Tyler Rake (2020)

Onestamente non ricordo dove ne avevo letto pareri positivi ma in qualche modo mi si è fissato nella memoria e qualche giorno fa ho deciso di dare una chance a Tyler Rake (Extraction), diretto dal regista Sam Hargrave e tratto dalla graphic novel Ciudad, di Andre Parks, Anthony Russo e Joe Russo.

Trama: dopo che il figlio di un narcotrafficante indiano viene rapito da un concorrente del padre, il mercenario Tyler Rake viene ingaggiato assieme alla sua squadra per liberarlo ma qualcosa va storto...

Tyler Rake (che lasciare il titolo Extraction sembrava brutto per la versione italiana) è un action costruito attorno a un riuscitissimo piano sequenza centrale, in cui ne succedono di ogni all'interno di un complesso di squallidi appartamenti indiani, prima che i contendenti vengano investiti da mezzi di trasporto sempre più grandi, più o meno nel giro di 10/15 minuti concitatissimi. Il resto di Tyler Rake potete immaginarvelo a occhi chiusi, dopo aver conosciuto l'assunto iniziale, che in soldoni prevede un mercenario dal tristissimo passato che accetta di trarre in salvo un ragazzino, figlio di un boss della droga indiano, rapito da un altro boss della droga. Al limite, per mettere un po' di "pepe", gli sceneggiatori (i fratelli Russo degli Avengers, tra gli altri) hanno aggiunto una sorta di jolly incarnato da un tizio che, non avendo i soldi per pagare i mercenari, si inventa mercenario a sua volta, ma poiché i realizzatori di Tyler Rake sono riusciti ad ambientare il tutto in India, dove esiste un'enorme industria cinematografica, e a pescare comunque nel mucchio dei pupazzi al posto di attori veri, il valore aggiunto di costui è praticamente nullo. E quindi, cos'è questo Tyler Rake? Fondamentalmente, un John Wick che non ce l'ha fatta, bello nei momenti action ma noioso come la morte nei troppi momenti di approfondimento psicologico, che risultano così vittime di un clamoroso miscasting come quello di Chris Hemsworth, godereccio cazzone, nei panni di un triste mercenario vinto dall'esistenza ingrata, il quale risulta così ingiustamente monoespressivo.

Ora, voi penserete che io (giustamente ignorante in materia "action") abbia deciso di prendere John Wick, film meno che perfetto, a metro di paragone per qualsiasi pellicola in cui si menino le mani e si spari; in realtà, qui la similitudine c'è, in quanto il regista Sam Hargrave è in primis un signor stuntman, coordinatore tra l'altro delle scene di battaglia dei vari Avengers sui quali hanno messo mano i Russo, e l'esperienza si vede. Tolto il fatto che ormai i piani sequenza li trovate all'interno delle merendine del Mulino Bianco al posto delle scatolette con le sorpresine, è indubbio che ogni scena d'azione è mirabilmente coreografata e girata, ci mancherebbe, e Hargrave non lesina in momenti fantasiosi e persino ironici e/o politicamente scorretti (Tyler Rake che ammazza uno con un rake, per esempio, ma la mia scena preferita è quella in cui il protagonista prende letteralmente a schiaffi dei ragazzini, altro che Ma come si può uccidere un bambino?). Il problema di Tyler Rake è la monodimensionalità dei personaggi. Non che i vari Commando, Die Hard, compagnia cantante avessero dei personaggi profondi, ma perlomeno vivevano consapevoli della loro leggerezza anche nella serietà totale, e venivano trattati di conseguenza, mentre qui c'è proprio la volontà di rendere pesante il personaggio con flashback, riflessioni, parole gettate al vento per stringere il cuore, ecc. Oltre a ciò, si aggiunge il Male, anzi il malissimo, ovvero il villain zamarro che avrebbe potuto essere un capolavoro e invece si limita a far la faccia brutta collezionando dita, sottolineando con questo QUANTO diamine è cattivo. Che spreco. Comunque, se avete un paio d'ore da buttare (sì, come film dura anche troppo) e vi piace il genere, ho visto di molto ma molto peggio, tolto che è criminale anche sprecare quel gran figo di David Harbour (posso essere franca? Tra lui e Chris Hemsworth non sapevo più da che parte dello schermo guardare!).

