Alta Tensione (2003)

L’ho nominato parecchie volte sul blog, ma effettivamente erano anni che non lo rivedevo e ora ho rimediato. Sto parlando di Alta tensione (Haute Tension), devastante opera prima del regista francese Alexandre Aja, datata ormai 2003. La seconda visione è stata meno “tesa” ma sempre assai coinvolgente.

La trama: due compagne di università, Marie ed Alex, vanno a studiare nella casa di campagna di proprietà della famiglia della seconda ragazza. D’un tratto, di notte, arriva uno sconosciuto che trucida i familiari di Alex (cane compreso) e la rapisce. A Marie, unica sopravvissuta e unica libera, non resta altro che seguire il maniaco e cercare di salvare almeno l’amica.

Alta tensione è stato definito dallo stesso regista un “survival horror”, ovvero un film dove si mostra come una persona possa sopravvivere a situazioni che definire terrificanti è poco. La particolarità di pellicole come questa è che non ci sono mostri alla Freddy o Jason, ma incubi metropolitani assolutamente reali, come maniaci, psicopatici, banalissimi folli assassini che potrebbero un giorno bussare alla nostra porta e ridurci a matasse sanguinolente solo per il gusto di farlo, come ben si può leggere su ogni quotidiano oppure vedere in ogni tg. Questo genere di film ha fatto la fortuna dei cineasti francesi di nuova generazione, basti pensare a film come A’ l’interieur oppure Ils, macellate anche troppo realistiche. Ovviamente, in questi film l’elemento gore è quello che risalta all’occhio e che rimane nella mente dello spettatore (non a caso in A l’interieur il sangue scorre a secchiate e per tutto il film), ma a bene vedere in Alta Tensione questo genere di scene, sebbene da pugno nello stomaco, occupa una parte irrisoria del film. Quindi l’”alta tensione” nasce dal fatto che lo spettatore si immedesima nel personaggio di Marie, che si trova a dover prima testimoniare impotente lo sterminio dell’intera famiglia di Alex e quindi a dover combattere per salvare la sua vita e quella dell’amica, passando dalla paura alla rabbia omicida. Fino all’incredibile finale che ribalta ogni cosa e che, ovviamente, non posso rivelare.

Visto senza conoscere il finale, Alta Tensione è decisamente un’esperienza mortale anche per un amante dell’horror, si arriva alla fine senza fiato e tesi da far paura. Visto conoscendo il finale, come questa volta, ci si può soffermare sui particolari, come l’assoluta bravura delle attrici, che invertono le personalità dei rispettivi personaggi mano a mano che il film avanza (Marie all’inizio è quasi succube di Alex, il che acquista un senso alla fine, tuttavia dopo il rapimento la personalità di Alex viene annullata mentre quella di Marie diventa sempre più forte), o dell’attore che interpreta l’assassino, una brutale e perversa macchina di morte che uccide e tortura senza battere ciglio. Si possono apprezzare le finezze del regista che fin dall’inizio semina qua e là indizi sulla realtà delle cose, e gioca con lo spettatore troppo preso da quello che sta vedendo per accorgersi che qualcosa in effetti “stona”. Ci si inchina davanti agli effetti speciali del nostrano Giannetto de Rossi (e non, come il mezzo neurone mi aveva fatto scrivere, Sergio Stivaletti), che sta troppo spesso lontano dagli schermi, ma quando torna lo fa per essere ricordato a lungo: il papà decapitato e la scena finale della motosega sono difficili da sopportare, soprattutto davanti ad un grande schermo con tanto di dolby surround. E a proposito di suoni… la musica è molto importante nel film: assieme a quella ipnotica e stridente che percorre tutta la pellicola c’è un caposaldo del trash italiano,ovvero Sarà perché ti amo dei Ricchi e Poveri (che nonostante l’ilarità che suscita ad inizio film, alla fine acquista un significato decisamente più serio) e la splendida New Born dei Muse, un pezzo azzeccatissimo per l’inseguimento finale e per i titoli di coda.

Insomma, Alta Tensione è un ottimo horror, ben fatto e ben recitato. Non lo consiglio ovviamente a tutti, soprattutto ai facilmente impressionabili. Astenetevi e ripiegate su qualcosa di più rilassante. Del regista Alexandre Aja ho già parlato qui. Pare che dopo l’atteso Pirana 3-D cambierà rotta, dedicandosi alla fantascienza apocalittica e a quella ironica. Speriamo bene.

Cécile De France interpreta Marie, la protagonista. L’attrice belga non è tra le più famose in Italia, ma pare molto quotata in Francia. Tra i suoi film ricordo L’appartamento spagnolo e Il giro del mondo in 80 giorni. Ha 34 anni e due film in uscita.

Maïwenn Le Besco interpreta la sfortunata Alex. Difficile riconoscere l'attrice francese nel pregevole Il Quinto Elemento, nei panni della cerulea aliena cantante Diva Plavalaguna e neppure nel video Promises dei Cranberries, dove interpreta lo spaventapasseri. Ha recitato anche in Léon (sempre di Luc Besson) e nella versione francese di Camera Café. Ha 33 anni.

Philippe Nahon interpreta l'assassino. Attore francese attivo fin dagli anni 60, tra i suoi film ricordo L'odio, I visitatori 2: ritorno al passato, I fiumi di porpora e Il patto dei lupi. Ha 71 anni e sei film in uscita.  

E ora vi lascio con una chicca... il trailer? Puff, che banalità!!! Una perla del trash italiano, I ricchi e poveri con Sarà perché ti amo... live dal Cremlino di Mosca!!! ENJOY!!

Inglorious Basterds (2009)

Ogni volta che esce un film di Quentin è sempre una festa. Dopo anni di onoratissima carriera, i fan aspettano con trepidazione ogni nuova opera, e non restano mai delusi. Credo sia praticamente impossibile infatti restare delusi da chi mette amore per quello che fa in ogni singolo fotogramma, anche quando il genere scelto non è molto “tarantiniano”, come nel caso di Inglorious Basterds, il primo film di guerra del nostro (anche se definirlo solo film di guerra è estremamente riduttivo), girato nel 2009.

 

La trama, come in tutti i film di Quentin, non è lineare: nella Francia occupata dai nazi si intrecciano i destini dei “Bastardi”, un gruppo di militari guidati dall’americano Aldo Raine , il cui unico scopo è fare strage di nazisti, possibilmente scalpandoli, e dell’ebrea francese Shosanna, scampata per miracolo, da ragazzina, allo sterminio della famiglia per mano del “cacciatore di ebrei” colonnello Landa, ed ora proprietaria di un piccolo cinema dove Goebbels in persona vorrebbe proiettare il suo ultimo film.

