It Ends (2025)

Due settimane fa è uscito anche It Ends, diretto e sceneggiato dal regista Alexander Ullom, e con calma sono riuscita a recuperarlo.

Trama

Quattro ragazzi rimangono bloccati su una strada che si estende apparentemente all'infinito, senza poter scendere dall'auto pena venire aggrediti da gruppi di persone violente e terrorizzate...

Recensione

It Ends è l'ennesimo horror di questo ricchissimo 2026 ad essere stato realizzato da un esordiente e ad avere conquistato critica e pubblico, per questo ero molto curiosa di vederlo. Avendo recuperato poco tempo fa Dead End (che ha alla base un'idea simile, anche se i temi e le atmosfere non potrebbero essere più diversi), non sono riuscita a godere granché dell'effetto sorpresa, e ho più o meno capito fin dall'inizio come si sarebbe mossa buona parte della sceneggiatura. Ciò nonostante, ho trovato It Ends un'opera molto interessante, intrinsecamente legata alla triste realtà del presente. Il film ha per protagonisti quattro ragazzi da poco usciti dall'università e proiettati verso il mondo del lavoro; dai dialoghi, si intuisce che una volta il gruppetto era molto unito, ma i vari membri si sono progressivamente allontanati, con una spaccatura più evidente tra James e Tyler. In particolare, James sembra essere il più distaccato e razionale, l'unico ad aver capito "le regole del gioco" sociale, mentre gli altri ancora non sanno bene cosa fare della loro vita. Durante il tragitto in auto per accompagnare James nella sua nuova casa, i ragazzi si perdono o, meglio, rimangono bloccati all'interno di una strada senza svincoli né indicazioni, che prosegue sempre dritta, circondata da boschi. Dopo poco, scoprono anche che non possono fermarsi, perché nei boschi si nascondono gruppi di persone pronti ad attaccarli e ferirli. E qui mi fermo con il "cineracconto", perché il bello di It Ends è scoprire come reagiranno i quattro protagonisti a questa terrificante situazione, utilizzata come metafora di una condizione che è tipica soprattutto di chi appartiene alla Generazione Z: la mancanza di un obiettivo, di prospettive per il futuro, la necessità di riempire le giornate sempre uguali con vuote cretinate o metodiche routine prese da qualsiasi tipo di "coach" online, perché l'alternativa sarebbe fermarsi a riflettere (senza poter ripartire) e venire fatti a pezzi dalla disperazione, dall'incertezza, dalla paura. Quello che ho percepito guardando It Ends è lo sguardo empatico di un Autore che ha la stessa età dei protagonisti e che ha deciso di ripercorrere assieme a loro una strada anche troppo familiare sia a lui che allo spettatore, senza mai giudicarli; chi si ferma non è migliore o peggiore di chi prosegue e viceversa, e ciò che risulta chiaro durante la visione del film è che ci vuole coraggio anche a compiere quelle che all'apparenza sono delle "non scelte", o ad ammettere di non essere forti, determinati ed indipendenti come si pensava.

L'abilità di Alexander Ullom, qui, è riuscire a non far diventare ripetitivo un film che, di fatto, parla di un loop (quasi) infinito, quindi ripetitivo per definizione. L'autore ci riesce non tanto spezzando la monotonia con un paio di "eventi" che portano la trama in una direzione ben precisa, segnalati talvolta anche con un ausilio grafico, quanto piuttosto modificando tanti piccoli dettagli all'interno dell'automobile dei protagonisti, ambiente (anzi, più che un ambiente, l'automobile è un quinto personaggio, fonte di salvezza e speranza ma anche limite oppressivo) in cui si svolge quasi tutta la vicenda. Unendo questa accortezza a dialoghi sempre meno spontanei e articolati, surclassati a poco a poco da lunghi silenzi, e ricorrendo ad un montaggio intelligente, Ullom crea un'atmosfera di depressione e disagio, e riesce a far sì che lo spettatore percepisca in maniera tangibile il lento ma inesorabile scorrere di un tempo misurato a chilometri, all'interno di un non luogo claustrofobico ed inquietante. Anche il cast messo su dal regista è importantissimo. I quattro personaggi sono dotati di personalità ben distinte che gli attori riescono a trasmettere alla perfezione, e a far evolvere in maniere inaspettate con il proseguire del film, arrivando persino a sorprendere lo spettatore, convinto di sapere quale dei quattro sia l'anello debole. Inevitabilmente, l'attenzione viene catturata in primis da Phinehas Yoon, che interpreta James, al quale viene riservato il personaggio più sfaccettato e complesso, ma anche gli altri membri del cast non sono da meno, e alla fine del film ognuno di loro riesce a portarsi via un pezzetto del cuore dello spettatore. A scanso di equivoci, It Ends non fa paura nemmeno per un secondo, non ci sono jump scare, né sequenze "horror" nel senso stretto del termine, quindi rischia di risultare ostico e noioso per moltissimi spettatori. E' un film che entra perfettamente in risonanza, invece, con la nostra parte malinconica e disillusa, ed è il grido di aiuto di una generazione che noi Millenial, spesso, consideriamo superficiale e stupida a sproposito, quando invece ci uniscono le stesse paure, la stessa incapacità di capire le regole del gioco, la stessa consapevolezza che non importa quanto ci si impegni, basta solo una botta di culo per cambiare tutto. O una botta di sfiga, come nel caso di It Ends. 

Cast

Alexander Ullom è il regista e sceneggiatore del film, inoltre interpreta il nuovo passeggero. Americano, anche montatore e produttore, ha un film in uscita. 

