Yakuza Apocalypse (2015)

Le uscite di maggio della Midnight Factory sono state due: Scare Campaign, di cui parlerò nei prossimi giorni, e questo Yakuza Apocalypse (極道大戦争 - Gokudou Dai Sensou), diretto nel 2015 dal regista Takashi Miike.

Trama: Kamiura è un vampiro nonché boss della yakuza e mantiene la pace nelle strade usando il bastone con gli altri yakuza e la carota con i cosiddetti "civili". Un giorno Kamiura viene ucciso ma prima di morire morde il sottoposto Kageyama, trasformandolo a sua volta in vampiro e chiedendogli di vendicarlo...

Riuscire a rendere in un post lo squisito nonsense di Yakuza Apocalypse è praticamente impossibile: come si diceva nel più grande successo del Piotta "Io nun t'ho visto, t'ho vissuto". Ergo, il mio consiglio è quello di procurarvi immantinente il DVD/Blu Ray di Yakuza Apocalypse e immergervi in un universo che mescola senza soluzione di continuità (e senza vergogna, aggiungo) i più disparati generi cinematografici in un florilegio di trovate, trashate, momenti epici, botte e botti che probabilmente solo Miike di questi tempi può permettersi di portare sullo schermo uscendone non solo invitto, ma direttamente Gran Maestro. In Yakuza Apocalypse non è tanto importante la trama, dalla quale vi sconsiglio di provare a trarre un senso se non nella prima mezz'ora di film, bensì la palese gioia di riempire il metraggio con qualsiasi cosa assurda potesse venire in mente ai realizzatori. Di base, c'è un vampiro yakuza che muore e passa il testimone, sia della maledizione che della guida del clan, ad un suo giovane sottoposto costretto non solo a vendicare il boss ma anche a venire a patti con la sua nuova condizione di succhiasangue: preso dalla fregola, il nostro comincia a cibarsi anche di civili ma le sue vittime, invece di morire, diventano a loro volta dei vampiri yakuza. E' importante sottolineare la cosa, in quanto a questo punto i "civili" smettono di essere deboli pecorelle indifese e, oltre a venire mossi dalla sete di sangue, assumono gli stessi atteggiamenti di indolenza e strafottenza mostrati dai sottoposti di Kamiura all'inizio, cosa che da il la ad una serie di siparietti a dir poco esilaranti (oltre alla folle idea di cominciare a coltivare civili indifesi nelle serre. Ma questa è un'altra chicca da scoprire). Qui finisce la parte più o meno comprensibile della trama, alla quale Yoshitaka Yamaguchi, sceneggiatore discepolo di Miike, comincia fin dall'inizio ad aggiungere la qualunque, senza un motivo preciso e senza logica alcuna: Yayan Ruhian nei panni dello Steve Urkel picchiatore, vecchi che lavorano a maglia per tenere sotto controllo le emozioni negative, cervelli liquefatti, kappa puzzolenti, rane terrificanti e incazzose, kaiju, tatuaggi semoventi, inquisitori con la gorgiera, storie d'amore vissute nelle discariche, mille altre assurdità capaci di lasciare, alternativamente, esilarati e annichiliti di fronte a cotanta sfacciataggine.

