Hell House LLC: Lineage (2025)

Sono molto triste. Ho guardato Hell House LLC: Lineage, uno degli horror che aspettavo di più quest'anno, e Stephen Cognetti, regista e sceneggiatore dell'intera saga, mi ha delusa senza pietà.

Trama: sopravvissuta alla distruzione dell'Abaddon Hotel, Vanessa torna ad Abaddon e comincia ad avere incubi e visioni, come quasi tutti gli abitanti della città...

Cosa posso dire se non "sono costernata", come diceva il povero maggiordomo di un vecchio Dylan Dog? Cognetti aveva promesso, con Lineage, di risolvere tutti i misteri seminati negli anni dalla saga di Hell House LLC. Aveva anche promesso (e pare che, nonostante tutto, non abbia ritrattato) che Lineage sarebbe stato l'ultimo capitolo della saga. Peccato che Cognetti, durante la realizzazione del film, non abbia tenuto conto del budget e che abbia finito i soldi prima di rendersi conto che, ohibò, non sarebbe riuscito a tirare le fila del tutto. Il risultato è che Lineage non solo non svela nulla, ma aggiunge ulteriori domande e si conclude col colpo di scena più frustrante dai tempi di All Cheerleaders Die, soprattutto considerato che, come già il film di Lucky McKee, nemmeno questo prevede un seguito. La cosa, per inciso, sarebbe perdonabile, se non fosse che Cognetti passa l'intero film a ciurlare nel manico. Avesse dedicato meno tempo agli incubi di Vanessa, agli sproloqui della sua psichiatra, al marito della protagonista, alla sua coinquilina, ad altri settecento personaggi di cui non frega nulla ad anima viva e che, peggio ancora, muoiono off screen, sarebbe riuscito a concentrarsi sul passato dei due terrificanti adepti di Tully e su come Patrick Carmichael sia riuscito a confezionare la maledizione più terrificante del cinema recente. Dal momento in cui, già con The Abaddon Hotel, Cognetti aveva deciso di abbandonare l'efficace mistero del primo film e creare una lore di Abaddon, era giusto che andasse fino in fondo, ma così è una presa dei fondelli nei confronti dei fan. La cosa mi fa ancora più rabbia perché Cognetti, nel tentativo di ingraziarsi questi ultimi, ha commesso un altro errore imperdonabile, ovvero basare il film interamente sulla comparsa a intermittenza dei maledetti clown che ci fanno compagnia fin dal primo capitolo. Per chi, come me, soffre di coulrofobia, è ovviamente una sofferenza e non posso dire che non mi sia cagata in mano per tutta la durata di Lineage, scusate la finezza. Razionalmente, però, riconosco che ricorrere all'idea più iconica della saga per tutta la durata del film indica che di idee ne sono rimaste ben poche o, se ci sono, sono mal organizzate.

Per quanto riguarda la realizzazione, mi permetto di citare Lucia, costernata quanto me, e chiedere a Cognetti "ma perché non sei rimasto a fare found footage?". Lineage ha qualche momento efficace, perché comunque Cognetti ha un'ottima mano nel gestire i luoghi bui, i corridoi lunghi e tutto quello che non viene messo a fuoco alle spalle dei personaggi, e mentirei se non dicessi che, in più di un'occasione, ho guardato appena oltre l'angolo superiore dello schermo per non soccombere all'infarto. Purtroppo, però, Lineage è un film molto dialogato, e qui si inserisce un altro problema comune a tutti i film della saga, ovvero gli attori cani. Se, per motivi di budget, sei costretto a ricorrere ad attori poco espressivi o intensi, metterli all'interno di un found footage o un mockumentary potrebbe anche essere una carta vincente, per aumentare la verosimiglianza o la spontaneità del tutto, e tapullare eventuali difetti, cosa che, effettivamente, vale per i capitoli precedenti della saga (tranne per quella martellata sulle balle di Lake of Fire, di cui purtroppo Lineage riprende la protagonista). Utilizzare una tecnica classica, con abbondanza di di campi e controcampi, evidenzia tutti i limiti dell'operazione, e la povera Elizabeth Vermileya non è proprio eccelsa, così come non lo sono quasi tutti i suoi colleghi, col risultato che, spesso, Lineage ricorda tanto un episodio di una serie televisiva "media". Mi sento sporca a parlare male di questo film, giuro, perché quello con Hell House LLC è stato un amore improvviso e coltivato in poco più di un anno ma comunque intenso, e il mio cuore di fan si è riscaldato davanti a tutta una serie di citazioni, omaggi e rimandi agli altri capitoli della saga. Purtroppo, però, è un po' poco anche solo per definire Hell House LLC: Lineage un bel film. Cognetti ha dichiarato che la sua esperienza con Hell House LLC è finita, e che la sua idea sarebbe quella di passare la palla a un altro regista. La mia speranza è che Cognetti metta comunque mano alla sceneggiatura, che Shudder sganci dei soldi, e che qualcuno mi dia almeno una degna conclusione, fosse anche con uno spin-off a fumetti, una serie animata, un telefilm, perché altrimenti non mi riprenderò mai da questa delusione.

Stephen Cognetti è il regista e sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto i film Hell House LLC, Hell House LLC II: The Abaddon Hotel, Hell House LLC III: Lake of Fire, Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor e 825 Forest Road. E' anche montatore e produttore. 

Ma ti mangiassero, guarda.

Elizabeth Vermilyea, che interpreta Vanessa, riprende il ruolo dal terzo capitolo della saga. Oltre a lei, tornano anche tutti gli attori che, in Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor, interpretavano le due vlogger protagoniste e i ragazzi della famiglia Carmichael. Lineage è, a quanto si evince dalle dichiarazioni di Cognetti, l'ultimo film di una saga che comprende Hell House LLC, Hell House LLC II: The Abaddon Hotel, Hell House LLC III: Lake of Fire, Hell House LLC Origins: The Carmichael Manor. Fino a ieri vi avrei consigliato di vederli, ma vista la frustrazione di sapere la saga incompiuta, non so neppure io che fare. ENJOY!

The Toxic Avenger (2023)

Nei cinema, ad Halloween, è stato distribuito The Toxic Avenger, diretto e co-sceneggiato nel 2023 dal regista Macon Blair.

Trama: Winston vive solo col figliastro e sbarca il lunario come uomo delle pulizie di una losca ditta farmaceutica. Quando scopre di avere un tumore incurabile, Winston cerca di derubare la ditta, ma finisce in una pozza di liquami tossici e diventa un mostro...

Io mi chiedo in che mondo viviamo. The Toxic Avenger, remake di uno dei film più iconici e remunerativi della indipendente Troma, è stato presentato in un paio di festival nel 2023, dopodiché è finito in un limbo distributivo in quanto ritenuto troppo violento, praticamente impresentabile al pubblico odierno. Due anni dopo, The Toxic Avenger è arrivato in tutto il mondo, persino da noi, nella sua versione "unrated", e io mi chiedo se ormai sono diventata insensibile o se i produttori si sono rincoglioniti del tutto (propendo più per la seconda ipotesi, ma non metto limiti ai miei problemi). Se un film come The Toxic Avenger è impresentabile a un pubblico "generalista" (ma poi, a parte gli appassionati di horror, chi è che va a vedere gli horror al cinema, scusatemi?), Bring Her Back non avrebbe dovuto nemmeno uscire, perché guardando il lavoro di Macon Blair sembra di avere davanti un cartone animato. Questo non è un complimento, ovviamente. Non sono mai stata fan del Toxic Avenger della Troma, visto troppo tardi per elevarlo a cult e, comunque, troppo distante dai miei gusti, ma ne riconosco la carica sovversiva, l'ironia infantile ma comunque caustica, la patina grezza che lo rende disgustoso a più livelli, e che conferisce "spessore" al personaggio di Toxie proprio per la contrapposizione tra la sua natura buona e lo schifo che lo ha generato. Il film di  Michael Herz e Lloyd Kaufman dissacrava la figura del supereroe dotandolo di tutti i simboli del successo (potenza fisica, una fidanzata procace, l'ammirazione delle persone, persino una base segreta) ma declinati in chiave "trash", nel senso più letterale del termine, spingendo lo spettatore a tifare per lui pur provando un inevitabile disagio. Stessa cosa valeva per la origin story di Toxie, un povero verginello disagiato trasformato in un mostro per lo scherzo di un gruppo di bulli psicopatici che uccideva gente a caso; la casualità del tutto, e la crudeltà inaudita di ogni malvivente sul suolo di Tromaville, erano essenziali alla deriva violentissima intrapresa da un vendicatore non proprio brillante in partenza, preda di un odio sviscerato ed irrazionale verso il male. 

