The Hunter (2011)

Ve la ricordate la defunta rubrica Get Babol!? Recuperando col mio solito bradipismo i film più interessanti nominati proprio in quelle occasioni, qualche giorno fa ho guardato The Hunter, diretto nel 2011 dal regista Daniel Nettheim e tratto dall'omonimo romanzo di Julia Leigh.

Trama: ad un cacciatore viene chiesto da un’ambigua ditta farmaceutica di recuperare dei campioni di DNA da un animale creduto estinto, la tigre della Tasmania. L’uomo si reca così nei territori dove si dice sia stata avvistata recentemente la bestia ma troverà qualcosa di inaspettato ad attenderlo…

Ho cominciato la visione di The Hunter convinta che mi sarei trovata davanti una sorta di survival movie, con Willem Dafoe impegnato a sopravvivere nelle zone più recondite della Tasmania mentre la famigerata tigre gli faceva il gesto dell’ombrello fuggendo o, peggio ancora, trasformandolo dal cacciatore del titolo a preda, invece la pellicola di Daniel Nettheim si è rivelata un animale strano quanto quello inseguito dal protagonista. The Hunter è infatti un racconto di formazione travestito da crime story, la storia di una caccia che porta il personaggio principale a scavare dentro il proprio animo solitario e soprattutto ad interagire con una famiglia allo sbando, composta da una madre e due bimbi che aspettano da anni il ritorno del marito e padre, ricercatore universitario smarritosi negli stessi boschi che nascondono la tigre della Tasmania. Oltre a raccontare una vicenda molto umana, The Hunter tocca anche un tema difficile come l’ambientalismo che si scontra con una realtà fatta di cittadine al limite della povertà, all’interno delle quali gli abitanti lavorano “sfruttando” le risorse naturali; nonostante i taglialegna dipinti nel film rasentino la follia e ricadano nel tipico stereotipo del redneck (per quanto il film sia ambientato in Tasmania), la pellicola instilla comunque nello spettatore quel minimo di dubbio etico e sociale che lo spinge a non parteggiare a tutti i costi per i cosiddetti “greenies” che vanno a spaccare i marroni a chi è costretto a lavorare per vivere. Allo stesso modo, il tristissimo finale potrebbe non incontrare il favore di una buona fetta di pubblico ma è perfettamente in linea sia con la personalità del cacciatore, sia con gli eventi accorsi ai personaggi nel corso del film, e non vi nego che è riuscito a strapparmi più di una lacrima.

Altro non dirò sulla trama per non rovinare la sorpresa quindi sarebbe il caso di spendere due parole per la realizzazione del film. Questa è la prima pellicola girata da Daniel Nettheim che vedo e sinceramente non capisco come mai costui abbia all’attivo solo un film, a fronte di moltissimi episodi di serie televisive. La regia di The Hunter mi è parsa molto bella, dal taglio classico ma non banale, arricchita da una fotografia splendida capace di mettere ancor più in risalto la bellezza selvaggia dei boschi della Tasmania e anche la rigidità del suo inverno; molto interessante anche la scelta di utilizzare, a mo’ di introduzione, filmati di repertorio in bianco e nero nei quali viene mostrato il sembiante della tigre della Tasmania, un animalino abbastanza inquietante e particolare ma purtroppo estinto per davvero. The Hunter si conferma un prodotto pregevole anche sul versante attori. Su Willem Dafoe non avevo dubbi e mi è piaciuto molto vederlo, per una volta, in versione “remissiva”, alle prese con un personaggio schivo e pacato, e altrettanto brava è Frances O’ Connor. La palma di migliori attori va comunque ai piccoli Morgana Davies  e Finn Woodlock: la prima è una grezzonetta fenomenale, con un accento meravigliosamente incomprensibile, mentre il secondo, costretto ad interpretare un bimbo muto che si esprime attraverso fondamentali disegni, è talmente tenero che verrebbe voglia di mangiarselo. Pare quindi che, per l’ennesima volta, il mio modo sconsiderato di scegliere i film abbia dato i suoi frutti… il problema è che ora ho una voglia matta di volare in Tasmania, per bearmi di quelle splendide viste che hanno tanto incantato sia Willem Dafoe che Sam Neill, sperando che la tigre autoctona non venga a mordermi le terga come i cervi di Nara!