Di Chris Hemsworth, che interpreta Tyler Rake, ho già parlato QUI.

Sam Hargrave è il regista della pellicola, alla sua prima esperienza dietro la macchina da presa in un lungometraggio, e interpreta Gaetan. E' principalmente stuntman ed anche sceneggiatore e produttore.

David Harbour interpreta Gaspar. Americano, diventato famosissimo per il ruolo di Jim Hopper in Stranger Things, ha partecipato a film come La guerra dei mondi, I segreti di Brokeback Mountain, Revolutionary Road, Parkland, Black Mass - L'ultimo gangster, Suicide Squad e Hellboy. Anche produttore, ha 45 anni e un film in uscita, Black Widow.

Golshifteh Farahani, che interpreta Nik Khan, era la fidanzata di Adam Driver in Paterson. Se Tyler Rake vi è piaciuto recuperate Commando. ENJOY!

The Turning (2020)

Sempre grazie alle segnalazioni di Lucia, ho recuperato anche The Turning, diretto dalla regista Floria Sigismondi e tratto dal romanzo Il giro di vite di Henry James.

Trama: Kate viene assunta come istitutrice per badare alla piccola Flora, orfana di genitori. All'interno dell'enorme villa di famiglia, tuttavia, cominciano ad accadere cose molto strane...

Sarà il Covid che mi rende intollerante al mondo esterno e molto più propensa a rifugiarmi in luoghi di fantasia, per quanto inquietanti? Sarà l'astinenza da cinema, che mi porta ad accogliere con gioia qualunque horror? Sarà che sono cresciuta, i miei gusti sono cambiati, e mi concentro un po' più sulla bellezza che sul contenuto? Sarà quel che volete, mi sono ritrovata a ridere (per non piangere) all'idea che The Turning sia stato massacrato dalla cVitica USA quando invece, nonostante qualche passaggio un po' farraginoso, la pellicola di Floria Sigismondi ha fascino da vendere e attori molto bravi, non solo la protagonista ma anche i suoi "colleghi" di supporto. Tratto da Il giro di vite di Henry James, The Turning racconta l'odissea della giovane Kate, che un giorno decide di mollare tutto e accettare un lavoro come istitutrice in un'enorme villa appartenente a una famiglia ricca ma spezzata: dopo un incidente mortale accorso ai genitori, la piccola Flora è infatti rimasta sola con una vecchia governante e il fratello Miles, collegiale scapestrato e violento costretto a rimanere a casa dopo essere stato espulso da scuola. La villa in cui scorrazzano questi due giovani "purosangue", come li definisce la governante, comincia fin da subito a risultare inquietante agli occhi di Kate. Di notte ci sono strane voci, i dintorni della magione sono labirintici e claustrofobici quanto le stanze e i corridoi, la piccola Flora vive da reclusa ed è terrorizzata alla sola idea di abbandonare la sicurezza della proprietà e Miles è un bastardo che non perde occasione di fare scherzi crudeli a Kate, minandone dapprima la pazienza e poi la sanità mentale, soprattutto quando agli occhi di Kate cominciano a profilarsi i contorni di una tragedia passata che richiede vendetta o, quanto meno, una presa di coscienza. Come se tutto questo non bastasse, Kate ha una madre rinchiusa in manicomio, quindi forse rischia di diventare matta per una questione ereditaria, chissà.