Nel film di Macon Blair, invece, tutto è normalizzato. Quella di Winston, uomo delle pulizie all'interno di una ditta farmaceutica, è una vita come tante. Il protagonista del nuovo Toxic Avenger è un uomo assolutamente normale, pur avendo la sua dose di problemi, e la sua origin story è legata a gravissimi problemi di salute e al disperato tentativo di risolverli o, perlomeno, di non lasciare privo di sostentamento il figlio dell'ex fidanzata, già traumatizzato dalla morte di quest'ultima e, per giunta, autistico. La vendetta di Winston/Toxie è comprensibile e lineare, in quanto va alla fonte di tutte le disgrazie che affliggono lui e la città di St. Roma, ovvero Bob Garbinger e la sua ditta farmaceutica, che fingono di curare le stesse malattie di cui sono la causa, per via di un inquinamento scellerato. Anzi, mi spingo persino a dire che il pattern per cui il villain decide di diventare un mostro ancora peggiore per battere Toxie è una strada battuta mille volte, stravista quanto il ripensamento di uno degli scagnozzi, le beghe familiari, la tizia ribelle che cerca di instillare un po' di coscienza sociale nel protagonista. Insomma, nel nuovo The Toxic Avenger non c'è un minimo di originalità, e non solo perché il film è un remake, ma soprattutto perché, quando si distanzia dall'originale, ricicla topoi vecchi quanto me. Inoltre, Macon Blair, che pur si professa amante indefesso della Troma, non riesce a fare a meno di dare un'immagine ripulita e patinata anche delle discariche a cielo aperto, degli scopettoni, di qualsiasi cosa dovrebbe destare istintivo disgusto.  

Questa tendenza a "ripulire" riverbera anche nelle sequenze che i trailer vendono come esagerate e scabrose, accomunando The Toxic Avenger alla saga di Terrifier. Allora, non scherziamo. Io non sono una "bimba di Leone", per carità, e lungi da me elevare i film dedicati ad Art il clown a capolavori dell'horror, ma se non altro Leone non teme di scatenare il vomito nello spettatore e si appoggia quasi in toto ad ottimi effetti speciali artigianali. The Toxic Avenger, di artigianale, ha solo il trucco di Toxie (sul quale poi torno...) e quel meraviglioso uccello mutante, il resto è schifezza digitale, splatter finto come i soldi del monopoli, macellate da sbadiglio compulsivo, che unite ad un umorismo tutto sommato ben poco corrosivo, contribuiscono alla palpebra calante nonostante qualche buona idea, un paio di citazioni azzeccate, e lo schermo smarmellato di colori acidi. In tutta sincerità, a me sono sembrati svogliati anche gli attori, nonostante il cast facesse ben sperare. In effetti, gli unici che meritano sono Kevin Bacon, ormai abbonato ai ruoli di villain fascinoso che non disdegna però l'essere preso a pesci in faccia come merita, e un Elijah Wood sempre più weird e perfettamente a suo agio nei panni del Pinguino/Gollum. Peter Dinklage, con tutto il rispetto, è una barzelletta, nel senso che recita solo al naturale, mentre sotto il pesante trucco di Toxie c'è una donna, e l'attore si limita a dargli la voce. La cosa risulta abbastanza ridicola perché non solo, effettivamente, Toxie somiglia ben poco a Dinklage (e ci sta, anche i due attori che interpretavano l'originale erano diversi), ma anche perché la voce a volte risulta falsata rispetto ai movimenti labiali dell'attrice e, soprattutto, il trucco di Toxie nelle sequenze in ospedale è completamente diverso da quello che definisce il personaggio in tutto il resto del film. Su Jacob Tremblay, povero amore, stendo un velo pietoso. A 15/16 anni, calcolando a spanne l'epoca delle riprese, il creaturo era in quell'età in cui i ragazzini non sono né carne né pesce, e qualunque cosa facciano sembrano molli come un'oloturia, il che probabilmente ha avuto ripercussioni sulla sua interpretazione. Purtroppo, la pubertà non è stata tenera con chi era un bimbo splendido e puccioso, quindi c'è solo da sperare che Mike Flanagan o altri trovino un modo per valorizzare gli altri suoi talenti. Purtroppo, Macon Blair non ne ha avuto la capacità, così come non è riuscito a rendere omaggio alla Troma, nonostante le buone intenzioni. Vi consiglio dunque di stare ben lontani da questa monnezza ripulita, e di dedicarvi ad altri horror più interessanti.

Del regista e co-sceneggiatore Macon Blair, che interpreta anche Dennis, ho già parlato QUI. Peter Dinklage (Winston/Toxie), Jacob Tremblay (Wade), Lloyd Kaufman (Lloyd), Kevin Bacon (Bob Garbinger), Elijah Wood (Fritz Garbinger) li trovate invece ai rispettivi link.

Taylour Paige interpreta J.J. Doherty. Americana, ha partecipato a film come Ma Rainey's Black Bottom e a serie quali Welcome to Derry. Anche produttrice, ha 35 anni e un film in uscita. 

Non c'è Peter Dinklage sotto il make up di Toxie, bensì un'attrice inglese di nome Luisa Guerreiro. Il film è il remake di The Toxic Avenger - Il vendicatore tossico, che vi consiglio di guardare a prescindere. ENJOY!

Bugonia (2025)

Ho aspettato tantissimo, per i miei standard, ma fortunatamente il Multisala ha tenuto in programmazione Bugonia, l'ultimo film diretto da Yorgos Lanthimos, abbastanza perché potessi andarlo a vedere.

Trama: Teddy e Don, fermamente convinti che la Terra sia stata invasa da alieni responsabili di ogni male che affligge il pianeta, rapiscono la CEO di una multinazionale farmaceutica...

