(Gio)WE, Bolla! del 6/02/2020

Buon giovedì a tutti! Questa settimana la distribuzione italiana non è scarsa: di più. Invece di portare in sala due film come Bombshell o Un amico straordinario, che usciranno invece a marzo inoltrato, in occasione degli Oscar imminenti, hanno pensato bene di far uscire solo quello che si prospetta essere il cinecomic dell'anno... ENJOY!

Birds of Prey (e la fantasmagorica rinascita di Harley Quinn)

Reazione a caldo: Avete tutta la mia attenzione.

Bolla, rifletti!: Chi l'ha visto lo ha definito un incrocio tra John Wick e Deadpool ma buttato in psichedelia. Posso sottrarmi alla visione di quella che si preannuncia una cafonata da primato, capace di far dimenticare l'inguardabile Suicide Squad?

Al cinema d'élite torna Parasite, sia in v.o. che doppiato, consiglio a chiunque se lo fosse perso di correre in sala senza esitare!!

Ed's Corner: Beyond the image, journey through the hidden meaning of movies - Inland Empire

Oggi è mercoledì, giorno in cui Edoardo sviscera i film di Lynch facendoli comprendere anche a chi è dummy come la sottoscritta. In effetti, mai mi sono sentita più interdetta di quando ho incautamente deciso di guardare Inland Empire, come avevo scritto QUI: Edoardo ci ha visto ben più lungo e questa è la sua interessantissima disamina. ENJOY!

Every time I watch a film of the so-called genre “weird”, I use to spend particular attention on every single dialogue and image. So usually I don’t need more than one view to understand the meaning of what I’m watching.
Having said that, I’ll list below the five steps I went through when I watched this film:
1. I watched the film;
2. I was completely disoriented and full of rage against humanity;
3. I cursed David Lynch;
4. The very next day I watched it again;
5. All the elements were there and finally I realised what a masterpiece it was.

In this film the deconstruction is something UNSPEAKABLE, it is absolutely high level, and the length of the film doesn’t help at all to keep the focus on.
On the internet there’s no explanation to the film, apart from a humoristic post that I found years ago, that I’ll past below. It is a few lines of pure genius and if someone recognises the snippet as its own, please don’t hesitate to write so in the comments:

Finally a straight film from David Lynch, very flat and linear, with the plot that goes on without any jump. There’s basically no need of explanation, but I want to write something down anyway for those who didn’t watch the film very carefully. There are four parallel readings of the story, that can be identified like so:

• Immediate reading: the main character Susan/Nikki/Laura Dern is the representation of the screwdriver’s subconscious, waken up by her therapist that in reality is an arms dealer that tries to perform in the little theatres of Broadway with a YMCA’s choreography performed with a group of 47 prostitutes, daughters of the old lady with the wrinkled face, who is just a Polish ex actress escaped from Birkenau and married to the monkey with a wooden leg.
• Sociopolitical reading: the film is clearly an anti-abortion manifest that supports the end of the Cuban embargo, promoting the candidacy of Mitt Romney to the presidential elections of 2008.
• Cinephile reading: enough with the digital shooting, enough with the abuse of Steadycam, enough with clear images, enough with the stop-motion, enough with those pseudo-tarantinian flashbacks. The film has to be shot following fist the even and than the odd pages  of the script. Enough with the editing.
• Lynch reading: the film is mine and I put all the rabbits I want!

Jokes apart, before starting with the analysis of the film I’ll spend some words about the direction and the cast: the film is completely shot in digital, which maybe makes it lose a bit of that visual power that was characteristic in Mulholland Drive, even if it still is at a very high level. There are bits of the film where the dialogues are cult, destined to be remembered, and the actors play very strong characters: Laura Dern, Jeremy Irons, Harry Dean Stanton, Justin Theroux, Grace Zabriskie, Julia Ormond, Terry Crews, etc…

The film starts with a black and white scene of a gramophone that plays Axxon N, “the most long-lived radio broadcast in history”. The next scene, still in black and white, shows a man and a woman, both with blurred face, coming into a luxurious hotel room. The two of them speak Polish. The woman is confused and scared while the man seems to have everything under control (the girl is probably a prostitute). The next scene shows a girl sitting on a bed, that cries whilst watching a sitcom with three anthropomorphic rabbits (that is the first episode of the series Rabbits by David Lynch). At a certain point, one of those rabbits gets out of the room. The camera moves to a big room, luxurious and dark, where the rabbit goes in, and suddenly disappears. In the room, that is now bright, there are two men that speak Polish. Everything changes again and we are now in Los Angeles. Here a local actress named Nikki Grace doesn’t know if she’s going to get the main part in a film called On High in Blue Tomorrows. The day before the audition the girl receives a visit from her new neighbour, a mysterious old woman who knows that Nikki will get the part. Than the old woman tells her two stories. The first one is about a little boy who went out to play, he opened his door and saw the world, and as he passed through the doorway he caused a reflection, “evil was born” and it followed the boy. The second one is a different version of the first one and is about a little girl who went out to play and got lost in the market place, as if half born. And the old woman continues saying that not through “the market place”, but through the alley behind the market place is “the way to the palace”. After those premises starts the real film, which is a complex succession of scenes in balance between dream and reality, according to the typical style of the director. End of the plot.