La cosa interessante di Yakuza Apocalypse è che con tutto questo bailamme di roba anche lo stile di regia cambia spesso e volentieri. Da approcci più "classici" e legati a film d'argomento criminale si passa all'evoluzione "fumettosa" di Takashi Miike, che dirige la pellicola nemmeno fosse un cartone animato, per poi aggiungere un pizzico di western e uno stile che richiama ora un episodio dei Power Rangers, ora un ipercinetico film "di menare" orientale, ora uno di quegli esagerati horror alla Tokyo Gore Police e, ovviamente, la recitazione dei coinvolti (sulla quale sarebbe meglio sorvolare, suvvia), il make up, gli effetti speciali e persino i costumi (nonché la colonna sonora) cambiano ogni volta di conseguenza. Insomma, come già accadeva ai tempi di quel delirio di The Happiness of the Katakuris, è difficile inserire Yakuza Apocalypse dentro un genere ben definito, al punto che forse l'etichetta che meglio gli si adatta (se proprio vogliamo dargliene una) potrebbe essere "Varietà". Voi ora penserete: "E che schifo! Non lo guarderò mai nemmeno per sbaglio!". Male per voi, perché non potete capire. Io mi sono innamorata di questo film e soprattutto dell'incredibile bellezza del "più pericoloso terrorista del mondo". Se eviterete di guardare Yakuza Apocalypse non potrete comprendere la sua agilità in combattimento combinata all'incapacità di salire/scendere le scale, la musichetta che accompagna i suoi ingressi in scena, il suo sembiante morbidoso, lo scazzo atavico con cui non solo pesta la gente ma butta persino tutto all'aria, come i bambini col broncio. Ecco, a mio avviso questa figura in particolare (che per me è giù assurta a mito totale, ormai l'avrete capito) racchiude l'essenza del cinema di Miike, quel sottile confine tra anarchia e rincoglionimento che porta lo spettatore a sentirsi fondamentalmente preso per il chiulo e a ritrovarsi contemporaneamente impossibilitato ad odiare il buon Takashi sensei. E se non ci credete, chiedetelo al Bolluomo. Lui non è pazzo quanto me e non ha osato definire Yakuza Apocalypse bello ma sicuramente si è divertito un sacco guardandolo e, soprattutto, gli rimarrà impresso per un bel po' come una delle cose più assurde mai viste in vita sua. E se dopo questo non mi ha ancora mollata vuol dire proprio che that's aMMore, un po' come quello che mi lega da anni a Takashi Miike.

Del regista Takashi Miike ho già parlato QUI.

Yayan Ruhian interpreta Kyoken. Indonesiano, ha partecipato a film come The Raid - Redenzione, The Raid 2: Berandal e Star Wars - Il risveglio della forza. Anche stuntman, ha 49 anni e due film in uscita.

L'edizione home video della Midnight Factory conta tra gli extra un imperdibile making of ed è corredata da un libretto introduttivo (non esplicativo, nel caso ve lo stiate chiedendo!). Se Yakuza Apocalypse vi fosse piaciuto "tentate" Sukiyaki Western Django, The Happiness of the Katakuris, Getting Any? e magari anche Vampire Girl vs Frankenstein Girl. ENJOY!

(Gio)WE, Bolla! del 8/6/2017

Buon giovedì a tutti! Si vede che siamo già in clima estivo, eh? Pochissime uscite degne di nota questa settimana ma tanto io devo ancora vedere Wonder Woman, quindi... ENJOY!

La mummia

Reazione a caldo: Come non vederlo?

Bolla, rifletti!: Sarà sicuramente una belinata che fa il giro ma come si fa a rinunciare a simile tamarreide? Poi, insomma, se il film andrà bene ci aspetteranno altri mostri classici quindi foraggiamo l'industria!

Quando un padre

Reazione a caldo: Gesù, no.

Bolla, rifletti!: Drammone famigliare che mi sa di mattonata sui marroni lontano un chilometro. Con l'avvicinarsi dell'estate non me lo merito davvero.

Poco interesse anche verso il film proiettato al cinema d'élite..

Una vita

Reazione a caldo: Mah.

Bolla, rifletti!: Tratto da un'opera di Guy De Maupassant (giovane baronessa che sposa un nobile decatuto, fedifrago e deprecabile quindi concentra tutto il sentimento sul figlio avuto dal matrimonio infelice) dovrebbe esserne una versione più rigorosa, asciutta e focalizzata sulla protagonista. Magari lo recupero più avanti, eh.

War Machine (2017)

Attirata dai martellanti cartelloni pubblicitari sparsi in tutta Roma, durante il viaggio di ritorno dal weekend nella Capitale ho guardato l'ultima produzione Netflix, ovvero War Machine, diretto e co-sceneggiato dal regista David Michôd partendo dal libro The Operators, del giornalista Michael Hastings.

Trama: al generale Glen McMahon viene ceduto il comando delle operazioni che dovrebbero portare alla conclusione del coinvolgimento americano nella guerra in Afghanistan ma il militare non è disposto a ritirarsi senza combattere...