Cominciamo con un momento culturale, e spieghiamo cosa significa la parola "Bugonia". Il termine deriva da un episodio delle Georgiche di Virgilio e descrive un fenomeno per cui, dalle carcasse di tori, nascono delle api vive. Le api sono molto importanti per il film di Lanthimos, in quanto sono il termometro della salute del nostro pianeta, e la loro estinzione significherebbe l'inizio della sua lenta morte; la "bugonia", inoltre, si collega direttamente al finale del film, ma lì entrerei nel territorio dello spoiler e sarebbe meglio evitare. Torniamo alle api. Sono decenni che questi importantissimi insetti, che assicurano la proliferazione delle piante attraverso l'impollinazione, diminuiscono costantemente, a causa dell'inquinamento, delle malattie, del cambiamento climatico. Il protagonista di Bugonia, Teddy, le alleva ed è quindi dolorosamente consapevole di quanto, col tempo, siano diventate fragili. Questa consapevolezza è un ulteriore tassello atto a comprovare la sua teoria: la Terra è segretamente manipolata da alieni che stanno facendo di tutto per uccidere gli umani e distruggere il pianeta, avvelenando in primis le api. Gli alieni sono anche particolarmente "fissati" con Teddy, la cui vita è un inferno fatto di morte, malattia, povertà e disagio proprio per colpa loro. La forte personalità di Teddy, alimentata da podcast, siti e video a tema complottista, gli consente di convertire alla causa il suo unico amico, il problematico Don, il quale decide di aiutare Teddy a rapire Michelle, CEO di una multinazionale farmaceutica, sospettata di essere un'aliena in incognito. La prima metà di Bugonia è interamente imperniata sullo scontro tra le granitiche, folli convinzioni di Teddy e la pragmaticità arrogante di Michelle, un confronto tra due persone egoriferite e non particolarmente gradevoli, che pongono lo spettatore in una posizione scomoda. Da una parte, Teddy e soprattutto Don fanno pena, sono due animi solitari che cercano dei capri espiatori per una vita orrenda, squallida (di Don non sappiamo nulla ma Teddy ha visto tutti i membri della sua famiglia ammalarsi o morire, e ha subito sevizie durante l'infanzia); razionalmente, non si può dare la colpa della loro condizione a chi, come Michelle, dalla vita ha avuto tutto, ma viene anche il nervoso a pensare che queste persone non facciano comunque niente per aiutare i poveri disgraziati, anzi, fanno soldi sulla pelle di quelli come loro. Dall'altra parte, però, anche Michelle fa pena, perché le accuse che le vengono rivolte non sono razionali, ed è angosciante pensare che la sua logica rischi di condannarla a subire violenze o a morire per mano di chi è perso in un mondo completamente distorto. In seguito, i punti di vista di Bugonia si fanno ancora più estremi e grotteschi, un continuo avvicendarsi di rivelazioni scioccanti che prendono alla sprovvista lo spettatore, il quale si ritrova a dover testimoniare una situazione che precipita senza possibilità di recupero, una serie di casualità tali che ogni lotta razionale per la salvezza dell'umanità risulta non solo inutile, ma anche dannosa.

Non ho mai visto Save the Green Planet!, di cui questo Bugonia è un remake, quindi non posso fare paragoni, ma il grottesco thriller di Lanthimos è leggermente meno glaciale dei suoi precedenti lavori, veicola una rabbia grezza che probabilmente fallisce nel trovare un vero obiettivo verso cui rivolgersi, e lascia spiazzati perché, a parer mio, si chiude con un tragico afflato di speranza, dopo essersi un po' perso in un prefinale troppo squilibrato sui toni della commedia nera. Pur non essendo il film che preferisco di Lanthimos, è un'opera che affascina, creando un mondo "parallelo" radicato in una realtà tristemente verosimile e conosciuta. Parte di questa alterità si ritrova nello score di Jerskin Fendrix, perfetto per un film di fantascienza, il resto deriva tutto da un allucinante combinazione tra la scelta di girare in Vista Vision, che rende ogni sequenza di Bugonia incredibilmente nitida, e i movimenti di camera e le inquadrature sghembe tipici di Lanthimos, un mix che non solo crea un ironico distacco verso la scenografica violenza spesso mostrata, ma sfida anche le percezioni dello spettatore dando l'illusione che lo schermo si stringa e si allunghi, deformando la realtà. A questa sensazione di avere davanti un warp si unisce la claustrofobia derivante da uno dei due ambienti creati dal geniale scenografo James Price, la cantina di Teddy (l'altro è il delirio rivelatorio di vetro e forme geometriche dove lavora Michelle), dove si svolge buona parte del film. All'interno della cantina, la cinepresa di Lanthimos evita panoramiche troppo ampie e si concentra essenzialmente a riempire l'inquadratura coi volti dei due contendenti, i quali offrono due performance tra le migliori delle loro carriere. Jesse Plemons, ripreso quasi sempre dal basso a sottolinearne l'aggressività, è una bomba pronta a esplodere, un uomo in grado di alternare una lucida follia addomesticata a podcast cretini e una furia che lo rende un mostro bruciato dal sole; Emma Stone, al contrario ripresa dall'alto e quindi messa in una condizione di "sottomissione", sembra davvero un'aliena, con quegli occhioni enormi, il viso pallido e la testa rasata, ma la fredda determinazione che le brucia nello sguardo è la cosa forse più inquietante di tutto il film. Nel mezzo, un attore con reali problemi di autismo, Aidan Delbis, che non si limita a fare da cuscinetto, ma con la sua interpretazione realistica e misurata enfatizza ancora più l'orrore derivante da estremismi egoistici che hanno ben poca attenzione per coloro che dicono di voler difendere. La presenza di Delbis è il valore aggiunto di un film che scava in scomode magagne sociali, meritevole di una visione anche se non siete fan dello stile spesso involuto del regista, perché Bugonia mi è parso una delle sue opere più "accessibili".

Del regista Yorgos Lanthimos ho già parlato QUI. Jesse Plemons (Teddy), Emma Stone (Michelle) e Alicia Silverstone (Sandy) li trovate invece ai rispettivi link.

Il film è il remake di Save the Green Planet!, che ora mi toccherà vedere e che vi consiglio di recuperare, se Bugonia vi è piaciuto. ENJOY!

Good Boy (2025)

La sorpresa di Halloween è stata quella di vedere uscire su tutti i servizi streaming italiani il film Good Boy, diretto e co-sceneggiato dal regista Ben Leonberg.

Trama: Todd, in ripresa da una grave malattia, si trasferisce col cane Indy nella casa del nonno, in mezzo ai boschi. Lì, il cane comincia a percepire una presenza maligna...

Good Boy aveva fatto parlare di sé ancor prima dell'uscita, per essere il primo film horror girato attraverso il punto di vista del cane; dopo la prima ondata di interesse, erano subentrati i timori del pubblico relativamente al fatto se il cane sopravvivesse o meno, e ciò ha contribuito ad aumentare ancora di più la popolarità di Good Dog e, ovviamente, l'hype nei confronti del film. Non vi starò a dire se Indy sopravvive o meno, perché dovete soffrire come me, ma purtroppo non posso nemmeno dirvi che l'attesa è valsa la pena, in quanto Good Boy non mi ha particolarmente entusiasmata. Il lungometraggio d'esordio di Ben Leonberg vive essenzialmente della sua originalissima idea, ma non va più in là di essa, e si rivela un horror a base di oscure presenze e case infestate abbastanza banale, legato ai canovacci tipici del genere. Todd, afflitto da una malattia polmonare cronica non meglio specificata (probabilmente un cancro) decide di passare la convalescenza nella casa del nonno, morto proprio lì qualche tempo prima. Tutti, in primis la sorella, cercano di dissuaderlo, in quanto la leggenda narra che la casa sia infestata, e che i suoi abitanti facciano una brutta fine; in effetti, fin da subito il cagnolone Indy capisce che qualcosa non va, e che una presenza non particolarmente amante degli animali è pronta a passare letteralmente sul suo cadavere per portarsi via Todd. Leonberg, che è anche il padrone del Nova Scotia Indy, sa bene quanto sia forte il legame tra un cane e il suo essere umano, e quanto l'idea che detto legame si spezzi (che sia per una presenza demoniaca o la malattia/morte dell'uno o dell'altro) riduca in frantumi i cuori degli spettatori più o meno sensibili, e giustamente rende questo potentissimo snodo emotivo il fulcro del film. D'altronde, il "good boy" del titolo si riferisce proprio alla natura stessa dei cani, animali fedeli, buoni, coraggiosi fino all'estremo, devoti ai loro padroni. Ad Indy manca la parola, ma ugualmente ci prova a mettere in guardia Todd, a seguito di incubi e visioni terrificanti, legate al passato della casa; quando la situazione precipita, Indy lotta con le unghie e coi denti per impedire che la presenza ottenga ciò che vuole. La valenza emotiva di Good Boy, quindi, è l'unica cosa che non metto in discussione, soprattutto perché la natura oscura ed incomprensibile della presenza potrebbe anche essere il modo in cui la mente di Indy processa la malattia di Todd dandole un "aspetto" e il potere di alterare la personalità e l'odore di un padrone che il cane quasi stenta a riconoscere, e che sicuramente lo terrorizza, nonostante l'amore che lo spinge a restargli sempre vicino. 