 

Fin dall’inizio del film la “zampata” tarantiniana si vede e si sente. Innanzitutto il film è diviso in capitoli, il primo è una sorta di preludio alle vicende che verranno narrate in seguito. Seconda cosa, il tempo narrativo non segue i dettami della fabula, ma è MOLTO intrecciato, e i flashback, i salti temporali sia in avanti che indietro abbondano. Terza cosa, la colonna sonora, che ci introduce fin da subito nella Francia occupata dai nazisti con una splendida Fur Elise la cui melodia si unisce ad un’altra di stampo assai simile a quelle presenti negli spaghetti – western di Sergio Leone. E’ solo la parte più evidente di una contaminazione dei generi assoluta ed affascinante, spiazzante per chi è abituato a film di guerra girati seguendo certi canoni, che pervade l’intera pellicola: qui vengono introdotti anche l’horror, il metacinema, il noir, la commedia grottesca, persino la fiaba (la citazione da Cenerentola, nell’immancabile scena “feticista”, è d’obbligo). E ovviamente altrettanto immancabili sono le ironiche scritte a segnalare i diversi personaggi importanti durante la première di Goebbels, come in Pulp Fiction.

 

Ma la bellezza dei film di Quentin non sta solo in questi splendidi vezzi stilistici. La trama è coinvolgente e particolare, riesce a reinventare i clichè del genere (la persecuzione degli ebrei, la resistenza di un manipolo di eroi) in un modo del tutto nuovo pur sfruttando al massimo elementi già visti. Shosanna alla fine è una giovane “Sposa”, giustamente assetata di vendetta, che non perde l’occasione per metterla in piedi nel modo più eclatante ed efficace possibile, come già fece la buona Beatrix Kiddo in Kill Bill (peraltro torna anche il personaggio di Sofie Fatale, o meglio una sorta di sua antenata, interpretata dalla stessa attrice e sempre nel ruolo di traduttrice ufficiale dei “cattivi”). I Bastardi, più che soldati sono un branco di desperados violenti degni di un film come Il giustiziere della notte, più figli degli spaghetti – western che dei film di guerra. Ognuno di loro, ovviamente, è caratterizzato con pochi particolari che lo rendono unico ed indimenticabile (l’”orso ebreo” di Eli Roth con la sua mazza, l’ex soldato nazista torturato dai suoi, il “piccoletto” che scalpa con la stessa naturalezza con cui si allaccerebbe le stringhe, e così via), curato nei dettagli e nella psicologia come tutti i personaggi della pellicola, sia buoni che cattivi, più o meno importanti.

 

Molta della bellezza dei personaggi sta nella bravura degli interpreti. E’ stupefacente come Quentin riesca sempre ad assegnare a qualsiasi attore, anche il più sconosciuto ed incapace, un ruolo in grado di valorizzarlo e renderlo indimenticabile. A me pare che in Inglorious Basterds, più che in qualsiasi altro suo film, si sia lavorato molto sull’interpretazione. Al di là di Christoph Waltz che è semplicemente eccelso nel ruolo di Landa (non a caso ha vinto il premio come miglior attore al Festival di Cannes di quest’anno), e che riesce ad infondergli la perversione, la cattiveria, la stupidità ironica e l’infamia in grado di renderlo odioso fin dal primo fotogramma, anche gli altri attori sono perfetti, le interpreti femminili in primis: Diane Kruger con la sua bellissima attrice – spia, tanto raffinata e bella (e con un guardaroba da urlo!) quanto coraggiosa ed intelligente, e la rivelazione Mélanie Laurent con la sua sfortunata e determinata Shosanna, uno dei personaggi femminili più belli mai creati da Quentin, a mio avviso. E parliamo dei Bastardi, che sono uno meglio dell’altro. Ora, io non amo troppo Brad Pitt come attore, ma il suo personaggio così sopra le righe, strafottente e spaccone, affamato di scalpi e infastidito dal fatto che i nazi, una volta finita la guerra, potrebbero condurre una vita tranquilla e rispettabile, senza essere riconosciuti per quello che hanno fatto, è decisamente geniale, e lui ci mette del suo per renderlo indimenticabile, creando dei siparietti esilaranti. Che sarebbero impossibili senza il valido appoggio di Eli Roth che, lo ammetto, mi ha decisamente folgorata: le scene al cinema, dove lui, Pitt e un terzo “Bastardo” devono imitare un trio di cineasti siciliani sono da primato, e aspetto solo che esca il DVD per potermi gustare queste parti senza il doppiaggio italiano, che pure è bellissimo. Menzione d’onore, inoltre, spetta all’ex ragazzino di Goodbye Lenin, Daniel Brühl, che è cresciuto per interpretare un magistrale “eroe” di guerra ambiguo ed irritante fino all’ultimo fotogramma, e ovviamente a Mike Myers, che interpreta un generale inglese in pochi, preziosi minuti di mix tra Dottor Male e Austin Powers.

 

In ultimo, facciamo il gioco delle citazioni. Ammetto che stavolta Quentin si è impegnato per rendere il tutto più difficile, sfoggiando un’invidiabile conoscenza del cinema tedesco che sta alla base del dialogo tra gli inglesi e in quello tra Shosanna e l’eroe di guerra, conoscenza che porta sicuramente a rimandi e citazioni che io, ahimé, non ho saputo cogliere. Posso solo dire che, oltre ai già citati omaggi a Leone e Cenerentola, e a nomi propri come quello del generale Ed Fenech (interpretato da Myers) o Antonio Margheriti, si vede un Brad Pitt “siciliano” che è praticamente identico al Don Vito Corleone interpretato da Marlon Brando ne Il Padrino (sia nelle movenze, che nelle espressioni, che negli abiti), un Eli Roth che nelle scene finali assume la posa e l’espressione di Al Pacino in Scarface, un film, quello girato da Goebbels, che riprende atmosfere ed alcune inquadrature da La Corazzata Potiemkin, per finire con una faccia gigante fatta di fumo e specchi come quella ingannevole de Il mago di Oz. Ci sta anche una citazione sugli scantinati per bocca di Brad Pitt, presa paro paro dal Fight Club di cui lui è interprete.