Well time has come for the explanation of the film: in order to better understand it, it’s important to pay attention to the title, INLAND EMPIRE, a general area of San Bernardino, full of prostitutes (very important clue). After that you have to distinguish four different time lines:
1. The one where Laura Dern is an actress (Nikki) who is about to take part in a movie;
2. The one of the movie our actress is playing a part in (On High in Blue Tomorrow);
3. The one of the original Polish film (47);
4. The one of Rabbits (the tv series by Lynch).

Having said that, I’ll tell you a trick that is going to help you better understand every single Lynch’s weird work: David Lynch always uses two “parallel planes” (call it “dimensions” if you prefer, even if it’s not the correct expression). One of them represents the reality; the other one is represented by the mind of one character in the film, who filters the reality. The trick is finding that character, which in this case is not Nikki/Susan (Laura Dern), but the girl that at the beginning of the film watches the tv. Trough the tv she filters her own personal experience, and here is the fifth temporal line of the film: the reality.
As you can understand, the other four lines listed above are not real, they are the creation of her own mind. This time we are not in front of a dream, as it was on Eraserhead, Lost Highway or Mulholland Drive, the girl is awaken, she watches the tv, she thinks, she combines her own story to what she’s watching on the tv.

The “dimension” where Nikki is an actress that is going to take part in a film is the one where she’s married, and there is the old woman that goes to her house and talks through metaphors (I’ll come back to those metaphors later). On the movie set she meets Devon (Justin Theroux) and she cheats on her husband (Peter J. Lucas) with him. Nikki is an alter-ego of the girl that watches the tv in the hotel room, we’ll call her Lost Girl like it is in the credits (and here too the name is a big clue about her role on the film).

The “dimension” of the film where she’s taking part on (On High in Blue Tomorrows) is the one where Nikki plays Susan, married woman that cheats on her husband (Peter J. Lucas) with Billy (Justin Theroux). She gets pregnant, her husband finds out about her affair (because he is sterile) and attacks her. She has an abortion, than he goes for a journey around Europe with a group of Baltic gypsies. She is destroyed and becomes a prostitute (on Inland Empire). One day she gets in a club and starts talking about her story with a pseudo-terapist. When she gets off on the street, she gets attacked by Billy’s wife (who has been hypnotized) handing a screwdriver, passes out next to a group of tramps and dies. During this phase Nikki can’t tell herself from Susan, the character she plays in the movie.

The “dimension” of the Polish film 47, unlucky number (the two main actors are dead), of which “On High in Blue Tomorrows” is a remake. This dimension takes place in Poland during the 50s, and there’s no Laura Dern. There is the Lost Girl, whose role I’m about to explain later.
The “dimension” of Rabbits is the easiest to understand, and I don’t think you need any help to distinguish it from the others.

What happens in reality is this: the girl that’s watching the tv is a Polish prostitute (the scene where the man goes with a prostitute, both with blurred face, is emblematic, also they speak Polish). She fell in love with a man (in 47 he is played by Peter J. Lucas), and she got pregnant while his wife couldn’t have babies. She wants him to leave his wife, maybe he doesn’t want to, so she goes in his flat (number 47) armed with a screwdriver and the wife gets killed, probably as a mistake.

Her pimp though, after finding her affair and her will to leave the street, has the man killed by some hitmen (the old Polish men, probably related to the mafia). She is devastated and decides to have an abortion. Then she runs away, goes to USA, but even there she has to be a prostitute, on Inland Empire. One night, while she’s watching the tv crying, she feels like she can see her story through the images. So we can say that Nikki is an alter-ego of her (there’s a line at the end of “On High in Blue Tomorrows” that explains everything: “my cousin… she is a prostitute… she looks very good in her blonde wig... just like a movie star”), and every character and every dialogue is connected to her story: the two murders that the neighbour (the nephew of an actor from the cast of 47) talks about to Nikki (one happens at 9.45, the one of the man loved by the Lost Girl in 47, and another one at midnight, which is the one of the wife of that same man, executed by the Lost Girl); the prostitutes (as already said she is a prostitute, and here we understand the importance of the title of the film, because Inland Empire is a street full of prostitutes); the many cheating of Nikki/Susan to her husband (thing that shows her low level of moral dignity); Billy’s wife that kills Susan with a screwdriver whilst hypnotized (thing that shows her repentance about the murder of her lover’s wife, also inside her mind is the wife that kills Susan, like she killed her because Susan is her alter-ego).
The pimp is another important character, which appears in 47, in “On High in Blue Tomorrows”, in Nikki’s reality, and represents evil: he has killed the man who the Lost Girl loves, he is part of the group of gypsies which Susan’s husband goes with, and is called Crumpy, and hypnotizes Devon’s wife to kill Susan with a screw driver (in reality is the Lost Girl to kill her lover’s wife with a screwdriver).