Il problema, almeno per me, di Good Boy è che Leonberg non è riuscito ad unire questi concetti interessanti ad una trama altrettanto coinvolgente. Il film ha dei grossi problemi di ritmo e ripetitività; durante la sua breve durata si alternano visioni, incubi, scorci di passato, momenti in cui Indy compie le stesse identiche scelte scellerate dei colleghi umani all'interno degli horror altrimenti "la storia non va avanti", ma è tutto abbastanza superficiale, confuso. E' come se Leonberg avesse in testa tante belle suggestioni ma non riuscisse a legarle tra loro se non ricorrendo sempre al terrore che ad Indy possa accadere qualcosa, "gioco" che, alla fine, dopo un po' logora. E anche l'utilizzo del POV di Indy (pur dimostrando la bravura di Leonberg, il quale gira tutto il film ad altezza cane, sfoca i volti degli esseri umani e rende Indy ancora più espressivo grazie ad inquadrature ad hoc) è, scusate il gioco di parole, un cane che si morde la coda, in quanto di Todd ci importa soltanto perché importa alla povera bestiola, o perché se dovesse morire, Indy ne soffrirebbe tantissimo. D'altronde, come si fa a non parteggiare in toto per un musetto splendido come quello di Indy, animale che unisce in sé la pucciosità e i colori di una volpotta e l'espressività senza pari di un cane dolce ed intelligentissimo? Indy è meglio di tantissimi altri attori a due zampe e mi piacerebbe molto vedere, un giorno, il backstage delle riprese, durate tre anni proprio per via della speciale star del film, che immagino non sarà stata facilissima da addestrare e gestire, a prescindere dal legame tra lei e il regista. Nonostante la mezza delusione, probabilmente derivante da aspettative diverse rispetto ad un prodotto finale tutto sommato "elevated", quando io pensavo a qualcosa di più dinamico e vario, Good Boy non è un brutto film, e sarebbe scorretto da parte mia sconsigliarvi di vederlo. State solo attenti a come utilizzate i soldi, perché è un noleggio che non costa poco e, cosa più scorretta di un mio eventuale consiglio negativo, non prevede la presenza di una traccia in lingua originale, né di sottotitoli. Midnight Factory, ma cosa mi combini??

Di Larry Fessenden, che interpreta il nonno, ho già parlato QUI.

Ben Leonberg è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Anche produttore, attore, montatore e scenografo, è al suo primo lungometraggio.

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 31: La notte dei demoni (1988)

Ce l'ho fatta. Non chiedetemi come ma sono riuscita ad arrivare alla fine della Nuovi Incubi Halloween Challenge senza mancare neanche un post scritto, salvo nel weekend e per l'ovvia impossibilità di recuperare, nella giornata di ieri, anche un'intera serie TV. Ringrazio Lucia e Marika per aver creato la challenge e vi invito, qualora non lo faceste ancora, ad ascoltare il loro podcast Nuovi incubi, una voce importantissima per diffondere il buon horror in Italia! Il 31 ottobre è dedicato, ovviamente, a un film ambientato il giorno di Halloween, e per l'occasione ho recuperato La notte dei demoni (Night of the Demons), diretto nel 1988 dal regista Kevin Tenney. Con questo post partecipo anche allo Speciale Halloween proposto dal blog Vengono fuori dalle fottute pareti (in fondo trovate i permalink dei blog partecipanti). 

Trama: la notte di Halloween, Angela organizza una festa in un obitorio abbandonato. Durante una seduta spiritica, però, qualcosa va male e il luogo si popola di demoni che possiedono e uccidono i presenti...

La notte dei demoni è un film cult di cui conoscevo giusto il poster, molto evocativo nonché ottimo biglietto da visita per la bontà del make up dei demoni. Il perché, nel tempo, La notte dei demoni sia diventato un cult è facile da capire: trattasi dell'epitome dell'horror di cassetta anni '80, perfetto per una serata caciarona tra ragazzini, magari cercando di limonare con l'amichetto/a del cuore tra un pop corn e un urlo disgustato. E la trama, in effetti, rispecchia proprio questa situazione. I protagonisti, benché interpretati da attori ultraventenni, sono dei liceali che vogliono solo divertirsi, bere e scopare; nonostante, nello stesso momento, la loro scuola stia dando una festa di Halloween, il party giusto dove andare per poter fare tutte queste cose è quello di Angela, ragazza che, stranamente, non è affatto popolare, e viene ritenuta da tutti la stramba del liceo. A differenza di altri film simili, Angela non è una sfigata, bensì un'amante del gotico, forse per questo c'è meno vergogna nel frequentarla, o non si spiega perché Judy, Jay e gli altri decidano di unirsi a lei. Ma lasciamo un attimo da parte questi ragionamenti inutili e torniamo al cuore del film. L'apice della festa è una seduta spiritica, durante la quale i ragazzi risvegliano un demone dormiente all'interno dell'obitorio. Ciò che segue è direttamente ispirato a La casa di Raimi, perché il demone possiede un paio di persone e, da lì, inizia la mattanza all'interno di un luogo che ha perso ogni riferimento spaziale e dal quale è impossibile uscire, nella speranza che arrivi l'alba a privare, secondo la leggenda, i demoni del potere di compiere nefandezze. La differenza sostanziale tra La notte dei demoni e La casa, al di là dell'uso della steadycam che qui non esiste, è che il film di Kevin Tenney è un Porky's meets horror. L'elemento sessuale è enfatizzato fin dalle prime scene, nelle quali Linnea Quigley sfoggia ampiamente il suo derrière, e parti anatomiche femminili, più o meno procaci, vengono mostrate dettagliatamente anche nei momenti più "tranquilli", per esempio quando la pudica Judy è in camera a cambiarsi. La voglia di "pilu", inoltre è il secondo motore degli eventi, dopo la seduta spiritica, perché le prime vittime del demone sono ragazze, e non ci mettono molto a capire che per attirare i morti di fiHa che li circondano e ammazzarli male, basta promettere loro una bella scopata. 

Ciò, lo ammetto, mi ha fatta ridere parecchio, ma in generale La notte dei demoni E' un film divertente, zeppo di umorismo nero. Anzi, a tal proposito, la parte che ho apprezzato di più è una cornice che  mi è parsa fonte di ispirazione per la cattiveria di uno dei film di Halloween che adoro, forse il mio preferito, ovvero Trick'r Treat. E' la degna conclusione di un bagno di sangue, che insegna come non servano i demoni per spargere male a piene mani, e ricorda di rispettare sempre le regole non scritte della festività. Per quanto riguarda gli aspetti tecnici, La notte dei demoni è dignitosissimo e vanta degli ottimi effetti speciali artigianali realizzati dal team di Steve Johnson, il quale ha una filmografia sterminata e ha collaborato con registi tra i più grandi al mondo, non solo nel campo dell'horror. Come ho scritto all'inizio, il trucco dei demoni è bellissimo, ma il film si distingue anche per abbondanti dosi di splatter, morti tremende a base di occhi cavati e chi più ne ha più ne metta. Kevin Tenney, pur non essendo Raimi, ha anche il gusto per sequenze interessanti, persino artistiche, come dimostra quella in cui Angela tenta di sedurre Hal danzando, oppure la stessa seduta spiritica, e nel complesso anche l'obitorio dove il film è ambientato è un ambiente perfetto, claustrofobico e decadente, zeppo di anfratti tutti uguali che confondono protagonisti e spettatori, per la gioia dei sanguinosi demoni protagonisti. Solo gli attori non sono granché, anche perché la metà di loro parla come Tommy Wiseau in The Room, soprattutto la protagonista, ma si salvano Amelia Kinkade e la solita Linnea Quigley, anche solo per la sfacciataggine con cui quest'ultima mostra tutto senza problemi; alle interpretazioni non proprio eccelse, compensano i dialoghi, ricchi di un turpiloquio praticamente infinito e in parte a me sconosciuto, il che ha contribuito a rendere il film ancora più divertente. La notte dei demoni si è rivelato dunque un film perfetto per Halloween, da gustare con una birra in una mano, i pop corn nell'altra, e pura gioia ignorante nel cuore. Cosa potrei chiedere di più?