 

Difetti? Ma vogliamo proprio trovargliene qualcuno? Mmmmh…. L’inaccuratezza storica sul finale. Il film alla fine può essere però visto come un sogno. Un sogno di gloria di questi poveri bastardi. Un sogno per l’umanità intera. E se proprio vogliamo cercare il pelo nell’uovo, gli alti papaveri nazisti, soprattutto Hitler, sono delle macchiette, dei pupazzi da operetta. Ma, diciamocelo… chissenefrega? Bastardi Senza gloria, insomma, è un film cinefilo che, a differenza di Deathproof, può essere visto ed apprezzato da tutti. Non ai livelli di Kill Bill, quello secondo me è il capolavoro di Quentin, ma poco inferiore. Splendido, assolutamente consigliato.

Di Tarantino ho già parlato qui, dell’affascinante Michael Fassbender (che interpreta il Bastardo scozzese) qui, Eli Roth lo trovate qua, mentre Christoph Waltz è stato nominato in questo post. Il caro Brad invece ha fatto la sua comparsata sul bollalmanacco qui.

 

Mike Myers interpreta, come già detto, il generale Ed Fenech. Trasformista come pochi, soprattutto nella sua trilogia più famosa, quella di Austin Powers, il demenziale comico canadese, negli ultimi tempi, pare essersi incarnato nell’orco Shrek, a cui ha prestato la voce per tutti e tre i film. Tra le altre pellicole del “miTTico”, ricordo il geniale Fusi di testa (e seguito), il particolare Studio 54 e lo storico e maffissimo Cat in the Hat. Ha 46 anni e tre film in uscita tra cui un quarto Shrek.

 

Diane Kruger interpreta l’attrice Bridgett Von Hammersmark. Tedesca (anche se Quentin la trovava troppo “americana”), tra i suoi altri film cito Troy e Il mistero dei Templari, insomma due pellicole che in effetti non lasciavano presagire un’interpretazione come questa. Ha 33 anni.

 

Ora, siccome ho già messo in un post il trailer di Inglorious Basterds, vi lascio al trailer del film da cui tutto è partito: Quel maledetto treno di blindato, di Enzo G. Castellari, il cui titolo USA è proprio... The Inglorious Bastards. ENJOY!!!!

 

 

 

Inkheart - la leggenda del cuore d'inchiostro (2008)

Nonostante questo blog raccolga per la maggior parte film horror o trash, capita anche che ci sia spazio per film “carini”, quasi leggeri. E’ questo il caso di Inkheart – La leggenda del cuore d’inchiostro, diretto nel 2008 dal regista Iain Softley, e tratto dal primo romanzo di una trilogia scritta dalla tedesca Cornelia Funke, Cuore d’inchiostro, appunto (gli altri due romanzi sono Veleno d’inchiostro e Alba d’inchiostro).

 

La trama: Mo è un restauratore di libri in grado di rendere reale ciò che legge, di trasportare personaggi di fiabe e romanzi nella realtà e anche, come “contrappasso”, di far finire le persone viventi nei mondi immaginari della carta stampata. Lo ritroviamo in viaggio con la figlia, Maggie, in cerca del libro Inkheart dove sua moglie è rimasta intrappolata, e in fuga da due personaggi usciti dallo stesso libro: il mangiafuoco Dita di Cenere, che vorrebbe tornare nel romanzo, e il malvagio Capricorno che invece vorrebbe sfruttare l’abilità di Mo per i suoi scopi.

 

Ammetto che prima di vedere il film non conoscevo né il romanzo da cui è tratto, né l’autrice. Nella miriade di pellicole fantasy che periodicamente escono, Inkheart ha attirato la mia attenzione non tanto per il cast, che pure conta nelle sue fila grandi nomi, ma per gli splendidi luoghi dove è stato girato, tutti delle mie parti. Nel film viene nominata Alassio, dove si svolgono alcune scene del film (si riconoscono in effetti il Budello e la passeggiata), ma la parte più consistente vede come location il borgo medievale di Balestrino, in provincia di Savona (e che io e Toto abbiamo erroneamente preso per Bussana vecchia, considerando lo splendido castello di Capricorno un’aggiunta fatta al computer!). E sono senza dubbio le location scelte a rendere affascinante una pellicola che alla fine prende un po’ troppo da La storia infinita, per il concetto della metaletteratura e per l’amore legato ai libri, e un po’ da mille altri romanzi simili per tematiche e personaggi, e che quindi non racconterebbe nulla di troppo nuovo.

 

In generale, il film è realizzato ottimamente, belli gli effetti speciali che non soffocano assolutamente una regia fluida che predilige scene colme di panorami ed elementi vivaci, ricca di dettagli anche negli ambienti chiusi. Le scenografie e i costumi sono azzeccati e davvero graziosi, oltre al già citato Castello di Capricorno segnalo le librerie in casa della zia di Maggie, lo splendido negozietto del villaggio svizzero e le pagine scritte tatuate sui volti di coloro che escono “imperfetti” dal mondo dei libri. Alcune trovate sono geniali, come quando compare il mitico cane Toto del Mago di Oz o gli effetti devastanti di una lettura balbuziente. Gli attori sono tutti molto bravi, anche se forse i personaggi sono un po’ bidimensionali. Non avendo letto il libro, rimango un po’ perplessa dal fatto che un’attrice come Jennifer Connelly abbia accettato un cameo di mezzo minuto, comparendo in un paio di flashback come la moglie bramata di Dita di Polvere. Il finale sembrerebbe un po’ “facilone”, e cozza con quanto afferma quello che nel film è l’autore di Inkeart, quando ad un certo punto afferma che solo leggendo nuove parole scritte dal vero scrittore di un romanzo ne si potrebbe cambiare la storia, influenzando gli eventi. Invece alla fine bastano poche parole scritte a caso sulle braccia per salvare capra e cavoli. Mah. Nonostante tutto il mio giudizio è comunque positivo: se cercate un film fatto bene, carino e piacevole da vedere, per una serata relax, questo fa per voi. E chissà che non vi faccia venire voglia di leggere dei buoni, vecchi libri.

 

Di Jennifer Connelly ho parlato qui, mentre qua potete trovare una presenza ormai fissa del Bollalmanacco, ovvero Jim Broadbent, che interpreta lo scrittore Fenoglio (non il nostrano Beppe!)