Hope (2026)

E' uscito al cinema anche Hope (호프 , Hopeu), diretto e sceneggiato dal regista Na Hong-jin.

Trama

In un villaggio all'interno della zona demilitarizzata della Corea, qualcosa comincia ad uccidere animali e uomini. Un poliziotto decide di indagare, ma presto si rende conto che la situazione gli è drammaticamente sfuggita di mano...

Recensione

Non sapevo cosa aspettarmi da Hope, che pure mi aveva attirata fin dai trailer. Credevo sarebbe stato un film alla A Quiet Place, o comunque un "creature feature", e in parte avevo vagamente ragione, anche se sarebbero due definizioni riduttive, con tutto il rispetto per le opere che l'hanno ispirata. Hope è un film che mescola innanzitutto horror e fantascienza, aggiungendo abbondanti dosi di action e quei tocchi di commedia surreal-demenziale che sono la cifra stilistica delle migliori opere giunte dalla Corea del Sud, e che ai nostri occhi di occidentali quasi stonano, perché sembrano connotare qualsiasi personaggio di una certa dose di stupidità. In realtà, lo stesso regista ha dichiarato che i protagonisti di Hope sono talmente tanto impreparati di fronte alla situazione esposta nel film, che avere reazioni goffe o sopra le righe è normalissimo, e non riesco a dargli torto; più volte, davanti ad alcune sequenze, sono rimasta lì anche io, interdetta e sconvolta davanti a quello che vedevo. Senza addentrarmi troppo in spoiler, Hope racconta di come un piccolo villaggio situato all'interno della zona demilitarizzata della Corea venga sconvolto dall'arrivo di "qualcosa". Questo qualcosa è una creatura della cui presenza, almeno inizialmente, si accorge un manipolo di cacciatori, sconcertati da alcuni cadaveri di animali trovati per strada. Quando poi viene coinvolto un poliziotto, la zona d'azione della creatura si allarga a vista d'occhio, con risultati devastanti e sempre più difficili da ignorare o da dismettere come un fenomeno naturale. Hope coinvolge (e sconvolge) perché gli abitanti del paese che dà il titolo al film sono isolati dal mondo, confinati in una zona "franca" tra due nazioni perennemente in guerra, all'interno della quale il terrore di un'invasione, di spie ed assassini, è parte quotidiana della loro esistenza. Lo scatenarsi di questa misteriosa creatura, che poi si scoprirà essere legato proprio al contesto di disperazione, mancanza di scrupoli e povertà in cui la maggior parte degli abitanti di Hope vive, si alimenta della violenta diffidenza di chi è abituato a vivere in una situazione di normalità precaria, all'interno di un luogo dove tutti si conoscono e, in qualche modo, sanno come "gestirsi" (il poliziotto autoritario sa con chi può chiudere un occhio, limitandosi ad avvertimenti e minacce, mentre chi vive di espedienti conosce tutte le scappatoie per non incappare in guai seri con la giustizia o, peggio, con l'esercito, che pure in questo film è un grande assente). 

Questa condizione di particolare isolamento, aumentata inoltre dalla scelta di ambientare Hope in un'epoca in cui i cellulari ancora non esistevano, rende ancora più efficace l'indiscussa abilità di Na Hong-Jin dietro la macchina da presa. Hope è infatti una gioia per gli occhi, piena di sequenze dinamiche e concitate, Cinematografiche nel vero senso della parola, in quanto sfruttano tutte le possibilità di una settima arte che può e deve essere, innanzitutto, spettacolo e meraviglia. Il fatto che il regista si sia sentito in dovere di scusarsi (!) per la resa visiva non proprio eccelsa delle creature, legata ad un'inevitabile mancanza di budget, quando dette creature sono migliori di qualsiasi cosa si sia vista negli ultimi 20 anni all'interno di qualsiasi produzione minore Marvel, può darvi un'idea dell'incredibile sforzo tecnico infuso in ogni aspetto di Hope. La macchina da presa di Na Hong-Jin immerge lo spettatore all'interno dell'azione, a partire dalle ampie panoramiche dei paesaggi naturali, che ci danno un'idea della vastità di tutto ciò che circonda il piccolo paesino titolare, e tocca picchi di eccellenza assoluta durante la labirintica corsa di Beom Seok all'interno delle strade distrutte, durante le rocambolesche fughe in auto dei protagonisti e nella forsennata fuga a cavallo in mezzo ai boschi, di un'eleganza che raramente si vede nel cinema moderno. Poi, certo, il gusto è soggettivo. Per mia natura, non apprezzo mai soluzioni visivo-narrative che contemplino ciò che viene rivelato a un certo punto all'interno del film, e, in tutta onestà, ho trovato molto più spaventose e coinvolgenti le sequenze incentrate sulle reazioni della creatura, sulle conseguenze delle sue azioni. Vedere un'automobile che, all'improvviso, viene lanciata da mano sconosciuta contro un'edificio, distruggendolo, mi fa più effetto rispetto al vedere ciò che l'ha lanciata. Ma, come ho scritto, si tratta di puro gusto personale; disprezzare Hope per la natura dell'invasore, o la sua resa grafica, significa ignorare di avere davanti un'opera grandiosa, un "kolossal" come non se ne fanno più. D'altra parte, però, è anche vero che Hope un difetto ce l'ha, ed è pure enorme. E' un difetto risolvibile, come spero succeda (e anche presto), che non cancella l'incredibile bellezza di un film che vi invito a vedere sullo schermo più grande che possiate trovare, ma non nego che mi abbia lasciata con l'amaro in bocca e un'enorme frustrazione addosso. Mannaggia a te, Na Hong-jin !!