Di Linnea Quigley, che interpreta Suzanne, ho già parlato QUI.

Kevin Tenney è il regista della pellicola. Americano, ha diretto film come Spiritika, Spiritika 2 e Bad Pinocchio. Anche sceneggiatore, produttore e attore, ha 70 anni.

Amelia Kinkade, che interpreta Angela, ha partecipato anche ai due seguiti del film, Night of the Demons 2 e Night of the Demons III; Linnea Quigley compare invece nel remake di Night of the Demons, diretto nel 2009 dal regista Adam Gierash. Non ho visto nessuno dei tre film e non ci tengo particolarmente ma, nel caso, sapete che esistono! ENJOY!

Ed ecco a voi, per un Halloween ancora più ricco di scelte, la lista dei blog che partecipano allo Speciale Halloween!

"La Bara Volante": https://labaravolante.it/the-toxic-avenger-2025/

"CineCivetta": https://cinecivetta.blogspot.com/2025/10/halloween-2025.html

"CineMuffin": https://cine-muffin.com/2025/10/31/eat-locals-a-cena-con-i-vampiri/

"In Central Perk": https://incentralperk.blogspot.com/2025/10/la-casa-2013.html

"The Obsidian Mirror": https://insidetheobsidianmirror.blogspot.com/2025/10/la-casa-del-terrore.html

"Pensieri cannibali": https://www.pensiericannibali.com/2025/10/presence.html

"Solaris": https://www.solaris.news/2025/10/dracula-vs-frankenstein-proprio-come-un.html

"Storie da birreria": https://storiedabirreria.blogspot.com/2025/09/la-saga-di-terrifier-art-il-clown-recensione.html

"Vengono fuori dalle fottute pareti": https://vengonofuoridallefottutepareti.wordpress.com/2025/10/31/the-guardian-recensione-del-film/

"Il Zinefilo": https://ilzinefilo.wordpress.com/2025/10/31/hatchet-iii-2013/

"Catia in cucina": https://blog.giallozafferano.it/catiaincucina/ricetta-mani-di-strega-insanguinate/

Visioni dal ToHorror Fantastic Film Fest 2025

Approfitto di una pausa dalla Nuovi Incubi Horror Challenge ormai agli sgoccioli (oggi si parlava di serie TV, quindi potete leggere un breve commento su qualcosa che ho già visto sulla mia pagina Instagram) per spendere due parole sull'ultima edizione del ToHorror Fantastic Film Fest, arrivato ormai al 25simo anno! Anche stavolta ho avuto l'enorme fortuna di partecipare e di poter godere dell'atmosfera unica che si respira in questo festival che adoro, e che ha fatto un record di presenze, vista la quantità di gente che sistematicamente affollava le sale del cinema Massimo! Quest'anno ho goduto del Festival a 360 gradi, andando per la prima volta al Blah Blah, dove ho assistito alla presentazione di Marika per il suo libro, consigliatissimo, Not in my Movie. Per questo ho visto un po' meno film, ma ne è valsa la pena, in quanto finalmente ho potuto conoscere "de visu" alcune adorabili persone con le quali avevo avuto contatti solo online, ed è stata un'esperienza davvero splendida! Augurando al ToHorror Fantastic Film Fest di arrivare almeno alla 50sima edizione, spero di poter partecipare a quella del prossimo anno, e vi invito a sbirciare le mini-recensioni che seguono, per avere un'idea di cosa recuperare nei mesi a venire, sperando in una distribuzione clemente! ENJOY!

Jimmy Jaguár (Benedek Fliegauf, 2025)

Ad essere sincera, il "mio" ToHorror non è cominciato proprio benissimo. Jimmy Jaguár è un mockumentary glaciale, che racconta di come il demone titolare spinga le persone a compiere gesti in aperto contrasto con la loro indole, in particolare ad uccidere. In realtà, detto demone neppure si vede, e il film preferisce concentrarsi su interminabili dialoghi atti a sviscerare la psiche di quanti, apparentemente, vi entrano in contatto, in un turbinìo di sospetti, paranoie, mezze verità, rivelazioni scioccanti e, in generale, considerazioni su una triste realtà fatta di squallida violenza ai danni di deboli costretti a farsi giustizia da sé. Jimmy Jaguár comincia a diventare interessante sul finale, il problema è che rimanere svegli fino a quel momento è un'impresa difficile, se non impossibile, anche per via dello stile molto aulico, rarefatto, delle riprese. Dispiace solo che un film come questo rischi di essere un brutto biglietto da visita per Fliegauf. Per esempio, un paio di ragazzi seduti accanto a me (e altrettanto traumatizzati dall'esperienza) hanno deciso di togliere Womb, altro film del regista, dalla loro watchlist. Superando la mia atavica timidezza ho consigliato loro di non farlo e spero mi abbiano ascoltata, perché sarebbe un peccato penalizzare un'opera bella come Womb per via di un film riuscito a metà. 

Deathstalker (Steven Kostanski, 2025)

Fortunatamente, il festival è migliorato quasi subito, grazie all'esilarante, zamarrissimo Deathstalker, uno sword and sorcery a base di splatter, demoni sanguinari, magia nera, necromanti ed eroi loro malgrado, remake di un film omonimo del 1983, prodotto da Roger Corman, che ha generato ben tre seguiti. Ovviamente, non conoscevo affatto queste "ottantarate" e, per di più, Kostanski è un autore che, nel corso delle mie visioni, ho sempre incrociato senza mai ricordarlo più di tanto, ma ora non me lo toglierò più dalla testa. Il suo approccio alla materia è cafone ma affettuoso, citazionista senza arrivare al plagio, caratterizzato da una cura incredibile per gli splendidi effetti speciali artigianali e da un umorismo nero, anche un po' scemo, col quale mi ritrovo tantissimo. Ammetto di essere andata a vedere Deathstalker solo per non sprecare il pass e ne sono uscita folgorata, animata dalla speranza che anche Kostanski possa proseguire con altri seguiti, ovviamente sempre con Daniel Bernhardt come protagonista, perché è semplicemente perfetto! Midnight Factory, pensaci tu a distribuirlo!!

La virgen de la tosquera (Laura Casabé, 2025) - Menzione della giuria per il concorso lungometraggi

Sullo sfondo di un'Argentina di inizio nuovo millennio, distrutta dalla crisi economica e dalle proteste sociali, la giovane Natalia viene travolta da speranze e delusioni, imperniate sul sentimento sempre più forte verso l'amico Diego. Il film (tratto da due racconti della scrittrice Mariana Enríquez contenuti nella raccolta I pericoli di fumare a letto) è un coming of age dalle atmosfere sovrannaturali, che dipinge in maniera tristemente verosimile un'età in cui ogni problema, ogni gioia, vengono esasperati fino a diventare totalizzanti; il triangolo amoroso che viene a crearsi tra Natalia, preda delle prime pulsioni sessuali, Diego e Silvia, di qualche anno più grande e molto più disnibita, è il catalizzatore di una crisi aggravata dall'angoscia verso il futuro, dalla solitudine della protagonista, dalla sensazione di dover lottare continuamente, anche per ottenere le cose più semplici. Il modo in cui la Casabé rappresenta un mondo in cui realtà prosaica e riti superstiziosi vadano a braccetto, strettamente legati tra loro, e la bellezza magnetica della giovane protagonista, sono i due punti di forza di un film che, verso il finale, cita apertamente Giovani streghe, conquistandosi di diritto un posto nel mio cuore.