Di Willem Dafoe (Martin), Frances O' Connor (Lucy) e Sam Neill (Jack) ho già parlato ai rispettivi link.

Daniel Nettheim è il regista della pellicola. Australiano, ha diretto film come Angst ed episodi di serie come Doctor Who. Ha anche lavorato come sceneggiatore.

Julia Leigh, autrice del romanzo da cui è stato tratto The Hunter, ha lavorato a sua volta come regista e ha diretto, tra l'altro proprio nel 2011, il film Sleeping Beauty. Detto questo, se The Hunter vi fosse piaciuto provate a guardare Mud. ENJOY!

RocknRolla (2008)

Questa è l’ultima del 2016, prometto. Intendo l’ultima volta che scrivo un brevissimo post dopo praticamente un mese dalla visione del film, cosa che mi porta inevitabilmente ad affidarmi ad una memoria sempre più scarsa e ad emozioni ormai raffreddatesi. Ciò accade, soprattutto, quando si parla di film come RoknRolla, diretto nel 2008 dal regista Guy Ritchie, la tipica sagra del malvivente inglese tanto cara all’autore.

Trama: uno speculatore edilizio senza scrupoli cerca di concludere un grosso affare con un magnate russo ma la commercialista di quest’ultimo è in combutta con un paio di piccoli malviventi e lo deruba sistematicamente di ogni investimento. A complicare un affare che già sta in piedi per miracolo si aggiungono i capricci di un giovane cantante rock fattosi passare per morto…

Ammetto pubblicamente di essere un’estimatrice di Guy Ritchie, del suo stile caciarone e videoclipparo, del montaggio rapido quanto i giri di giostra tra personaggi che si susseguono continuamente sullo schermo, del sottobosco criminale che mette in scena con abbondanti dosi di umorismo nero e anche di un certo modo ruffiano di accattivarsi il pubblico. Tutti questi elementi si ritrovano in RockNRolla eppure, nonostante il mio amore per il regista inglese, la visione del film si è rivelata lievemente pesante, come se avessi davanti uno scherzo tirato per le lunghe; la trama della pellicola fila e tutto torna perfettamente sul finale, nel quale ogni tessera apparentemente stonata riesce nonostante tutto a comporre un mosaico perfetto, però credo che la parte centrale del film venga appesantita troppo da ripetizioni inutili e personaggi superflui. In aggiunta, bisogna dire che il RockNRolla del titolo è uno dei protagonisti più fastidiosi e meno carismatici mai creati da Guy Ritchie. Non so se imputare la colpa all’attore Toby Kebbell, che sembrerebbe un giovane Sacha Baron-Coen molto meno divertente (e già di suo non che Baron-Coen mi faccia impazzire...), sta di fatto che dal momento in cui compare il fantomatico Johnny Quid il film subisce una frenata che non molla neppure con la presenza del fantastico “gangster” di Tom Wilkinson e del sempre valido Mark Strong, punte di diamante di un cast che contempla anche due figoni del calibro di Idris Elba e Gerard Butler, tra gli altri. Ecco, forse RockNRolla mi ha un po’ delusa perché pensavo che il fulcro della storia fosse questa coppia di pregevoli attori, invece la trama a un certo punto si discosta dalle loro disavventure, focalizzandosi su furti di quadri, rockstar drogate, segretucci nascosti e russi psicopatici, questi ultimi protagonisti delle sequenze più genuinamente folli e divertenti di tutta la pellicola. Nonostante questo, quando durante i titoli di coda ho letto che i protagonisti di RockNRolla sarebbero tornati per un secondo film non ho potuto fare a meno di chiedermi cosa aspetti Ritchie a riprendere le fila del discorso, magari con qualche aggiustatina qui e là: o sono completamente psicopatica e mi sbaglio di grosso, oppure potrebbe venire fuori un sequel molto migliore della pellicola originale!

Del regista e sceneggiatore Guy Ritchie ho già parlato QUI. Gerard Butler (One Two), Tom Wilkinson (Lenny Cole), Mark Strong (Archy), Idris Elba (Mumbles), Tom Hardy (Bob il bello), Toby Kebbel (Johnny Quid), Karel Roden (Uri Omovich), Jeremy Piven (Roman), Gemma Arterton (June) e Jamie Campbell Bower (Rocker) li trovate invece ai rispettivi link.