Ci vuole un po' di preparazione psicologica ad affrontare questo filmazzo di due ore prodotto e interpretato da Brad Pitt, nemmeno fosse uno one man show dell'ex Signor Jolie. Innanzitutto, serve un cervello riposato perché War Machine, tratto da un articolo del Rolling Stone diventato poi un libro di non-fiction, è molto logorroico e zeppo di nomi propri, di luoghi e di persona, oltre che di moltissime nozioni interessanti capaci di far sentire l'occidentale medio in generale e l'americano in particolare piccino picciò; io, che riposata non ero, mi sono addormentata dopo venti minuti ma dopo un sonno ristoratore di un'ora ho ripreso prontamente la visione della pellicola, uscendone soddisfatta. La mia soddisfazione potrebbe però non riscuotere consensi e comprendo da sola che War Machine ha mille difetti, non ultimo un'abbondanza di tempi morti che potrebbe scoraggiare più di uno spettatore e una lunghezza che avrebbe giovato di qualche taglio qui e là ma è anche indubbio che War Machine offre la possibilità alla persona comune di gettare uno sguardo oltre l'informazione di TG e giornali e cominciare a scorgere la punta dell'iceberg di tutta la merda che si cela sotto guerre come quella in Afghanistan, il che per me è un valore aggiunto. Il punto di vista adottato dal film è quello della voce narrante di Sean Cullen, giornalista freelance incaricato di seguire le operazioni del generale Glen McMahon, ultimo di una lunga lista di comandanti in campo ai quali è stato chiesto di gestire la guerra in Afghanistan (modellato sul generale ormai in congedo Stanley McChrystal, sputtanato proprio dall'articolo di Rolling Stones scritto da Michael Hastings) e uomo tutto d'un pezzo, una macchina da guerra fermamente convinta di essere l'unica persona in grado di sbrogliare una matassa impossibile da districare e vincere così il conflitto, riuscendo dove altri "sfigati" hanno fallito. Le convinzioni di McMahon e la natura della guerra in Afghanistan, "cercata" dagli USA e considerata come un aiuto verso popolazioni che non lo avevano chiesto, vengono messe alla berlina dal giornalista e conseguentemente rese in tutta la loro follia, risultando in un insieme di situazioni al limite del paradossale vissute da persone che parrebbero delle caricature e invece sono tristemente vicine ai loro modelli reali.

Il fulcro di tutto è la natura alienata (e alienante) di un uomo che ha conosciuto solo la guerra, che ragiona per regole autoimposte e con l'unico obiettivo di vincere, incapace di capire come muoversi nel mondo reale e, conseguentemente, anche di contestualizzare il tessuto sociale dei Paesi in cui viene a trovarsi; i confronti con il presidente interpretato da Ben Kingsley (una figura patetica ma fondamentale), con la moglie e con la politica tedesca sono emblematici del modo tutto americano di affrontare le cose senza pensare alle conseguenze o a ciò che è stato prima, cosa che porta conseguentemente all'impossibilità di spiegare i motivi di determinate scelte e a una sordità nei confronti dei bisogni altrui. La logorrea di War Machine acquista così un nuovo significato, in quanto la guerra, la propaganda, persino la cosiddetta informazione non sono altro che aria fritta utilizzata per confondere le masse e fornire vuote giustificazioni a chi non smette di fare danni pur con le migliore intenzioni. Glen McMahon, nonostante l'alta opinione di sé malcelata da un'umiltà ipocrita, non è che uno dei tanti militari usati come carne da cannone e da eroe di guerra diventerà lo stupido, arrogante capro espiatorio di un intero sistema sbagliato che probabilmente non cesserà mai di esistere ed è questo l'amaro concetto che traspare dalla satira di War Machine. Certo, il "cuore" del film va scovato sotto una parata di volti famosissimi e un approccio che ricorda molto i film prodotti dai Coen e soprattutto da Soderbergh, che è un modo di fare cinema a mio avviso più improntato sulla forma che sul contenuto e può piacere o meno; dal canto suo, Brad Pitt ha scelto di interpretare McMahon come un Braccio di ferro perennemente incazzato (secondo me quest'uomo non riesce a liberarsi dal fantasma di Aldo Rayne così come Johnny Depp non riesce a scrollarsi di dosso quello di Jack Sparrow) e la sua presenza scenica si impone sul resto del cast fino a fare scomparire caratteristi e attori blasonati anche ottimi, il che mi ha fatto un po' storcere il naso ma, in generale, War Machine mi è piaciuto e lo consiglio, soprattutto se avete un abbonamento Netflix da sfruttare.