In “Nikki’s reality” he appears at the end, like a ghost, to whom she shoots. After the shot he disappears, but before doing that he shows her own sneering face to her, as a reflex on a mirror (thing that proves that he is an evil person, but no one is free from evil, she was the one to kill her lover’s wife).
A little critique regarding the representation of evil is necessary: the monster behind the wall in Mulholland Drive was much more effective.

Axxon N was a radio broadcasting show, it appears at the beginning of the film, and every time we see it written, Nikki splits personality, and can’t distinguish “her reality” from the “reality of the film she is playing on”.

Rabbits is a web series made of eight episodes, by the same film maker, and it’s very important for what he wants to say: it connects all the characters in the film, because Rabbits is a representation of the reincarnation after death, other than a ferocious and disturbing critique to the tv audience (I recommend to watch it, it’s amazing). Whoever (every single living creature) did some evil in life, has to reincarnate, and in the meantime “wait” in some sort of limbo, under the form of anthropomorphous rabbit. I WONDER WHO I WILL BE.

Beautiful is also the metaphor about evil that the old woman tells to Nikki: the little boy that for the first time goes out through the door to play, and once he’s out, evil is born. Good and evil are recurring concepts in Lynch’s films (i.e. Mulholland Drive and Lost Highway), and they exist for everyone, beyond space and time.
Do not lose the main stream though, it doesn’t matter if you couldn’t make it to follow the reconstruction of the events that I’ve done so far, because everything that I just described IS NOT REAL, it’s all inside the mind of the girl who’s watching the tv, the result of the process of association between images and moments of her life. Her name (Lost Girl), the fact that she’s crying, all details that denote her mood, she’s desperate, maybe she wants to commit suicide, and there’s only one way out: she must forgive herself, or she’ll kill herself.
So at the end of the film she sees her own alter-ego Nikki that looks towards her from the tv, materializing inside the room, kissing her, and than disappearing. After that the Lost Girl imagines of hugging her lover again, together with the child she never had. What’s going to happen in her future we cannot know.

Inside this film there is everything, it’s really beautiful: an analysis of the life conditions of the ones who need to emigrate to another country; the control that tv and cinema make on people’s mind; decay; religion; good and evil. Also great is the tribute that Lynch makes to Ingmar Bergman, in particular to his masterpiece: Persona. He honors him on his way of shooting, the continuous changes of scene “life/set”, the oniric black and white of the film 47.

In this film David Lynch puts all his love, and at the same time all his hate, for the seventh art, and regarding to that some says that Tarantino’s Once upon a time in...Hollywood is the greatest tribute to Hollywood ever made. Well, I can tell you for sure that the Tarantino’s movie is a great movie and a great tribute, but the greatest tribute to Hollywood and cinema ever made so far is INLAND EMPIRE.

And inside this amazing tribute, besides the concepts of good and evil, there’s death and the constant fear that characterizes every single living being. IT’S OK SWEETHEART, YOU’RE DYING THAT’S ALL. That’s the line at the end of On High in Blue Tomorrow, and denotes the “artist’s purpose” that characterizes Lynch, finding a meaning to the existence, telling the viewer he shouldn’t be afraid, through the use of words and images.
Nevertheless, after the line followed by the Susan/Laura Dern’s death we can see the camera zooming out, framing what is the ending scene of a film, remembering us that what we’re watching is still a film.

EDOARDO ROMANELLA

Special thanks to Alessandro Cardena and Glenda Fontana for the translation.
Versione italiana: http://ilbuioinsala.blogspot.com/2019/04/oltre-limmagine-viaggio-nel-significato.html

I due Papi (2019)

Quest'anno Netflix aiuta parecchio a fare i compiti per gli Oscar. Anche I due Papi (The Two Popes), diretto nel 2019 dal regista Fernando Meirelles e candidato a tre statuette (Miglior Attore Protagonista, Miglior Attore Non Protagonista e Miglior Sceneggiatura Non Originale), si può trovare infatti sulla piattaforma streaming.

Trama: sette anni dopo l'elezione di Ratzinger come Papa Benedetto XVI, l'arcivescovo di Buenos Aires Jorge Bergoglio attende il permesso di potersi ritirare dalla sua carica ma un giorno viene chiamato in Vaticano proprio dal Papa. Lì si confronterà con un uomo che, nonostante la sua carica, non riesce più ad ascoltare la voce di Dio...