Iain Softley è il regista della pellicola. Inglese, ha diretto pochi film tra cui K – Pax e il pregevole The Skeleton Key. Ha 51 anni.

 

Brendan Fraser interpreta Mortimer, detto Mo. L’attore americano si è fatto un nome con scanzonati film d’azione come La mummia e i suoi due seguiti, ma nella sua filmografia figurano anche opere pregevoli e più serie come il bellissimo Uomini e dei. Inoltre ricordo Airheads – Una banda da lanciare, Sbucato dal passato, George re della giungla, Looney Tunes: Back in Action, Viaggio al centro della terra. Ha prestato la voce ad un episodio de I Simpson e partecipato ad alcune puntate di Scrubs. Ha 41 anni e tre film in uscita.

 

Paul Bettany interpreta il mangiafuoco Dita di Polvere. L'attore inglese, assai particolare, ha recitato nel bellissimo Gangster N°1, Il Codice Davinci ed Iron Man, dove ha dato la voce a Jarvis. Ha 38 anni e tre film in uscita.

 

Andy Serkis interpreta il malvagio Capricorno. Se la sua faccia vi dice qualcosa, non sforzate i neuroni: non è facile riconoscere il Gollum de Il Signore degli anelli e King Kong, senza trucco, vero?! La sua vera faccetta possiamo vederla in Insomnia e The Prestige, inoltre ha prestato la voce per un episodio de I Simpson e per il film Giù per il tubo. L'attore inglese ha 45 anni e ben nove film in uscita.

Helen Mirren interpreta la zia Elinor. Inglese, ha vinto il premio Oscar per il film The Queen, ed era già stata nominata come miglior attrice non protagonista per il pregevole Gosford Park e La pazzia di Re Giorgio. Tra i suoi altri film ricordo Caligola del nostrano Tinto Brass (ohibo!!!), Excalibur, Calendar Girls e ha prestato inoltre la voce per Il principe d'Egitto. Ha recitato in almeno un episodio di Ai confini della realtà e Frasier. Ha 74 anni e cinque film in uscita.

vi lascio con il trailer del film, ora.... ENJOY!!!!

Planet Terror (2007)

Che tristezza non avere il tempo di vedere film come si dovrebbe (ovvero almeno due al giorno, e che diamine!!), tanto che persino pellicole bramate come il Planet Terror di Robert Rodriguez rimangono in sospeso ben dal 2007. Finalmente l’ho visto e devo ammettere, con rammarico, di essere rimasta un po’ delusa.

 

La trama: dei soldati rilasciano all’interno di una cittadina un gas che in quattro e quattr’otto trasforma gli ignari abitanti in ammassi di pus zombizzati. Poche persone sembrano immuni al virus, tra cui l’ambiguo El Wray e la sua ex fidanzata, Cherry Darling, a cui gli zombie hanno divorato una gamba. Assieme, riuniscono un gruppetto di sopravvissuti e cercano di mettere un freno all’epidemia dilagante, senza mancare di sterminare quanti più zombie possibili.

 

Planet Terror è un film che lascia delusi, perché sa tanto di occasione sprecata. Peccato, perché le premesse c’erano tutte. Innanzitutto un’operazione commerciale inaudita, ovvero un film doppio diretto da Tarantino e Rodriguez, un omaggio ai vecchi Grindhouse, due filmacci splatter o in puro stile exploatation al prezzo di uno. L’operazione, almeno in Europa, è sfumata, visto che Planet Terror e Deathproof sono stati distribuiti in separata sede e il secondo meglio distribuito del primo, ma questo non avrebbe dovuto penalizzare più di tanto le due pellicole, visto che la parte di Tarantino era bella come sempre. Altre cose interessanti la trama, e i personaggi: la prima ridotta all’osso, è vero, ma comunque piena di trovate terribili ed esilaranti allo stesso tempo, i secondi ben caratterizzati e cool, come sono stati il buon vecchio Mariachi o i fratelli Jecko. E poi, non ultimi, un insieme di attori da far venire la bava alla bocca, primo fra tutti il divino Bruce Willis, ma anche Rose McGowan, Tarantino, Tom Savini e compagnia cantante non scherzano. Insomma, poteva essere un Dal Tramonto all’alba all’ennesima potenza, e invece qualcosa è andato storto.

 

Il motivo, secondo me, sta proprio nel fatto che questo film è un calderone confuso di tutte le cose citate sopra. Per carità, l’effetto “vintage” della pellicola utilizzata è splendido e reso ancora più realistico dal “reel missing” durante la scena di sesso, la realizzazione, come gli effetti speciali (uno su tutti la protesi di Cherry Darling) è bellissima, Rodriguez è un regista con le palle e si vede, anche per come sa avvalersi di validi collaboratori. Però quello che dovrebbe essere il cuore della pellicola si perde in un ritmo troppo rapido e confuso. L’inizio, preceduto dal meraviglioso falso trailer di Machete (con Danny Trejo è inquietante ed interessantissimo, con il virus che comincia a prendere piede e la lenta introduzione dei personaggi principali, in un’atmosfera scusa e pervasa da nebbie. La morte dell’amante di Dakota, l’attacco alla polizia e le scene in ospedale sono puro, splendido stile Rodriguez, pervase da nera ironia e decisamente scioccanti. Purtroppo dal momento esatto in cui i sopravvissuti si ritrovano nel ristorante comincia la lenta discesa verso la noia più tamarra.

 

Ad ogni personaggio comincia a venire dato uno spazio esiguo ed il più delle volte per confessioni lacrimevoli che poco ci azzeccano con la trama ed approfondiscono decisamente poco visto che sembrano dialoghi presi da qualche bignami di psicologia. Persino il cameo di Tarantino, che pur finisce in modo esilarante, è lontano anni luce dall’ironia di Four Rooms, giusto per citare un film, e sembra un tentativo fallito di fare ridere. Altri personaggi sprecati sono Dakota con il marito ed il padre (il solito sceriffo che ci accompagna fin dai tempi di Dal tramonto all’alba), le Crazy Babysitter Twins, lo scienziato pazzo interpretato dal Sahid di Lost, e persino Bruce Willis si perde in un monologo che avrebbe fatto venire il mal di testa al buon Kurtz di Conradiana memoria, delirando su Bin Laden e su un assurdo complotto per mascherarne la morte. Oltre la cacofonia di esplosioni, sparatorie, corpi e cervella spappolati, rimane un finale che non è orrendo… di più: un futuro post apocalittico e bucolico con Rose McGowan nei panni di una novella Xena dotata persino di turbante e marsupio per pargolo. Decisamente un finale da pugno nello stomaco, trash e raffazzonato come pochi.

