Slumber: Il demone del sonno (2017)

Giovedì è uscito in tutta Italia (vabbé...) Slumber: Il demone del sonno (Slumber) diretto e co-sceneggiato nel 2017 dal regista Jonathan Hopkins e in qualche modo sono riuscita a recuperarlo.

Trama: una dottoressa esperta di disturbi del sonno si ritrova ad avere a che fare con una famiglia vittima degli incubi causati da un demone.

La paralisi del sonno è un disturbo più comune di quanto non si pensi. Detto in parole povere nonché improprie, chi soffre di questa condizione si ritrova prima o dopo il sonno col cervello ben sveglio e il corpo ancora addormentato, al punto da non riuscire a muoversi né a parlare per qualche minuto e spesso accade anche che la persona in questione sia vittima di terrificanti allucinazioni visive, uditive e persino tattili. A me è capitato un anno di soffrire di attacchi di panico notturni e svegliarmi con la tachicardia e un blocco nel petto che mi impediva di respirare e il ricordo ancora mi terrorizza, quindi non oso neppure immaginare cosa possa essere la lucida consapevolezza di non potersi muovere per nulla proprio quando la stanza si riempie di presenze orribili che a noi sembrano vere. Il pensiero, a dir la verità, mi fa ben più paura di questo Slumber: Il demone del sonno, che prende ispirazione un po' da episodi di paralisi del sonno (raccontati da alcuni pazienti - veri o falsi non è dato sapere - sui titoli di testa), un po' dal folklore popolare legato agli incubi e alle creature che li causano, un po' da qualsiasi horror moderno a base di demoni e famigliole in pericolo, con continue citazioni dell'opera più famosa di Füssli, L'incubo per l'appunto. La storia di Slumber corre sicura sui binari prestabiliti del genere, con la protagonista (segnata da un triste passato) impegnata a salvare una famiglia in pericolo con sommo sprezzo della propria incolumità e nonostante tutti le dicano di farsi i fatti propri; quando la testardaggine e la forza d'animo non bastano più, ecco arrivare l'altrettanto classica figura di un "esperto" pronto a dare manforte per il confronto finale col demone, che si risolverà bene o male a seconda della predisposizione d'animo degli sceneggiatori. A questo proposito, Slumber si mantiene perfettamente a metà tra l'irreale (qualcuno torna a fare la stessa vita di sempre, come se non avesse passato l'ultima settimana a combattere un demone che potrebbe tornare da un momento all'altro) e il plausibile (finalmente qualcuno viene internato, cosa che succederebbe a me se vivessi delle esperienze simili, anche se probabilmente io mi butterei da una finestra dopo la prima incursione nel paranormale), confermandosi un prodotto medio, non brutto ma nemmeno particolarmente entusiasmante.

Ciò di cui difetta Slumber, paradossalmente, è proprio un po' di sano e vario horror. L'aspetto positivo è che il "demone del sonno" del titolo italiano si vede poco o nulla, cosa che perlomeno ha evitato la creazione di un brutto mostrillo in CGI, però le situazioni da incubo sono abbastanza ripetitive e solo un paio sono davvero inquietanti o, come piace dire a noi bloggeVz di cinema, "disturbanti" (anzi, a scanso di equivoci, ché ci sono degli animalisti tra i lettori e lo so: non guardate Slumber, lo dico per voi. Eviterei anche se siete rimasti traumatizzati dai dentisti in passato...). Sinceramente, da un demone del sonno mi sarei aspettata un po' di varietà, invece chi soccombe al suo incantesimo si ritrova a fare sempre le stesse cose, ennesima riprova della ricorrenza dei sogni ma anche basta, Freddy Krueger era più fantasioso. Slumber si riconferma medio anche nel reparto attori, in quanto sprovvisto sia di cani maledetti che di attori di incredibile talento, sebbene la visione di Sylvester McCoy conciato come Doc Brown all'ultimo stadio di demenza senile potrebbe letteralmente turbare i sonni dei fan del Doctor Who; il battage pubblicitario si è poi interamente concentrato sulla presenza di Maggie Q, attrice dai tratti asiatici e dal nome assai simile a quello di una famosa supposta che personalmente non conoscevo, e tuttora non capisco il perché di tanto clamore visto che la sua interpretazione non è particolarmente memorabile né la consacrerà come nuova scream queen. Mah. In tutto questo, una trama perlomeno priva di buchi logici o personaggi dementi, unita ad una regia abbastanza classica (è già apprezzabile che il regista, al primo lungometraggio, non abbia preso la facile via del found footage come gran parte dei suoi colleghi) e a una bella nenia infantile che accompagna le manifestazioni demoniache riescono a far arrivare Slumber ad una sufficienza risicata ma 99 su 100 la settimana prossima me lo sarò già dimenticato... e non credo riuscirà a riproporsi nel sonno (a proposito: slumber non è il nome del demone, significa proprio "sonno". Così, giusto per fare i precisi)!

Di William Hope, che interpreta Malcom, ho già parlato QUI.

Jonathan Hopkins è il regista e co-sceneggiatore della pellicola, al suo primo lungometraggio. Inglese, è anche produttore.

Maggie Q (vero nome Margaret Denise Quigley) interpreta Alice Arnolds. Hawaiana, ha partecipato a film come Colpo grosso al drago rosso - Rush Hours 2, Il giro del mondo in 80 giorni e Die Hard - Vivere o morire. Anche produttrice, ha 39 anni e un film in uscita.

