio, l'ultimo che mi sia capitato di vedere. E così ero rimasta tremendamente in sospeso, senza nessuna idea di quale sarebbe stato il destino dei poveri alieni ormai trasformati in terrestri per qualche misterioso motivo o se il loro soccorritore fosse sopravvissuto o meno allo schianto ma per fortuna, nel 2003, la vicenda è stata interamente raccolta nel film Interstella 5555 e ora finalmente posso dire di SAPERE. Posso anche dire di avere pianto un po' perché, come spesso accade nelle migliori storie di Leiji Matsumoto, il lieto fine non è così scontato e la vittoria ha sempre un retrogusto amaro. Ma il viaggio vale la pena, eccome!

Interstella 5555 è un anime completamente muto, nel quale è l'intero album Discovery dei Daft Punk a fare non solo da colonna sonora ma anche a trasmettere in qualche modo sia l'atmosfera degli eventi in corso sia i sentimenti dei personaggi. E' uno splendido modo di unire due arti, quella del disegno animato e quella della musica, annullandone i rispettivi confini e creando qualcosa che è molto più della somma delle parti; pur non potendo udire la voce dei membri del gruppo "Crescendolls", del malvagio Earl De Darkwood o del prode Shep, lo spettatore percepisce immediatamente quello che sta passando loro per la testa e si entusiasma davanti alle loro vicende, interessandosi conseguentemente ai loro destini. Prendiamo per esempio il primo singolo, One More Time. Il ritmo della canzone è ossessivo eppure nel momento in cui viene eseguita dai Crescendolls ancora presenti a sé stessi è indice di amore per la musica, energia e divertimento, mentre quando i membri del gruppo vengono "lobotomizzati" quella stessa ripetitività (che pure non viene udita dallo spettatore, solo ricordata, perché nel frattempo si è già passati ad un'altra traccia dell'album) diventa angosciante, l'incarnazione stessa del "tormentone" senz'anima inciso solo per fare soldi. La musica dei Daft Punk, futuristica e dissonante ma anche incredibilmente malinconica, si fonde perfettamente agli splendidi disegni e all'animazione curata da Matsumoto, che da il suo meglio nelle sequenze oniriche o in quelle ambientate nello spazio, dove anche i colori utilizzati diventano quelli di un sogno (o un incubo) a occhi aperti. Lungi quindi da essere "solo" una sequenza di video, Interstella 5555 è uno dei più alti esempi di animazione esistente e un anime da gustare in tutta la sua innovativa bellezza... ritrovandosi magari, nei giorni seguenti, a canticchiare le melodie di un gruppo che a me è sempre piaciuto tantissimo!

Kazuhisa Takenouchi è il regista della pellicola. Giapponese, anche produttore, ha diretto film come One Piece - La spada delle sette stelle ed episodi di serie come Dragon Ball, Sailor Moon e Slam Dunk!.

Se Interstella 5555 vi fosse piaciuto, recuperate per intero le serie Capitan Harlock e Galaxy Express! ENJOY!

Sinister 2 (2015)

In settimana sono andata a vedere Sinister 2, diretto dal regista Ciarán Foy. Non mi aspettavo molto da questo sequel, invece per fortuna mi sono trovata davanti un prodotto dignitosissimo, con tutti i limiti del caso. Segue recensione SENZA SPOILER.

Trama: dopo gli eventi del primo capitolo, l’ormai ex vicesceriffo che aveva aiutato lo scrittore Ellison Oswalt continua ad indagare sui terribili stermini di famiglie con rapimenti di bambini annessi. Le sue indagini lo porteranno ad incontrare Courtney, madre con due figli in fuga dal marito violento, e anche il terribile Bughuul…