Thandie Newton interpreta Stella. Inglese, ha partecipato a film come Intervista col vampiro, Gridlock'd, Mission: Impossible 2, The Chronicles of Riddick e a serie come E.R. Medici in prima linea, inoltre ha doppiato un episodio di American Dad!. Ha 44 anni e due film in uscita.

Il cantante Ludacris (col vero nome di Chris Bridges) interpreta Mickey, uno dei due manager di Johnny Quid. Apparentemente, quella di RocknRolla avrebbe dovuto essere una trilogia, di fatto nei titoli di coda viene scritto "The Wild Bunch will return in The Real RockNRolla", tuttavia nel frattempo Ritchie ha girato altri quattro film e di un eventuale sequel non c'è ancora traccia. Detto questo, se RocknRolla vi fosse piaciuto recuperate Lock & Stock - Pazzi scatenati e Snatch - Lo strappo. ENJOY!

La famiglia Fang (2015)

Attirata dal trailer e dalla bontà degli interpreti, la settimana scorsa ho guardato La Famiglia Fang (The Family Fang), diretto nel 2015 dal regista Jason Bateman e tratto dal romanzo omonimo di Kevin Wilson.

Trama: i fratelli Annie e Baxter Fang sono due ex bambini prodigio che i genitori utilizzavano durante le loro famosissime performance di "sketch interattivi". Cresciuti con mille problemi, sono costretti a riallacciare i rapporti con i loro genitori solo per poi vederli scomparire, presumibilmente morti in un incidente stradale. Mentre Baxter accetta il triste destino toccato alla coppia, Annie si convince che l'incidente sia l'ennesimo sketch messo in piedi dai due e costringe il fratello ad indagare...

La famiglia Fang è uno di quei film potenzialmente interessanti, con tutte le carte in regola per piacere che, invece, si ammoscia e delude senza un perché. Non è una brutta pellicola La famiglia Fang, intendiamoci. La trama si concentra sulla strana vita di due ex bambini prodigio, "costretti" dai genitori a partecipare a spettacoli teatrali estemporanei, assai simili a delle candid camera, come Bambino A (Annie) e Bambino B (Baxter); le immagini della famiglia divertita, con i bambini allegri complici delle trovate dei genitori, fanno a pugni con l'alcoolismo in cui si è rifugiata Annie, attrice ormai in declino, e l'indigenza nella quale è costretto a vivere Baxter, scrittore privo di ispirazione. Proprio un incidente accorso a quest'ultimo spinge i membri della famiglia a ritrovarsi ma l'irriverenza artistica che caratterizzava le vecchie performance di Caleb e Camille (questi i nomi degli anziani genitori) si è ormai prosciugata in una costante, trita e deprimente ripetizione delle gag passate, aggravata dal cambiamento dei tempi e dalla palese incapacità di Caleb di affrontare la triste realtà dell'inevitabile declino artistico. La riunione di famiglia, funestata da litigi e risentimenti, dura poco perché Caleb e Camille, dopo essere partiti per un viaggio, scompaiono, lasciando supporre di essere stati vittime di un incidente conclusosi con un rapimento e, presumibilmente, la loro morte; Baxter accetta la cosa con rassegnazione mista a sollievo mentre Annie si convince che questa sia l'ennesima "bufala" ordita dai genitori, cosa che porta i due ad indagare. E' qui che il film si impantana nei suoi difetti perché, se è vero che il contrasto tra passato e presente è interessante quanto l'analisi fatta sul personaggio di Caleb e sulla natura dell'Arte, la parte "gialla" che costituisce l'ossatura della pellicola è priva di mordente, Annie e Baxter sono la quintessenza dello stereotipo del bambino prodigio cresciuto male e quel paio di personaggi di contorno sembrano quasi pretestuosi nella cieca fiducia che provano nei confronti delle opere dei Fang.