Di Brad Pitt (Generale Glen McMahon), John Magaro (Cory Staggart), Anthony Michael Hall (Greg Pulver), Topher Grace (Matt Little), Lakeith Stanfield (Caporale Billy Cole), Ben Kingsley (Presidente Karzai), Meg Tilly( Jeannie McMahon), Griffin Dunne (Ray Canucci), Scoot McNairy (Sean Cullen), Tilda Swinton (Politica tedesca) e Russell Crowe (Bob White) ho già parlato ai rispettivi link.

David Michôd è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Australiano, ha diretto film come Animal Kingdom e The Rover. Anche produttore e attore, ha 45 anni.

Alan Ruck interpreta Pat McKinnon. Americano, ha partecipato a film come Una pazza giornata di vacanza, In fuga per tre, Speed, Twister, E venne il giorno e a serie quali I racconti della cripta, Oltre i limiti, Innamorati pazzi, Scrubs, Medium, Ghost Whisperer, CSI: Miami, CSI - Scena del crimine, Numb3rs e The Exorcist. Ha 61 anni e tre film in uscita.

Se War Machine vi fosse piaciuto recuperate M.A.S.H. ENJOY!

Raw (2016)

Un altro horror molto atteso da queste parti era Raw, diretto e sceneggiato nel 2016 dalla regista Julia Ducournau.

Trama: Justine è una matricola dell'università veterinaria, vegetariana come i genitori e la sorella maggiore, anch'essa iscritta alla stessa facoltà. Dopo un rito d'iniziazione a base di reni di coniglio crudi, la ragazza comincerà a sviluppare un insano gusto per la carne...

Ero così determinata a non volere sapere nulla di Raw prima della visione da essermi erroneamente convinta che la regista fosse americana. Non avete idea dello shock provato alla visione dei titoli di testa, dove mi è stato sbattuto in faccia che Raw è una co-produzione franco-belga e persino un po' italiana. Subito, la mente ha rimembrato roba intollerabile come A' l'interieur, Calvaire, Saint Ange e compagnia cantante ed è mancato tanto così che non smettessi di guardare il film cosa che, a posteriori, sarebbe stata un errore imperdonabile perché Raw non è bello, di più. E' affascinante. E' ipnotico. Entra sottopelle al punto che nottetempo ho sognato gli stessi personaggi, con Justine che invece di avere una sorella maggiore aveva una gemella immaginaria che la spingeva a compiere le peggiori nefandezze cannibali e io un po' ero Justine, un po' ero spettatrice di questo terrificante film onirico. Insomma, posso dire con cognizione di causa di avere già guardato parecchi horror e vi posso assicurare che sono proprio pochi quelli capaci di riproporsi nel sonno, però mi tocca anche specificare che Raw non è un horror tout court. Ci sono elementi horror e un paio di scene difficili da sopportare (soprattutto una, sulla quale tornerò) ma tutto è subordinato al desiderio della regista di raccontare la storia di una ragazza che scopre sé stessa, come se il cannibalismo fosse una pulsione normalissima, assimilabile a tutte quelle che si presentano all'improvviso durante il passaggio dall'adolescenza all'età adulta. L'intero film poggia infatti sulla figura di Justine, studentessa modello alle prese col primo distacco dai genitori iperprotettivi che hanno investito in lei tutte le speranze deluse dalla figlia maggiore, Alexia. Quest'ultima diventa (probabilmente lo è sempre stata) l'instabile punto di riferimento di Justine all'interno di un ambiente sconosciuto e ostile come la facoltà di veterinaria, dove le matricole vengono costrette a subire i soprusi degli "anziani" proprio in un momento di passaggio così delicato, fatto di persone sconosciute, nuovi amori, nuove esperienze, delusioni, persino figure di merda, tutte esperienze che inevitabilmente condizionano lo sviluppo di chi le subisce. Justine prova sulla pelle tutte queste cose e sviluppa un gusto per la carne, metaforico e reale, durante un rito di passaggio attraverso cui è passata anche Alexia, anzi, attraverso il quale siamo passati tutti per rinascere come persone nuove, non per questo più perfette o consapevoli, attenzione.