Non offre risposte chiare questo The Turning, salvo il progressivo disgregarsi dell'autocontrollo e della consapevolezza di una persona, qualunque siano le cause. E' doloroso vedere Kate, magistralmente interpretata da Mackenzie Davis e connotata con pochi tocchi di forte personalità che ce la rendono subito simpatica, perdere a poco a poco l'appiglio con la realtà, trasformarsi da ragazza forte e indipendente a pulcino terrorizzato, schernita da piccoli bastardelli viziati per i quali non facciamo in tempo a provare pietà che subito, con un brusco voltafaccia, li vorremmo vedere morti. Sì, anche la piccola Flora, per quanto Brooklynn Prince mi faccia una tenerezza infinita dai tempi di Un sogno chiamato florida (ah, ma anche lì la pargolotta chiamava due schiaffi per ogni abbraccio, eh), mentre Finn Wolfhard, anche lui perfetto, potrebbe rientrare di diritto nella definizione di "causa scatenante sindrome da Erode". La regia di Floria Sigismondi, "architetto" dell'intera faccenda, è molto evocativa e non mi sarei aspettata di meno da colei che ha aiutato a far sì che Marilyn Manson assurgesse a mito della mia adolescenza anche grazie agli splendidi video da lei girati; la Sigismondi, fortunatamente avara di jump scares, preferisce concentrarsi su oggetti d'arredamento inquietanti e topoi gotici come nebbia e acque buie, sulla natura decadente e labirintica della casa in cui vivono i giovani Fairchild e si concede dei titoli di coda splendidi, accompagnati da una melodia che stride completamente con l'atmosfera del film e per questo, a mio avviso, è ancora più adatta al doppio twist finale. Quindi, non racconti nulla di troppo nuovo, The Turning è un altro horror che consiglio in questo periodo "coviddoso" che si sta rivelando molto ricco di visioni interessanti.

Di Mackenzie Davis (Kate Mandell) e Joely Richardson (Darla Mandell) ho già parlato ai rispettivi link.

Floria Sigismondi è la regista del film. Italiana, ha diretto il film The Runaways ed episodi di serie quali Hemlock Grove, American Gods e Daredevil. Anche sceneggiatrice e attrice, ha 55 anni.

Finn Wolfhard interpreta Miles Fairchild. Canadese, lo ricordo per film come It, It - Capitolo 2 e serie quali Supernatural e Stranger Things. Ha 18 anni e un film in uscita, Ghostbusters: Legacy.

Brooklynn Prince, che interpreta Flora, era l'adorabile Moonee di Un sogno chiamato Florida. Siccome il film è tratto da Il giro di vite di Henry James, se The Turning vi fosse piaciuto recuperatene altre versioni come Suspence e magari aggiungete anche The Others. ENJOY!

Porco Rosso (1992)

In occasione del 25 aprile ho guardato Porco Rosso (紅の豚 - Kurenai no Buta), diretto e sceneggiato nel 1992 dal regista Hayao Miyazaki.

Trama: Il pilota d'idrovolante Porco Rosso è costretto ad uscire dal suo "esilio" nel momento in cui un altro pilota, in combutta coi pirati del cielo, prima gli distrugge l'idrovolante, poi lo sfida a un duello aereo.

"Meglio porco che fascista". Alzi la mano chi non ha mai sentito questa frase o chi non l'ha mai sentita pronunciare all'interno di un piccolo spezzone di anime più volte riproposto su Facebook, modulata nella voce rude di un maiale antropomorfo mentre è seduto sulla poltrona di un cinema. Il maiale in questione è il pilota Porco Rosso, protagonista dell'omonimo anime, al secolo Marco Pagot (dai creatori di Grisù, Calimero e, ovviamente, dallo studio che ha collaborato alla creazione del meraviglioso Il fiuto di Sherlock Holmes), uomo trasformato in maiale non si sa per quale motivo e spinto, proprio per questo motivo, a tenersi fuori dalle beghe umane dopo anni passati a combattere nei cieli in guerra della penisola italiana. Porco Rosso è diventato, col tempo, un cacciatore di taglie e di questo vive, inseguito dalla polizia di regime di un Paese che in guerra continua ad esserlo e che non accetta la libertà di un asso dell'aviazione, molto più utile inquadrato all'interno di strutture militari piuttosto che animo solitario che si muove solo per soldi, senza mai uccidere. Porco Rosso la sua fetta di guerra l'ha vissuta, ha visto amici e nemici morire, persone care piangere davanti alla perdita dei loro affetti, e ha deciso scientemente di chiamarsi fuori da tutto, sia dal bene che dal male, forse per questo è diventato un maiale, chissà; quel che è certo è che all'inizio dell'anime Porco Rosso è una creatura distaccata e fredda, distante da ogni legame, e sta andando a pezzi come il suo vecchio idrovolante. Lo riporta alla realtà, come spesso accade nei film di Miyazaki, e conseguentemente alla vita (almeno si spera) la giovane Fio Piccolo, entusiasta progettista di aeroplani che con i suoi modi allegri, i suoi epici discorsi motivazionali e, perché no, anche con l'amore, riuscirà a far capire a Porco Rosso che qualcosa per cui combattere e vivere esiste ancora, all'interno di questa misteriosa vita dolceamara.