Sylvester McCoy (vero nome Percy James Patrick Kent-Smith) interpreta Amado. Scozzese, è stato il settimo Dottore in Doctor Who e ha partecipato a film come Dracula, Lo Hobbit - Un viaggio inaspettato, Lo Hobbit - La desolazione di Smaug e Lo Hobbit - La battaglia delle cinque armate. Anche regista, ha 75 anni e due film in uscita.

Se Slumber: Il demone del sonno vi fosse piaciuto recuperate Somnia , Nightmare - Dal profondo della notte e il documentario The Nightmare. ENJOY!

Mom and Dad (2017)

Siccome Nicolas Cage mancava da un po' su questi lidi (da un anno. Non si può, su), è arrivato pronto il richiamo di Lucia, la quale mi ha espressamente consigliato di recuperare Mom and Dad, diretto e sceneggiato nel 2017 dal regista Brian Taylor.

Trama: per qualche motivo sconosciuto (probabilmente un impulso inserito nei segnali radiotelevisivi) i genitori cominciano ad attaccare i propri figli e ucciderli, dando così voce alle frustrazioni accumulate in anni di paziente sopportazione...

Mom and Dad è uno degli horror più divertenti che potrete vedere quest'anno, ed è quasi un peccato. Da un'idea così cattiva, ovvero quella dei genitori che perdono ogni istinto di protezione verso i figli sostituendolo con un intento omicida altrettanto forte, poteva uscire un film truce, malato ed inquietante ai livelli di The Children ma mi rendo conto che probabilmente sul mercato americano una cosa simile non sarebbe neppure mai stata distribuita (se qualche regista europeo illuminato mi leggesse, però...). Qui, a dire il vero, qualche sequenza che testimonia ciò che avrebbe potuto diventare Mom and Dad c'è, e parlo dell'angosciantissima scena ambientata in sala parto, per il resto il sangue non scorre nemmeno troppo copioso e c'è quasi vergogna a mostrare il mostrabile, con Brian Taylor che preferisce tagliare prima che lo spettatore possa assistere alle terribili vendette dei genitori vessati, per concentrarsi piuttosto sui loro sguardi predatori e lasciare libero sfogo all'immaginazione del pubblico. Con quest'ultimo si viene a creare un gioco di complicità a prescindere dall'età anagrafica: un adolescente probabilmente si divertirà a tifare per i giovani Carly e Josh apprezzando un paio di trovate "difensive" e sperando di sfogare sui genitori immaginari la voglia di far del male ai propri, rei di non avere magari sborsato soldi per il cellulare all'ultimo grido, mentre gli ultratrentenni con prole passeranno il tempo ad ingoiare le amare lacrime derivanti dalla consapevolezza che i migliori anni della loro vita sono già andati e non torneranno più, consacrati al bene di frugoletti che ERANO carini, ma sono diventati dei mostri ingrati dopo averli privati dell'identità e resi, semplicemente, mamma e papà. Punto. Quindi, se avete figli e siete nel pieno di una crisi di mezza età non guardate questo film o vi verranno sicuramente degli istinti omicidi (a me, per esempio, si è prosciugato il già scarso istinto materno, va che roba!), anche perché il maledetto Brian Taylor alterna azione horror ad una serie di flashback di indicibile amarezza, dove mamma Selma Blair e papà Nicolas Cage rimpiangono i bei tempi e picchiano di naso contro il muro della triste realtà che li vuole ormai finiti, vecchi brutti e scionchi (come diceva la compianta Anna Marchesini e comunque per quanto possa esserlo Selma Blair, of course).

Un intero paragrafo e ho solo NOMINATO Nicolas Cage? Sono malvagia, lo so, ma qui bisogna creare suspance perché lo so che state leggendo il post solo per lui. Ebbene, Nicolas Cage in questo film è MERAVIGLIOSAMENTE Cageano, al punto di farmi tornare per un attimo ai bei tempi di Stress da vampiro. In effetti l'unico vero difetto di Mom and Dad è "solo" che Cage non compare in ogni scena ad allietare lo spettatore con la sua interpretazione talmente sopra le righe che a un certo punto le righe ci hanno rinunciato e se ne sono andate. Se Selma Blair trasforma mammà in un'assassina suadente ed infida, Cage la butta proprio in caciara tra urla belluine, occhi strabuzzati e pianti a dirotto tali che il Jack Torrance di Nicholson al confronto è l'emblema dell'aplomb inglese. Diciamo che Cage sceglie la mancanza di misura anche nei flashback, interpretando un padre psicopatico già in partenza, vittima di una crisi di mezza età devastante, inquietante persino quando dialoga amabilmente col figlioletto di otto anni, ammazzandosi di birra e inserendo qui e là una serie pressoché infinita di fuck tanto per completezza (però pussy non si può dire. Bad daddy.) ma la punta di diamante di Mom and Dad è una scena interamente imperniata su una livella e un tavolo da biliardo. Di più non mi sento di dire ma TEMO che la sequenza in questione sia già diventata il momento (s)cult dell'anno, dal quale non mi riprenderò per parecchio tempo. Ah, poi a un certo punto arriva Lance Henriksen e la situazione degenera, trascinando Cage per i capell... ehm, vabbé, ci siamo capiti, verso nuovi scampoli di assenza ed ulteriori picchi di ilarità. Peccato per il taglio brusco sul finale, sarei rimasta ipnotizzata a contemplare il mio amato Nicolas più o meno per altre tre ore, invece il film ne dura solo una e mezza. Che sadness. Non resta che aspettare Mandy, dove a quanto pare sangue e follia cageana non mancheranno (dal sito Vulture: What is the Nicolas Cage movie Mandy like? Well, it involves bikers, screaming, blood, battle axes, aliens, and more screaming - Com'è il film Mandy, con Nicolas Cage? Beh, ci sono motociclisti, urla, sangue, asce, alieni e ancora urla -). Sto già sbavando.