La trama del romanzo di Kevin Wilson richiama molto le atmosfere tanto care a Wes Anderson, tanto da rievocare spesso I Tenenbaum (Caleb e Camille sono due genitori terribili tanto quanto Royal Tenenbaum, hanno traumatizzato i figli, anzi continuano a farlo, eppure non capiscono di essersi comportati da egoisti e perseverano nei loro errori), tuttavia La famiglia Fang manca di stile per quel che riguarda scenografie, costumi e regia, salvandosi giusto nelle già citate sequenze ambientate nel passato. Jason Bateman come attore drammatico ha il suo perché, come produttore e regista è comunque coraggioso nel suo desiderare di mettersi alla prova, ma La famiglia Fang è sostenuta giusto da una bellissima colonna sonora, composta da Carter Burwell, e dalla splendida prova d'attore di Christopher Walken. Sarà perché il resto del cast non brilla (perlomeno la Kidman sembra meno rifatta del solito, è già qualcosa...) o sarà perché ultimamente al povero Walken toccavano solo comparsate di dubbio gusto in film sempre più maffi, bisogna dire che il personaggio di Caleb calza alla perfezione al sempre inquietante attore ed è uno dei ruoli migliori che lo hanno visto impegnato recentemente. Papà Fang è infatti una persona orribile che non esita a manipolare i suoi familiari per "amor d'Arte", imponendo drastiche scelte di vita persino alla moglie succube, e i dialoghi che lo vedono protagonista sul finale o durante il finto documentario che viene mostrato nel corso della pellicola sono agghiaccianti, al punto da stringere il cuore; la bravura di Walken è quella di farci scoprire la vera natura di Caleb attraverso improvvisi scatti d'ira che distruggono la facciata gioviale dell'uomo, costringendo non solo i suoi familiari ma soprattutto gli spettatori a provare le stesse sensazioni di spiacevole sorpresa sperimentate dal pubblico delle performance artistiche dei Fang. Onestamente, Walken è l'unico elemento che mi sento di salvare in toto all'interno di una pellicola dalla quale mi aspettavo ben di più, anche se ammetto che ora la curiosità di leggere il romanzo mi è venuta. Insomma, bene ma non benissimo. Provaci ancora, Bateman!

Del regista Jason Bateman, che interpreta anche Baxter Fang, ho già parlato QUI. Kathryn Hahn (Camille da giovane), Nicole Kidman (Annie Fang), Christopher Walken (Caleb Fang) e Harris Yulin (Hobart Waxman) li trovate invece ai rispettivi link.

Se La famiglia Fang vi fosse piaciuto recuperate I Tenenbaum. ENJOY!

(Gio) WE, Bolla! del 15/9/2016

Buon giovedì a tutti! Siamo ormai a metà settembre e la distribuzione italiana comincia a calare qualche asso, assieme a qualche schifezza che personalmente avrei evitato... ENJOY!

Alla ricerca di Dory
Reazione a caldo: Evviva!!!
Bolla, rifletti!: Come dice la mia amica Paola, Dory è uno dei personaggi più favolosi di sempre. Come al solito, la paura del sequel c'è ma non vedo l'ora di gustarmi il ritorno di Nemo, Marlin e soprattutto Dory sugli schermi!!

L'estate addosso
Reazione a caldo: Ecco, fa troppo caldo, levati.
Bolla, rifletti!: Ecco qui LA schifezza che personalmente avrei evitato di cui sopra. A parte il nome Muccino, che mi provoca orticaria al sol pensiero, è proprio il trailer di questo ennesimo drammetto giovanile ad essere fastidioso. Quando andiamo in pensione, Muccino?

Trafficanti
Reazione a caldo: Boh.
Bolla, rifletti!: Jonah Hill negli ultimi tempi è salito parecchio all'interno del mio personalissimo indice di gradimento. Tuttavia leggendo le recensioni questo Trafficanti pare robetta, un ibrido tra commedia e biopic serio. Attendo conferme.

The Beatles: Eight Days a Week - The Touring Years
Reazione a caldo: For Fans Only.
Bolla, rifletti!: Se mi interessassero la musica o i Fab Four sarei probabilmente in visibilio all'idea di guardare un documentario sull'argomento, per di più diretto da Ron Howard. Invece mi sa proprio che passerò...

Al cinema d'élite si respira aria veneziana (anche se io aspetto nelle prossime settimane Demolition - Amare e vivere)...

Questi giorni
Reazione a caldo: Ma non c'era nulla di meglio?
Bolla, rifletti!: Altro film italiano imperniato su viaggi ed esperienze di gioventù. Probabilmente sarà meglio di una muccinata qualsiasi, tuttavia temo molto la recitazione delle giovani protagoniste quindi passo senza remore.