La perfezione (formale) e la consapevolezza di ciò che sta raccontando e come vuole farlo ce l'ha però Julia Ducournau, che realizza un film allo stesso tempo bellissimo e crudo, pieno di immagini capaci di imprimersi nella mente dello spettatore e con una colonna sonora da urlo (all'interno della quale c'è una canzone MOLTO particolare. Che, non so perché, in quella situazione ci sta benissimo). Tutto ciò che vive Justine è reso sullo schermo come qualcosa di irreale eppure tangibile, filtrato dagli occhi inquieti di un'attrice bravissima (la sequenza in cui Justine mangia con gli occhi il suo compagno di stanza mette i brividi) che subisce una metamorfosi incredibile, giocata principalmente sugli sguardi e sulla postura; i riti di iniziazione fatti di sangue, luci al neon e ralenti, le esplosioni inaspettate di violenza, gli interminabili passaggi lungo i corridoi, persino sequenze più giocose e "sciocche", interamente legate al rapporto con Alexia, tutto concorre a fare di Raw un film assai godibile e capace di veicolare emozioni condivisibili ma anche molto disturbante. Non è vero, infatti, che in Raw "non accade nulla" (state sempre attenti ai film accompagnati da notizie di gente che vomita o sviene in sala, per cortesia, rischiate di crearvi delle aspettative inutili e di disprezzare così una pellicola splendida il cui scopo NON era disgustare gli spettatori) perché spesso non conta la quantità, bensì la qualità: dal mio personalissimo punto di vista c'è solo una scena realmente terrificante, i cui tempi vengono allungati all'infinito, interamente costruita sul legame tra interpretazione dell'attrice, colonna sonora, montaggio e regia che vale da sola la visione del film e la chiusura dello stomaco. Tutto per un dito, guarda un po'. Alla faccia del pur adorato Eli Roth e di tutte le macellate da avanspettacolo viste (o meglio, non viste, dai) in quel The Green Inferno tanto pubblicizzato e vietato persino ai minori di 18 anni: questi sono i film di cannibali che mi piacciono, quelli che mordono e scavano nella memoria anche dopo la visione, quelli che fanno venire voglia di "mangiarne" ancora, ancora e ancora.

Julia Ducournau è la regista e sceneggiatrice della pellicola. Francese, è al suo primo lungometraggio cinematografico dopo aver diretto il corto Junior e il film TV Mange, inedito in Italia. Ha 34 anni.

Garance Marillier, che interpreta Justine, ha già lavorato con la Ducournau sia in Mange che in Junior mentre il papà è interpretato nientemeno che da Laurent Lucas, il maledetto Marc Stevens dell'ancor più maledetto Calvaire. Sinceramente, non saprei cosa consigliarvi di guardare se Raw vi fosse piaciuto, vista la particolarità del film... forse una pellicola simile devono ancora girarla! ENJOY!

Monsieur Lazhar (2011)

Siccome in tanti lo consigliavano, mi è capitato per le mani e mi serviva un film che potesse vedere anche il Bolluomo, qualche giorno fa ho guardato Monsieur Lazhar, diretto e co-sceneggiato nel 2011 dal regista Philippe Falardeau a partire dalla pièce teatrale di Évelyne De La Chenelière.

Trama: dopo il suicidio della maestra, una classe di bambini viene affidata a Bachir Lazhar, immigrato algerino in attesa del riconoscimento della condizione di rifugiato politico in Canada. Dopo la diffidenza iniziale, tra i bambini e il nuovo maestro si crea un bellissimo rapporto...