Ci ho messo un po' a recuperare I due Papi, perché mi aspettavo una mattonata della peggior specie condita da terrificanti spiegoni moralisti. Invece, dopo aver provato a guardare l'inizio una mattina e aver catturato l'attenzione del Bolluomo, qualche sera fa ci siamo accinti all'apparentemente ingrato compito e devo dire di essermi trovata piacevolmente coinvolta dalle vicende raccontate sullo schermo. Ora, il mio naturale cinismo mi porta a pensare che nessuno dei dialoghi o delle situazioni di convivialità papale si siano svolti in quel modo, però il cinema è finzione e sai che noia se fosse stato riportato qualcosa di più verosimile; detto questo, è interessante il confronto tra due figure che non potrebbero essere più diverse tra loro, quella del Papa Emerito Benedetto XVI e quella dell'attuale Papa Francesco. Partendo dallo scandalo denominato "Vatileaks" e dal clima conservatore all'interno della Chiesa, estremizzato dal "Rottweiler di Dio", I due Papi contestualizza la sua storia in un clima di rottura, in un periodo in cui i fedeli tendevano ad allontanarsi da una Chiesa incapace di abbracciare il rinnovamento e si mostrava come un'istituzione indegna di fiducia, tanto da spingere l'arcivescovo Bergoglio a ritirarsi dalla carica per seguire le sue idee più liberali e aperte. Consapevole di essere parte del problema eppure non ancora convinto delle capacità di Bergoglio, Benedetto XVI lo convoca in Vaticano rimandando l'approvazione del ritiro tanto bramato e il film, di fatto, può essere descritto come un lungo "colloquio di lavoro" in cui Ratzinger cerca di capire non solo se Bergoglio possa essere l'uomo giusto per rinvigorire una Chiesa morente, ma anche come poter venire aiutato da lui, in senso pratico e spirituale. Il risultato è un coinvolgente ritratto di due esseri umani (prima ancora che di due Papi), entrambi dotati di pregi ma anche di moltissimi difetti, e se Ratzinger rischia di essere quello connotato più negativamente, è anche vero che la sceneggiatura non sorvola sulle macchie celate nel passato del più amabile Bergoglio e sulle azioni da lui compiute durante la dittatura militare in Argentina negli anni '70, facilmente passabili per "collaborazionismo" col regime.

Buona parte del merito relativo alla riuscita dell'operazione va, ovviamente, ai due attori. Lontani dall'essere due caricature alla Tale e quale show o la sagra del cosplay senz'anima, sia Jonathan Pryce (aiutato da una somiglianza naturale) sia Anthony Hopkins calzano i panni dei Papi con naturalezza e spontaneità, tirando fuori la loro umanità senza lesinare una dose di ironia; il contrasto tra Ratzinger, l'uomo solitario e "aristocratico", nato e cresciuto per essere uno studioso prima ancora che un ambasciatore di fede, e un Bergoglio che ha sempre vissuto tra la gente ed è stato costretto, a un certo punto suo malgrado, ad essere il più umile tra gli umili, è il motore su cui si regge il film e i due attori sono molto abili ad enfatizzarlo senza risultare pedanti o forzati. Interessante anche la tecnica di regia di Meirelles, di cui non avevo mai visto un film prima de I due papi. Il suo stile si avvicina spesso al documentario e, da quello che mi è parso di capire, il regista ha scelto più volte di utilizzare non solo i droni ma anche la camera a mano, come se non stesse realizzando un'opera di finzione ma si trovasse davanti i due Papi in persona e dovesse consegnare un documento ai posteri; la cosa è un po' straniante, anche perché tutti gli ambienti vaticani sono stati ricostruiti al computer per mancanza di autorizzazioni (nemmeno avessero chiesto i luoghi veri per girarci un horror... cambia il Papa ma la Chiesa continua ad essere ridicola, con tutto il rispetto) e così si ha una combinazione di riprese "artigianali" e tecniche più moderne che, a pensarci bene, rispecchiano il cuore del contrasto tra i due protagonisti, oltre a rendere l'opera più dinamica. Insomma, mi aspettavo di addormentarmi dopo cinque minuti, invece I due Papi mi ha soddisfatta. A mio avviso non c'è trippa per Oscar (con tutto il bene che voglio a Pryce e Hopkins) ma ne consiglio comunque la visione.

Anthony Hopkins (Joseph Ratzinger/Papa Benedetto XVI), Jonathan Pryce (Jorge Bergoglio/Papa Francesco) e Libero De Rienzo (Roberto) li trovate ai rispettivi link.

Fernando Meirelles è il regista della pellicola. Brasiliano, ha diretto film come City of God e The Constant Gardener - La cospirazione. Anche produttore, sceneggiatore e attore, ha 65 anni.