Cast

Del regista e sceneggiatore Na Hong-jin ho già parlato QUI. Taylor Russell (Ai'dovor), Alicia Vikander (J'aur) e Michael Fassbender (Ma'veyyo) li trovate invece ai rispettivi link. 

• Hwang Jung-min interpreta Beom Seok. Sudcoreano, ha partecipato a film come Goksung - La presenza del diavolo e Hostage: Missing Celebrity. Ha 56 anni e un film in uscita. 

Curiosità

Hoyeon, che interpreta Sung Ae, era tra i protagonisti della prima stagione di Squid Game (più precisamente, era l'unica donna finalista). Se Hope vi è piaciuto recuperate Nope e The Host. ENJOY!

2026 Horror Challenge: Non aprite quella porta (2003)

La challenge horror di oggi voleva un film con il nome di un luogo nel titolo. Lo so che si chiama, in italiano, Non aprite quella porta, ma in inglese è The Texas Chainsaw Massacre, quindi ho deciso di riguardare questo remake diretto nel 2003 dal regista Marcus Nispel.

Trama

Cinque ragazzi in viaggio per andare a un concerto danno un passaggio a un'autostoppista traumatizzata, che si suicida sul loro van. Sconvolti, i cinque chiedono aiuto agli autoctoni e alla polizia, senza sapere di stare commettendo l'errore più grosso della loro vita...

Recensione

Sono ragionevolmente sicura che avessi già visto Non aprite quella porta al cinema, e che non ne fossi uscita particolarmente soddisfatta, pur avendo un ricordo dell'esperienza abbastanza nebuloso. L'ho riguardato comunque senza troppi pregiudizi, contestualizzando il film all'epoca dell'uscita, ovvero anni in cui buona parte dell'horror commerciale cominciava a virare verso la remunerativa estetica del torture porn, e considerandolo, appunto, un remake aggiornato al gusto degli adolescenti di allora. Anzi, per quanto continui a non piacermi quel genere di stile, ma ne parlerò nel paragrafo successivo, il film di Nispel mi ha fatta sorridere proprio perché contiene tutto ciò che era necessario perché un horror avesse successo in quegli anni, partendo da un canovaccio vecchio come il mondo. La trama, infatti, non è molto diversa da quella dell'originale di Hooper, anche se è stata epurata dai suoi elementi più grotteschi (ci mancherebbe, a inizio 2000 l'horror era tremendamente serio) ed "arricchita" con aggiunte deprimenti atte a sottolineare il pericoloso squallore della zona in cui vengono a trovarsi i protagonisti. Ragazzi lontani da casa, al sicuro all'interno del loro van fatto di canne e musica, quando accolgono la realtà esterna firmano la loro rovina, perché non ci si può fidare di nessuno nell'universo "moderno" di Non aprite quella porta. Le figure materne vengono stravolte, nonnine e anziani mutilati nascondono un animo nerissimo e i poliziotti, che dovrebbero veicolare giustizia e sicurezza, sono i mostri peggiori di tutti; ogni breve istante di sollievo provato dai protagonisti si traduce in un'ordalia infinita, qualsiasi gesto dettato da ingenuità o, Dio non voglia, pietà viene violentemente castigato, e gli esseri umani devono trasformarsi in mostri vendicativi per riuscire a sopravvivere, almeno fisicamente (per quanto riguarda i traumi psicologici, lasciamo perdere). C'è da dire che, come spesso accade in questo genere di slasher contaminati dal torture porn, i protagonisti non sono particolarmente simpatici o intelligenti, salvo forse la final girl, ed esistono solo per venire fatti a pezzi in modo più o meno fantasioso, senza che lo spettatore si ritrovi col cuore spezzato da un improbabile rigurgito di empatia, quindi si esce dalla visione del film abbastanza indenni.

La presenza di questi ragazzi giovani e belli si lega proprio a quello che dicevo all'inizio, delle caratteristiche che mi hanno fatto sorridere. Nispel ha ambientato il suo film negli anni '70, ma i protagonisti sono dei modelli di Abercrombie catapultati in un set che anacronistico e poco preciso, a partire dai costumi di scena, con quei tank top, i jeans bootleg e le mise boho che sembrano appena usciti da una boutique di New York. Hai voglia a strapazzarli questi ragazzetti, a immergerli nei liquami peggiori, negli ambienti più insalubri e cupi sulla faccia della Terra, perché anche se i vari set sono ricostruiti a tavolino per fare schifo, l'effetto che provocano allo spettatore abituato alla rozzezza vera dei vecchi horror è quello di una rappresentazione asettica, di un qualcosa opportunamente predisposto da abili maestranze. L'unica "cosa" che fa veramente schifo in Non aprite quella porta, al netto di mutilazioni, ganci che dilaniano corpi ed altre efferatezze, è lo sceriffo Hoyt di R. Lee Ermey. Senza maschera di pelle umana né motosega, Ermey fa molta più paura di Leatherface, perché nonostante la sua interpretazione molto caricata, ho trovato difficile mettere da parte l'idea che, in America (ma anche in Italia, o in qualsiasi altro luogo nel mondo), non esista un sadico pronto ad approfittarsi del distintivo e della fiducia di chi è disperato e in cerca di aiuto. Ermey è l'unico elemento del film che non fa sorridere neppure un minuto: volgare, irrispettoso dei morti, misogino, omofobo e orribilmente perverso, lo sceriffo Hoyt è un incubo all'interno dell'incubo, non a caso la rabbia tardiva e catartica della final girl, poco prima dei titoli di coda, è a lui che si rivolge, con buona pace di un ultimo jump scare abbastanza prevedibile e gratuito. Un film senza infamia né lode, dunque, non brutto quanto ricordavo ma neppure memorabile, anche perché è stato surclassato, nel tempo, dal torture porn vero, al confronto del quale ciò che mostra Nispel è acqua fresca desaturata da una fotografia orrenda che punta a farla sembrare putrida. 

