Till Death (2021)

La favolosa combinazione Letterboxd/Lucia colpisce ancora e mi ha portata a guardare Till Death, diretto dal regista S.K. Dale.

Trama: una donna si ritrova ammanettata al marito morto e deve sopravvivere non solo al gelo che circonda la loro casa ma anche a degli ospiti imprevisti...

Che sgnoccolona, Megan Fox. Non la rivedevo sullo schermo dai tempi di Jennifer's Body, quindi ormai sono passati più di 10 anni, eppure se riguardo le foto che ho fatto IO 10 anni fa, ora sembro una vecchia catananna, mentre lei è sempre uguale. Anzi, se vogliamo è ancora più gnocca di prima, soprattutto da metà film in poi, quando arriva ad indossare una camicia oversize insanguinata su pantaloni anch'essi oversize e a sembrare pronta per una sfilata di moda (non che a inizio film non sia gnocca, ma col trucco perfetto, l'abito da sera e le Louboutin FORSE sarei passabile persino io. Va detto che mi piacerebbe conoscere la marca dei cosmetici utilizzati visto che il suo personaggio, nonostante tutto, arriva a fine pellicola con sopracciglia definite, ciglia lunghissime, zigomi e tratti somatici scolpiti da bronzer, illuminante e blush e persino con le labbra pittate di gloss brillante, messo, per inciso, un istante prima di andare a dormire, così da svegliarsi già pronta al mattino). Ciò detto, Megan Fox fa venire il nervoso perché non solo è incredibilmente sgnacchera, ma lo scazzo e il (giusto) odio verso il genere umano che infonde nell'interpretazione di Emma la rende anche cazzutissima, una perfetta final girl capace di sopravvivere con la sola forza del disprezzo e a fare cose per cui io avrei già lasciato che mi uccidessero dopo due minuti, ché ci ha voglia di sbattersi al freddo e al gelo? Non io di sicuro.

Avrete già capito che è la signora Fox ad elevare il film, che già nasce come un dinamico esempio di thriller assai violento dove il protagonista è costretto a sopravvivere a una situazione incresciosa con un handicap non da poco, in questo caso una situazione di partenza che ricorda molto quella de Il gioco di Gerald. A differenza di Jessie Burlingame, Emma non è bloccata a letto quindi Till Death diventa un survival molto più fisico e dinamico, nel quale la protagonista non ha tempo di indulgere in allucinazioni e riflessioni, anche perché i pericoli sono molteplici e a un certo punto il fatto di essere bloccata in casa seminuda, senza cibo, riscaldamento e cellulare, con l'aggravante di non potersi allontanare se non a piedi (nudi) e nel bel mezzo della neve, diventa quasi un problema secondario davanti a questioni ben più pressanti. Come spesso accade per questo genere di film, alcune situazioni sono al limite dell'inverosimile, ovviamente, ma una volta accettato il tacito patto di "fede" tra realizzatori e spettatori si ha la possibilità di godersi uno spettacolo che intrattiene per tutta la sua breve durata, senza neppure un minuto morto, con dei bravi attori (c'è persino il figlio di Tim Roth!) e alcune sequenze davvero d'impatto e abbastanza ansiogene, il che rende Till Death perfetto per una calda serata estiva all'insegna del divertimento. A proposito, non guardatelo d'inverno se siete freddolosi come me, io vi ho avvertiti!

Di Megan Fox, che interpreta Emma, ho già parlato QUI.

S.K. Dale è il regista della pellicola, al suo primo lungometraggio. E' anche produttore e sceneggiatore. 

Callan Mulvey interpreta Bobby Ray. Neozelandese, ha partecipato a film come The Hunter, Zero Dark Thirty, Captain America: The Winter Soldier, Avengers: Endgame,Shadow in the Cloud e a serie quali Home and Away. Anche stuntman, ha 46 anni.

Jack Roth interpreta Jimmy. Inglese, figlio di Tim Roth, ha partecipato a film come Brimstone, Rogue One: A Star Wars Story, L'uomo di neve, Bohemian Rhapsody e a serie quali Il trono di spade. Ha 37 anni. 