In definitiva, non un brutto film, per carità. Ma non aspettatevi chissà che: non rimarrete delusi come è successo a me, se seguirete questo semplice consiglio.

 

Di Tom Savini ho già parlato qui.

Robert Rodriguez è il regista della pellicola. Enfant prodige del cinema americano (nonostante il cognome e i temi spesso trattati nei suoi film è infatti nato in Texas) e collaboratore tarantiniano pressoché costante, ha all’attivo un sacco di pellicole tra le più belle degli ultimi decenni. Tra i suoi film ricordo El Mariachi (che con Desperado e C’era una volta in Messico compone una trilogia tra le più belle), Four Rooms (l’episodio The Misbehavers), il già citato Dal tramonto all’alba, The Faculty, la trilogia di Spy Kids e Sin City. Ha 41 anni e due film in uscita, ovvero il seguito di Sin City e il film che tutti stiamo aspettando: Machete!!

 

Bruce Willis interpreta il Tenente Muldoon. Come diceva l’Alberto Tomba imitato da Gioele Dix “chi mi conosce lo sa”: io AMO Bruce. E’ l’uomo ideale, che sia pelato, grasso, scionco, viola… è sempre un fico. Anche quando si scioglie in una colata di pus, come in questo caso. Non ho ancora perso le speranze di convolare a giuste nozze con lui, ma nel frattempo continuo a guardare i suoi film, tra cui ricordo: Appuntamento al buio, la quadrilogia di Die Hard, Il falò delle vanità, Hudson Hawk – Il mago del furto, L’ultimo boyscout, La morte ti fa bella, Palle in canna, il divino Pulp Fiction, il già citato Four Rooms, L’esercito delle 12 scimmie, Ancora vivo, Il quinto elemento, The Jackal, Codice Mercury, Armageddon – giudizio finale, Attacco al potere, Il sesto senso, FBI protezione testimoni (col seguito), Faccia a faccia, Unbreakable – Il predestinato, Bandits, Charlie’s Angels: più che mai, Sin City. E’ stato la voce originale di Mickey nei due Senti chi parla oltre ad aver doppiato alcuni personaggi in Beavis & Butthead alla conquista dell’America e La gang del bosco. Oltre al telefilm che lo ha reso famoso, Moonlighting, ha partecipato anche a episodi di Miami Vice, Ai confini della realtà, Ally McBeal, Friends, That’s 70 Show. Ha 54 anni portati benissimo e la bellezza di cinque film in uscita. Go Bruce!!!!

  

Quentin Tarantino interpreta il soldato stupratore. Se Bruce è il futuro marito, Quentin è la divinità che consacrerà il nostro matrimonio, visto il suo assoluto amore ed impegno verso ogni genere di cinema, soprattutto il più becero e trash, e visto che i suoi film sono i miei preferiti in assoluto: Le iene, Pulp Fiction, Four Rooms, Jackie Brown, i due episodi di Kill Bill (gli unici due film in cui non ha fatto una comparsata, di quelli da lui diretti…), Sin City, Deathproof. E ora Inglorious Basterds che aspetto come un bambino aspetta Babbo Natale. E’ riuscito anche a dirigere un episodio di ER e uno di CSI. Come attore invece ha partecipato a Il tuo amico nel mio letto (con un delirante monologo sull’omosessualità latente in Top Gun), Mr Destiny, Desperado (con una delirante barzelletta sugli uomini che pisciano su banconi e baristi), Dal tramonto all’alba e anche ad un paio di episodi di Alias. Se volete sapere che età ha Dio, ha 46 anni. Ma è molto, molto lento, quindi non ha progetti in cantiere. Damn!

 

Rose McGowan interpreta Cherry Darling. Salita alla ribalta con la serie Streghe come quarta sorella Halliwell, Paige, al momento della dipartita di Shannen Doherty, e famosa per la relazione con il buon Marilyn Manson, effettivamente la filmografia dell’attrice non è delle più esaltanti. Tra i suoi film rammento lo storico Scream e l’interessante Amiche cattive, mentre per la TV ha recitato anche in qualche episodio di Nip/Tuck. L’attrice di origini italiane ha 36 anni e tre film in uscita, tra cui… Machete!

 

Freddy Rodriguez interpreta El Wray. Famoso per la sua interpretazione di Federico nell’ormai conclusa seria Six Feet Under, ha avuto piccole parti in film come Il profumo del mosto selvatico, Giovani pazzi & svitati, l’orrendo Lady in the Water. Ha inoltre doppiato un episodio di American Dad oltre ad aver partecipato alle serie Party of Five, Scrubs, ER e Ugly Betty. Ha 34 anni.

A questi punti, visto che ho sproloquiato a sufficienza, vi lascerei, per la gioia di Toto, con la barzelletta raccontata da Quentin in Desperado.. ragazzi, ENJOY davvero e cercatela in italiano, fa sdraiare!!!

 

Creepshow (1982)

C’erano una volta i giornaletti horror. Non quelli propriamente “raffinati”, seppur splatter, come poteva essere un Dylan Dog italiano, ma un’accozzaglia di becere storielle più o meno brevi e di svariata fattura. C’erano i vari zio Tibia, la serie I racconti della cripta, sia in telefilm che in cartone animato (chi se lo scorda il buon vecchio Pelleossa?), persino il Nightmare Café. Ora quei bei tempi sono finiti, sopraffatti da serie sempre più patinate e prive di ironia, fatte con lo stampino. Ma a volte capita di riuscire a ripescare un gioiellino come Creepshow, del 1982, diretto dal buon vecchio George Romero e scritto nientemeno che da Stephen King.

Il film è diviso in 5 episodi, corrispondenti a cinque diverse storie presenti in un fumetto horror che un dispotico padre di famiglia getta via strappandolo dalle mani del figlio. In La festa del papà, un vecchio squilibrato torna dalla tomba per perpetrare una postuma vendetta sulla sua famiglia. In La morte solitaria di Jordy Verril un povero bifolco trova un meteorite che a poco a poco lo trasforma in una pianta. In Alta marea due amanti vengono uccisi dal marito di lei ma trovano il modo di tornare. In La cassa un orrore vecchio di anni viene rinvenuto all’interno di una cassa nascosta in un sottoscale. Per finire, in Strisciano su di te, un maniaco della pulizia deve combattere contro orde di scarafaggi che gli infestano l’appartamento.