Judy (2019)

Trascinato dalla febbre per gli Oscar, il film Judy del regista Rupert Goold è uscito in Italia ben prima della data di distribuzione prevista fino a poche settimane fa e, per amor di completezza (è candidato per la Miglior Attrice Protagonista e il Miglior Make-up) mi sono ritrovata a guardarlo.

Trama: negli ultimi anni della sua esistenza, Judy Garland è costretta ad abbandonare i figli e imbarcarsi in una serie di concerti londinesi, funestati da problemi di alcoolismo e depressione.

Due premesse. Sono una brutta persona e sono una brutta persona che di Judy Garland sa poco o nulla. So che è stata una delle molte "attrici prodigio" rovinate negli anni da una vita fatta di eccessi e depressione, che tutti la ricordano per Il mago di Oz ma ha quasi vinto un Oscar vent'anni dopo con E' nata una stella, che la sua carriera in realtà non si è quasi mai interrotta ma la sua stella si è purtroppo spenta e più non dimando, al momento, anche se vorrei leggere una sua biografia, se qualcuno potesse consigliarmene una valida. Purtroppo, non rientra nel mio concetto di "validità" il film Judy, biopic costruito interamente sulla performance di Renée Zellweger (sulla quale poi tornerò) apposta per accalappiare i soliti Oscar legati all'imitazione perfetta di personaggi famosi defunti, senza alcun nerbo né sorpresa, focalizzando l'attenzione dello spettatore su un'inevitabile parabola discendente fatta di piccoli, sconvolgenti episodi negativi, flashback di una carriera invidiabile, pochi momenti costruiti ad hoc per scaldare il cuore del pubblico e gran finale celebrativo atto a far sentire in colpa chiunque, perché di fatto la morte della Garland "è colpa anche un po' tua / se non ti batti per un mondo migliore". Grazie al piffero che sul finale ci si commuove: i realizzatori si tengono ben stretto l'asso nella manica Over the Rainbow schiaffandola all'ultimo con tanto di standing ovation aperta da due "diversi", una deliziosa coppietta gay infilata nella trama alla bisogna, per sottolineare l'empatia della protagonista verso chi, come lei (occhiolino, occhiolino), non riesce a trovare spazio nella società, ma per il resto la noia e la banalità regnano sovrane. Come già Bohemian Rhapsody, che almeno aveva dalla sua il ritmo travolgente delle canzoni dei Queen, il difetto di Judy è quello di santificare la protagonista nonostante i suoi mille difetti rendendo chiunque la circondi o quasi un mostro di malvagità. Non c'è modo, dunque, di vedere come esseri umani l'ex marito ed ex manager o la nuova fiamma Mickey, men che meno il babau Louis B. Meyer (ma forse lui era davvero così), e in generale anche coloro che dovrebbero essere alleati di Judy hanno spesso sguardi di disprezzo da rivolgerle.

Vero è che il film non è proprio una biografia della Garland ma un'opera ispirata alla pièce teatrale End of the Rainbow, che tocca gli ultimi anni di vita dell'attrice, ma a questi punti avrei preferito allora qualcosa di più fantasioso e affine a Rocketman invece di questo biopic freddo e stantio. Tanto, canzoni nel film ce ne sono già e questo è da apprezzare per quel che riguarda l'interpretazione della Zellweger: durante i numeri musicali l'attrice è molto coinvolgente e canta davvero benissimo (per quel che ne posso capire io di canto e musica), trasmettendo tutta la voglia di riscatto e di essere amata dal pubblico di Judy Garland, ma nominarla all'Oscar solo per questo è davvero poco. Siccome infatti, e qui torniamo all'inizio del post, sono una brutta persona, per il resto Renée Zellweger mi ha messo ansia e anche un po' di disgusto. L'attrice è un campionario ininterrotto di smorfiette, sguardi strabuzzati e tic imbastiti all'interno di un involucro di plastica, con quel terrificante taglio tra il naso e il labbro superiore che non riuscivo a smettere di guardare senza sentirmi male, tanto da farmi giurare che MAI mi metterò nelle mani di un chirurgo plastico se nemmeno i soldi delle attrici riescono ad ottenere un lavoro fatto bene; dal mio umilissimo punto di vista un'interpretazione più misurata avrebbe giovato al personaggio, con tutto questo overacting la povera Garland sembra spesso una caricatura, una QuasimodA per la quale è facile provare pietà ma per i motivi sbagliati. Sicuramente sono io ad essere limitata visto che Judy e la Zellweger stanno riscuotendo consensi ovunque, ma di tutti i film visti in preparazione agli Oscar direi che questo è uno dei più deboli. Non odiatemi, per questo.  

Di Renée Zellweger (Judy Garland), Finn Wittrock (Mickey Deans), Rufus Sewell (Sid Luft), Michael Gambon (Bernard Delfont) e Andy Nyman (Dan) ho già parlato ai rispettivi link.