Kombucha (Jake Myers, 2025)

Tratto dal corto omonimo diretto e co-sceneggiato dallo stesso regista, Kombucha è uno dei due incubi lavorativi (l'altro è Head Like a Hole, di cui ho parlato ieri) visionati al ToHorror di quest'anno. Le premesse sono simili, in quanto i protagonisti sono a un punto morto della loro vita e anche squattrinati, ed entrambi ottengono un lavoro troppo bello per essere vero, ben remunerato e senza prerequisiti. Nel caso di Kombucha, però, le carte si scoprono fin dal titolo; all'interno della ditta Symbiotic (nomen omen), tutti gli impiegati bevono il disgustoso orrore fermentato, che noi bambini degli anni '80 facevamo figliare a ripetizione senza conoscerne le proprietà terapeutiche, e vengono letteralmente consumati nel tentativo di risultare più produttivi. Un'invasione degli ultracorpi 2.0, una critica ficcante alle multinazionali e al linguaggio vuoto del business, che tocca picchi abbastanza alti di ilarità e disgusto, anche se talvolta gira un po' a vuoto. Nel complesso, un film divertente e tristemente attuale, consigliato anche a chi non è particolarmente avvezzo all'horror.  

I Fell in Love with a Z-Grade Director in Brooklyn (Kenichi Ugana, 2025)

Il feel good movie del festival. Pur non avendo nulla a che fare con l'horror propriamente detto, salvo un paio di benedizioni da parte dei divini Larry Fessenden e Lloyd Kaufman (per quest'ultimo, vi conviene rimanere anche dopo i titoli di coda), è ambientato, come da titolo, nella scena del cinema americano stra-indipendente, di serie Z appunto. Un giovane regista entusiasta, alle prese col suo primo film horror-splatter, si ritrova senza l'attrice protagonista il giorno prima delle riprese; per caso, incontra Shina, famosissima attrice giapponese che ha perso la passione per il suo lavoro ed è stata abbandonata a New York dal suo fidanzato, e decide di scritturarla. Da quel momento, un rapporto lavorativo già assurdo si evolve in un sentimento ancor più inusuale, una sorta di La bella e la bestia complicato da gap linguistici esilaranti, che cattura inesorabilmente anche lo spettatore più restio a questo genere di film. Provare per credere, uscirete dalla visione saltellando gioiosi, e chiedendo a gran voce di poter guardare Natale con gli zombi.

Flush (Grégory Morin, 2025) - Vincitore del premio del pubblico per il concorso lungometraggi

Non so se ho fatto bene a scegliere questo invece che Dolly, altro film che avrei voluto vedere tantissimo e che, purtroppo, veniva proiettato nello stesso momento, ma mi sono molto divertita guardando Flush. Oddio, no, non è vero. I primi dieci minuti sono stati un incubo durante il quale ho rischiato di correre fuori dalla sala, vittima di un attacco di panico scatenato da un mix di claustrofobia e germofobia, dopodiché, per fortuna, Flush si è assestato su binari più umani. Se vi state chiedendo come potrebbe svilupparsi un film il cui protagonista si ritrova con la testa incastrata dentro a un cesso alla turca per l'intera durata, sappiate che Flush non vi darà un attimo di tregua, con le sue trovate che mescolano commedia nerissima, dialoghi al fulmicotone, scene "pulp, molto pulp, pure troppo" e momenti di schifo vero. C'è anche spazio per un topolino tenerissimo, il beniamino Rabla, e la visione è stata ulteriormente impreziosita dal Q&A del regista, che si è dimostrato "uno di noi", un entusiasta amante dell'horror vittima di una timidezza in grado di renderlo il francese più simpatico mai conosciuto finora. Segnatevi il titolo, perché le vibes sono quelle simili di un altro gioiellino uscito dal ToHorror, Why Don't You Just Die, quindi mi aspetto una distribuzione italiana l'anno prossimo! 

Nuovi Incubi Horror Challenge Day 29: Head Like a Hole (2024)

Siccome la Nuovi Incubi Horror Challenge oggi è dedicata al tema "Orrore cosmico", ho deciso di approfittare di una delle visioni del recente ToHorror, e dedicare un post intero a Head Like a Hole, diretto e co-sceneggiato nel 2024 dal regista Stefan MacDonald-Labelle.

Trama: ad Asher, disoccupato ai limiti dell'indigenza, viene offerto un lavoro che sembra quasi un miracolo. Dovrà infatti monitorare e misurare, ogni giorno, allo scoccare dell'ora, un buco situato sulla parete di uno scantinato, nell'attesa che qualcosa cambi...

Prima di cominciare il post, devo premettere che Head Like a Hole, come avete capito dal riassunto pubblicato ieri, non è stata la visione più memorabile del ToHorror 2025, ma era l'unico film che cadeva a fagiolo per la challenge, quindi ha vinto il desiderio di portarla a termine vittoriosa. Ciò detto, esiste un orrore cosmico più grande del lavoro? Lasciando da parte i lavori "artistici", o quelli cercati con ferma volontà, io mi riferisco a quelli che ci consentono di sopravvivere e, contemporaneamente, ci privano di un motivo per farlo, perché va bene mangiare e pagare le bollette, ma poi? Il grande spauracchio dei tempi moderni, come già aveva intuito Charlie Chaplin, è la monotonia "produttiva", che sia in una fabbrica, in un ufficio, in un supermercato, ripetendo gesti che, a lungo andare, si privano di significato... sempre che ne abbiano avuto uno in partenza. Diventare ingranaggi, appunto, solo per non morire fisicamente, ed ignorando che stiamo comunque morendo, nel profondo, spremuti da multinazionali che ci caricano di belle parole e tanta legna verde... discorso che si può tranquillamente estendere anche a Kombucha, altro incubo lavorativo visionato al ToHorror. Il film di Jake Myers, però, è una satira più centrata a livello lavorativo e umano, ripropone un po' il concetto degli ultracorpi, mentre Head Like a Hole indirizza l'ordalia del suo protagonista verso altri lidi, diluendo la critica sociale di partenza per rientrare nei territori dell'horror cosmico tout court. Ciò accade, purtroppo o per fortuna, negli ultimi dieci minuti di film. Per più di un'ora, invece, condividiamo il triste, ripetitivo destino di Asher, uomo ormai alla canna del gas, costretto a vivere in un'automobile senza più benzina, al quale un giorno viene offerto un lavoro (almeno all'inizio) troppo bello per essere vero. Asher, per otto ore al giorno, dovrà monitorare un'"anomalia", un buco all'interno di uno scantinato, e riportare ogni eventuale cambiamento al suo ammorbante capo, che gli sta col fiato sul collo. Giustamente, Asher ha qualche dubbio, derivante da tutta una serie di rigidissime regole e da un'assurda segretezza sullo scopo della sua osservazione, ma l'offerta di vitto e alloggio, assieme ai 40 dollari all'ora, cancella ben presto ogni remora, almeno finché le pretese del capo non diventano sempre più invasive e l'ambiente che lo circonda inquietante.

Il ritmo del film è scandito dallo scorrere dei giorni rappresentati come impietosi numeri in sovrimpressione, alternati a un paio di capitoli che legano il loro titolo ai pochi eventi che sconvolgono la routine di Asher, ed è un ritmo che, assieme all'utilizzo del bianco e nero, enfatizza le sensazioni del protagonista, trasmettendole allo spettatore. Asher è immerso in un mondo grigio, circondato da un ambiente sempre uguale, costretto a sprecare la sua vita fissando un buco senza un perché; è vero che lo stipendio gli permette di liberarsi dalla condizione di povertà iniziale, ma dal momento in cui accetta il lavoro quello stesso stipendio non gli serve a nulla, perché, di fatto, Asher non esce mai da una casa che gli fa anche da ufficio, e dove tenta, goffamente e inutilmente, di instaurare un paio di rapporti umani. E l'orrore cosmico? C'è, ovviamente, ma arriva quasi come un ripensamento, collegandosi a un agghiacciante inizio girato in stile found footage che contrasta col bianco e nero pulitissimo del resto del film (e che, ovviamente, si combina all'attesa che ne consegue, impedendo allo spettatore di rilassarsi). E' un peccato, perché quando il destino di Asher si compie, in seguito ai tanti indizi seminati per tutta la durata di Head Like Hole, l'opera si evolve da commedia nerissima a horror spietato e pessimista, una condanna per chi consegna la propria parte migliore a realtà senz'anima ed egoiste, accettando passivamente di essere l'elemento debole, quello da blandire con falsi complimenti e da minacciare facendo leva su tutta una serie di "bonus" sociali che, invece, dovrebbero essere un diritto. Come ho bofonchiato tra me e me alla fine di Head Like a Hole, ogni tanto vien da pensare che non sarebbe male se l'umanità si estinguesse, soprattutto se ciò significasse dare un bello schiaffo morale a chi predica bene ma razzola talmente male da non riuscire nemmeno a riconoscere ciò a cui ha consacrato la propria esistenza. Non sono sicura che Head Like a Hole avrà mai una distribuzione, è troppo indipendente e "festivaliero", ma se dovesse accadere un miracolo, il mio consiglio è di guardarlo!