In un film a episodi, ovviamente la qualità può essere assai altalenante, anche se il regista e lo sceneggiatore sono sempre gli stessi, quindi sarebbe meglio guardare al risultato complessivo. Creepshow, in questo caso, è un film nostalgico e divertente, che regala delle piccole perle di cattiveria assoluta, non privo di una morale. Il fil rouge, infatti, che lega tutte le storie, tenute assieme anche dall’introduzione e dal finale, che costituiscono alla fine un sesto, piccolo episodio, potrebbe essere: se sei uno stronzo omicida o semplicemente un cretino animato da motivazioni meno che pure, avrai quello che ti meriti. In effetti, tutti quelli che nel film finiscono più o meno male, persino il povero Jordy Verril che alla fine agisce spinto dall’ignoranza e da una speranzosa avidità, o il marito disperato dell’episodio “La cassa”, hanno fatto qualcosa di male per meritare gli orrori che vengono scagliati loro contro. Le vittime lo sono sempre per un motivo, e non è detto che ai “buoni” o apparenti tali vada meglio che ai “cattivi”.

Data la semplicità quasi moralistica di questo assunto, che racchiude in sé, a mio avviso volontariamente, un’ingenuità tipica dei fumetti di quegli anni, è ovvio che anche le storie siano brevi e assai semplici, giusto dei bocconcini di horror. La festa del papà è una storia di orrori che provengono dal passato, assolutamente da non perdere per chi volesse capire come e dove il buon Leo Ortolani, papà di Ratman, abbia tirato fuori il nome della bastardissima Bedelia di Venerdì 12. Per il resto, l’episodio è uno dei più deboli e dei più grotteschi, con un finale da mazzata nello stomaco, una specie di contrappasso dantesco. La morte solitaria di Jordy Verril vede come protagonista assoluto uno Stephen King bifolco, che regge da solo un altro episodio non troppo memorabile, che lo vede come unica attrattiva. Certo, è inquietante e triste vedere un uomo trasformarsi in pianta, ma la realizzazione punta più sul grottesco e sull’interpretazione esilarante del buon King che sulla trama. In Alta marea è più apprezzabile la parte thriller che quella propriamente horror, visto che la tortura escogitata da Lesile Nielsen è la parte più interessante ed effettivamente inquietante. Rispetto agli altri due episodi è leggermente sottotono in quanto ad umorismo, ma la tensione aumenta, ed esplode negli ultimi due episodi, a mio avviso i più agghiaccianti. Sarà perché gli scarafaggi mi fanno naturalmente schifo, e vedere un appartamento sigillato e invaso dalle blatte non può che farmi desiderare di morire all’istante, sarà perché La cassa è l’unico episodio dove ci sono parecchie sequenze gore e il mostro è effettivamente inquietante, alla fine le ultime due storie risaltano rispetto alle altre. La cornice, invece, metà film e metà cartone animato, è gradevole e cattivella.

Nell’insieme la realizzazione è molto buona. Ogni spezzone viene introdotto da una pagina animata, che viene riproposta identica dalla prima inquadratura di ogni episodio, e si conclude con un’altra pagina che riprende l’ultima scena. Elementi fumettistici, come didascalie, cornici per flashback, vignette, sono ricorrenti per tutto il film. Gli attori non sono eccelsi, ma va bene così perché l’horror del film non dev’essere serio, bensì leggermente “naif” e volutamente caricato, così come le interpretazioni. Gli effetti speciali d’altra parte sono ottimi, grazie al buon Tom Savini che fa anche una comparsata come netturbino, e soprattutto negli ultimi due episodi sono assolutamente agghiaccianti. Insomma, se state cercando un horror leggero ma gradevole, avete trovato il film giusto!!

George Romero è il regista del film, e il padre putativo di tutti i film di Zombie che hanno invaso i nostri schermi fin dagli anni ’70. Qualsiasi regista che voglia entrare nel mondo dei morti viventi per mostrarcene uno scorcio non può prescindere dai capisaldi di Romero, La notte dei morti viventi in primis, per poi continuare con Zombi, Il giorno degli zombi e finire con i più recenti e meno “storici” La terra dei morti viventi e Le cronache dei morti viventi. Tra i suoi altri film ricordo il martoriato (almeno nell’edizione italiana) Wampyr, Monkey Shines: esperimento nel terrore, Due occhi diabolici e La metà oscura. Il regista newyorchese ha 69 anni.

Di Leslie Nielsen ho già parlato qui, di Tom Savini qua.

Della serie, saranno famosi, tra gli attori coinvolti c’è un giovanissimo Ed Harris, nei panni del maritino di una delle nipoti di Bedelia, nell’episodio La festa del papà. E’ incredibile come un attore così dotato, tanto da essere stato nominato agli Oscar per ben quattro volte (con i film The Hours, Pollock, The Truman Show e Apollo 13) abbia cominciato con un ruolo così sciapo che è difficile persino riconoscerlo. Tra i suoi altri film rammento The Abyss, Il socio,Cose preziose, L’ombra dello scorpione (quest’uomo è abbonato a King…), The Rock, Potere assoluto, A History of Violence. Per la TV ha lavorato in Chips, Cuore e batticuore, Fraisier. Ha 59 anni e tre film in uscita.

E ora, molto banalmente, vi lascio al trailer del film... chiedo perdono, ma essendo così vecchio non ho trovato niente di meglio!!! ENJOY!

     

Ragazzi perduti (1987)

I vampiri degli anni ’80 hanno lasciato il segno per essere stati leggermente contaminati da una patina di infantilismo trash, che infilava nelle trame elementi di teen movies e commedie avventurose alla Goonies per intenderci. Esempio eclatante è Ammazzavampiri, esilarante horror dove un ragazzino ed una vetusta e disillusa star di un programma horror per ragazzi devono allearsi per sterminare dei veri vampiri. Oppure Scuola di mostri, la cui trama era molto simile, con il branco di ragazzini horrorofili impegnati a salvare la terra da Dracula e compagnia bella. Non si distacca da questi clichè Ragazzi perduti, girato nel 1987 da Joel Schumacher.