Man in the Dark (2016)

Nonostante minacce mucciniane e anteprime mancate sono riuscita anche io a vedere Man in the Dark (Don't Breathe), diretto e co-sceneggiato dal regista Fede Alvarez.

Trama: tre ragazzi entrano in casa di un reduce di guerra cieco, convinti di poter fare il colpo che li metterà per sempre a posto con le finanze. Non hanno però fatto i conti con la sete di sangue dell'uomo, né con i segreti nascosti nella sua casa...

Se fatti bene, gli home invasion sono in grado di fare molta più paura rispetto ad un horror a tema sovrannaturale, anche se quando il punto di vista dell'invasione è invertito, come in questo caso. Di solito lo spettatore è abituato a temere per i poveri abitanti della casa "attaccata", riconoscendosi nei borghesucci tenuti in scacco da branchi di malviventi spesso senza volto, stavolta invece Alvarez e il co-sceneggiatore Rodo Sayagues (fido compare già nel remake de La casa) costringono il pubblico ad immedesimarsi con tre ragazzini convinti di poter gabbare un invalido e portare a termine il colpo del secolo, solo per poi scoprire che il colpo (o peggio) lo prenderanno in testa. Il gioco non è nuovo, ci mancherebbe. Ogni horrorofilo che si rispetti DEVE ricordare l'esistenza del bellissimo La casa nera di Wes Craven e partire da lì per apprezzare al meglio Man in the Dark; il film di Alvarez radica i protagonisti negli stessi fatiscenti sobborghi dai quali Grullo e i suoi compari speravano di fuggire, li dota della stessa comprensibile sete di denaro e mette assieme un trio di caratteri che va dal più biasimevole (in questo caso Money, con le sue pose da gallo sulla munnezza) ai più degni di pietà (Alex e Rocky, palesemente nati nel quartiere sbagliato al momento meno opportuno, l'ultima in particolare costretta a proteggere la sorellina da una madre ubriacona e fancazzista), così da poter gestire al meglio il cambio di prospettiva. "L'uomo cieco" non nasconde i figli deformi nelle intercapedini della casa, ci mancherebbe, eppure è a modo suo crudele e demoniaco quanto i deadites celati nelle cantine de La casa di Raimi, ha gli stessi occhi bianchi ed è altrettanto implacabile se messo alle strette da un trio di ladri non invitati. La vittima, dunque, fa molta più paura dei presunti aguzzini e la sceneggiatura tesissima riesce a trasformare il suo handicap fisico in una pericolosissima arma che si combina alla perfezione con l'ambiente chiuso di una casa labirintica, un mondo isolato all'interno di un quartiere già di suo ai margini della società, dove la sicurezza degli abitanti viene a malapena gestita da sistemi d'allarme anche troppo facili da aggirare.

La trama di Man in the Dark regge quindi senza scossoni e zeppa di colpi di scena fino alla fine (tranne per un particolare legato alla follia del cieco che non vi sto a spoilerare ma di cui sinceramente avrei fatto a meno, ché certe scene gratuite mi urtano, non posso farci nulla) e lo stesso Fede Alvarez si dimostra regista dotato di una certa perizia tecnica. Il nostro aveva già mostrato di saperci fare ai tempi del remake de La casa, prodotto dignitoso inficiato giusto dalla stupidità congenita dei protagonisti, qui tira giustamente il freno allo splatter ma abbonda con inquadrature ad alto tasso di tensione, cercando prospettive distorte capaci di trasformare un' "innocua" casa in un universo altro e gestendo al meglio anche le sequenze ambientate al buio senza trasformare l'intera faccenda in un enorme WTF. Se posso dire la mia si poteva fare di meglio con un montaggio che in un paio di sequenze mi è parso fatto letteralmente con l'accetta, tanto da portarmi a credere di avere perso dei pezzi di film, ma magari è solo perché ero reduce da una nottata di tosse infernale con conseguente mancanza di sonno. Voto dieci anche agli attori, oltre che al "simpatico" cagnusso emulo di Cujo, protagonista di alcune scene gradevolmente anni '80 che hanno rischiato di uccidermi per la tachicardia: Jane Levy, già apprezzatissima in La casa, è la perfetta final girl moderna, sicura di sé e anche un po' stronzetta, mentre Stephen Lang nei panni del cieco fa davvero paura, il suo fisico e le sue fattezze hanno qualcosa di "sbagliato" che lo renderebbero inquietante anche in assenza di occhi bianchi. Dopo un'estate a base di squali, Man in the Dark è stato quindi il modo migliore per cominciare la stagione thriller/horror invernale, un ottimo e gustoso antipasto in attesa di Blair Witch, Ouija: Le origini del male, 31 e mille altre pellicole che stanno facendo capolino all'orizzonte. Cercate di non rimanere indietro, che non si sa mai chi può sentirvi ansimare nel buio...