Se Till Death vi fosse piaciuto recuperate Il gioco di Gerald e Run. ENJOY!

Son (2021)

Altro pezzo della Summer of Chills di Shudder, questo interessante Son, diretto e sceneggiato dal regista Ivan Kavanagh.

Trama: la vita di Laura e del figlioletto scorre serena finché, un giorno, il bambino non viene colpito da una malattia inspiegabile, legata al terribile passato della madre...

Nell'anno del Signore 2021 sono ben pochi gli argomenti non ancora trattati dagli horror, e ancora meno le opere che possano definirsi originali, quindi ultimamente valuto il valore dei singoli film in base al modo in cui "rimaneggiano" cliché ormai consolidati. Nel caso di Son, l'argomento trattato è tra i più abusati all'interno del genere, ovvero la nascita di un piccolo, simpaticissimo Anticristo. Solitamente, mi vengono in mente per esempio Rosemary oppure la signora Thorn, le mamme di detti pargoletti non sono proprio consapevoli di quello che hanno messo al mondo (sì, ok, Rosemary lo scopre non molto tempo dopo mentre la signora Thorn il suo lo ha adottato, quindi forse ho scelto dei cattivi esempi) e proseguono a vivere in lieta ignoranza finché il pikkolo anCielo non comincia a smattare o portare sfiga, mentre nel caso della protagonista di Son la questione è leggermente diversa; nonostante un pesante ciclo di cure psichiatriche che l'hanno portata a dimenticare, Laura sa cos'ha partorito, almeno inconsciamente, e vive aspettando la spada di Damocle che, prima o poi, le cadrà sulla testa, attesa dal momento in cui è fuggita dal culto che la teneva prigioniera. Questa consapevolezza si unisce ad una scelta particolare per quanto riguarda la manifestazione del "male" presente nel piccolo David, che non si esprime attraverso i soliti poteri atti a portare alla morte quanti sospettano della sua natura, bensì attraverso una malattia che rischia di uccidere il bambino, curabile in un solo, terrificante modo.

Zeppo di momenti gore e dotato di alcune sequenze che mettono davvero paura, Son si prende comunque tutto il tempo di approfondire la psicologia di Laura e il suo tentativo di liberarsi da un passato di violenze, sopraffazioni e orribili misteri cercando di preservare un figlio inizialmente non voluto, creandogli attorno la migliore delle atmosfere possibili; Laura cerca in ogni modo di evitare il dolore a David, di consentirgli di vivere come un bambino normale, anche se questo significa rinunciare ogni volta a pezzi della propria anima, ed è per questo che lo spettatore (anche grazie alla bravura di Andi Matichak) arriva a volere bene a Laura e a tifare sia per lei che per il suo dannato pargolo, soprattutto in quel pre-finale che svela il 90% delle carte in tavola (un 10%  viene lasciato per l'ultimo, bastardissimo twist) e cancella una volta per tutte l'incertezza tra realtà e illusione, tra i deliri di una mente fragile e riti capaci di provocare davvero la fine del mondo. Tutti questi elementi, ne sono ben consapevole e lo ripeto, sono presenti in mille altri film simili a Son (ed è per questo che David non conquisterà mai un posto accanto a Damien e agli altri suoi fratellini cinematografici), ciò nonostante credo che Ivan Kavanagh li abbia rimaneggiati molto bene, realizzando una pellicola capace di intrattenere ed interessare lo spettatore dall'inizio alla fine e a mettergli anche qualche brivido. Se riuscite a recuperarlo, ne consiglio la visione!

Di Emile Hirsch, che interpreta Paul, ho già parlato QUI.

Ivan Kavanagh è il regista e sceneggiatore della pellicola. Irlandese, ha diretto film come The Canal e Gli ultimi fuorilegge. E' anche produttore e compositore.

Andi Matichak, che interpreta Laura, è la nipote di Laurie Strode negli ultimi Halloween. Se Son vi fosse piaciuto recuperate Il presagio, L'angelo del male - Brightburn , The Prodigy - Il figlio del male e Eli. ENJOY!