Cast

Del regista Marcus Nispel ho già parlato QUI. Jessica Biel (Erin), Erica Leerhsen (Pepper), MikeVogel (Andy), Andrew Bryniarski (Thomas Hewitt - Leatherface), R. Lee Ermey (Sceriffo Hoyt), Lauren German (Teenager), John Larroquette (Narratore) li trovate invece ai rispettivi link.

• Jonathan Tucker interpreta Morgan. Americano, ha partecipato a film come Botte di Natale, Sleepers,  Charlie's Angels e a serie quali CSI, Six Feet Under, Masters of Horror, Criminal Minds, Hannibal e American Gods. Ha 44 anni.

• Eric Balfour interpreta Kemper. Americano, ha partecipato a film come Giovani, pazzi e svitati e a serie quali Una bionda per papà, La signora del west, Buffy l’ammazzavampiri, Clueless, Dawson’s Creek, Six Feet Under, Nash Bridges, The O.C., 24, Fear Itself, Detective Monk e Streghe; come doppiatore, ha lavorato in Animaniacs.  Anche produttore, regista e sceneggiatore, ha 49 anni e un film in uscita.

Curiosità

Il film ha un prequel, Non aprite quella porta: L'inizio. Non avendolo mai visto, non posso consigliarvelo, ma posso dirvi, ovviamente, di recuperare Non aprite quella porta di Tobe Hooper. ENJOY!

Ice Cream Man (2026)

Oggi purtroppo devo parlare di una cocente delusione, ovvero Ice Cream Man, diretto e co-sceneggiato dal regista Eli Roth.

Trama

In una pacifica cittadina arriva un gelataio, che trasforma i bambini in demoni assassini pronti a sterminare tutti gli adulti.

Recensione

Ice Cream Man era uno degli horror che aspettavo di più quest'anno. Come ben sa, infatti, chi segue questo blog da anni, ho sempre voluto molto bene a colui che affettuosamente chiamavo "cialtronetto", Eli Roth. Ho apprezzato, in misura maggiore o minore, tutti i suoi lavori, persino quell'Aftershock da lui prodotto, che aveva disgustato praticamente qualsiasi spettatore. Ma Ice Cream Man è probabilmente il nadir della sua carriera, una roba vergognosa anche solo da proporre. E non lo dico per il tema trattato, eh. Il filone dei bambini omicidi è uno di quelli che preferisco, all'interno dell'horror, e dai trailer Ice Cream Man prometteva di essere un'aggiunta coi fiocchi, sanguinosissima e sfacciata. La trama non è altro che un pretesto per mostrare una sequela ininterrotta di efferatezze, ma questo me lo aspettavo fin da subito; quello che non mi sarei mai aspettata è che Roth non azzeccasse il tono della narrazione. Avrei detto che avrebbe gettato tutto in supercazzola, e in parte ciò è vero, perché il film vuole essere molto ironico. Il problema, è che trattasi di "ironia" cretina, interamente basata su dialoghi imbarazzanti nella loro smania di trasformarsi in battute. I dialoghi e gli atteggiamenti dei protagonisti, invece di creare uno scioccante contrasto con le immagini efferate che passano sullo schermo, completandole e rendendole ancora più efficaci, sembrano correre su un binario parallelo, e l'impressione d'insieme è quella di avere di fronte una deprimente scollatura. Peggio ancora, il film non risulta mai inquietante o anche solo "disturbante". Per tirare in ballo l'opera omonima ingiustamente nominata in quasi tutte le recensioni online, "disturbante" era un aggettivo che calzava alla perfezione all'Ice Cream Man originale, che noi conosciamo come I gusti del terrore. Benché diretto e recitato col culo, I gusti del terrore risultava efficace (e ad oggi è indimenticabile) perché ogni sequenza era permeata da un'atmosfera malata, sporca, sbagliata, che rendeva difficile prevedere quale direzione avrebbe preso il film. Il nuovo Ice Cream Man, invece, sorprende solo sul finale (con un ennesimo scarto di registro, una botta di serissima crudeltà gratuita che lascia lo spettatore lì, come un aratro nel maggese, e sembra un aggiunta posticcia, un ripensamento atto a cancellare tutta la stupidità che la precede), per il resto procede regolare, limitandosi ad alzare progressivamente il livello di violenza e assurdità degli omicidi commessi dai bambini, e cercando di emulare i vari Terrifier di Leone. E qui passiamo al vero problema di Ice Cream Man, quello che mi impedisce di salvarlo e mi fa anche un po' (tanto) incazzare.