Del regista e co-sceneggiatore Fede Alvarez ho già parlato QUI. Stephen Lang (il cieco) e Dylan Minnette (Alex) li trovate invece ai rispettivi link.

Jane Levy interpreta Rocky. Americana, ha partecipato a film come La casa. Ha 26 anni e due film in uscita, inoltre dovrebbe essere anche nel cast di Twin Peaks.

Daniel Zovatto interpreta Money. Americano, ha partecipato a film come It Follows e a serie come Agents of S.H.I.E.L.D. e Fear the Walking Dead. Ha 25 anni.

Paradossalmente i titolisti italiani stavolta l'hanno quasi azzeccata visto che il titolo originale di Don't Breathe avrebbe dovuto essere per l'appunto A Man in the Dark. Detto questo, se il film vi fosse piaciuto recuperate Gli occhi della notte e Hush. ENJOY!

A Bigger Splash (2015)

Nei giorni di recuperi estivi ho guardato anche A Bigger Splash, diretto nel 2015 dal regista Luca Guardagnino e tratto dal romanzo La piscina di Alain Page.

Trama: in convalescenza per problemi di voce, la cantante Marianne Lane si rifugia in una villa sull'isola di Pantelleria assieme al giovane fidanzato Paul. A rovinare la vacanza arriva Harry, produttore discografico ed ex di Marianne, assieme alla figlia Penelope, della quale nessuno era a conoscenza, che si installano a loro volta nella villa...

Cosa si nasconde sotto la superficie dell'acqua? Cosa c'è stato prima e dopo il Bigger Splash di David Hockney? Queste le domande che si è posto Luca Guadagnino, nella sua elegante rielaborazione de La piscina a base di isole sulle quali il tempo sembra essersi fermato e artisti che paiono non appartenere a questo mondo, nonostante i loro difetti. La cornice bucolica di Pantelleria è lo scenario perfetto per una storia a base di sentimenti, capricci e rimpianti, all'interno della quale la bella e carismatica cantante Marianne viene contesa tra il fidanzato Paul e l'ex amante Harry, ma fosse tutto così semplice il film finirebbe lì. Il fatto è che Marianne, dopo una carriera folgorante, si è ritrovata ad una certa età priva della voce che le ha dato successo e ciò la rende in qualche modo dipendente dal giovane Paul, fragile documentarista alla perenne ricerca del progetto perfetto che, un giorno, si è visto letteralmente regalare Marianne dallo spregiudicato Harry. Marianne e Paul sono legati in maniera quasi morbosa da questo rapporto di interdipendenza e il produttore discografico nonché ex fidanzato della cantante arriva non invitato a Pantelleria sperando di trovare una breccia onde  distruggere un legame che lui stesso, vuoi per noia vuoi per qualsivoglia motivo muova un donnaiolo fanfarone, ha creato (salvo poi pentirsene amaramente). Purtroppo, Harry si porta dietro un bel carico da undici col sembiante di una figlia bellissima che tiene il mondo intero (soprattutto Marianne) in gran dispitto e che non ha altro modo per combattere il tedio e l'ingombrante presenza di un padre che quasi neppure conosce se non distruggendo psicologicamente chiunque le capiti a tiro. A questo punto ce n'è abbastanza per fare esplodere Pantelleria e Guadagnino si diletta, per due ore che sembrano una, ad esplorare la psicologia di questi eleganti e peculiari personaggi all'interno di un ambiente a loro non familiare, capace di donare a Marianne e compagnia un'illusione di sicurezza e libertà che, se mal gestita, rischia di frantumare la luminosa e fragile maschera che cela i loro volti agli occhi degli adoranti autoctoni.