Gunpowder Milkshake (2021)

Certe volte meglio non sapere le cose. Certe volte, meglio guardare film come Gunpowder Milkshake, diretto e co-sceneggiato dal regista Navot Papushado, disponibile su Amazon Prime Video, lasciandosi ispirare dalle locandine viste su Letterboxd e dalle attrici coinvolte, e più non dimandare.

Trama: una killer a pagamento scazza gli ultimi due lavori e viene condannata a morte dall'organizzazione per cui lavora...

Perché certe volte è meglio non sapere le cose, oltre ad avere la memoria di un criceto? Perché a me, per esempio, il nome Navot Papushado non diceva nulla e mi sono guardata Gunpowder Milkshake come fosse una parodia al femminile di John Wick diretta da qualche russo rincoglionito. Purtroppo poi tocca documentarsi prima di scrivere il post e si viene a scoprire che Papushado non solo non è russo, ma era uno dei registi e sceneggiatori di quel trionfo di Big Bad Wolves, rimanendoci conseguentemente male e aggiungendo punti di ignominia a una pellicola altrimenti innocua. Gunpowder Milkshake altro non è che un mix di tutte quelle pellicole "di menare" (mi perdonino i giovini de I400calci per il prestito linguistico) tamarre che vanno per la maggiore in questi ultimi anni; l'ispirazione principale è il già citato John Wick col suo world building fatto di assassini dotati di particolari rifugi/punti di rifornimento armi (là è la catena di hotel Continental, qui c'è una biblioteca) ma si possono aggiungere anche Atomica Bionda, Hotel Artemis, l'umorismo grossolano di Guns Akimbo, un po' di Léon, persino Charlie's Angels e Baby Driver, quest'ultimo citato in un paio di "vorrei ma non posso" fatto di morti in macchina e canzoni utilizzate come elementi costruttivi della trama più che come mero sfondo. Protagonista del film è una killer che ha seguito le orme della madre scomparsa e che, un giorno, si ritrova nel mirino della sua organizzazione dopo avere sbagliato ben due lavori; una simile situazione porta con sé tutto un codazzo di sparatorie, scontri corpo a corpo, rivelazioni e personaggi tra il cazzuto e l'assurdo, insomma tutti elementi che, normalmente, mi porterebbero a leccarmi le dita, ché sapete quanto adori le storie di killer al femminile che menano come fabbri ferrai (e qui ce ne sono ben quattro), ma che stavolta mi hanno lasciata spesso perplessa e annoiata.

Nonostante un paio di sequenze invero pregevoli, nella fattispecie quella all'interno dello studio medico, il combattimento multiplo in biblioteca e il piano sequenza al ralenti finale, i tempi morti di Gunpowder Milkshake sono infatti troppi, soprattutto all'inizio, quando gli sceneggiatori si preoccupano di mettere quintali di carne di seconda mano al fuoco e lasciarla lì, a friggere per "dopo". Di fatto, il film ingrana solo con la prima sequenza meritevole, la prima ad avermi portata a sorridere di approvazione anche dopo un paio di scene più splatter del normale (il vampiro che finisce impalato è notevole), dopodiché diventa poco più di un divertissement piacevole, se si riesce ad ignorare una generale aria di scopiazzatura che rende Gunpowder Milkshake un frullato insipido sia a livello di sceneggiatura che di regia che, nonostante il cast stellare, di attori, punto assai dolente. Io non so se il personaggio di Sam è stato volutamente scritto per essere inespressivo e distaccato, ma Baby e Léon avevano un contesto che li rendeva adorabili, mentre Sam spesso sembra solo vittima della svogliatezza di Karen Gillan e nemmeno affiancandole una bambina vivace ed espressiva la situazione migliora; addirittura, i nemici maschili non sono proprio pervenuti, in particolare i "boss di fine livello", tanto che l'unico a rimanere impresso è il sempre valido Michael Smiley, mentre va un po' meglio dalla parte femminile, dove, a parte Angela Basset che fa a gara di inespressività con la Gillan, ci sono Lena Headey, Michelle Yeoh e, soprattutto, la splendida Carla Cugino a tirare su la baracca. Visti i film precedenti di Papushado, Gunpowder Milkshake mi risulta una caduta di stile proprio perché vorrebbe credersela e averne a pacchi; certo, ho visto di molto peggio e non posso sconsigliarvi la visione del film, però è proprio a "lasciar correre" simili pellicole che tentano di dissimulare la mancanza di idee con un paio di trovate esagerate che lo stile di questo genere di film si appiattisce fino ad intristire gli appassionati. E io ora sono molto, molto triste. 