Di Nicolas Cage (Brent Ryan), Selma Blair (Kendall Ryan), Lance Henriksen (Mel) e Rachel Melvin (Jeanne) ho già parlato ai rispettivi link.

Brian Taylor è il regista e sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto film come Crank, Crank: High Voltage e Ghost Rider - Spirito di vendetta ed è anche produttore e attore.

Se Mom and Dad vi fosse piaciuto recuperate il già citato The Children e Cooties. ENJOY!

Come si fa a non amarlo? <3

(Gio) WE, Bolla! del 1/2/2018

Buon giovedì a tutti! Ci avviciniamo sempre più all'Oscar e anche questa settimana c'è qualcosa a tema... ENJOY!

The Post

Reazione a caldo: Llove!

Bolla, rifletti!: A Spielberg non dico mai di no, a prescindere. Anche se il GGG non è mai esistito, lo sapete, giusto? Giusto. Quindi si torna ai film un po' più impegnati, che sono quelli che preferisce anche il Bolluomo!

Sono tornato

Reazione a caldo: Meh.

Bolla, rifletti!: Nei limiti, Lui è tornato mi era piaciuto ma sinceramente non mi sorride l'idea di andare al cinema e vedere un film pressoché identico col Duce e Frank Matano. Anche perché di scemi veri sugli schermi italiani ne vedo già fin troppi...

Maze Runner - La rivelazione

Reazione a caldo: Chissene si può dire?

Bolla, rifletti!: Non so nemmeno di cosa parli questo franchise e continuerò a non saperlo, immagino. Lascio la palla ai fan, senza problemi.

Al cinema d'élite continuano a rifiutare Guadagnino per accogliere la commedia d'oltralpe...

C'est la vie! - Prendila come viene

Reazione a caldo: Hmm!

Bolla, rifletti!: Di questo avevo visto il trailer qualche tempo fa e ammetto che mi ero fatta due risate davanti alla non riuscita del matrimonio perfetto. Vista la mia recente riscoperta della commedia francese, probabilmente lo recupererò in futuro ma per questa settimana mi concentrerò su altro!

Chiamami col tuo nome (2017)

All'alba di mercoledì esce anche il mio post su Chiamami col tuo nome, diretto nel 2017 dal regista Luca Guadagnino, tratto dal romanzo omonimo di André Aciman e candidato a quattro premi Oscar (Timothée Chalamet Miglior Attore Protagonista, Miglior Sceneggiatura Non Originale, Miglior Film e Miglior Canzone).

Trama: nell'estate italiana del 1983 il giovane Elio si innamora, ricambiato, dell'aitante studente universitario Oliver.

Tra venerdì e lunedì la blogosfera è stata letteralmente invasa dalle recensioni di quello che è diventato, in tempo zero, IL film da vedere prima della notte degli Oscar. Mi sono chiesta a cosa diavolo servisse che esprimessi anch'io il mio parere, per di più con un ritardo inqualificabile rispetto ai tempi mordi e fuggi di internet e considerando che la mia opinione rispetta quella del 90% delle recensioni che troverete on line (perciò vi consiglio di leggere QUESTA), quindi la farò breve e poi mi divertirò a riempire il post di castronerie terra terra, facendomi due risate. Allora, SI', Chiamami col tuo nome è bello bello in modo assurdo come dicono tutti. Ivory e Guadagnino si sono dilettati a creare una novella Arcadia dove l'efebico protagonista Elio e il più maschio ma mai volgare Oliver assecondano i loro più reconditi desideri prima rifiutandosi e poi cercandosi con una passione intensa e travolgente, mentre un'estate Italiana fatta non già di gol e tifo sfrenato ma di sole delicato e fiumiciattoli eleganti li coccola e protegge con fare materno, schermandoli da un mondo esterno freddo e crudele; coming of age raccontato attraverso la sperimentazione della sessualità ma con un occhio all'arte, alla musica, alla letteratura e persino all'antica Grecia, Chiamami col tuo nome mette in scena la gioia e il dolore di un ragazzo che cerca la propria identità seguendo le sue pulsioni naturali e abbandonandosi ad esse con rara innocenza, sostenuto silenziosamente da una famiglia particolarmente aperta (il discorso finale del padre merita l'applauso) che tuttavia non può proteggerlo dalla "naturale" (o convenzionale, fate vobis) evoluzione delle cose. Il senso del film è che anche se il cuore si spezza l'importante è comunque nutrirlo di emozioni, pena l'invecchiare male e diventare aridi, godendosi l'attimo in quella che è l'età più importante e anche più effimera dell'essere umano. L'intensa girandola di emozioni del film viene sostenuta magistralmente non solo dalla bellezza di regia e fotografia ma soprattutto da due attori strepitosi come Armie Hammer e Timothée Chalamet, giovanissimo ma già con un bel passaporto per l'Oscar a portata di mano, che a dire il vero si "limita" ad essere bello, tenero e un po' scoglionato per tutto il film ma diventa magistrale nei titoli di coda, accompagnati da un'altra delle splendide, dolcissime canzoni che arricchiscono Chiamami col tuo nome dall'inizio alla fine. E qui finisce l'agile riassunto di ciò che avete letto su tutti gli altri blog, quindi vi invito ad andare a vedere il film di Guadagnino perché è spettacolare, evitando possibilmente un doppiaggio che sicuramente appiattirà tutto il casino linguistico (meraviglioso da ascoltare, by the way) che lo caratterizza. Adesso comincia la parte scema del post, che potete anche evitare di leggere.