Rupert Goold è il regista della pellicola. Inglese, ha diretto film come True Story. Anche sceneggiatore e produttore, ha 48 anni. 

Se Judy vi fosse piaciuto recuperate Rocketman e Florence. ENJOY!

Dolor y Gloria (2019)

A fronte delle sue due nomination all'Oscar (Miglior Attore Protagonista e Miglior Film Straniero) ho deciso di recuperare Dolor y gloria, diretto e sceneggiato nel 2019 dal regista Pedro Almodóvar.

Trama: Salvador Mallo, regista e sceneggiatore in crisi, afflitto da mali apparentemente incurabili, si ritrova a dover ripensare al suo passato e, conseguentemente, al suo percorso artistico...

Giusto per dimostrare che non sono una cinefila e, anzi, sono anche piuttosto capra, tutti si sono sperticati in lodi per questo Dolor y gloria, che ha vinto persino la palma d'oro a Cannes, e io ho fatto fatica, guardandolo, a tenere gli occhi aperti. A tratti mi sembrava di avere davanti mia madre (o mio padre, o mia nonna) a raccontarmi importantissimi episodi accorsi a gente che, di regola, dovrei conoscere e ritenere fondamentale quanto lei, mentre io non ho neppure idea di chi si stia parlando e mi ritrovo ad annuire dicendo, di tanto in tanto, "Aaah, sì. Eh sì, lui, me lo ricordo". Non fraintendetemi, è la cosa che, di regola, dovrebbe succedere quasi ogni volta che si va al cinema, visto che noi non conosciamo le persone di cui si sta parlando, soprattutto quando i personaggi sono inventati; però, il bello del cinema, della letteratura e della televisione, è fare appassionare il pubblico alle storie di sconosciuti, arrivando persino a far piangere e ridere con loro, altrimenti chi fruirebbe più di un libro o di un film? E io sono felicissima, ovviamente, per Almodóvar, che ha evidentemente trovato una catarsi all'interno di una pellicola biografica, incarnato in un alter ego di tutto rispetto, peccato che le sue preoccupazioni da Autore invecchiato, terrorizzato all'idea di non aver più nulla da dire, bloccato in un passato glorioso di provocazioni ed eccessi cinematografici, non mi abbiano toccata per nulla. Forse perché il buon Pedro non è mai stato uno dei miei registi preferiti o non conosco a menadito tutta la sua produzione? Eppure, diamine, ci sono alcuni suoi film che adoro, che nonostante un po' di antipatia a pelle nei suoi confronti sono arrivata ad amare, ma stavolta niente, un aburrimiento senza fine salvato solo da un finale che, lo ammetto, mi ha commossa, ma arrivare a commuovere dopo due ore di noia e vuoto pneumatico anche no. Ribadisco, il limite è mio, sono ignorante.

Eppure, onestamente, non sono riuscita ad interessarmi alle paturnie di un uomo che, attraverso tre/quattro incontri con persone del suo passato, ripensa a fallimenti e amori perduti ritrovando nell'arte l'unico motivo per continuare, nemmeno quando Almodovar si è impegnato a intrattenermi sfruttando persino delle animazioni, ironico contrappunto all'ipocondria del suo personaggio. Forse perché gli interpreti, salvo una splendida Penélope Cruz nelle sequenze che più ho apprezzato, quelle legate all'infanzia del protagonista, e salvo la madre "anziana" Julieta Serrano, non sono all'altezza di Banderas? Che poi, parliamo un attimo di Banderas. Bravo, per carità di Dio. Misurato, anche troppo, compreso nel suo ruolo di regista agorafobico, malato, debole, drogato, fiaccato da un passato di costrizioni, ecc. ma onestamente accanto a un Adam Driver e un Leonardo Di Caprio, quest'anno, non ce lo vedo davvero. Il problema reale di Dolor y gloria, che pure ha delle idee visive, come ho scritto più sopra, deliziose ed interessanti, in primis quei coloratissimi appartamenti ricavati nelle grotte che incarnano l'infanzia di Mallo e in generale la fotografia del film, curata e vibrante di colori, è che indubbiamente il film racconta qualcosa di importantissimo per Almodóvar, però il regista non è riuscito a far sì che diventasse importante anche per lo spettatore. L'idea che è rimasta a me è quella di un film episodico, un elenco di passaggi necessari affinché Mallo prenda nuovamente coscienza di sé, una sorta di "lista della spesa" che passa e va, senza lasciare nulla dietro di sé. Onestamente, piuttosto che un Almodóvar così fiacco avrei preferito la candidatura del nostro Il traditore o, ancor meglio, di Ritratto della giovane in fiamme. Provaci ancora, Pedro.

Del regista e sceneggiatore Pedro Almodóvar ho già parlato QUI. Antonio Banderas (Salvador Mallo), Penélope Cruz (Jacinta) e Cecilia Roth (Zulema) li trovate invece ai rispettivi link.