La cinepresa di Guadagnino coglie immagini di rara bellezza baciate dalla luce dorata di una terra splendida, all'interno della quale i campi coltivati, le strade zeppe di curve, le grotte misteriose e i piccoli paesini attraversati dalle processioni convivono con l'opulenza di ville costruite per stranieri ricchissimi e probabilmente annoiati, i quali vedono i problemi dell'isola come qualcosa di irreale e lontano (almeno finché non diventano utili...). La stessa Tilda Swinton, mai così bella e fragile, è l'incarnazione di una divinità superiore, non solo perché lontana fisicamente dalla "plebe" ma anche perché impossibilitata a comunicare con i suoi stessi "simili"; l'attrice offre una performance fatta interamente di sguardi, gesti e poche parole sussurrate in tono graffiante, che esplode sul finale in un crescendo di tensione e dolore difficilmente sostenibile. Suo degno compagno è un inedito Ralph Fiennes, incontenibile e a tratti insopportabile ciclone fatto di canti, balli, celie e fisicità prorompente, costretto ad interpretare un personaggio spesso sgradevole ma comunque dotato di una profondità toccante, ovviamente visibile solo dagli occhi della bella Marianne. Discorso a parte, ahimé, lo meritano i due giovani. Ormai è assodato che, almeno per quanto mi riguarda, Matthias Schoenaerts sia uno degli attori più sopravvalutati di sempre e non capisco perché mai ogni regista se ne innamori e lo voglia nei suoi film; Paul è il personaggio più mollo ed intollerabile della pellicola, un uomo da nulla che dalla vita ha avuto ogni fortuna eppure non gli è bastata, ed è vero che Schoenaerts, con la sua inespressività, è perfetto per il ruolo, tuttavia ciò non lo rende più bravo ai miei occhi. Anche Dakota Johnson è perfetta per la parte di annoiata spaccamaroni priva di qualsivoglia qualità ma non penso che per un'attrice ciò sia qualcosa di cui vantarsi. Mi rendo conto che il confronto con una Swinton carismatica e bellissima sia nei panni di cantante cazzutissima che in quelli di artista ormai sfiorita ed imborghesita risulti forzatamente impari, ma la pallida imitazione di Dominique Swain in Lolita mi ha davvero depressa. Preferisco di gran lunga vedere Guzzanti nel ruolo di Maresciallo da operetta: in tanti hanno criticato il modo parodico in cui il geniale comico interpreta un appuntato che potrebbe figurare alla perfezione in una delle tante barzellette sui carabinieri ma sinceramente mi è sembrato che l'intera Pantelleria, con tutti i suoi abitanti, sia stata rappresentata filtrandola attraverso gli occhi degli ospiti stranieri, piegata ai loro pregiudizi e ai loro desideri. Forse mi sbaglio ma, a prescindere da questo, ho trovato A Bigger Splash davvero bellissimo ed intrigante e ora mi è venuta voglia di conoscere meglio il buon Guadagnino, altro autore italiano da me perennemente snobbato in quanto tale.

Di Tilda Swinton (Marianne Lane), Matthias Schoenaerts (Paul De Smedt), Ralph Fiennes (Harry Hawkes) e Dakota Johnson (Penelope Lannier) ho già parlato ai rispettivi link.

Luca Guadagnino è il regista della pellicola e compare in un piccolo cameo quando Paul sta girando il documentario su Harry. Nato a Palermo, ha diretto film come Melissa P. e Io sono l'amore. Anche produttore e sceneggiatore, ha 45 anni e due film in uscita, tra cui il remake di Suspiria.

Corrado Guzzanti interpreta il Maresciallo. Nato a Roma, lo ricordo ovviamente per trasmissioni storiche come Avanzi, Tunnel, Mai Dire Gol, Pippo Chennedi Show, La posta del cuore, L'ottavo nano e Il caso Scafroglia ma ha anche partecipato a film come Fascisti su Marte e serie come Boris oltre ad aver doppiato un episodio de I Simpson. Anche regista, sceneggiatore e produttore, ha 51 anni.