Ice Cream Man è brutto. Lo è a livello di effetti speciali in primis, là dove, appunto, i Terrifier di Leone sono un trionfo di perizia artigianale. Quasi tutti gli omicidi dei bambini sono stati palesemente realizzati con la CGI, o girati e poi montati in modo che i pargoli non avessero, giustamente, da dover davvero presenziare a scene così agghiaccianti, e questo lo capisco, giuro, ma quello che mi sconcerta è che si veda com'è tutto finto e mal gestito in post produzione. Per quanto efferate, le mutilazioni che i bambini infliggono agli adulti sono insapori, non provocano disgusto, sono poco più realistiche di quelle schifezze pixellate viste l'anno scorso in The Toxic Avenger. E fosse solo questo. Non bastasse un omaggio a Hitchcock rovinato da un'azione velocizzata al computer in post produzione, c'è tutta la questione dell'IA generativa. Con tutti i soldi e il prestigio di cui dispone Eli Roth, che un regista debba abbassarsi, per nient'altro che pigrizia, a farsi creare degli orrendi cartoni animati e degli ancor più orrendi flashback dall'intelligenza artificiale, gli meriterebbe di venire sputato e deriso da tutta la comunità horror. In pratica, a un certo punto del film si scopre che i bambini non vedono ciò che fanno realmente, ma sono come presi in un sogno a cartoni animati che loro ricreano nella realtà. Ecco, un regista capace e fantasioso avrebbe dovuto chiamare dei veri animatori o, in mancanza di artisti disponibili, avrebbe potuto ovviare con qualche inserto in bianco e nero anche trash, con pupazzoni, prop finti come i soldi del monopoli, dettagli inquietanti all'interno di un set apparentemente normale, insomma, modi ce ne sarebbero stati a iosa. Invece, Roth ha preferito usare l'IA e ammorbare lo spettatore chiedendo a Chatgpt un filtro cartone animato anni '50. E, non pago, ha anche inserito tre bambini finti all'interno di un flashback talmente malfatto da ridefinire in meglio la definizione "AI Slop". Io non so cosa sia successo al regista Eli Roth, a parte l'essersi bevuto già da tempo il cervello come essere umano, ma spero rinsavisca in entrambi gli ambiti o altro che cialtronetto, boicotterò qualsiasi suo film futuro finché campo. Che schifo, ammisci.

Cast

Del regista e co-sceneggiatore Eli Roth, che inoltre interpreta Marty, ho già parlato QUI.

• Ari Millen interpreta il gelataio. Canadese, ha partecipato a film come The Oak Room, Vicious Fun, Undertone e a serie quali 11.22.63. Anche produttore, ha 44 anni e un film in uscita.

Curiosità

Carina Battrick, che interpreta Marcella, era la Caroline della serie Chucky mentre Karen Cliche, che interpreta Alison, aveva già lavorato con Eli Roth in Thanksgiving. Se Ice Cream Man vi è piaciuto, recuperate Cooties, Ma come si può uccidere un bambino?, The Children e There’s Something Wrong with the Children. ENJOY!

Clayface (2026)

La Nuovi Incubi Halloween Challenge è finita, e si torna alla solita programmazione, con qualche recupero, perché roba ne è uscita nel frattempo! Oggi tocca a Clayface, diretto dal regista James Watkins.

Trama

Un giovane attore sulla cresta dell’onda viene sfigurato da un boss della malavita. Abbandonato da amici e colleghi, si rivolge ad una dottoressa che sta sperimentando delle nanocellule in grado di riparare i tessuti, ma qualcosa va storto…

Recensione

Come forse sapete, sono più bimba della Marvel che della DC, ma qualcosa, in Batman e nei suoi nemici, mi ha sempre affascinata. Ricordavo poco il personaggio di Clayface, che credo non fosse comparso granché nella serie animata anni ’90, per cui sono andata al cinema spinta esclusivamente da un ottimo trailer e da due nomi, James Watkins alla regia e Mike Flanagan alla sceneggiatura, uscendo poi dalla sala molto soddisfatta. Clayface è un horror che frulla Darkman, La mosca e il recente The Substance per raccontare la storia della vendetta di un uomo dalla natura ambigua. Il protagonista, Matt Hagen, è un giovane attore di successo che, una sera, decide di andare a letto con la donna sbagliata, la pupa del boss di tutta Gotham. Per ripicca, il boss lo sfigura e, quando Matt decide di denunciare l'accaduto, parte una shitstorm mediatica nei suoi confronti; Matt perde la causa, amici e colleghi lo abbandonano, le invasive ed inutili operazioni di chirurgia estetica lo mandano sul lastrico. Disperato, Matt si rivolge a Caitlyn, una dottoressa che studia le nanocellule a scopi rigenerativi, e si offre come volontario per la sperimentazione umana. Apparentemente, gli esperimenti riescono e Matt riottiene la sua bellezza, ma periodicamente le nuove cellule impiantate impazziscono, cominciando a reagire ai sentimenti sempre più negativi di Matt e consentendogli di cambiare letteralmente faccia. Quella che comincia come una storia di comprensibile rivalsa verso una tremenda ingiustizia, si evolve nel corso del film in qualcosa di molto più oscuro. Matt è un attore, che ha imparato nel corso del tempo ad annullare il vero sé stesso, per esprimere al meglio svariate identità; apparentemente irreprensibile, durante la causa contro Szabo, Matt viene esposto da svariati ex conoscenti e compagni di scuola come una persona non proprio per bene. Se, inizialmente, lo spettatore è portato a pensare ad un complotto ai danni dell'uomo, proseguendo col film viene il dubbio che le diffamazioni subite non fossero tali, bensì scomode verità abilmente nascoste. D'altronde, le nanocellule sono state progettate per ripristinare le persone, migliorarne le caratteristiche già esistenti, quindi verrebbe da pensare che la natura di Matt sia quella di un uomo prepotente e possessivo, abituato a reagire con furia quando non riesce ad ottenere ciò che vuole. La sceneggiatura di Clayface lascia allo spettatore il compito di trarre le proprie conclusioni, per quanto riguarda il comportamento aberrante di Matt, che potrebbe essere impazzito per l'ordalia subita e per il trauma fisico causato dalle nanocellule, oppure potrebbe essere sempre stato così, solo in maniera molto più blanda.