Stefan MacDonald-Labelle è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Canadese, anche montatore e produttore, è al suo primo lungometraggio. 

Nuovi Incubi Horror Challenge Day 28: From Beyond (1986)

L'eroina della Nuovi Incubi Halloween Challenge oggi è Barbara Crampton, quindi ho scelto di guardare From Beyond, diretto e sceneggiato nel 1986 dal regista Stuart Gordon a partire dal racconto Dall'ignoto di H.P. Lovecraft.

Trama: il fisico Crawford Tillinghast finisce in manicomio quando l'esperimento del suo mentore, che cercava di potenziare la ghiandola pineale e trovare una connessione con altre dimensioni, si conclude con la morte dello scienziato. Una giovane psichiatra, assieme a un poliziotto, cerca di scagionarlo ripetendo l'esperimento, scatenando così un orrore incontrollabile...

From Beyond è un altro di quegli horror famosissimi che non avevo mai avuto occasione di vedere, oltre ad essere il secondo tentativo di Stuart Gordon di adattare un racconto di H.P. Lovecraft, ovviamente a suo modo. Per "a suo modo", e questo in base ai pochi film del regista che ho visto, intendo accentuando tantissimo la componente body horror e sessuale dei racconti di partenza, che nel caso di Lovecraft erano sottese, molto ben nascoste. Gordon non si fa di questi problemi e, non proprio dalle prime sequenze ma quasi, sottolinea la natura sessuale molto marcata dell'esperimento condotto dal dottor Edward Pretorius, il quale ha messo a punto un macchinario in grado di sviluppare la ghiandola pineale degli esseri umani, fino a consentire loro di percepire una dimensione "altra". Il problema è che, nel momento in cui i soggetti scorgono l'altro mondo, diventa vero anche il contrario, e Pretorius perde letteralmente la testa, lasciando il suo assistente Thillinghast terrorizzato e sul ciglio della follia. E' qui che entra in scena la protagonista della challenge odierna, Barbara Crampton, nei panni di una psichiatra dai metodi discutibili, la quale intende sfruttare Thillinghast per ripetere l'esperimento, con la scusa di scagionarlo; assieme a lui e a un poliziotto torna sul luogo del delitto e il macchinario viene rimesso in funzione, con conseguenze importanti sulla ghiandola pineale dei tre e, cosa non meno importante, sulla loro libido. Se non avete mai visto From Beyond, come me, non sto ulteriormente a ricamare sulla trama. Stuart Gordon anticipa, cinematograficamente almeno, l'Hellraiser di Clive Barker, e mette in scena una scienza atta ad alimentare i più bassi istinti umani, perversioni che hanno radici in desideri repressi di sesso, sofferenza, sottomissione e annullamento dell'individualità. Il povero Tillinghast, fino alla fine, non è altro che una pedina governata da personalità più forti della sua, prima Pretorius poi Katherine, eppure il poveraccio ci prova a mettere in guardia gli altri per quanto riguarda l'orrore che li attende dall'altra parte, e cerca di combattere per mantenere la propria umanità, anche quando le macchinazioni altrui finiscono per renderlo un mostro. I due "dottori", dal canto loro, giustificano desideri profondamente egoistici usando come scusa il progresso, il "bene dell'umanità", eppure nessuno dei due è in grado di resistere alla sirena dell'altro mondo, nemmeno quando diventa chiaro come il "bene comune" sia in realtà un pericoloso concentrato di male cosmico.

In tutta questa ambiguità morale, Stuart Gordon ci sguazza. Parte da un racconto elegante, con tocchi fantascientifici, e spalanca un orrore fatto di mostri disgustosi, sessualmente rapaci, "fluidi" nel senso più ampio del termine, con questa ghiandola pineale che non avrebbe sfigurato all'interno del Rabid di Cronenberg. Nel corso di From Beyond, l'inquietudine dell'ignoto lascia presto spazio a uno schifo tangibile, con tanto di fluidi innominabili e sangue, per poi virare dritto nell'exploitation cannibale e nel sadomaso, consegnando Barbara Crampton ai posteri con un'interpretazione da infarto. La Crampton non aveva nemmeno trent'anni, era al suo secondo ruolo importante, eppure si mangia la scena con l'interpretazione di una dottoressa ambigua, affascinante sia quando indossa una maschera professionale, sia quando si mostra inguainata all'interno di un abitino fetish che lascia ben poco all'immaginazione, sia quando l'orrore è arrivata quasi a inghiottirle la mente, come dimostra la sequenza finale. Non è che gli altri attori non siano bravi. Jeffrey Combs è clueless quanto basta, Ken Foree offre momenti di necessario comic relief, una presa in giro dell'eroe tutto muscoli e integrità morale (probabilmente è stato anche lo sprone per il coming out di molti omosessuali, vista la lunga sequenza in cui combatte con addosso solo un paio di mutande), e Ted Sorel è repellente sotto ogni punto di vista, ma la Crampton è semplicemente indimenticabile. Così come sono indimenticabili gli effetti speciali e il trucco prostetico, curati da molti dei tecnici già responsabili di Re-Animator, che danno vita a creature terrificanti e scene talmente disgustose che a volte sono stata costretta a voltarmi dall'altra parte, soprattutto quando Tillinghast comincia a subire gli effetti di una ghiandola pineale troppo sviluppata. Ringrazio, inoltre, di non avere guardato Together dopo From Beyond, altrimenti la sequenza finale dell'"horror dell'anno" mi sarebbe sembrata ancora più posticcia e orribile di quanto già non fosse. Ribadisco, il cinema di genere dovrebbe ritornare agli effetti speciali artigianali, saremmo tutti più felici così. Nell'attesa vana che ciò accada, vi consiglio di recuperare o riguardare From Beyond, che film truci come questo fanno soltanto bene al cuore!

Del regista e sceneggiatore Stuart Gordon ho già parlato QUI. Jeffrey Combs (Crawford Tillinghast), Barbara Crampton (Dr. Katherine McMichaels), Ken Foree (Bubba Brownlee) e Carolyn Purdy-Gordon (Dr. Bloch) li trovate invece ai rispettivi link.

Se From Beyond vi fosse piaciuto recuperate Re-Animator, Brain Damage, Society - The horror e Il colore venuto dallo spazio. ENJOY!

Nuovi Incubi Horror Challenge Day 27: V/H/S Halloween (2025)

Anche oggi ho mixato due challenge. Quella di Nuovi Incubi chiedeva l'episodio di una saga composta da tre o più film, quella di Letterboxd parlava di "analogic horror". Ne è uscito fuori il recentissimo V/H/S Halloween, diretto e sceneggiato dai registi Bryan M. Ferguson, Anna Zlokovic, Paco Plaza, Casper Kelly, Alex Ross Perry, Micheline Pitt e R.H. Norman.