Miyazaki ha definito il suo Porco Rosso un film sciocco, non nel senso di stupido, quanto più di "progetto sbagliato": un anime apparentemente per bambini, che tuttavia non parla ai piccoli spettatori se non per il suo aspetto più superficiale. Penso per esempio ai buffi pirati del cielo, i Mammaiuto, alle spericolate evoluzioni aeree e al duello finale tra Porco e l'aviatore americano, molto declinato su toni umoristici, tutte cose che, assieme alla vivacità di Fio e alla sua giovane età, delizieranno i pargoli seduti davanti allo schermo. Eppure, Porco Rosso è molto più che un anime avventuroso su un maialino aviatore, ed è per questo che mi sento, per una volta, di andare contro al parere del sensei, troppo duro con sé stesso. Quest'anime ha in sé i semi di Casablanca e del legame malinconico tra Rick e Ilsa, la poesia di un racconto di Roald Dahl (Loro non diventeranno mai vecchi. Lo trovate nella recente raccolta Odio volare, per inciso, leggetelo e vedete un po' se non vi ricorda qualcosa), la triste realtà delle due guerre mondiali, della crisi economica, del regime e delle annessioni di parte dell'attuale Croazia all'Italia fascista, elementi adulti e complessi che si concretizzano in un finale non felice né risolutivo, raccontato dalla voce fuoricampo di uno dei protagonisti; uno di quei finali in grado di ridurmi in lacrime, grazie anche alle melodie struggenti del favoloso Joe Hisaishi (che, per inciso, ha dato il bianco anche questa volta), di farmi pensare a quanto splendidi e unici siano i film dello Studio Ghibli, anche quando il suo stesso creatore li definisce "sciocchi". Se non avete mai visto Porco Rosso, magari tenuti lontano dal titolo un po' cretino o da chissà quale associazione mentale con ideologie particolari, fatevi un favore e recuperatelo su Netflix alla faccia delle "cannarsianate" di cui è infarcito, non ve ne pentirete.

Del regista e sceneggiatore Hayao Miyazaki ho già parlato QUI.

A margine: Maledetto Cannarsi, sempre e comunque.

Se Porco Rosso vi fosse piaciuto recuperate Si alza il vento. ENJOY!

Emma. (2020)

Su Chili, che è diventata la piattaforma privilegiata per quei film che sarebbero dovuto uscire nelle sale e non ce l'hanno fatta, trovate Emma., diretto dalla regista Autumn de Wilde e tratto dall'omonimo romanzo di Jane Austin.

Trama: Emma Woodhouse è una ricca fanciulla di buona famiglia il cui passatempo è "creare" coppie in base alle sue spesso erronee convinzioni. Quando l'amore arriverà a bussare anche alla sua porta, la giovane si troverà impreparata...