Margot Robbie avrebbe dovuto interpretare Penelope ma le riprese di The Legend of Tarzan le hanno impedito di partecipare al progetto, cosa che ha portato all'arrivo di Dakota Johnson, mentre pare che Tilda Swinton abbia sostituito Cate Blanchett, impegnata a teatro. Se siete fan di Jovanotti vi farà piacere sapere che le riprese del concerto di Marianne sono state effettuate a San Siro, proprio durante uno dei concerti del Cherubini. Detto questo, torno in ambito cinematografico per dire che A Bigger Splash non è l'unico film tratto dal romanzo di Alain Page: nel 1969 il regista Jacques Deray aveva già diretto La piscina, con Alain Delon, Romy Schneider e Jane Birkin nei panni rispettivamente di Jean-Paul, Marianne e Penelope mentre François Ozon ha tratto spunto dallo stesso romanzo per il suo The Swimming Pool (tra l'altro Yorick Le Saux ha lavorato come direttore della fotografia sia per A Bigger Splash che per The Swimming Pool). Se A Bigger Splash vi fosse piaciuto recuperate quindi questi due film e aggiungete Il mistero dell'acqua. ENJOY!

Al di là delle montagne (2015)

Come già successo per Viral, purtroppo anche il post su Al di là delle montagne (山河故人 - Shānhé gùrén), diretto e sceneggiato nel 2015 dal regista Zhangke Jia, sarà brevissimo in quanto l'ho guardato ormai un mese fa e praticamente la mia mente lo ha cancellato o quasi. Considerate questa l'ennesima "Bolla d'ignoranza" e soprassedete, please!

Trama: Mentre gli anni '90 lasciano il posto al nuovo millennio, due uomini si contendono l'amore della bella Tao. Lei ne sceglierà uno e gli darà un figlio ma, mano a mano che gli anni passano e l'economia cinese crolla rovinosamente, la decisione di Tao non si rivelerà particolarmente felice...

Al di là delle montagne è un film allo stesso tempo facilissimo ed estremamente complicato. In soldoni, si tratta di una storia d'amore (o, meglio, una storia di vita) il cui esito viene svelato allo spettatore in tre sequenze distinte, una ambientata nel 1999, una nel 2014 e una nel 2025; in esse seguiamo il rapporto tra la giovane Tao e i suoi due pretendenti, concluso con la scelta definitiva della ragazza, il difficile riavvicinamento col figlio Dollar, portato dal padre in Australia dopo il divorzio, e infine la trasformazione di Dollar da piccolo bimbo taciturno a diciannovenne turbolento che della madre ricorda soltanto il nome. La storia di Tao e Dollar è una "scusa" per riflettere sulle trasformazioni economiche e sociali della Cina, in costante bilico tra caparbio rispetto della tradizione e dissennata venerazione dei modelli di ricchezza occidentali, e per gettare uno sguardo verso un ipotetico futuro in cui solo i "vecchi" saranno in grado di ricordare non solo le tradizioni cinesi ma persino la lingua natìa. Il diciannovenne Dollar è incapace di comunicare col padre in quanto quest'ultimo, pur abitando da decenni in Australia, si è sempre rifiutato di imparare l'inglese arroccandosi nella sua presunzione di ricco uomo d'affari, mentre il figlio vede la lingua dei suoi antenati come una scomoda eredità priva di significato. Questo distacco generazionale, unito alla fondamentale incapacità dei personaggi adulti di staccarsi dal passato (Tao sul finale torna a ballare sulle note di Go West, come accadeva nel 1999, cercando quasi di rivivere tempi più felici) e il timore quasi reverenziale di costruirsi una vita felice, libera da imposizioni e preconcetti, immerge Al di là delle montagne in un'atmosfera non dissimile a quelle Verghiane, all'interno della quale i "Vinti" cinesi vagano ricchi ma infelici, incapaci di esprimere i propri sentimenti, inesorabilmente soli all'interno di due Paesi sconfinati come la Cina e l'Australia. Indubbiamente Al di là delle montagne non è un film per tutti, lento e riflessivo com'è, ma offre un interessante sguardo all'interno di una società poco conosciuta a noi occidentali e per questo merita almeno una visione.

Zhangke Jia è il regista e sceneggiatore della pellicola. Cinese, ha diretto film come The World, Still Life e Il tocco del peccato. Anche produttore e attore, ha 46 anni.

Tao Zhao interpreta Shen Tao. Cinese, ha partecipato a film come The World, Still Life, Io sono Li e Il tocco del peccato. Ha 39 anni.