 

La trama: Michael è un ragazzotto che si trasferisce dal nonno in California con la mamma e il fratellino. Una sera, seguendo una ragazza, viene coinvolto in una sorta di “festino” da una banda di motociclisti guidata dal biondo David. Alla fine della notte brava, dopo essersi scolato una bottiglia di quello che altro non era se non sangue, Michael si risveglia.. vampiro. Con l’aiuto del fratellino e dei fratelli Frog, le massime autorità in fatto di vampirismo di tutta la città, dovrà cercare di tornare normale e di debellare David con tutta la sua banda di succhiasangue.

 

Come ho detto all’inizio, questo Ragazzi perduti è un horror un po’ atipico. La trama si concentra più sull’aspetto avventuroso legato alla caccia ai vampiri piuttosto che sulla rappresentazione di come, effettivamente, un ragazzo possa sentirsi se venisse trasformato in un non morto, oppure sulle razzie degli stessi vampiri. Questa è la particolarità ed il difetto principale del film, che non mi ha lasciata molto entusiasta, effettivamente. Diciamo che al posto dei vampiri poteva esserci qualsiasi altro mostro da debellare, visto che loro stessi si vedono poco: David e compagnia vengono rappresentati o come invisibili entità che calano dall’alto sulle vittime ignare, oppure come bikers bulletti e modaioli. Solo in un paio di scene, soprattutto verso la fine, gli effetti speciali si sprecano e la natura vampirica dei nostri si palesa al meglio, regalando anche qualche sano spavento… peccato che nel frattempo la pellicola si sia trascinata lenta e fiacca tra madri disperate in cerca di lavoro, infatuazioni adolescenziali, smorfie deprimenti del patetico fratellino di Michael e gli animali imbalsamati del nonno.

 

 

Quello che assolutamente risolleva il film e lo ha reso, nonostante i mille difetti, un cult oltreoceano, sono i due fratelli Frog, interpretati rispettivamente da Corey Feldman, ovvero il “Mouth” dei Goonies, e Jamison Newlander. Questi due personaggi sono meravigliosi, dei nerd che gestiscono un enorme negozio di fumetti grazie ai quali sono diventati i massimi esperti della città sui Vampiri e sui metodi per sconfiggerli. Il modo che hanno di parlare è esilarante, da esperti consumati, veri supereroi senza macchia e senza paura… se nonché le citazioni da geek ci scappano sempre, come quando chiamano il vampiretto “Eddie Munster” o paragonano un altro succhiasangue alle Twisted Sisters... o quando, alla proposta del capovampiro di fare della madre di Michael la madre dei suoi “ragazzi”, uno dei Frog ribatte:”Oh yes, the bloodsucking Brady Bunch!” Due pazzi completi, che incarnano il sapore adolescenziale del film, ma anche la sua parte più interessante.

 

Il resto del film, come ho detto, è piuttosto piatto. Merito anche di una realizzazione che molto ricorda i patinati videoclip dell’epoca, l’orribile moda pre Beverly Hills 90210. Persino l’idea di rappresentare i vampiri che calano dall’alto mostrando la loro soggettiva delle vittime non contribuisce a sollevare il piattume generale. Tuttavia gli effetti speciali, non abbondanti a dir la verità, sono molto ben fatti: il trucco di David e dei suoi compagni è sufficientemente inquietante e anche le scene di “volo”, comprese le battaglie aeree tra buoni e cattivi non risentono dell’usura del tempo. Trovo però stupidi sia l’idea di lasciare i mezzivampiri liberi di vagare alla luce del sole solo con un paio di occhiali da sole, sia il finale, talmente sbrigativo che anche la rivelazione prima dei titoli di coda non riesce a lasciare il pubblico stupito. Però ha dato vita ad un seguito uscito solo per il mercato dell’home video, Lost Boys: The Tribe, del 2008. Nel 2010 è previsto un altro seguito, se servisse un’ulteriore prova del fatto che ormai il cinema USA sta davvero raschiando il fondo del barile.

 

Di Joel Schumacher ho già parlato qui. Kiefer Sutherland, invece, potete trovarlo qua.

 

Jason Patric interpreta Michael. L’attore americano ha cominciato la sua carriera negli anni ’80, ma non è mai diventato troppo famoso, nonostante un paio di film di discreto successo. Tra le sue pellicole ricordo Frankenstein oltre le frontiere del tempo (se la memoria non mi inganna l’ultimo film di Corman…), Sleepers, Speed 2 – Senza limiti. Ha 43 anni e un film in uscita.

 

Corey Feldman, come ho già accennato, interpreta il folle Edgar Frog. Figlio degenere degli anni ’80, nel senso che dopo moltissimi, storici film, si è impantanato in abusi di droghe e altre stronzate da star demente, è impossibile dimenticare il suo Mouth dei Goonies, quello che terrorizzava la povera colf spagnola con le sue macabre traduzioni. Tra i suoi film ricordo, con assoluta nostalgia due capolavori come Gremlins e Stand By Me – ricordo di un’estate, con un accenno di tristezza invece cose come Venerdì 13: capitolo finale, Venerdì 13: Il terrore continua (ma non doveva essere finito nel capitolo precedente??), il pur esilarante Palle in canna, Il piacere del sangue, The Toxic Avenger IV – Citizen Toxie, Puppet Master vs Demonic Toys, Lost Boys: The Tribe, mentre ha dato la voce alla volpina di Red & Toby nemiciamici e a Donatello in Tartarughe Ninja alla riscossa e Tartarughe Ninja III (nel secondo film Donatello era muto?). Per la TV ha partecipato a La Famiglia Bradford, Mork & Mindy, Love Boat, Casa Keaton, I racconti di mezzanotte. Il nostro ha 38 anni e ben cinque film in uscita.

 

Dianne Wiest interpreta la madre di Michael, Lucy. L’attrice americana ha vinto due Oscar come migliore attrice non protagonista, uno per Hannah e le sue sorelle e l’altro per Pallottole su Broadway. Tra i suoi altri film ricordo Footlose, Radio days, lo splendido Edward mani di forbice, Il mio piccolo genio, Piume di struzzo, Amori e incantesimi, mentre per la TV ha lavorato in Law and Order. Ha 61 anni e tre film in uscita.

E ora vi lascio con il trailer originale, giusto per darvi un'idea!! ENJOY!!

 

 

Hot Fuzz (2007)

Non sempre quando si riunisce una squadra che ha dato vita ad un film che può essere giustamente definito cult si raggiunge un risultato identico o perlomeno simile. Tenendo bene a mente questa premessa, ho guardato Hot Fuzz (diretto nel 2007 da Edgar Wright), memore della perfezione assoluta di Shaun of the Dead. Per fortuna non sono stata delusa e, anche se la romzomcom per eccellenza è impossibile da eguagliare, questo film è altrettanto divertente e perfettamente confezionato.