Faccio pubblica ammenda: non ho mai letto Emma ma ho intenzione di rimediare in questi giorni (ho già acquistato l'ebook) e non ho mai guardato altri film tratti dal romanzo anche se, a ripensarci ora, Ragazze a Beverly Hills è MOLTO simile alla trama generale di Emma.. Ho deciso di fiondarmi sulla pellicola di Autumn de Wilde perché aveva un trailer spettacolare e due attrici che adoro, Anya Taylor-Joy e Mia Goth, e non sono assolutamente rimasta delusa dalla mia scelta perché Emma. è un film delizioso, nonostante la sua antipatica protagonista. La definisco antipatica ma la verità è che, a prescindere dalla "sua faccia da figa di legno" (Bolluomo dixit), è impossibile odiare Emma, coi suoi aristocratici e piccati modi di fare inglesi che stridono con le sue buone intenzioni, spesso rese contorte dal suo carattere volitivo ed orgoglioso, dalla consapevolezza erronea di essere migliore di tutti quelli che la circondano. E' impossibile odiarla perché Emma a modo suo è estremamente naif, clueless come da titolo originale di Ragazze a Beverly Hills e, per dirla alla Game of Thrones, non sa niente peggio di John Snow; inoltre è fondamentalmente di buon cuore, adora il suo ipocondriaco papà e alla fine vorrebbe il bene di Harriett nonostante l'egoistico desiderio di tenerla tutta per sé. Questo è quanto mi sento di scrivere relativamente alla trama, perché Emma. non è un film particolarmente innovativo da questo punto di vista, in quanto non rilegge la storia narrata da Jane Austen in chiave moderna o altro, magari fornendo spunti di riflessione alle ragazze moderne. Certo, Emma non ha intenzione di sposarsi e per l'epoca è molto testarda e indipendente, tuttavia, passati equivoci e momenti di malinconico scazzo, la risoluzione dell'intreccio è molto "tradizionale" e non gode di una zampata à la Gerwig come accadeva nel più particolare e profondo Piccole donne.

Detto questo, anche un po' chi se ne frega. Emma., come si evince dal punto messo alla fine del titolo, è un period drama ed è semplicemente una gioia per gli occhi di chi, come me, adora le scenografie "d'epoca" e, soprattutto, la bellezza dei costumi ravvivati da colori sgargianti; in questo caso, le mise di Emma sono tutte una più bella dell'altra, ulteriormente impreziosite da una finissima attenzione a dettagli come gioielli ed accessori, e il mio cuore ha sobbalzato più volte davanti a quello stuolo di cappottini rossi che sfilano rapidi in alcune sequenze, per non parlare della stupefacente casa/museo di Mr. Knightley, tutti elementi enfatizzati da una regia elegantissima e geometrica (a tratti debitrice dello stile di Wes Anderson, comunque molto stilosa ma mai fredda; vedere la scena del ballo "rivelatore" per credere) e una fotografia pulita e limpida. Poi, ovvio, ci sono le attrici. Anzi, prima parliamo degli attori. I giovanotti hanno tutti una bellezza poco convenzionale che aiuta a concentrarsi su quello che sono più che su quello che appaiono, e il vecchio leone Bill Nighy nei panni di Mr. Woodhouse è esilarante ma anche tenero, degnamente supportato dalla famiglia della figlia maggiore, che compare pochissimo ma strappa sonore risate (soprattutto grazie al rassegnato genero). Anya Taylor-Joy come protagonista è semplicemente perfetta. Quel viso dai tratti particolari, sempre un po' tra il malinconico e il fastidiato, calza benissimo al personaggio di Emma, per non parlare della delicatezza aristocratica che sembra accompagnare l'attrice in ogni film, e l'accoppiata tra lei e Mia Goth, altra bellezza particolarissima che qui viene resa in modo da avere un'apparenza dimessa (quando solitamente è sensuale da morire), frivola ed ingenua, è una delle cose migliori di un film che farà la felicità di quanti, come me, adorano questo genere di pellicole letterarie in costume.

Di Anya Taylor-Joy (Emma Woodhouse), Bill Nighy (Mr. Woodhouse) e Mia Goth (Harriett Smith) ho parlato ai rispettivi link.

Autumn de Wilde è la regista della pellicola, al suo primo lungometraggio. Americana, ha 50 anni ed è anche sceneggiatrice.

Callum Turner interpreta Frank Churchill. Inglese, ha partecipato a film come Green Room, Victor: La storia segreta del dottor Frankenstein e Animali Fantastici: I crimini di Grindelwald. Anche regista e sceneggiatore, ha 30 anni e un film in uscita.

Di Emma esiste un altro film con lo stesso titolo e Gwyneth Paltrow nei panni della protagonista e Toni Collette in quelli di Harriett; se il film di Autumn de Wilde vi fosse piaciuto recuperatelo e aggiungete il già citato Ragazze a Beverly Hills. ENJOY!