Seguendo il tema comune della festa più amata dalla comunità horror, V/H/S Halloween scodella una serie di nefandezze da primato, tutte riprese con uno stile found footage e "riversate" su cassetta. Il primo episodio, Coochie Coochie Coo è diretto e sceneggiato da Anna Zlokovic, regista di Appendage, che io però non ho mai visto. E' un episodio che traccia la via di ciò che si troverà davanti lo spettatore in seguito, ovvero abbondanza di umorismo macabro, urla a non finire e schifo (anche umano) assortito. In questo caso, le due protagoniste rimangono bloccate all'interno di quella che credono una finta casa infestata, abitata in realtà dalla terribile "mamma", uno spirito rancoroso che mira a procurarsi quanti più bambini possibili. Coochie Coochie Coo mi ha ricordato un episodio in acido dei migliori Channel Zero, mette una paura terribile in virtù, innanzitutto, dell'aspetto sozzo e labirintico della casa, e poi per le grottesche deformità anatomiche che caratterizzano "mamma" e i suoi piccoli. La sua natura di found footage rende le cose ancora più confuse e il fatto che la vicenda sia ambientata di notte, in un luogo poco illuminato, è indice della bravura della Zlokovic, che comunque realizza delle sequenze chiare... pure troppo, ahimé. 

A rendere le cose più serie, rigorose ma non meno inquietanti, ci pensa Paco Plaza, sfruttando una stanza circolare all'interno di un palazzo e un telefono. Ut Supra Sic Infra, chiaro richiamo all'Inferno, comincia in medias res, con una serie di foto agghiaccianti che documentano una serata di Halloween finita malissimo. Gli inquirenti, ritrovatisi tra le mani un unico sopravvissuto e possibile sospetto, devono ricostruire quanto successo tornando sul luogo del delitto, e da lì ovviamente succederà il delirio. Ut Supra Sic Infra non è il lavoro migliore di Plaza, ma probabilmente è quello che spicca di più all'interno della raccolta, perché si distingue appunto per l'eleganza e la padronanza del mezzo, ché Plaza di found footage ne sa parecchio (e si cita con un simpatico costume da "bombero"). I brividi sono assicurati e credo che l'episodio sarebbe molto interessante come preludio a un lungometraggio.

Dopo tanta serietà arriva la minchiata, efferata da morire ma comunque talmente stupida da fare il giro. Non è una critica, anzi, in quel momento avevo bisogno di ridere e Fun Size, se avete un umorismo infantile come il mio e non vi disturbano dialoghi del livello "Oddio, ma quelle sono le sue palle!!!" potrebbe fare al caso vostro. Non vi spoilero nulla del contenuto del corto, anche perché l'effetto sorpresa è parte integrante della sua riuscita, ma trattasi di giusta vendetta ai danni di chi non rispetta l'ammonimento a prendere solo una caramella a testa. Cartoonesco, splatter e cattivo, Fun Size è una boccata di aria fresca prima che arrivi la vera botta emotiva di V/H/S Halloween.

Se, fino a questo momento, tutto sommato le vittime di ogni episodio se l'erano andata un po' a cercare, Kidprint sbatte in faccia allo spettatore la brutale verità: chiunque può morire, anche se non ha fatto niente per meritarselo. "Kidprint" era il nome di un programma americano atto ad aiutare i genitori nel caso i loro figli fossero scomparsi. Si andava in un negozio di audiovisivi e l'operatore metteva i bambini davanti alla telecamera, facendogli domande banali mentre li riprendeva; ai genitori il video serviva appunto per diffonderlo, al posto di una semplice foto magari sfocata, per consentire alla polizia e ad eventuali testimoni di riconoscere e ritrovare i figli rapiti. Già la cosa è di per sé inquietante, purtroppo Kidprint mostra cosa succederebbe se a realizzare questi video fosse un pazzo maniaco preda del folle desiderio di tornare bambino. L'episodio è sporco, malato, mostra e da ad intendere le peggiori cose, ha una spietatezza che ricorda un po' la New French Extremity e, francamente, dopo il suo pessimismo e le urla disperate di cui è infarcito (oltre alla natura giustamente rozza, amatoriale, di molte sequenze), ho sentito il bisogno di fare una pausa e andare a farmi un giro.

Home Haunt è un po' più lieve, nel senso che non lesina mattanze e orrori anche disgustosi, ma nell'insieme ha quel tocco di umorismo macabro che riesce ad alleggerirlo. Cosa non scontata, mentre i protagonisti degli altri episodi erano appena abbozzati, Micheline Pitt e R.H. Norman mettono in scena un dramma famigliare tristemente verosimile. Home Haunt è, infatti, l'ultimo tentativo di un padre di ricreare la magia degli Halloween passati a costruire un tunnel dell'orrore casalingo assieme al figlio. Da bambino, ovviamente il pargolo era elettrizzato di avere un padre così folle e creativo; crescendo, è subentrata la vergogna, fomentata dalle prese in giro dei coetanei. L'orrore di Home Haunt deriva dall'amore che rende sconsiderati, dal desiderio di farsi vedere fighi davanti ai figli, e purtroppo ci rimetterà un'intera cittadina... di gente non troppo simpatica a dire il vero. Ottimi gli effetti speciali, le scenografie e il trucco delle creature, non a caso tra gli ospiti del tunnel degli orrori c'è Rick Baker, che sembra volere benedire (o maledire) il tutto. Di tutti gli episodi, credo questo sia quello che mi è piaciuto di più, assieme alla splatterosissima cornice, Diet Phantasma, un compendio di riprese aziendali segretissime, funzionari scazzati e spietatezze efferate ai danni di poveracci costretti a testimoniare lo "spooktacular taste" di una bibita al cui confronto lo Stuff è una prelibatezza. Anche in questo caso, gli effetti speciali sono rozzi ed esagerati, una vera ghiottoneria. 

Come ho detto a Lucia nel mezzo della visione, mi sa che sono troppo vecchia per queste stronzate. Il continuo cambio di stili, le riprese tremolanti tipiche del found footage, le secchiate di sangue e altri fluidi innominabili e le urla continue, strazianti, delle vittime, dopo un'ora mi hanno portata alla saturazione. Questo era il mio primo V/H/S e fatico a vedermi recuperare gli episodi precedenti, in quanto mi si dice siano più o meno simili. D'altronde, avevo faticato, dieci anni fa, anche a vedere gli ABCs of Death, anche se V/H/S mi sembra un'operazione un po' meno amatoriale rispetto ad alcuni terribili corti visti nell'altra saga, e i segmenti sono più lunghi. Di sicuro, se avete il gusto dello splatter esagerato, qui c'è parecchia roba che fa per voi. Io ho un po' bisogno di sciacquarmi il cervello, ma nel complesso sono contenta di aver recuperato V/H/S Halloween, anche solo per un paio di idee interessanti. Mi raccomando, affrontatelo con la dovuta cautela!

Del regista Paco Plaza, che ha diretto e co-sceneggiato l'episodio Ut Supra Sic Infra, ho già parlato QUI.

Bryan M. Ferguson è il regista e sceneggiatore della cornice, Diet Phantasma. Scozzese, ha realizzato finora solo corti e video musicali. Anche produttore, scenografo e attore, ha 38 anni.

Anna Zlokovic è la regista e sceneggiatrice dell'episodio Coochie Coochie Coo. Anche produttrice e attrice, ha diretto il film Appendage. 

Casper Kelly (vero nome Kris Kelly) è il regista e sceneggiatore dell'episodio Fun Size. Americano, anche produttore, attore e animatore, è famoso per avere creato la serie Your Pretty Face Is Going to Hell. 

Alex Ross Perry è il regista e sceneggiatore dell'episodio Kidprint. Americano, ha diretto film come Listen Up Philip e Her Smell. Anche attore e produttore, ha 41 anni.

Micheline Pitt e R.H. Norman sono i registi e sceneggiatori dell'episodio Home Haunt. Marito e moglie, finora hanno realizzato solo corti, tra cui Grummy, con Violet McGraw.