Nel 2006 ero andata a lavorare come assistente linguistica in Australia e mi era capitato di affiancare non solo le insegnanti di superiori e medie ma anche quelle di elementari e asilo. Per tutte le classi, a prescindere dall'anno, ricordo che vigeva un'unica regola di comportamento davvero importante, da rispettare a tutti i costi: non toccare i bambini e i ragazzi, neppure se li si vedeva sanguinanti a terra oppure semplicemente piangere. Questa regola era categorica per noi assistenti, che in caso di pressante bisogno di offrire supporto fisico saremmo dovuti andare a chiamare gli insegnanti titolari e, purtroppo, salvo casi davvero estremi, era fatto divieto anche a questi ultimi di toccare gli alunni. La cosa aveva creato in me un certo sgomento, lo ammetto. Io non sono una di quelle persone fisicamente espansive, come quelle che ti mettono una mano sulla spalla a prescindere (che fastidio!!!) o ti sfiorano il braccio o la mano senza un perché, ma l'idea di vedere un frugolo piangere e non poterlo confortare con un abbraccio o una carezzina sulla capoccetta, soprattutto se si è fatto male, mi aveva causato qualche scompenso e anche un po' di nervoso. Pensavo: "non è possibile vedere pedofili in ogni angolo e confondere qualsiasi gesto, anche il più innocente, come un tentativo di approccio sessuale!". Eppure, sta di fatto che in nove mesi mi sono guardata bene dallo sfiorare chicchessia. Questo per dire che Monsieur Lazhar parla anche di questo modo che ha la scuola moderna di proteggere gli studenti dal conforto "fisico" (ché non si sa mai!) e allo stesso tempo di trattarli come dei poveri mongolini (con tutto il rispetto per i mongolini) che non devono affrontare brutture quali la morte, la violenza, le discriminazioni razziali o sessuali, ancor peggio eventuali fallimenti come bocciatura o brutti voti. Poi ci stupiamo che i giovani d'oggi non valgono un cazz... ehm, diventano praticamente degli automi desensibilizzati che quando va bene sbroccano e pretendono si esaudisca ogni loro desiderio oppure, quando va male, si suicidano per una belinata. Oltre ad essere ignoranti come una capra di Biella, ovviamente, perché affrontare compiti troppo difficili danneggia l'autostima, sia ben chiaro.

Il Monsieur Lazhar del titolo si trova così per le mani una bella gatta da pelare, ovvero una classe di bambini traumatizzati dal suicidio della maestra (per cause, si scoprirà, legate agli argomenti di cui sopra) e curati dagli adulti neppure fossero fatti di vetro, quasi come se insegnanti e genitori volessero proteggere loro stessi piuttosto che i bimbi, più "maturi" di quanto non sembri di prim'acchito. Ancor peggio, Lazhar è un immigrato, guardato con sospetto più o meno palese dalla comunità canadese che dovrebbe accoglierlo come rifugiato politico, afflitto da un passato di persecuzione e morte che lo costringe a porsi in maniera poco "occidentale e moderna" non solo verso i metodi educativi ma anche rispetto alla tragedia che ha toccato i suoi studenti. Dal rapporto complicato tra quest'uomo singolare, la società canadese, gli alunni, la scuola e la famiglia si creano le dinamiche che formano la trama di Monsieur Lazhar, una pellicola che porta a tante belle riflessioni interessanti, come vedete, e che pure non decolla, purtroppo, ancorata com'è ad uno stile che potrei definire essenziale, freddo. Da una parte è un bene che Falardeau non abbia spinto il piede sul pedale del patetismo, eppure mancano secondo me delle sequenze un po' più emozionanti, delle svolte chiave relative al rinsaldarsi del rapporto tra Lazhar e i piccoli, qualcosa che esulasse, anche di poco, dallo spaccato "realistico" di vita mostrato nella pellicola. L'abbraccio finale tra il maestro e la piccola Alice, una fantastica Sophie Nélisse, chiude il cerchio di qualcosa che va oltre le regole e rimane nel tempo, così come i ricordi d'infanzia più importanti, quelli che segnano la nostra crescita, eppure non so, come film mi ha lasciata abbastanza fredda, con un "e quindi?" grosso come una casa che mi aleggiava sulla testa. Peccato, ma forse semplicemente lo stile del film non incontrava molto i miei gusti quindi non lo sconsiglio e, anzi, vi invito a vedere Monsieur Lazhar e a riflettere un po' sul modo in cui vogliamo crescano i nostri figli.

Philippe Falardeau è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Canadese, ha diretto film come It's Not Me, I Swear! e The Good Lie. Ha 49 anni.

Mohamed Fellag interpreta Bachir Lazhar. Algerino, ha partecipato a film come Giorni di guerra, Top Floor Left Wing e lavorato come doppiatore in Le avventure di Zarafa. Ha 67 anni e un film in uscita.

Sophie Nélisse, che interpreta Alice, era la Liesel di Storia di una ladra di libri. Monsieur Lazhar è stato nominato all'Oscar come miglior film straniero e se vi fosse piaciuto consiglierei il recupero dell'evergreen L'attimo fuggente. ENJOY!