Del regista e co-sceneggiatore Navot Papushado ho già parlato QUI. Karen Gillan (Sam), Lena Headey (Scarlett), Paul Giamatti (Nathan), Ralph Ineson (Jim McAlester), Carla Cugino (Madeleine), Angela Bassett (Anna May), Michelle Yeoh (Florence) e Michael Smiley (Dr. Ricky) li trovate invece ai rispettivi link.

Se Gunpowder Milkshake vi fosse piaciuto aggiungete anche i due Kingsman oltre ai film citati nel post. ENJOY!  

Volevo nascondermi (2020)

Spinti da un trailer martellante, più che dalle vittorie nazionali ed internazionali, grazie a uno sconto su Chili io e il Bolluomo abbiamo finalmente recuperato Volevo nascondermi, diretto e co-sceneggiato dal regista Giorgio Diritti.

Trama: vita del pittore Antonio Ligabue, dalla sua infanzia in Svizzera a una maturità travagliata, passata tra manicomi, povertà e un incredibile talento artistico...

Sulle note della bellissima, ipnotica Invisible, un critico d'arte afferma che Ligabue non può "non scuoterci, non convincerci", mentre un irriconoscibile Elio Germano osserva ed imita le sgraziate movenze di un tacchino. Sono immagini che hanno accompagnato la monca stagione cinematografica 2020 e secondo me anche un pezzetto di quella del 2019 e sono bastate per convincere me e il Bolluomo della bontà di Volevo nascondermi, biografia del pittore Antonio Ligabue, convinzione fortunatamente confermata a fine visione. Sì perché anche il film di Diritti scuote e convince, ci mette a parte dell'animo sofferente di un uomo, prima ancora che un artista, piagato da una malattia mentale che lo perseguita fin da bambino e che riesce a trovare sfogo soltanto attraverso la pittura; definito artista naif, ma comunque artista a tutto tondo, Ligabue passa la vita a diffidare dell'uomo, sempre pronto alla cattiveria, e a studiare l'innocenza dell'animale, riportandone su tela la "semplicità" dipinta con colori vibranti, quegli stessi colori che sembrano mancare alla grigia realtà che il pittore è comunque condannato a vivere ai margini. Straniero da bambino (italiano e adottato da una famiglia di svizzeri, un padre - Laccabue, da cui Antonio decide di prendere le distanze - omicida), straniero da adulto (torna nella sua terra natale ma conosce solo il tedesco), anche quando la sorte porta le persone a riconoscergli indubbie doti artistiche, Ligabue sarà sempre lo "strano", una specie di fenomeno da baraccone da tenere a bada affinché non vada in escandescenze, trattato con un misto di timore ed incredula ammirazione; ben pochi si avvicinano al pittore con sentimenti di affetto o disinteresse, mentre la maggior parte delle persone lo tiene comunque a distanza, oppure approfitta della sua fama o improvvisa ricchezza. 