Mr. Ivory, Signor Guadagnino, vogliate perdonarmi la volgarità ma ad essere omosessuale così sono buoni tutti, su. Voglio vivere anche io in una specie di Mulino Bianco immerso nella natura italiana dove la cosa più brutta che può capitarmi è che arrivi Armie Hammer ad "usurparmi" la stanza e "molestarmi" con massaggi disturbando così la mia quiete estiva fatta di bagnetti al fiume (ma una belin di sanguisuga? Una PIETRA fuori posto, per la miseria, un TAFANO che arrivi a pungere le chiappe glabre di 'sti giovinetti aitanti, maschi o femmine che siano?), letture auliche, Battiato in radio, sigarette, scopatelle, colazioni pantagrueliche e cene all'aperto con mezzo mondo. Dov'è questo luogo incantato nei pressi di Cremona dove non gira praticamente nessuno per il paese ma dove TUTTI, americani, italiani, francesi, etero e gay si ritrovano magicamente a casa dei genitori di Elio, la cui unica preoccupazione (ché tanto lasciano il figlio in balia del primo tizio che decide di scoparselo al piano di sopra...) è tradurre libri dal tedesco, disquisire di Craxi e Buñuel (su Bettino poi torniamo) e correre a fare del salvage come i signori dell'Amaro Montenegro? Porco schifo ma che snobissimo schiaffo alla miseria! Io sono nata nel 1981 ma un'estate così non la ricordo. Sarà che il mio povero papà durante le ferie lavorava nei campi e mamma rassettava casa, sarà che a me in "vacanza con l'amico" non mi ci hanno mai mandata, ma col piffero che potevo stare 24h sdraiata a leggere, per di più a 16 anni suonati (sento già le urla di mia madre, miseria). Succhi di frutta naturali? Uova fresche tutte le mattine? Vecchi che accettano lo straniero durante la quotidiana partitella a carte e non solo non gli parlano in dialetto ma nemmeno bestemmiano? Non è Italia, signori, nemmeno nei tanto favoleggiati anni '80. Tra l'altro, Chiamami col tuo nome è un film creato e pensato per l'estero, quindi vorrei capire a che pro "contestualizzarlo" con continui, inutili riferimenti a Craxi e piantandoci persino un Beppe Grillo d'annata che lo prende in giro. Davvero, non voglio credere che per gli USA gli anni '80 siano caratterizzati da film e videogame mentre l'unico modo di richiamare l'effetto nostalgia da noi sia evocare il fantasma di Bettino. Ma mettici un gelato Algida, un Topolino (e figurarsi se Elio non leggeva Diabolik invece...), una puntata di Drive In, un BILLY, altro che succo di albicocca. Tutto, ma non Bettino. Last but not least: ma che cristianimento t'hanno fatto le pesche, Guadagnino? Ti faceva così schifo quella roba plebea della torta di mele? Mi immagino quelle povere pesche, avvizzire sull'albero cercando disperatamente di aggrapparsi alla pianta per non cadere e non far la fine delle vittime di Weinstein... #LaPêcheAussi

Comunque il film è bellissimo, eh. Lo ripeto a scanso di equivoci. Voto 8, al momento Miglior Sceneggiatura Non Originale e Miglior Canzone Originale. Daje, che aspetto Suspiria, Guadagnino!

Del regista Luca Guadagnino ho già parlato QUI. Armie Hammer (Oliver) e Michael Stuhlbarg (Mr. Perlman) li trovate invece ai rispettivi link.

Timothée Chalamet interpreta Elio. Americano, ha partecipato a film come Interstellar e Lady Bird. Ha 23 anni e due film in uscita.

Nel 2015 l'idea era che James Ivory, sceneggiatore di Chiamami col tuo nome, fosse anche regista e che ci fosse Shia LaBeouf al posto di Armie Hammer ma alla fine il tempo è passato ed è subentrato Guadagnino. Il regista, tra l'altro, ha progetti bellicosi perché nel 2020 vorrebbe fare uscire un seguito di Chiamami col tuo nome, con gli stessi attori; nell'attesa, se il film vi fosse piaciuto recuperate Carol, La vita di Adele, I segreti di Brokeback Mountain e Moonlight. ENJOY!