Bollalmanacco On Demand: Brivido nella notte (1971)

Torna il Bollalmanacco On Demand! Oggi si parla di un film richiesto da Rosario, l'esordio di Clint Eastwood alla regia, ovvero Brivido nella notte (Play Misty for Me), da lui diretto nel 1971. Il prossimo film On Demand sarà Legami!. ENJOY!

Trama: dopo una notte passata con Evelyn, il DJ Dave è convinto di poter tornare alla sua vita normale ma la donna non è dello stesso avviso e comincia a perseguitarlo.

L'esordio alla regia di Clint Eastwood è un thriller a base di deejay donnaioli e donne che di questi uomini non ne hanno abbastanza, tanto da fare carte false per averli. Scherzi a parte, il disturbo di Evelyn è serio e non è imputabile a meri capricci, ma ovviamente parliamo di un thriller, quindi viene tutto portato all'estremo e girato in modo da far passare Dave, il protagonista, per povera vittima. La realtà, almeno vista con gli occhi consapevoli di una donna del 2020, è che Dave è uno stronzo matricolato e non è facile empatizzare con lui, uomo privo di nerbo guidato da un egoismo fuori scala, che prima accetta le avances di Evelyn poi, quando la donna dimostra di essere un po' troppo pretenziosa ed invadente, la manderebbe anche al diavolo, se non fosse che non è da uomo non favorire quando la tavola è imbandita. Nel frattempo, il buon Dave decide anche di riconquistare la donna di cui è davvero innamorato, biondina "libera" mollata perché rea di avere una casa piena di distrazioni (leggi: coinquiline che cambiano ogni due giorni) e tornata all'ovile dopo messi passati a guarire il cuore spezzato in una cittadina lontana, e quando Evelyn si mette in mezzo per rovinare il rinnovato idillio Dave sbrocca. Sbrocca nella misura in cui, a dimostrazione di quanto sia un pirla egoista, decide di non dire a nessuno di Evelyn, neppure quando cominciano a scapparci feriti gravi e morti, non si sa bene per quale motivo, forse giusto per non sputtanarsi la carriera ma, andiamo, se non fossi consapevole di essere un pirla egoista capiresti che la carriera non ti verrebbe sputtanata solo perché sei perseguitato da una matta stalker. E sì, sto scrivendo in un momento di nervoso e si vede, perché sto trattando male un film che non lo merita, in quanto opera prima giustamente piena di ingenuità ma anche di elementi positivi.

Clint Eastwood ci mette la faccia ed è divertente vedere come il regista granitico ed impegnato di oggi abbia cominciato impegnandosi per fare le cose in grande e dimostrare di avere "occhio". Il film è infatti un susseguirsi di panoramiche dei paesaggi di Carmel-by-the-Sea (di cui peraltro Clint è poi diventato sindaco), con l'elegantissima macchina di Dave che viaggia sulle strade a ridosso del mare, passando per scogliere e altri scorci bellissimi, ma non solo; c'è un'intera, lunga sequenza da romanzo Harmony in cui Dave e la bionda fidanzata amoreggiano in mezzo a boschi lussureggianti e cascatelle per poi concludere l'appuntamento davanti al tramonto più perfetto che abbiate mai visto, e anche un momento da documentario musicale, ambientato durante un festival Jazz che si stava tenendo proprio durante le riprese. A queste panoramiche "ambientali" d'effetto ci sono molte sequenze in cui Clint si appropria degli stilemi del thriller dell'epoca, con primi piani di lame che scintillano nel buio, occhi stravolti dalla follia e momenti di sanguinosa violenza, che paiono quasi stridere con la colonna sonora Jazz che percorre tutto il film, a cominciare dalla Misty del titolo originale. Tra gli attori, spicca ovviamente Jessica Walter, il cui fascino dimesso e quasi timido dell'inizio cede il posto alla follia di una scaricatrice di porto innamorata, mentre il povero Clint, ammettiamolo, sarà anche molto affascinante ma ha una fissità di sguardo che non lo rende granché adatto al ruolo di Dave. Ma come ho detto prima, sto scrivendo il post in un momento di nervoso e non vorrei che pensaste che Brivido nella notte non mi sia piaciuto, quando invece è un thriller interessante e una chicca per tutti i fan del duro e puro Eastwood, da guardare ovviamente con occhio indulgente!