The Void (2016)

Salutato da tutti (o quasi) come l'horror dell'anno, potevo forse perdermi The Void, diretto e sceneggiato nel 2016 dai registi Jeremy Gillespie e Steven Kostanski? Assolutamente no!

Trama: un poliziotto porta in ospedale un ragazzo drogato e in stato di shock, solo per ritrovarsi bloccato nella struttura assieme ad infermieri e degenti, assediato da uomini incappucciati fuori e terrificanti mostri ultraterreni dentro...

Probabilmente mi ha salvata il Giappone. E' un modo scemo di cominciare un post, lo ammetto, ma le due settimane passate lontane da blog e internet mi sono servite ad evitare la maggior parte delle lodi sperticate piovute su The Void e ad approcciare la pellicola di Gillespie e Kostanski senza l'hype riservato a, che so, film come Get Out. Essendo priva di aspettative, The Void mi è di conseguenza piaciuto parecchio, pur senza scatenare in me l'amore, e sono riuscita a guardare il film alternando stati di sincero interesse, mal di testa da spiegone, fascinazione per il mondo lovecraftiano che sta alla base dell'intera vicenda e disgusto per il bestiario mostrato dai due registi. Senza scazzi da diludendo né ardori da adolescente horroromane posso quindi offrire il mio pacato e senza dubbio non richiesto parere, cominciando dai pregi di The Void, evitando possibilmente qualsiasi tipo di spoiler. Il primo punto di forza del film è sicuramente l'atmosfera claustrofobica che lo pervade dall'inizio alla fine, rinsaldata nella prima parte dall'assoluta ignoranza dei protagonisti relativamente alla situazione in cui vengono a trovarsi: bloccati in un ospedale andato per metà a fuoco per ragioni sconosciute, i personaggi si ritrovano impossibilitati ad uscire (fuori ci sono assassini incappucciati che da soli basterebbero a dissuadere persino l'uomo più coraggioso del mondo) e impossibilitati a rimanere (dentro ci sono mostri abominevoli che mangiano le persone), ancor peggio l'unico poliziotto presente è ferito, c'è una ragazza in procinto di partorire e in assenza di medici sono rimaste solo le infermiere. Insomma, un bel casino e inquietudine a palate, per non parlare dell'abbondanza di elementi splatter che fin da subito caratterizza la pellicola. A questi punti, è bene sottolineare l'altro pregio di The Void, pellicola che non si perde in lunghe introduzioni e va subito all'osso (alla carne?) della questione, lasciando la risoluzione dei misteri per dopo, vale a dire dopo almeno mezz'ora di carneficina e incubi che paiono usciti dritti dalla penna di Lovecraft e dalla cinepresa del Carpenter de La cosa, in quanto il "disteso" clima di diffidenza in corsia è praticamente lo stesso. Tuttavia, qui cominciano anche i problemi della pellicola, se di problemi si può parlare e se, giustamente, siete persone dal palato fino che dall'horror vorrebbero qualcosina di più... oppure se non siete come la sottoscritta, che dello splatter e dello schifo si stufa dopo cinque minuti.

In pratica succede che, dopo l'inizio ssssspumeggiante! (cit.) di The Void, Gillespie e Kostanski si siedono o, meglio, non osano più di quanto sia necessario, almeno in termini di regia e montaggio. Allo spettatore viene consentito solo di intuire, tra spizzichi e bocconi, l'orrore ultraterreno che si nasconde nelle viscere dell'ospedale, e il modo in cui è realizzata la pellicola costringe gli occhi ad un tremendo sforzo per sopravvivere a flash, luci stroboscopiche, ombre persistenti che impediscono di cogliere le creature (probabilmente realizzate in maniera artigianale, senza ausilio della CGI, ma chi è riuscito a capirlo?) nella loro interezza. Vero, il "male cosmico" può portare alla follia ma, suvvia, almeno un mostrillo per intero vorrete farmelo vedere o no? L'altro problema di The Void è che, a fronte di una trama tutto sommato semplice e prevedibile (a un certo punto il termine "telefonato" diventa una certezza e il destino di ogni personaggio risulta tristemente chiaro), da metà film in poi i registi si perdono in aulici spiegoni e deliri da villain che rendono la follia strisciante di Lovecraft una sorta di imposizione, un passaggio da questo mondo all'altro che in qualche modo sa di forzato, al punto che l'inquietudine scompare, lasciando semplicemente il posto al disgusto causato da quel poco che viene mostrato. Siamo più nel campo dello Yuzna che del Seme della follia Carpenteriano ma, come ho detto, si tratta di uno Yuzna meno coraggioso e più sfacciato, che alla fine si permette di citare a piene mani Clive Barker e persino il Lucio Fulci de L'aldilà, quasi volesse dare un contentino agli spettatori più esigenti. Ed effettivamente, The Void lascia dietro di sé delle bellissime immagini, una certa diffidenza nell'aggirarsi per casa con le luci spente, la sensazione di aver visto comunque un bell'horror (che mi sento di consigliare spassionatamente a cultori e semplici appassionati e non è detto rimarrà escluso dalla cinquina di fine anno)... ma anche il sospetto che si potesse fare molto, molto di più, soprattutto visto che uno dei registi ha firmato quella genialata cattivissima di W is for Wish, che coraggio ne aveva da vendere. Nel frattempo, la voglia matta che mi ha messo di riguardare tutti i film citati è un risultato senza dubbio positivo!