Julieta Serrano e Antonio Banderas sono già stati madre e figlio in due altri film del regista, Matador e Donne sull'orlo di una crisi di nervi. Se Dolor y gloria vi fosse piaciuto recuperate 81/2, dichiarata fonte di ispirazione. ENJOY!

(Gio)WE, Bolla! del 30/1/2010

Buon giovedì a tutti! La distribuzione oscarofila si prende una settimana di pausa, almeno a Savona (ciao ciao Judy...) ma alcune uscite sono lo stesso molto interessanti. ENJOY!

Dolittle

Reazione a caldo: Sbav.

Bolla, rifletti!: Sono sincera. Di Dolittle non potrebbe fregarmene di meno. Ma Robert Downey Jr? Eddai, su. Non posso nemmeno dire che andrò al cinema sperando di non vedere una cretinata per bimbetti stupidi perché so che sarà così, lo stanno massacrando ovunque.

Underwater

Reazione a caldo: Sbavx2

Bolla, rifletti!: Con l'uscita di questo film probabilmente il Corona Virus approderà anche a Savona perché non si spiega come il multisala abbia deciso di programmare una pellicola horror così poco pompata e conosciuta. Io gioizzo, perché sono una maiala, e dopo RDJ voglio bavare anche davanti a Cassel!

Odio l'estate

Reazione a caldo: Uff.

Bolla, rifletti!: Aldo, Giovanni, Giacomo. Io vi voglio benissimo ma basta film, dai.

Il diritto di opporsi

Reazione a caldo: Hm.

Bolla, rifletti!: Una storia vera, ottimi attori, un dramma giudiziario, buone recensioni oltreoceano. Aspetterò che esca su Netflix/Amazon Prime e lo propinerò al Bolluomo, ché al momento non c'è fretta di vederlo.

Niente Judy nemmeno al cinema d'élite, ahimé.

Villetta con ospiti

Reazione a caldo: Mah.

Bolla, rifletti!: Definita dal sito del cinema "commedia noir", Villetta con ospiti ruota sui sette peccati capitali e su una cricca di personaggi ricchi e rispettati che tuttavia non sono così irreprensibili come sembrano. Potrebbe anche essere interessante per un futuro recupero.

Ed's Corner: Beyond the image, journey through the hidden meaning of movies - Mulholland Drive

Oggi è mercoledì, il giorno di Edoardo e delle sue analisi di film troppo complicati per essere compresi dalla capra che sono. Oggi tocca a Mulholland Drive, un Lynch visto parecchi anni fa e mai più riguardato per ovvie ragioni. Dopo questo utile compendio a firma edoardiana potrei riprovare, magari passata la febbre da Oscar! ENJOY!

This is the second-last movie of the filmmaker David Lynch, a great success among critics and audience, also acclaimed from many parts as “the best film of the 21st century”.
Needless to say, it’s a fascinating movie, eligible to be one of the greatest masterpiece in the history of cinematography, but this doesn’t mean it’s a film for all the tastes, as it often happens with most of the Lynch’s works. The reason of that is always the same: it’s a deconstructed and hard to understand film, with hidden meanings and a deep symbolic value (as it was for Eraserhead, Lost Highway, and so on).
Regarding to the plot, I can just write a few lines about the story: here, in fact, the association and dissociation of images reaches an extreme level (even if the highest level is reached by INLAND EMPIRE). The explanation will follow.
Rita, a black-haired beautiful woman, is the only survivor of a car accident happened in Mulholland Drive, a famous street of Hollywood. She loses her memory after the accident and, completely confused, ends up inside an apartment where lives Betty, a young and talented actress from Canada.

To better understand the film is important to list the events in the order they really came: Diane Selwyn (grandly played by Naomi Watts) is a talented actress ignored by the film industry, who manages to get to Hollywood after winning a Jitterbug competition (the beginning scene with people dancing). Despite her skills, she can only get small gigs here and there, given by Camilla Rhodes (Laura Harring), that she met on a movie set and with whom she started a homosexual relationship. But what for Diane is a serious love story, for Camilla is just a little game, something she did to fight off boredom, and now she’s tired of it. After getting engaged with Adam Kesher (Justin Theroux), the director of the movie both the women are working on at that moment, she decides to end this pseudo-relationship.
While Diane is furious about that decision, the other girl, on the contrary, seems to make fun of her, and that mockery reaches its top during a dinner at the director’s home, where the whole movie cast is attending. The house is located in Mulholland Drive, a famous street of Los Angeles.
All the mockery makes Diane feel sad and full of hate, to the point that she decides to have Camilla killed by a serial killer.
After the facts listed above, we have to go back to the short bit after the beginning scene (yet the one with the people dancing): the same night the serial killer gets hired, our actress goes back home (maybe drunk, but that’s not important) and falls asleep on the bed… here starts her dream.
It is now that Lynch shows all his genius, starting a pure association of images between both the characters and their names.
Inside her unconscious the name of Diane is Betty, a name seen on the badge of a waitress from the bar where she met the killer.
Mulholland Drive is the street where Camilla had an accident with the limousine, right where our actress had arrived when she was heading to the dinner at the director’s house, and because of that accident she lost her memory.
From the beginning we can see that she’s in danger: some men want to kill her (Italian-American men from the mafia), and here appears Diane’s will of making her ex lover suffering and the movie director that “took the woman away from her”, who is also a victim of the same men (leaded by a guy dressed like a cowboy), which force him to give the lead of his last movie to an actress of their choice. In addition to that, our actress punishes the movie director in other ways, like through the betrayal of his wife.