Del regista Clint Eastwood, che interpreta anche Dave, ho già parlato QUI mentre Don Siegel, che compare nel ruolo di Murph il barista, lo trovate QUA.

Se Brivido nella notte vi fosse piaciuto recuperate Attrazione fatale e Misery non deve morire. ENJOY!

Jallikattu (2019)

Capita che scorrendo la pagina FB mi imbatta in un pezzo di Cinefatti che parla di Jallikattu, film indiano diretto nel 2019 dal regista Lijo Jose Pellissery e disponibile su Amazon Prime. E mi dico che dovrei guardare più film indiani...

Trama: alla vigilia di un banchetto di fidanzamento, il bufalo che avrebbe dovuto fungere da portata principale fugge e comincia a devastare il villaggio.

Fausto di Cinefatti è una persona raffinata e vi ha regalato la più bella recensione su Jallikattu che potrete trovare online. Io sono una persona rozza, lo sapete, e vi parlerò di questo assurdo film indiano per come riesco, innanzitutto partendo dal fatto che su Amazon Prime troverete solo i sottotitoli inglesi (e in altre lingue non occidentali ma parto dal presupposto che i più non le conoscano), quindi pensateci bene prima di guardarlo se non siete ferrati con l'idioma d'Albione; io che credevo, io che speravo Jallikattu fosse privo di dialoghi o quasi, una visione continua di bufali incazzati che devastano villaggi senza un perché, mi sono dovuta ricredere, in quanto molti degli aspetti sociali del villaggio vengono espressi proprio attraverso scambi verbali che toccano religione, politica, economia, caste, passato e presente. In breve, dopo dieci minuti il Bolluomo ne aveva già le palle piene e non posso dargli torto, poverino, se ha concluso l'ora e mezza di visione con un "ma che film maffo". Ma maffo non è, Jallikattu, io ve lo dico. Ritmato, lo definirei. Ad accumulo graduale, con un finale (anzi, un pre-finale, ché effettivamente l'ultima sequenza "di chiosa" l'avrei evitata) da slogarsi la mascella. Curioso, certo, per ciò che mostra allo spettatore occidentale ignorante, eppure anche abbastanza universale nel suo smontare la tranquillità di un villaggio apparentemente pacifico con l'iradiddio incarnata da un bufalo eletto per essere la portata principale de L'Evento sociale per eccellenza, la festa di fidanzamento del riccone del paesello, in una regione dove la natura è stata stuprata più volte dall'essere umano che ha distrutto la foresta per far spazio alle colture di tapioca, a uomini sudaticci che picchiano le donne, a gente davvero brutta il cui unico interesse è mangiare e bere, a un branco di scimmie che vogliono solo seguire il "più forte" e soprattutto salvare il proprio culo asciugamanomunito.

Ma lasciamo perdere la trama, perché è la realizzazione di Jallikattu a renderlo un film che è in qualche modo un peccato guardare su un piccolo schermo. Tra montaggio e regia c'è infatti da farsi venire la tachicardia, a cominciare dalla prima sequenza modulata sul ticchettare delle lancette di una sveglia mescolato ai respiri degli abitanti del paesello, pronti a cominciare una nuova giornata; un momento ipnotico, che cattura l'attenzione dello spettatore fin dal primo istante. Quando poi subentra il bufalo le sequenze sorprendenti (ma anche quelle da far torcere le budella persino a chi non è vegetariano o vegano, io vi avviso) si moltiplicano, sia quelle in cui l'animale spunta inaspettato a portare il caos sia quando lunghi e rapidissimi piani sequenza lo seguono tra le piantagioni e la foresta, per arrivare ai momenti più allucinanti di un film che mescola senza soluzione di continuità presente e passato e, soprattutto, che sottolinea la mostruosità dell'uomo. Personalmente, infatti, sono rimasta sconvolta più da quelle immagini in cui gli abitanti del paese sembrano diventare una legione infinita di demoni armati di torce, dalla violenza irrazionale che precede la fine del film (una delle sequenze più belle viste quest'anno e, dimmi te, l'ho dovuta trovare in una pellicola indiana che probabilmente non guarderà nessuno anche se è lì, non pubblicizzata, persa nel catalogo Prime), da quelle urla bramanti sangue, umano o animale non importa più, SE è mai importato. Concludo dicendo che la parola Jallikattu indica una sorta di festa di San Firmino, una cerimonia in cui si libera il bufalo e i giovani aitanti del paese devono riuscire a non farsi incornare ma, onestamente, non ho visto niente di cerimoniale o festoso in questo film, che posso solo consigliarvi di vedere.