Di Kenneth Welsh, che interpreta il Dottor Richard Powell, ho già parlato QUI mentre Art Hindle (Mitchell) lo trovate QUA.

Jeremy Gillespie è il co-regista e co-sceneggiatore della pellicola. Canadese, ha diretto film come Father's Day ed è anche compositore, attore e tecnico degli effetti speciali.
Steven Kostanski è il co-regista e co-sceneggiatore della pellicola. Canadese, ha diretto film come Father's Day e il segmento W is for Wish del film The ABCs of Death 2; è anche responsabile di trucco ed effetti speciali, attore, produttore, animatore e stuntman.

Aaron Poole interpreta Daniel Carter. Canadese, ha partecipato a film come The Conspiracy e a serie quali X-Files e Relic Hunter. Anche produttore, ha due film in uscita.

Ellen Wong interpreta Kim. Canadese, ha partecipato a film come Scott Pilgrim vs. the World, The Cirlce a serie quali Son of Zorn. Anche sceneggiatrice e produttrice, ha 32 anni e un film in uscita.

Kenneth Welsh e Kathleen Munroe, che interpreta Allison, avevano partecipato a Survival of the Dead - L'isola dei sopravvissuti come padre e figlia. Detto questo, se The Void vi fosse piaciuto recuperate quel trionfo de Il principe del male e aggiungete il già citato Il seme della follia oltre a La cosa e Hellraiser. ENJOY!

(Gio)WE, Bolla! del 1/6/2017

Buon giovedì a tutti! Settimana di ponte in cui probabilmente quasi nessuno andrà al cinema ma per gli irriducibili almeno un'uscita forse valida c'è... ENJOY!

The Beatles: Sgt. Pepper & Beyond

Reazione a caldo: Per appassionati.

Bolla, rifletti!: A me questi documentari musicali interessano poco, sono sincera. Ma siccome è un evento speciale e dura solo tre giorni, già che è arrivato a Savona forse è bene segnalarlo, sopratutto a chi ama i Beatles.

Wonder Woman

Reazione a caldo: Mhhh...

Bolla, rifletti!: Idolatrato oltreoceano e pesantemente stroncato alle anteprime italiane, Wonder Woman si presenta come l'ennesimo cinecomic capace di scatenare flame infiniti ed inutili su internet. Personalmente, sono curiosa di vederlo ma senza grandi o piccole aspettative.

Baywatch

Reazione a caldo: Mwahahaha!!

Bolla, rifletti!: A me di Baywatch non è mai fregato nulla ma questo andrei a vederlo solo per misurare l'entità di questa supercazzola e poi, ovviamente, per la presenza di David Hasselhoff che, ahimé, non so se tornerà ad agosto in Sharknado 5 quindi sono già in preoccupata (e preoccupante) astinenza!

Al cinema d'élite si affrontano due grandi attrici...

Quello che so di lei

Reazione a caldo: Mah.

Bolla, rifletti!: Divertente e commovente come la vita, recita il poster italiano. Potrebbe essere un film molto carino, anche solo per l'interpretazione della Deneuve, ma tra ponti e orari assurdi mi tocca segnare anche questo per un futuro recupero!