Una storia triste e quasi romanzesca quella di Ligabue, perfetta per essere portata al cinema con uno stile, quello di Diritti, fortunatamente non documentaristico e neppure lineare; passato e presente del pittore si alternano e confondono, soprattutto quando la sua mente non è ancora "ancorata" all'arte e viene sopraffatta da esperienze e ricordi di manicomi, notti fredde, fame e violenza, e di tanto in tanto affiorano anche quelle che parrebbero visioni di libera e calda speranza, tocchi surreali che impreziosiscono ulteriormente un film che vanta già un protagonista indimenticabile. Elio Germano pare riportare in vita quel Ligabue sgraziato, piagato dal gozzo e dal rachitismo, e ce lo restituisce in tutta la sua dolente (ma dignitosa) umanità. L'attore affascina quando si immerge completamente nella natura, si "fa", letteralmente, animale per poter rappresentare su tela l'essenza stessa dei suoi soggetti e commuove sia nelle sue esternazioni di profondo dolore e disagio, sia quando assapora quei piccoli grandi "vizi" che la vita di artista rinomato gli concede e dà proprio l'idea di una creatura tormentata, nel bene e nel male, vittima di un fisico debole e malato che stenta a trattenere l'enorme energia di una mente costantemente in tumulto. Un film come Volevo nascondermi è l'ideale per avvicinarsi a un pittore italiano tra i più particolari ma magari poco conosciuto da chi non è appassionato d'arte ed è, in generale, una pellicola bellissima, che val la pena vedere anche se non vi interessa l'argomento.  

Di Elio Germano, che interpreta Antonio Ligabue, ho già parlato QUI.

Giorgio Diritti è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Nato a Bologna, ha diretto film come L'uomo che verrà e Un giorno devi andare. Anche produttore, ha 62 anni.

Se Volevo nascondermi vi fosse piaciuto recuperate Van Gogh - Sulla soglia dell'eternità. ENJOY!

All My Friends Are Dead (2020)

Qualche sera fa cercavo qualcosa di simpatico su Netflix e sono incappata in All My Friends Are Dead (Wszyscy moi przyjaciele nie zyja), diretto e sceneggiato nel 2020 dal regista Jan Belcl.

Trama: una festa di capodanno finisce in tragedia. Allo spettatore resta solo da scoprire cos'è successo prima dell'arrivo della polizia!

Netflix si è appassionata ai film polacchi. Dopo Non dormire nel bosco stanotte, ispirato pesantemente ad Hatchet, arriva All My Friends Are Dead, che ricorda un po' le commedie nere anni '90 come Piccoli omicidi tra amici, Cose molto cattive e compagnia cantante, con l'aggiunta di un gradevolissimo tocco weird che mi ha più volte portata a ridere a crepapelle. La trama, di base, è molto semplice: abbiamo una festa di capodanno finita malissimo e la pellicola è un lungo flashback che ci consente di capire cosa sia successo e come mai i poliziotti si siano trovati davanti parecchie situazioni assurde. Come in ogni commedia nera che si rispetti, la situazione iniziale è quanto di più normale ci sia al mondo, anzi, direi quasi che i personaggi coinvolti sono la quintessenza della banalità, delle macchiette tirate fuori da decenni di commedie americane più o meno scollacciate. In realtà, molti personaggi tra quelli introdotti come stereotipi nascondono interessanti segreti capaci di rendere ancora più spinosa la situazione che si viene a creare a un certo punto e non c'è assolutamente modo di prevedere come queste schegge impazzite andranno a complicare un quadro già abbastanza caotico. Se vi sembro più imprecisa e lacunosa del solito, ovviamente, è per non sciupare il divertimento di scoprire a poco a poco tutto il delirio che può scaturire da un mix mortale di alcool, droghe leggere, voja de scopà, frustrazione, depravazione e tanta, tantissima sfiga. 