Lijo Jose Pellissery è il regista della pellicola. Indiano, ha diretto film ovviamente a me sconosciuti come Angamaly Diaries e Ee. Ma. Yau.. Anche attore, produttore e sceneggiatore, ha 40 anni.

The Vault - Nessuno è al sicuro (2017)

E' un film che aveva già attirato la mia attenzione con un trailer su Imdb e quando ho visto che The Vault - Nessuno è al sicuro (The Vault), diretto e co-sceneggiato nel 2017 dal regista Dan Bush, era disponibile su Prime non me lo sono fatto scappare.

Trama: una rapina in banca prende una piega inquietante quando i rapinatori decidono di forzare un vecchio caveau...

The Vault è uno di quegli esempi di come i trailer escano spesso meglio dei film. Non che sia incredibilmente brutto, ho visto molto di peggio, ma è vero che la pellicola in questione manca un po' di mordente, il che è strano vista la sua natura duplice di heist movie contaminato con l'horror. Ci sarebbe molto da fare e dire con una trama così, legata ad un caveau misterioso e strani avvenimenti che accorrono periodicamente in banca (un'informazione, tra l'altro, lasciata cadere en passant nel corso di un furbo colloquio di lavoro), col paranormale che si scatena proprio durante una rapina, invece tutto scivola nel comodo territorio del già visto. A tratti, guardando The Vault, mi è venuto in mente Deathwatch - La trincea del male, che però era molto più sporco e visionario (nonché sanguinoso) nel suo tentativo di mescolare film di guerra a horror; qui invece gli sceneggiatori e il regista non riescono a sfruttare l'atmosfera da assedio che si viene a creare e ricorrono blandamente ad una serie di jump scare non particolarmente inventivi, con giusto una o due sequenze interessanti e un twist finale diviso in due, che se da un lato risulta perfetto per chiudere il cerchio, dall'altro invece la fa un po' (tanto) fuori dal vaso.

D'altronde, quando un film ricorre al trucco scorretto di piazzare all'interno della locandina, in primo piano, l'attore più famoso del cast e quest'ultimo compare per pochi minuti in un ruolo perplimente, c'è già qualcosa in partenza che non va. Nella fattispecie, James Franco (che peraltro non amo particolarmente) è sprecato in un ruolo sommesso e defilato che non gli si confà per nulla, esempio di un altro personaggio scritto un po' coi piedi, appena abbozzato, cosa che del resto vale per tutti gli altri protagonisti. Anche Clifton Collins Jr. è sprecato, con l'aggravante di avere un ruolo totalmente inutile, e la povera Francesca Eastwood, che avevo apprezzato molto in M.F.A., fa del suo meglio per infondere profondità a una ladra ancora meno psicologicamente delineata di qualsiasi damsel in distress all'interno degli special TV di Lupin, ma non basta il suo innegabile fascino per renderla memorabile o anche solo particolare. The Vault mi dava l'idea di una pellicola frizzante, ispirata allo stile tarantiniano, impreziosita da attori validi e da una punta di horror che non guasta mai, ma con tutti questi punti di forza i realizzatori non sono riusciti ad ottenere altro che una robetta dimenticabile e persino noiosa. Su Prime c'è molto meglio, quindi non vi consiglio di sprecare il tempo con questo film.

Di James Franco (Ed Maas), Francesca Eastwood (Leah Dillon) e Clifton Collins Jr. (Detective Tom Iger) ho parlato ai rispettivi link.

Dan Bush è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Americano, anche produttore e attore, ha diretto film come Signal e La ricostruzione di William Zero.