Bollalmanacco On Demand: S.O.B. (1981)

Torna, a fatica causa mancanza atavica di tempo, il Bollalmanacco On Demand! Lo fa alla grande, accontentando finalmente l'amico Toto (proprio in occasione del suo compleanno) con un capolavoro di Blake Edwards, S.O.B., da lui diretto e sceneggiato nel 1981. Il prossimo film On Demand sarà Il club delle prime mogli. ENJOY!

Trama: un produttore abbattuto dall'insuccesso della sua ultima fatica cinematografica ha all'improvviso un illuminazione e decide di stravolgere interamente l'opera trasformandola in una storia a base di sesso e perversioni...

Le pellicole che, nel corso del tempo, hanno cercato di appannare un po' lo splendore di Hollywood, tirando fuori tutte le magagne di quella che è più una fabbrica di soldi che di sogni, sono tante quante le stelle in cielo e spaziano in vari registri, dal drammatico, all'horror, alla commedia. In quest'ultima categoria rientra S.O.B., che mette alla berlina i meccanismi hollywoodiani legati alla produzione e distribuzione di un film, con particolare attenzione a tutte le beghe legali e i cavilli che decretano la "proprietà" di una determinata opera e anche al compiacimento del pubblico, somma e volubile divinità dai gusti indiscutibili oggi come allora. In trent'anni quest'ultimo aspetto non è cambiato molto, lo dimostrano le petizioni volute dai fanZ per togliere dal canon l'ultimo episodio di Star Wars oppure il calcio in culo dato a Kevin Spacey per questioni più economiche/d'immagine che di reale preoccupazione per le sue vittime, e ciò rende S.O.B. un film senza tempo, invecchiato alla perfezione. Ho scritto all'inizio che S.O.B. è una commedia ma forse sarebbe meglio definirlo una tragicommedia, permeata da un umorismo nero che si affaccia fin dalle prime sequenze, dove un uomo (che si scoprirà poi essere un grande attore quasi dimenticato) muore sulla spiaggia nell'indifferenza generale, almeno finché la gente comincia ad accorgersi del suo cane disperato; l'attore in questione diventa così l'emblema di una macchina economica che mastica e sputa chi è tanto (s)fortunato da finire nei suoi ingranaggi, dove tutti sgomitano per avere un minimo di attenzione senza preoccuparsi troppo del prossimo e dove ognuno deve pensare non solo al proprio godimento ma anche e soprattutto a parare le proprie chiappe nella previsione di tempi bui. La follia di Felix, produttore messo in ginocchio dall'insuccesso commerciale del suo ultimo film, è quella di un uomo che si dibatte per non annegare e che sceglie di mettere in gioco tutto per compiacere il pubblico, dalla moglie simbolo di innocente purezza ai soldi, fino ad arrivare alla vita ("Forse così il film venderà di più!"), sfruttando nel più paradossale dei modi dinamiche realmente esistenti: non vorrei sempre mettere in mezzo il povero Kevin Spacey ma quanti spettatori "non cinefili" sarebbero andati a vedere l'ultimo film di Ridley Scott se non fossero stati incuriositi dal caso che gli è stato montato sopra? Appunto.

Nel dipingere questa critica corrosiva verso il sistema Hollywoodiano Blake Edwards va ben oltre la mera presa in giro impersonale e ci mette del suo, soprattutto dal punto di vista autobiografico, arrivando persino a scegliere la moglie Julie Andrews per il ruolo di Sally Miles, protagonista del film di Felix nonché moglie in procinto di chiedere il divorzio. In questo caso, personaggio e attrice reale si sovrappongono in quanto anche Sally è considerata da tutti il simbolo immacolato del cinema per famiglie e l'idea di vederla mostrare il seno in un film a sfondo sessuale è la provocazione massima sia di Felix che dello stesso Edwards (dev'essere stato un tale shock all'epoca che persino Seth MacFarlane ha ricordato la visione di "Mary Poppins con le tette al vento" in un episodio de I Griffin). E' esilarante vedere il numero musicale che apre entrambi i film, uno zuccheroso sogno disneyano in cui la protagonista si ritrova in un mondo da fiaba, venire completamente stravolto e trasformato in un incubo a base di simboli fallici e diavoli infoiati, una sequenza che Sally riesce ad affrontare solo perché completamente in botta ed è effettivamente sconvolgente l'immagine di Mary Poppins che si "abbassa" al livello delle altre signorine (e signorini) compiacenti che popolano le ville hollywoodiane, all'interno delle quali sesso, droga e alcool diventano allegre monete di scambio e veicolo di favori reciproci. Nonostante tutta la depravazione che viene mostrata nel film, tuttavia, Edwards riesce a non essere mai volgare e a diventare persino poetico sul finale, dove le Standard Operational Bullshit del titolo originale vengono smascherate da tre adorabili cialtroni ubriachi (William Holden, Robert Preston e Robert Webber, semplicemente favolosi), gli unici ad avere davvero a cuore Felix come amico e persona; l'amara conclusione di S.O.B. è l'affermazione dello spettacolo che deve continuare, della realtà che si fa essa stessa spettacolo e viene scandita da riti sempre più vuoti, per il mero gusto del gossip e di una celebrazione ipocrita dei cosiddetti "grandi nomi", dove tutti vissero felici e contenti come in una fiaba e zeppi di soldi e premi Oscar... almeno fino al prossimo film o al prossimo scandalo, ovviamente.