E' un dubbio interessante, che coinvolge lo spettatore e lo rende ancora più partecipe del dramma del protagonista, senza tuttavia togliere l'inquietudine legata alla sorte dei comprimari "buoni", come Caitlyn e l'integerrimo fidanzato John, l'unico agente di polizia non corrotto di tutta Gotham. Come ogni buona storia "di Batman" che si rispetti, il marciume della città teatro delle vicende è quasi un personaggio a sé stante, che rende tutto squallido ed oscuro, quindi il teatro perfetto per una vicenda pesantemente contaminata con l'horror. Anzi, che dico contaminata? Clayface è un film che segue in tutto e per tutto i topoi del body horror e non lesina né jump scare (pochi ma efficaci), né sequenze in grado di mozzare il fiato per l'inquietudine (quella sull'aereo. Aiuto), né momenti gore in cui le persone muoiono decisamente male. Aggiungo anche che il finale avrebbe fatto la felicità di Jim Muro, nonostante Clayface rientri comunque nel novero dei film commerciali destinati ad un pubblico ampio, quindi ampiamente ripuliti ed "accettabili", a prescindere dalle sue atmosfere horror. C'è anche quindi spazio per l'ironia, benché nera, e per un paio di sequenze più spettacolari e adatte ad un film di supereroi (anzi, supervillain) dotati di poteri, come quella, notevole, ambientata all'interno del club. Per quanto riguarda gli attori, non conoscevo affatto Tom Rhys Harries, ma il suo volto particolare e un po' "cesellato", a mio avviso, è azzeccatissimo per un personaggio dai tratti somatici malleabili, e ho adorato Naomi Ackie, sempre bellissima ed espressiva. Caitlyn aveva tutte le potenzialità per diventare una mera damsel in distress, o la "bella" che non è immune al fascino della "bestia", ma l'attrice riesce a renderla tridimensionale, conferendole una dignità particolare e tutta una serie di umanissime debolezze. Il resto del cast è composto da belle facce da schiaffi, ideali per un film ambientato nell'universo di Batman, ed è una goduria vedere Matt esigere sommaria giustizia dai suoi maledettissimi aguzzini. Per tutti questi motivi, ritengo che Clayface sia una delle opere più interessanti uscite recentemente sotto l'egida della DC Films e che meriti di essere visto al cinema. Se l'horror vi piace, andate in fiducia, anche se non vi interessano i supereroi, perché non necessita alcuna conoscenza pregressa del personaggio, a meno di non voler cogliere tutti i riferimenti e gli easter egg legati al mito dell'Uomo Pipistrello. Io me ne sono ampiamente fregata e mi sono divertita moltissimo lo stesso!

Cast

Del regista James Watkins ho già parlato QUI. Eddie Marsan (Frank Fitzpatrick), David Dencik (Markos Szabo), Naomi Ackie (Caitlyn Corr) e Max Minghella (John Borrelli) li trovate invece ai rispettivi link. 

• Tom Rhys Harries interpreta Matt Hagen. Gallese, ha partecipato a film come Slaughterhouse Rulez e The Gentlemen. Ha 36 anni. 

Curiosità

Mike Flanagan, qui in veste di sceneggiatore, non ha potuto dirigere il film perché già impegnato con la serie Carrie e con il film The Exorcist: Martyrs. Se Clayface vi è piaciuto recuperate Darkman, The Substance e La mosca. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 30: They Look Like People (2015)

Eccoci arrivati all'ultimo post dedicato alla Nuovi Incubi Halloween Challenge! Domani, su Instagram, troverete un carosello sul meraviglioso Trick'r'Treat e la settimana prossima tornerò alla normale programmazione del blog. Oggi invece parliamo di "bromance", tema che mi ha portata scegliere il film They Look Like People, diretto e sceneggiato nel 2015 dal regista Perry Blackshear.

Trama

Dopo anni, l'impiegato Christian incontra sotto casa l'amico di una vita, Wyatt, in fuga da una presunta invasione aliena...