Oltre ad avere una trama simpatica, All My Friends Are Dead è anche realizzato molto bene. Se dovessi trovare un prodotto non USA né inglese recente che gli assomigli in quanto a "frizzantezza" di regia e montaggio penserei subito al bellissimo Why don't you just die?; la cinepresa è instancabile, offre attenzione a un personaggio e lo segue con lunghi piani sequenza per poi staccare improvvisamente e dedicarsi a un'altra storia, altri personaggi, tutti inestricabilmente legati l'uno all'altro e destinati a deflagrare in un finale delirante eppure chiarissimo dove ogni dettaglio (soprattutto i più gore) è nitido e comprensibile. A proposito della sequenza "risolutrice", bisogna necessariamente parlare della colonna sonora, vivace e calzante come poche (abbiamo i Mötley Crüe e i The Anima, roba danzereccia come Gloria in versione Laura Branigan, Donna Summer, ma anche stralci de La Carmen di Bizet, quindi ce n'è davvero per tutti i gusti e tutte le situazioni), e non bisogna dimenticare poi la bravura degli attori, a prescindere dal tempo passato sullo schermo, perché è se è vero che l'attenzione viene inevitabilmente calamitata da Julia Wieniawa-Narkiewicz e da tutti quelli che, nel bene o nel male, ruotano attorno a lei, il mio cuore è stato catturato soprattutto dai personaggi "minori", cito in primis i fattoni sulla panchina, il povero fattorino delle pizze e persino Gesù. All My Friends Are Dead è reperibilissimo su Netflix ed è perfetto per una serata estiva passata ad uccidersi di incredule risate, cercate di non snobbarlo solo perché è polacco e magari vi ha fatto (giustamente) schifo Non dormire nel bosco stanotte!

Jan Belcl è il regista e sceneggiatore della pellicola, al suo primo lungometraggio. Sloveno, anche produttore e attore, ha 29 anni.

Julia Wieniawa-Narkiewicz, che interpreta Anastazja, era la protagonista di Non dormire nel bosco stanotte, sempre su Netflix, e dovrebbe tornare proprio nell'imminente sequel. 

The Superdeep (2020)

Sto rimanendo indietro (e non avevo dubbi su questo) con la Summer of Chills di Shudder, che nel mese di giugno ha tirato fuori dal freezer, stavolta è il caso di dirlo, The Superdeep (Kolskaya sverhglubokaya), diretto nel 2020 dal regista Arseny Syuhin.

Trama: un'epidemiologa viene incaricata di recarsi presso il pozzo di Kola, in Russia, dove si nasconde un laboratorio sotterraneo e dove si vocifera sia presente un virus sconosciuto e mortale.

The Superdeep si basa sulla vera storia del pozzo superprofondo di Kola, il primo luogo dove gli scienziati sono riusciti a perforare la terra arrivando ad una profondità di più di 12000 metri. Col tempo, attorno al pozzo di Kola si è creata una leggenda in cui si dice che, arrivati a un certo punto della perforazione, un microfono avrebbe captato delle voci umane e persino delle urla prima di sciogliersi per il calore, cosa che ha portato molte persone a pensare che sotto Kola si trovasse nientemeno che l'Inferno. Partendo dal presupposto che "qualcosa" si nasconda da quelle parti, gli sceneggiatori di The Superdeep hanno deciso di ambientare il film nei cupi anni della Guerra Fredda, un periodo di brama di potere militare e lotta per la supremazia perfetto per giustificare una spedizione composta da epidemiologi e soldati pronti a svelare il mistero di un presunto virus scoperto all'interno del laboratorio sotterraneo segreto di Kola, e hanno contaminato il tutto con continui omaggi a quel capolavoro che è La cosa di Carpenter. Il buon John, tuttavia, oltre che immenso stile, aveva anche un ottimo senso del ritmo, qualità che purtroppo manca ai realizzatori di The Superdeep, al quale avrebbe giovato almeno mezz'ora in meno e un po' di azione in più, soprattutto a fronte non solo dell'interessante premessa, ma anche di un budget alto che consente al regista di spaziare in una pluralità di ambienti uno più claustrofobico e squallido dell'altro.