Del regista e sceneggiatore Blake Edwards ho già parlato QUI. Julie Andrews (Sally Miles), William Holden (Tim Culley), Marisa Berenson (Mavis), Shelley Winters (Eva Brown) e Rosanna Arquette (Babs) li trovate invece ai rispettivi link.

Larry Hagman interpreta Dick Benson. Meglio conosciuto come J. R. Ewing della soap Dallas, ha partecipato a film come Superman, Gli intrighi del potere - Nixon e ad altre serie quali Strega per amore, Nip/Tuck e Desperate Housewives. Come doppiatore ha invece lavorato in un episodio de I Simpson. Anche produttore e regista, è morto nel 2012 all'età di 81 anni.

Robert Loggia interpreta Herb Maskowitz. Americano, ha partecipato a film come Lassù qualcuno mi ama, La più grande storia mai raccontata, Porgi l'altra guancia, La vendetta della Pantera Rosa, Piedone d'Egitto, Ufficiale e gentiluomo, Sulle orme della Pantera Rosa, Psycho II, Pantera Rosa - Il mistero Clouseau, Scarface, L'onore dei Prizzi, Doppio taglio, Over the Top, Su e giù per i Caraibi, Big, Bella, bionda... e dice sempre sì, Amore all'ultimo morso, Independence Day, Strade perdute, Independence Day - Rigenerazione e a serie quali Alfred Hitchcock presenta, Il tenente Kojak, Colombo, Wonder Woman, La donna bionica, L'uomo da sei milioni di dollari, Starsky & Hutch, Charlie's Angels, Fantasilandia, La signora in giallo, Magnum P.I., Pandora's Clock: La Terra è in pericolo, Oltre i limiti, Dharma & Greg, Malcom, I Soprano e Monk; come doppiatore ha lavorato per il film Oliver & Company ed episodi de I Griffin. Anche regista, è morto nel 2015 all'età di 85 anni.

Richard Mulligan interpreta Felix Farmer. Americano, ha partecipato a film come Sulle orme della Pantera Rosa e a serie quali Strega per amore, Charlie's Angels, Hunter, Love Boat, Bolle di sapone e Ai confini della realtà; come doppiatore ha lavorato per il film Oliver & Company. E' morto nel 2000 all'età di 67 anni.

Robert Preston interpreta il Dr. Irving Finegarten. Americano, ha partecipato a film come Victor Victoria e Giochi stellari. E' morto nel 1987 all'età di 68 anni.

Robert Vaughn interpreta David Blackman. Meglio conosciuto come Napoleon Solo della serie Organizzazione U.N.C.L.E., ha partecipato a film come I dieci comandamenti, I magnifici sette, L'inferno di cristallo, Superman III, Renegade un osso troppo duro e ad altre serie quali Zorro, Alfred Hitchcock presenta, Colombo, Love Boat, A-Team, Hunter, La signora in giallo, Walker Texas Ranger, La tata, Sentinel e Little Britain USA. Anche regista, è morto nel 2016 all'età di 83 anni.

Nei panni di Lila, l'autostoppista bionda, c'è Jennifer Edwards, figlia del regista. L'acronimo S.O.B., lungi dall'essere Son Of a Bitch come tutti pensano (e com'è stato tradotto in italiano), sta per Standard Operational Bullshit , in riferimento a tutto ciò che accade al protagonista sul finale; a proposito di bullshit,  la pellicola (basata in parte sull'esperienza di Blake Edwards sui set di Operazione crepes suzette e Uomini selvaggi) è stata candidata ai Razzie Awards per la peggior regia e peggior sceneggiatura ma quell'anno vinsero rispettivamente Michael Cimino per I cancelli del cielo e Mammina cara, tratto dalla biografia al vetriolo scritta dalla figlia di Joan Crawford sull'attrice. In compenso, S.O.B. era stato anche candidato per un Golden Globe alla Miglior Commedia o Musical, strappatogli dal film Arturo. Detto questo, se S.O.B. vi fosse piaciuto recuperate 10 e Hollywood Party, sempre dello stesso regista. ENJOY!

Brimstone (2016)

L'"allegria" che ha pervaso le mie ferie natalizie si è impennata brutalmente durante la visione di Brimstone, film diretto e sceneggiato nel 2016 dal regista Martin Koolhoven.

Trama: l'arrivo di un nuovo reverendo sconvolge la vita di una tranquilla famiglia ai tempi del Far West...