Inside the dream, Betty is a skilled and talented actress (as she is in reality by the way), recently arrived in Hollywood, who stays at the apartment of her aunt Ruth, that has left (there is where she finds Camilla injured and with a memory loss). In reality aunt Ruth is dead, and here appears our actress’s will too, her desire of not having lost a person she loved, that inside the dream has just left for a gig.
As said before, each character is designed by images association with the reality: the girl chosen as lead actress of the movie, the cowboy leading the mafia, the manager of the building where aunt Ruth’s apartment is (Coco, which in reality is Adam Kesher’s mother), the scared man in the bar, the waitress of the same bar, the clumsy killer (important detail this one, because maybe Diane repented of having hired him), Castigliani brothers, all people already seen in reality, some at the movie cast dinner, some other at the bar where she met the killer, some other simply neighbours.

An item with strong symbolic value is the blue key, the key of her new troubles. Yes, because in reality that’s the sign that the murder of her ex lover had happened, and she finds the key after she wakes up, on the table in the apartment. The blue box that it opens doesn’t contain anything in the “real world”, it’s just in the dream that this box has a symbolic value (it’s in Camilla’s purse): it contains the madness and desperation of our actress. If the box opens up, Camilla has been murdered.

The Club Silencio is another important element with a deep symbolic value: it represents the constant fear of death, the fear of being alone, the fear that after death there may not be anything at all (she already lost her aunt, and now she could lose Camilla too): there’s no band, but a music can be heard. But this music, maybe, it’s just an illusion.

Yet another important symbolic figure: the monster that hides behind the wall, the monster the man in the bar is terrified of, (one of the most powerful scenes in the history of cinematography): in reality that monster is just a poor dirty and hungry tramp who lives behind a wall close to the bar, where he finds the blue box inside a paper bag. Is Diane’s state of mind that makes him look like a monster inside the dream, he represents evil (“Nel giardino incantato lo costrinse a sognare, a ignorare che al mondo c’è il bene e c’è il male” - “In the enchanting garden he was forced to dream, to ignore in the world good and evil is”. Please forgive my off-topic here, but I couldn’t resist to quote the great Fabrizio De Andrè).

The culmination of the story arrives when Diane gets woken up by the neighbour that came to take some of her stuff back (they swapped their flats).
After have given her stuff back to her, Diane shuts the door and turn towards the table: the blue key is there, Camilla has been killed.
Now she’s desperate and cries, she thinks she can see her again, she can live their memories again (now we see the reality for what it really was), but it’s just an illusion, no one will ever take her back to life.
The pain drives her crazy and so we see the old couple that at the beginning of the film arrived to Hollywood (they represent her madness), coming out of the blue box the tramp got, going to her house and terrorize her.

They only exist inside her mind. So, to stop the pain forever, Diane shoots herself in the mouth (when in the dream Camilla and her go to find a certain Diane Selwyn, they see that she’s dead, putrefied in the bedroom: Diane Selwyn it’s just her real name, she sees her corpse as a premonition of what is going to happen).
Death, the end of all pain.

As you might have understood, I consider this film absolutely brilliant, a work surrounded by a sick atmosphere, sometimes deeply dark, sometimes funny, where each single actor plays his best part, and the evocative power of the images talks for itself: it’s a dreamlike world where the cinematography technique is just sublime. But be aware, I don’t consider this the very best film of the 21th century.
Among all the Lynch’s films, in my opinion this is the one that most approaches the real nature of the dream, because of it deconstruction, image association, evocative power, onirism, and a very few examples in the history of cinematography that can compete with that. Offhand, one particular film director comes to mind, Richard Linklater, with his immortal masterpiece: Waking Life.

But ladies and gentlemen the time to talk about Waking Life hasn’t come yet.

EDOARDO ROMANELLA

Special thanks to Alessandro Cardena and Glenda Fontana for the translation.


Versione italiana: http://ilbuioinsala.blogspot.com/2019/01/oltre-limmagine-viaggio-nel-significato.html