Recensione

Non ho assolutamente idea di dove abbia tirato fuori questo They Look Like People. Probabilmente, quando sono usciti i temi giornalieri della challenge devo avere scritto su Letterboxd o addirittura su Google una roba come "bromance horror" ed è uscito questo titolo. Non particolarmente interessante, mi spiace dirlo, né particolarmente horror, ma di sicuro molto attinente all'argomento del giorno. Infatti, il fulcro di They Look Like People è proprio la profonda amicizia tra Wyatt e Christian, due uomini che, nonostante una separazione di anni, ci mettono ben poco a rinstaurare le dinamiche, talvolta anche sciocche ed infantili, del loro storico legame. Il motivo della "separazione" risiede nel fatto che Wyatt si era trovato la fidanzata ed era in procinto di sposarsi, ma qualcosa è andato storto; questo qualcosa sono le allucinazioni di cui soffre Wyatt, vittima di una malattia mentale che lo porta a sentire suoni simili a quelli che farebbe uno sciame di mosche, ad immaginare di ricevere delle telefonate, a vedere persone che sembrano tali ma, in realtà, sono dei mostri alieni pronti ad invadere la Terra. O forse non si tratta di una malattia, Perry Blackshear non scioglie tutti i dubbi sul finale, anche perché non è la "verità" il tema del film. Ciò che interessa al regista e sceneggiatore è mostrare come questa convinzione di Wyatt impatti sul suo rapporto con la realtà e con i suoi affetti, in particolare con Christian, il quale, a sua volta, non è privo di problemi personali. Solo, senza alcuna fiducia in sé stesso (al punto da stordirsi di registrazioni motivazionali ed estenuanti esercizi in palestra per dimostrare di poter essere un maschio “alfa”), Christian si aggrappa disperatamente al ritorno dell’amico di sempre, soltanto per poi trovarsi coinvolto in qualcosa di folle e terribile, che richiede una cieca fiducia verso l'altro. Nel corso del film i due si metteranno alla prova a vicenda, immersi in un'atmosfera di paranoica inquietudine che sfocia in un finale al cardiopalma che è la cosa migliore di They Look Like People.

Per il resto, il film di Perry Blackshear è una produzione indie nel senso più stretto del termine. Intanto, They Look Like People è un'opera orgogliosamente mumblegore (più mumble che gore), nel corso della quale i personaggi discutono, si confrontano, vivono eventi quotidiani non particolarmente emozionanti o necessari ai fini della trama. Come ho scritto su, le sequenze più prettamente horror si contano sulle dita di una mano; le allucinazioni di Wyatt, a causa del basso budget a disposizione, sono soprattutto uditive, e solo in alcuni momenti si vedono delle persone trasformate in creature dagli occhi vuoti e dagli ampi, inquietantissimi sorrisi. Anche il numero di location interne è ridotto, il che è comunque funzionale alla rappresentazione di una vita squallida, ripetitiva (quella di Christian) e della quotidianità di una persona intrappolata, che sa di non poter fuggire alla minaccia aliena che ne sconvolge le percezioni, condannandolo alla solitudine perpetua, prima che sopraggiunga una possibile morte. Ciò detto, pur riconoscendo che The Look Like People non è un film realizzato senza alcuna cognizione di causa o comunque da un dilettante allo sbaraglio, devo purtroppo ammettere di essermi annoiata non poco durante la visione, proprio perché la natura di bromance è preponderante rispetto al discorso horror o sci-fi, il che si traduce in un ritmo mooolto lento, in grado di stemperare anche quei pochi momenti di tensione paranoica legati al personaggio di Wyatt e alle sue allucinazioni. Sicuramente non è un film da vedere la sera, dopo una giornata di lavoro; sono miracolosamente riuscita a non addormentarmi ma la tentazione era davvero fortissima!

Cast

Perry Blackshear è il regista e sceneggiatore del film. Americano, ha diretto film come The Siren e When I Consume You. E' anche produttore, attore e compositore. 

Curiosità

MacLeod Andrews (Wyatt), Evan Dumouchel (Christian) e Margaret Ying Drake (Mara) hanno partecipato anche dagli altri due film del regista. Se They Look Like People vi fosse piaciuto recuperate Bug, Take Shelter e The Voices. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 29: Giovani diavoli (1999)

Anche oggi la Nuovi Incubi Halloween Challenge si incrocia con quella di Letterboxd. E' uscito fuori Giovani diavoli (Idle Hands), un film in cui avrei voluto recitare, presente nella videoteca del creatore della challenge di Letterboxd, diretto nel 1999 dal regista Rodman Flender.

Trama

Anton, ragazzo pigro dedito al divano e alle canne, scopre di avere una mano indemoniata e assassina...

Recensione

Sento già i commenti di quei quattro lettori rimasti: "Ma veramente, con tutti i film che esistono, tu hai scelto Giovani diavoli come opera in cui recitare?". A parte che la risposta è "Perché no?", il fatto è che tutti gli horror in cui avrei bramato recitare sono stati già trattati sul Bollalmanacco, e l'unico che era rimasto fuori dal blog non era stranamente presente nella videoteca di Kynky. C'era però Giovani diavoli e, appena l'ho visto, mi è tornato in mente quanto amore avessi all'epoca (e ce l'ho tutt'ora) per Seth Green, e quanto avrei voluto recitare assieme a lui, in primis perché è un gran figo, e seconda cosa perché immaginavo le grassissime risate che si saranno fatti in un set dove, tra l'altro, erano capitati anche gli Offspring a suonare. Quindi, Seth Green, Devon Sawa e un concerto gratis degli Offspring. Capite bene che, a 18 anni, non c'era nulla di più cool per me. All'epoca dell'uscita italiana di Giovani diavoli avevo consumato la videocassetta registrata dalla TV, mi ero comprata il DVD appena l'avevo visto in un negozio di Genova e, prima ancora, avevo scaricato interi file wav. di dialoghi pronunciati da Seth Green per riascoltarli al PC, assieme alle canzoni della ruffianissima, perfetta colonna sonora; insomma, è un film che ho sempre amato con tutta me stessa, però non lo riguardavo da anni e avevo paura che, a 45 anni, mi sarei resa conto che non era così bello come ricordavo. Donna di poca fede! In realtà, Giovani diavoli non è bello, è bellissimo. Prosegue spedito come un treno in equilibrio tra horror serio e commedia "stoned", senza mai prendere in giro lo spettatore, perché è una delle poche horror comedy che fa sul serio nelle sequenze gore. Questo a prescindere da quanto sia cretino l'assunto, legato al titolo originale, per cui le mani pigre sono terreno fertile per il diavolo, o forse proprio per questo motivo. E non esistono mani più pigre di quelle di Anton, liceale che passa il tempo a guardare la TV sul divano e farsi canne assieme agli amici di sempre, Mick e Pnub. Il fulcro del film è la pigrizia, lo scoglionamento cosmico di questi tre adorabili scappati di casa, con Anton che non si accorge della morte dei genitori se non dopo tre/quattro giorni, finché lui e i due amici si rendono conto che il killer è proprio Anton, la cui mano pigra (la sinistra, perché la destra usa il telecomando e si fa le pippe, quindi insomma!) è stata posseduta da un demone dotato di un fortissimo istinto omicida. Già questa è un'idea che dà il la ad una serie infinita di possibilità, ma le cose migliorano quando, dopo essere stati uccisi da Anton, Mick e Pnub tornano come non-morti e come consiglieri "fraudolenti" del povero ragazzo, che si ritrova tra i piedi due adolescenti resi ancora più pigri e menefreghisti dalla loro condizione di morti. Tra perle di umorismo nero, un crescente numero di cadaveri, druide destinate a combattere il male, gemelli che fanno cose strane nei fast food, ragazze disnibite che limonano con gioia il vicino di casa, ma solo quando ne notano la creepytudine, e mani indemoniate che scalpano cantanti punk, Giovani diavoli prosegue per accumulo senza mai esagerare, inanellando tuttavia una serie di scelte talmente azzeccate da sembrare miracolose.