Che cos’è la paura? O meglio, quand’è che un film horror può definirsi più o meno riuscito? Ci pensavo in questi giorni riguardando L’ultima casa a sinistra, che all’epoca non mi era piaciuto né mi aveva impressionata a causa della sua mancanza di “stile”, di una violenza grafica sensazionale, di “mostri” e spaventi gratuiti (mentre ora lo riconosco per il cult che effettivamente è); ci pensavo soprattutto dopo aver guardato The Gallows, l’ennesimo, orribile found footage realizzato con due dollari ma graziato da un successo di pubblico strepitoso, arrivato in Italia dopo un mese dall’uscita USA mentre un Signor Horror come The Babadook ha dovuto attendere anni prima di venire distribuito dall’illuminata Midnight Factory. Per quel che mi riguarda, l’horror degno di essere ricordato negli anni a venire è quello che riesce a comunicare qualcosa allo spettatore, a lasciargli delle sensazioni che penetrano più in profondità dello spavento superficiale, qualcosa che lo spinga a riflettere su sé stesso e sulla società che lo circonda oppure che lo avvicini agli incubi dimoranti nella mente del regista o sceneggiatore che lo hanno realizzato. Subito sotto, nella mia classifica personale, ci sono quei film che magari non comunicano nulla ma hanno comunque il pregio di essere innovativi, di avere creato o rinfrescato un sottogenere, di aver sfruttato con intelligenza topoi ormai usurati da anni di ripetute ciofeche. Infine, in questa ideale Top 3 figurano gli horror “onesti”, quelli che non sono né capolavori né tantomeno innovativi ma non lasciano nemmeno allo spettatore scafato quel senso di “truffa” tipico dei prodotti fatti coi piedi “perché tanto allaGGente gli piacciono il sangue e gli urli e chissenefrega di regia e trama”. In questa terza categoria rientra Sinister 2 che, poverino, parte sfortunato in partenza perché impossibilitato a sfruttare l’angosciante colpo di scena che ha fatto la fortuna della prima pellicola (la quale si trovava già tra il secondo e terzo posto di questa classifica assolutamente parziale); costretti a giocare a carte scoperte, sceneggiatori e regista si sono trovati per le mani il difficile compito di inseguire il successo commerciale di Sinister senza riproporre necessariamente al pubblico una minestra riscaldata, riuscendo a fare paura sia a chi conosceva già il primo film sia ai neofiti e, possibilmente, a realizzare una pellicola dignitosa. Ci sono riusciti? Per me sì e, dopo tutto questo giro intorno al mondo, vi spiego perché.

Fermo restando che Sinister è superiore al suo seguito per ovvi motivi (il primo dei quali, come ho detto, è il terrificante twist finale con quell’effetto sorpresa da cui parte il film di Foy), Sinister 2 è comunque una pellicola che merita di essere vista soprattutto per la cura infusa nella sua realizzazione. Laddove il 90% dei film recenti si limita a cercare lo spavento facile in forma di apparizioni alla traditora (che in Sinister 2 non mancano ma sono molto limitate) o botti di capodanno che costringono lo spettatore a perdere ogni volta un paio di battiti cardiaci "perché sì", la pellicola di Foy lavora invece più sul voyerismo insito in ogni appassionato di horror e sulla colonna sonora. In Sinister 2 tornano infatti quei terrificanti snuff movie attraverso i quali il demone Bughuul riesce ad entrare nella nostra dimensione e che mettono molta più angoscia del film in sé. Tolto il loffio “Battuta di pesca”, con gli orridi alligatori in CGI, gli altri filmini amatoriali, per quanto inferiori a quelli mostrati in Sinister, sono un trionfo d’inventiva e cattiveria, soprattutto uno interamente imperniato su una tortura medievale realmente esistita; come i protagonisti, non vorremmo vedere queste trucidazioni riprese con piglio palesemente compiaciuto, eppure non riusciamo a staccare gli occhi dallo schermo e vogliamo sapere a tutti i costi quale sarà il prevedibile finale di questi orrori formato famiglia. Questi filmini, come ho detto, sono accompagnati da una colonna sonora inquietantissima, composta dal collettivo Tomandandy, un insieme di nenie tipicamente horror e suoni dissonanti ai quali è praticamente impossibile dare un ritmo o un senso. Non me ne voglia il demone Bughuul, con la sua faccetta da Michael Jackson, e non me ne vogliano i continui, doverosi e graditissimi omaggi al Grano Rosso Sangue di Stephen King, ma quello che mi ha terrorizzata durante la visione di Sinister 2 sono state proprio queste strane melodie e in generale tutti gli elementi di orrore “sonoro”, soprattutto nelle due tremende sequenze legate ad un’elegante radio vintage. Solitamente, tornando a casa in macchina faccio attenzione a ciò che potrebbe comparirmi nello specchietto retrovisore, questa volta invece guardavo con sospetto l’autoradio, temendo che una vocetta suadente mi chiamasse per nome (Sinister 2 vince il premio per il finale più bastardo del 2015!!!) o, ancora peggio, mi invitasse a fare silenzio altrimenti Bughuul non avrebbe potuto sentire… e, con questo, chiudo il post perché ho già detto troppo! Dimenticate le maledizioni dei sequel e date una chance a Sinister 2, non ve ne pentirete.

Di Shannyn Sossamon, che interpreta Courtney Collins, ho già parlato QUI.

Ciarán Foy è il regista della pellicola. Irlandese, ha diretto film come Citadel ed è anche sceneggiatore, produttore e attore.

James Ransone interpreta l'ex vicesceriffo, personaggio ripreso da Sinister. Americano, ha partecipato a film come Che la fine abbia inizio, Oldboy, Kristy e a serie come CSI - Scena del crimine. Ha 36 anni e due film in uscita.

Non ci sono ancora notizie su un eventuale Sinister 3 quindi se Sinister 2 vi fosse piaciuto recuperate il primo capitolo e aggiungete It Follows, Oculus - Il riflesso del male e L'evocazione - The Conjuring. ENJOY!