La trama: Nicholas Angel è un superpoliziotto di stanza a Londra. La sua eccessiva perfezione però fa sì che i superiori, che non lo sopportano tanto quanto i colleghi, lo mandino a prestare servizio in uno sperduto villaggio inglese nel quale i suoi metodi si scontrano con l’apparente pace e tranquillità del luogo. Apparente, perché una serie di morti comincia a turbare la piccola comunità. Con il solo aiuto dell’ingenuo collega Danny, e nonostante lo scetticismo dell’intera polizia che vede queste morti solo come “incidenti”, Angel comincia ad indagare…

Se Shaun era una parodia degli horror di serie B, Hot Fuzz è una parodia degli sboronissimi action USA, che vengono ampiamente citati e messi in ridicolo grazie ad un umorismo assolutamente british: macchine “volanti”, solitari superpoliziotti con problemi esistenziali e dalle strane abitudini (Angel, a differenza dei vari Bruce Willis e compagnia bella è assolutamente ligio al dovere e non beve, ma passa le serate annaffiando il suo Japanese Peace Lily perché impossibilitato ad interagire con le altre persone), inseguimenti ed esplosioni al limite della ragionevolezza umana, il tutto infilato nella cornice più improbabile, ovvero un piccolo paesetto della campagna inglese, dove ogni cosa può trasformarsi in arma impropria e i “campi di battaglia” sono fiere di paese o supermercati. La chiave comica di questo film sta proprio in questo contrasto, e nelle esilaranti caratterizzazioni dei personaggi. Paradossalmente, Angel e Danny fanno ridere più nelle scene che li vedono interagire con gli altri abitanti del villaggio piuttosto che nelle scene “di coppia” (che a tratti sono volutamente ambigue, al di là dell’amicizia virile). C’è il capo della polizia locale, un vecchietto che risolve tutto “punendo” chi si comporta male facendogli offrire dolci e gelati, l’agente vegliardo che parla un dialetto tutto suo, i geniali Andies, i due caustici e bastardissimi investigatori che prendono subito in odio Angel, l’ambiguo gestore del supermercato, il giornalista illetterato, i due attorucoli e il loro omaggio al Romeo + Juliet di Baz Luhrmann (da applauso il siparietto sulle note di “Love me, love me, say that you love me”), un mimo invadente e persino… un cigno. Anzi, IL cigno. Ognuno di questi elementi si incastrano perfettamente nella storia e rimangono impressi anche più dei personaggi secondari di Shaun of the Dead, al punto che se facessero un telefilm basato sul villaggetto di Hot Fuzz credo che non me ne perderei una puntata.

Il bello dei film diretti da Wright è che, oltre ad essere scritti e recitati splendidamente, sono anche diretti benissimo. Non c’è un attimo di pausa tra una scena e l’altra, il finale di una richiama l’inizio dell’altra con quegli stacchi senza soluzione di continuità che già si trovavano in Shaun of The Dead. Gli effetti speciali sono curatissimi, si è fatto ricorso stavolta ad un grande impiego della CGI, soprattutto nelle esplosioni ma anche nelle morti ad effetto (una su tutte, quella del tizio schiacciato da una delle guglie della chiesa): si può dire che Hot Fuzz non è una semplice parodia, come non lo era Shaun. La caratteristica degli “spoofs” in effetti, come nel caso dello storico Hot Shots!, o più recentemente Superhero Movie è anche quella di essere realizzati in modo artigianale, senza curare troppo i dettagli, anzi, puntando proprio sulla messa in scena rozza. I film di Wright sono invece curati fino all’inverosimile, e non hanno niente da invidiare ai generi che parodiano. Anzi, sono fatti anche meglio.

E come Shaun conteneva rimandi alle serie tv che in Inghilterra hanno fatto la fortuna di Peggs e Wright, anche Hot Fuzz contiene rimandi al film che li hanno consacrati agli occhi del pubblico internazionale: in una scena viene mostrato il dvd di Shaun of the Dead, in un’altra si ripropone l’idea di prendere una “scorciatoia” saltando gli steccati (e a differenza di Shaun, Angel ci riesce, anche se Danny fa una ben magra figura) e, soprattutto, viene citato l’immancabile Cornetto come cibo delle brame di chi è troppo scazzato per vivere; non a caso, a detta di regista e attori, Hot Fuzz è solo il secondo episodio di un’ideale trilogia chiamata “Blood and Ice Cream Trilogy”, il cui terzo capitolo si spera uscirà a breve. Aguzzate inoltre la vista: la ex fidanzata di Angel è nientemeno che Cate Blanchett (la riconoscerete dagli occhi e dalla voce, se guarderete il film in originale), mentre Peter Jackson è il babbo natale che traumatizza Angel all’inizio del film, accoltellandolo. Ah, per la cronaca: Hot Fuzz non vuol dire proprio nulla, è solo l’unione di due parole messe a caso che omaggiano gli storici action americani, come Point Break (ampiamente citato), Die Hard o Arma letale.

Di Edgar Wright, Simon Pegg e Nick Frost ho ampiamente parlato qui, e la loro situazione dall’epoca del post su Shaun of the Dead non è cambiata. Di Jim Broadbent, che qui interpreta il capo della polizia, ho parlato qui. Di Bill Nighy, che qui ha un cameo come ispettore capo della polizia di Londra, ho invece parlato qui.

Timothy Dalton interpreta Simon Skinner, il bieco direttore del supermercato. L’affascinante attore inglese, uno degli ultimi portatori di un’eredità tipicamente teatrale, è stato James Bond in due episodi della saga negli anni ’80 (007 zona pericolo e 007 vendetta privata). Ha inoltre recitato in Cime Tempestose, Flash Gordon, Le avventure di Rocketeer, l’orrenda rivisitazione de La bella e la bestia con Fran Drescher de La Tata, L’amore è un trucco, Looney Tunes: back in action. Per la TV, ha partecipato ad episodi di Charlie’s Angels, Racconti di mezzanotte e Doctor Who. Ha 65 anni.

E ora, se non avete il doppio, splendido DVD (e per l'amor di Dio, compratelo!!!!!), ecco a voi le papere dal set!! ENJOY!!