Come ho detto, la caratteristica di Giovani diavoli è quella di rispettare, senza snaturarle, le due anime che lo compongono, a partire dallo stile. Le parti horror sono curatissime, cominciando da una sequenza introduttiva che mette davvero inquietudine, passando poi alle splatterate causate dalla mano di Anton (i ferri da calza!!), realizzate con ottimi effetti speciali che reggono il passare del tempo senza alcun problema. La mano di Anton subisce un'interessante metamorfosi dopo la separazione dal ragazzo, ampliando ulteriormente il ventaglio di ramificazioni horror della trama, e il make-up di Mick e Pnub è semplicemente stupendo; in particolare, l'animatronic della testa di Pnub è allucinante, e lo stesso vale per tutti i momenti in cui il personaggio si ritrova ad interagire con gli altri senza testa, toccando un altissimo picco di genialità nell'istante in cui Mick decide di "aggiustarlo" per consentirgli di mangiare un burrito. Il trio di protagonisti, a tal proposito, è molto affiatato. Vero, Devon Sawa è il protagonista e regge da solo senza problemi intere sequenze che lo vedono lottare disperato contro la crescente sete di sangue della mano, ma il film non varrebbe nemmeno la metà senza due spalle come Seth Green ed Elden Henson. Assieme, i due fanno faville, alternando momenti in cui il caustico umorismo di Mick (il cui aplomb ricorda, a tratti, l'adorato Oz di Buffy) la fa da padrone ad altri in cui è il goffo, ma non meno irriverente, Pnub ad essere sotto i riflettori e a causare ancora più problemi al povero Anton, che piano piano arriva a mettere in discussione il loro stile di vita. Di fatto, Mick e Pnub sono protagonisti tanto quanto Anton, e non vengono mai eclissati dagli altri comprimari, ai quali viene comunque concesso tutto lo spazio necessario per non essere soltanto delle semplici macchiette. Diciamo che, ad oggi, l'unico personaggio invecchiato un po' male è quello di Jessica Alba, dipinto come una ragazzetta dall'aria profonda e tormentata, in realtà pronta a darla al primo che le palpa violentemente le chiappe, la cui funzione nella trama è quella di essere la damsel in distress che, come anticipato in un dialogo all'inizio, aspetta il suo knight with a shining armour. E peccato che questa "armour" siano una vestaglia da casa, una t-shirt strappata e un paio di boxer che Anton non si cambia per tutto il film. EEW. A parte questo dettaglio trascurabile, se non avete mai visto Giovani diavoli è giunto il momento di rimediare e innamorarvi perdutamente di questa adorabile commedia horror!

Cast

Devon Sawa (Anton Tobias), Seth Green (Mick), Elden Henson (Pnub), Jessica Alba (Molly), Vivica A. Fox (Debi LeCure), Jack Noseworthy (Randy), Sean Whalen (McMacy) e Fred Willard (Papà Tobias) li trovate ai rispettivi link. 

• Rodman Flender è il regista del film. Americano, ha diretto film come Leprechaun 2 ed episodi di serie quali I racconti della cripta, Millenium, Dawson's Creek, Una mamma per amica e Scream: La serie. Anche produttore, attore e sceneggiatore, ha 64 anni.

Curiosità

La mano di Giovani diavoli è "interpretata" da Christopher Hart, lo stesso attore che aveva dato vita a Mano nei due film de La famiglia Addams. In mezzo allo staff del Burger Jungle ci sono poi facce familiari come Kyle Gass dei Tenacious D e Tom DeLonge dei Blink 182, non bastassero già gli Offspring che si esibiscono al ballo di Halloween! Se Giovani diavoli vi fosse piaciuto recuperate The Faculty, Splatters - Gli schizzacervelli, The Babysitter, La Babysitter: Killer Queen e Freaky. ENJOY!