Mi avevano avvertita che Brimstone sarebbe stato un bel calcio nello stomaco ma francamente speravo nelle solite iperboli risolvibili in un "nulla di fatto". E, detto in tutta sincerità, l'ambientazione da western e la durata di quasi tre ore mi hanno causato più di un dubbio all'inizio, uno scompenso durato un minuto scarso perché Brimstone agguanta lo spettatore alla gola fin da subito e lo percuote, senza lasciarlo andare, fino alla fine della pellicola. Pur non essendo un horror vero e proprio, Brimstone mette in scena l'Orrore con la O maiuscola, quel genere di situazione che porta qualsiasi persona dotata di un cervello a bestemmiare ogni divinità pregando che l'antagonista principale crepi nel modo peggiore possibile e a coprirsi gli occhi davanti a cose inenarrabili; è quel genere di film che ti conforta con la bellezza di una regia e una fotografia prive di difetti, pulite e bellissime, intanto che ti racconta le peggio bastardate di un mondo rigurgitante ignoranza. Fulcro della storia è Liz, una bravissima Dakota Fanning, "ostetrica" del villaggio nonché muta. L'aura che avvolge Liz è misteriosa e il suo lavoro in una società particolare ed isolata come quella del far west (il film a occhio e croce è ambientato nel diciannovesimo secolo) è in odore di stregoneria e proprio la caccia alle streghe pare la direzione in cui è rivolto Brimstone, almeno all'inizio. L'arrivo del nuovo reverendo, interpretato dal più cattivo Guy Pearce che abbia mai visto sullo schermo, turba visibilmente Liz, al punto che lo spettatore horror più smaliziato potrebbe immaginare un paio di svolte della trama, ovvero quella in cui il reverendo in realtà è l'Anticristo (e tutto lo farebbe supporre, ma anche un fantasma, come hanno fatto notare alcuni critici) oppure quella in cui Liz verrà tacciata di stregoneria e arsa sul rogo dal pio quanto maledettissimo esponente del clero. In verità, e qui smetto di raccontare la storia, Brimstone si sviluppa in modo ancora differente, facendo ricorso ad un'interessante divisione in capitoli e ad una tecnica di narrazione a ritroso che svela il terrificante arcano in maniera elegante, efficace e a dir poco scioccante.

Koolhoven racconta una società estremamente maschilista dal punto di vista di una donna, anzi, di più donne che ne hanno viste di cotte e di crude, il cui unico desiderio è una vita serena in cui le proprie figlie possano crescere senza il timore di venire insidiate da orchi che le vedono come un mero accessorio arrivando a stravolgere ogni legge, terrena o divina, per rafforzare la loro presunta supremazia maschile. E' angosciante il modo in cui, nel film, tutto ciò che dovrebbe di regola essere "puro" o comunque "giusto" venga ignobilmente corrotto per i bisogni di una singola persona capace di fare leva sull'ignoranza di una congregazione di fedeli oppure su quella di un branco di bifolchi assetati di sangue, eppure è probabilmente quello che succedeva all'epoca, anche se noi, quando pensiamo a "western", pensiamo ad eroici sceriffi solitari dal grilletto facile per i quali le donne sono un allegro "di più", un premio alla fine di un'avventura. Nonostante l'introduzione e nonostante l'adozione di un punto di vista prettamente femminile, in Brimstone non ci sono però eroine infallibili alla Beatrix Kiddo ma solo donne che cercano disperatamente di sopravvivere in un mondo pronto a masticarle e sputarle, una società che non perdona e offre come via di fuga solamente la morte. Diverse storie scorrono parallele nel film, con rimandi continui all'una o all'altra linea temporale, ma la morte è l'unica costante di ognuna di essere, assieme al terrore; i deboli ricorrono alla morte per fuggire a un destino ingrato, lasciando le persone amate in balia del pericolo, alcuni la sfruttano proprio per proteggere i propri cari, altri le vanno incontro con serenità, consapevoli di amare ed essere amati e, soprattutto, di avere fatto tutto il necessario per coloro che sono riusciti a rimanere in vita. Non si vede tanto gore in Brimstone ma c'è tanta, tantissima violenza. E non è tanto quella fisica a turbare, ché la maggior parte delle scene scioccanti rimane fortunatamente fuori campo, quanto quella psicologica, l'angoscia di quasi tre ore di umiliazioni, ingiustizie, torture e orribili pensieri che vanno a formarsi inevitabilmente nella mente dello spettatore. Strano trovare tanta bellezza nell'orrore e viceversa, eppure Brimstone ci riesce e, anche solo per questo, è un film che merita di essere visto e amato, anche se forse una seconda visione risulterebbe molto difficile, più della prima.

Di Dakota Fanning (Liz), Guy Pearce (il Reverendo) e Carice Van Houten (Alice) ho già parlato ai rispettivi link.

Martin Koolhoven è il regista e sceneggiatore della pellicola. Originario dei Paesi Bassi, ha diretto film come Schnitzel Paradise e Winter in Wartime, entrambi inediti in Italia. Anche attore, ha 49 anni.

Paul Anderson interpreta Frank. Inglese, ha partecipato a film come A Lonely Place to Die, Sherlock Holmes - Gioco di ombre, Legend, Revenant - Redivivo e a serie come Doctor Who. Ha 39 anni e un film in uscita.

Kit Harington interpreta Samuel. Inglese, famosissimo Jon Snow della serie Il trono di spade, ha partecipato a film come Silent Hill: Revelation 3D e da doppiatore ha lavorato nel film Dragon Trainer 2. Anche sceneggiatore e produttore, ha 32 anni e un film in uscita.

Se avete pensato che l'attore che interpreta Wolf vi ricordasse qualcuno, per esempio Tim Roth, siete sulla giusta strada: trattasi infatti del figlio Jack, comparso anche in Rogue One e L'uomo di neve. Carla Juri, che interpreta Elizabeth Brundy, era invece la dottoressa Ana Stelline dell'ultimo Blade Runner 2049. A Mia Wasikowska era stato offerto il ruolo di protagonista ma l'attrice ha rinunciato per prendersi un periodo di riposo; la sua defezione ha causato un po' di ritardi in fase di produzione e, pensando che il film non si facesse più, anche Robert Pattinson si è tirato indietro, lasciando il posto a Kit Harrington (e pentendosene amaramente una volta visto il film...). Se Brimstone vi fosse piaciuto recuperate La morte corre sul fiume, The Hateful Eight e Bone Tomahawk. ENJOY!

A Dark Song (2016)

Quando mi sono fatta male alla gamba è scattata automatica la domanda per Lucia, ovvero "quali horror consigli di vedere entro la fine del 2017?" e lei, prontissima, ha nominato tra i primi A Dark Song, diretto e sceneggiato dal regista Liam Gavin.

Trama: per veder realizzato il suo più grande desiderio la giovane Sophia cerca l'aiuto di un occultista e assieme a lui tenta di portare a compimento un pericoloso e lunghissimo rito.

Per chi ormai è stufo di vedere horror faciloni dove qualunque streppone può improvvisarsi evocatore di demoni, esorcista o valvola di sfogo per qualunque cosa si nasconda nell'aldilà, il primo (e speriamo non sia l'ultimo) lungometraggio di Liam Gavin è una bella boccata di aria fresca. Invece di puntare sul risultato finale come accade quasi sempre, il regista ci descrive il viaggio, difficile e terribile, di una donna pronta a fare qualunque cosa pur di esaudire il suo desiderio più grande. Invece di raccontare i soliti effetti di un rito andato male, Liam Gavin sceglie un percorso più tortuoso e, se vogliamo, meno "appetibile" per il pubblico mainstream, e decide di mostrarci nei dettagli il rito con tutti i suoi preparativi, i problemi più "concreti", la noia della ripetitività, il dolore di chi deve sottoporsi a prove indicibili, la frustrazione nel non vedersi sbucare davanti agli occhi fin da subito angeli e demoni pronti ad esaudire ogni nostra richiesta e anche l'eccitazione di percepire i primi risultati. Il tutto filtrato dalla percezione di due protagonisti agli antipodi: da una parte abbiamo Sophia, "neofita" pronta a tutto pur di arrivare alla fine del rito, dall'altra abbiamo Joseph, sedicente esperto che vorrebbe solo scomparire dalla faccia della Terra per non venire più costretto a ricorrere alle sue scomode conoscenze. L'interazione tra i due, caratterizzata da una reciproca diffidenza sconfinante a tratti nell'odio, è ciò che rende il film dinamico e porta lo spettatore a non rilassarsi nel corso della visione perché sia l'una che l'altro sono potenzialmente due bombe pronte a scoppiare e a mandare a gambe all'aria il rito con tutte le conseguenze nefaste del caso. In più, se Sophia viene descritta come una donna decisa e "dura", Joseph viene invece caratterizzato fin dall'inizio come una figura borderline, un ubriacone in odore di cialtroneria che potrebbe anche soltanto volere approfittarsi di Sophia, non tanto per i soldi promessi dalla donna ma per soddisfare un perverso desiderio di potere e prevaricazione su una persona totalmente ignorante e disperata.

Osservare lo sviluppo del rituale, nella fattispecie l'Operazione di Abramelin che punta a consentire un contatto con l'angelo custode di chi vi partecipa, è interessante sia per l'approccio realistico del regista e sceneggiatore, che non ricorre a particolari effetti visivi o operazioni raccapriccianti ma riesce comunque a trasmettere tensione e ad ammantare ogni segmento del rito di un fascino particolare, sia per il modo in cui viene sviluppato il rapporto tra Sophia e Joseph, due anime solitarie e doloranti che scoprono di avere in comune più di quanto entrambi non immaginassero. Quando invece A Dark Song entra nel "vivo" (più o meno nel quarto d'ora finale di pellicola), Liam Gavin sbriglia la fantasia ricorrendo ad un terribile bestiario di demoni, accontentando così chi si sarebbe aspettato un horror tout court, e punta ad abbattere lo spettatore con un terrificante senso di claustrofobia dato dai più classici cliché del genere, tra i quali spiccano corridoi bui, luoghi dai quali è impossibile uscire, porte chiuse dietro le quali può nascondersi qualsiasi nefandezza e, soprattutto, moltissime ombre capaci di illudere personaggi e spettatori. Prima però che subentri l'elemento puramente horror ci pensano Steve Oram e Catherine Walker a reggere da soli l'intero film; in particolare, l'ex "Killer in Viaggio" offre un'interpretazione capace di fissarsi nella memoria dello spettatore e di arricchire con sfumature particolari e quasi malinconiche la solita figura dell'occultista costretto a vivere ai margini della società, ubriacone ed iracondo, mentre la Walker si carica sulle spalle un personaggio difficile e dai mille segreti, un carattere forte con un solo, incredibile terrore, quello di abbandonarsi al perdono e alla speranza. In definitiva, A Dark Song è un film molto bello che però richiede allo spettatore la stessa cosa che il rito di Abramelin richiede ai due officianti, ovvero pazienza e buona predisposizione d'animo. E magari qualcuno che lo faccia conoscere, com'è successo a me!

Di Steve Oram, che interpreta Joseph Solomon, ho già parlato QUI.

Liam Gavin è il regista e sceneggiatore della pellicola. Irlandese/Gallese è al suo primo lungometraggio e ha un film in uscita.