Purtroppo, lo spettatore che ha più o meno già intuito dove andrà a parare il film, prima di arrivare alla "ciccia" è costretto a subire i rimorsi di coscienza di una protagonista con la quale è impossibile empatizzare (non solo perché è simpatica come una scopa su per il chiulo ma anche perché l'attrice che la interpreta è la Corinna Negri russa e ha l'unico pregio di essere una bella fanciulla), lunghissimi minuti di discussioni morali e supercazzole spaziali (non nell'accezione "universale" ma proprio di "posto, ambiente", visto che è più il tempo in cui i personaggi parlano di dove andare e in che modo rispetto a quello che effettivamente passano il quel determinato luogo, una volta raggiunto) e flashback che dovrebbero servire a coinvolgere maggiormente il pubblico invece rimangono lì, come l'aratro nel maggese, e il disgusto molliccio che attende i protagonisti non è detto che arrivi in tempo per strapparvi dalle braccia di Morfeo. Peccato, perché gli effetti speciali di The Superdeep non sono affatto male, rivoltano lo stomaco quanto basta e anche a livello di gore c'è parecchia soddisfazione, senza contare che anche la regia e le scenografie sono di alta qualità. Ho letto da qualche parte che esiste un "reduced cut" del film, con almeno 15 minuti di girato in meno; secondo me sono ancora pochi ma, nel caso, consiglio la ricerca e il recupero di quella versione, potreste divertirvi molto di più.  

Arseny Syuhin è il regista della pellicola, al suo primo lungometraggio. Russo, è anche sceneggiatore, compositore e tecnico degli effetti speciali e ha 39 anni.

Fear Street Parte 3: 1666 (2021)

E fu così che giungemmo alla fine! Con un ritardo mostruoso ed irrispettoso ho recuperato anche Fear Street Parte 3: 1666, sempre diretto e co-sceneggiato da Leigh Janiak ed ispirato alla serie fi libri Fear Street di R.L.Stine. Come sarà finita?

Trama: Nel 1666, nel villaggio colonico abitato da Sarah Fier regna la pace, almeno finché una forza maligna non comincia a rovinare i raccolti e a far impazzire gli abitanti, scatenando una tremenda caccia alle streghe...

Fear Street: 1666 è la perfetta conclusione di una trilogia che non ha perso un colpo e che ha risvegliato la mia fiducia nei confronti dell'horror distribuito da Netflix, alzando l'asticella dei modelli a cui dovranno guardare, in futuro, i teen horror che vorranno rispettare l'intelligenza del loro target di riferimento. La storia di Fear Street fa un ulteriore passo indietro e ci porta, come da anticipazioni, all'anno in cui tutto è iniziato, con la fine dell'esistenza della strega Sarah Fier, impiccata dopo aver condannato la popolazione di Shadyside a una maledizione senza fine. Senza fare troppi spoiler, Fear Street: 1666 prende parecchio, come ispirazione e messa in scena, dal capolavoro di Eggers, The VVitch, almeno nella prima parte; una volta offerta al pubblico la soluzione di un enigma che ci portiamo dietro da due film, il tempo torna a scorrere e ci ritroviamo nel 1994, con un'atmosfera che non è più quella dello slasher à la Scream o, meglio, non solo, perché in gioco, oltre alla sopravvivenza dei singoli superstiti, c'è l'anima di un'intera città. La disparità tra la sfortunata, decadente Shadyside e la ricca Sunnyvale, accennata a mo' di rivalità distintiva nella prima parte e portata maggiormente sotto i riflettori in 1978, diventa la chiave del mistero della maledizione di Sarah Fier ed è la diretta discendente di un mondo ingiusto e bigotto, dove i reietti e i deboli non hanno modo di difendersi da un pregiudizio che diventa odio e da una classe dominante (che sia formata da ricchi uomini d'affari o da bifolchi, non fa differenza) che mira solo a mantenere un cieco status quo.

La rabbia e il senso di umiliazione e sconfitta che Deena riversava su Sam all'inizio di 1994, sensazioni messe da parte (giustamente) davanti al terrore concreto di vedersi spaccare la testa con un'accetta, diventano l'anima di Fear Street 1666, la molla che spinge i personaggi ad agire, alimentando in loro un bruciante desiderio di affermarsi e urlare al mondo che la diversità, di qualunque genere, non è necessariamente da condannare o ignorare e che invece, molto spesso, "il bene è male", soprattutto quando il sole splende sempre sullo stesso punto, senza apparente motivo. Sono molti i colpi al cuore che arrivano durante la visione di Fear Street 1666, perché nel frattempo siamo arrivati ad amare i personaggi in ogni loro (re)incarnazione e vederli sistematicamente messi in ginocchio e presi in giro fa quasi più male che vederli morire per mano di creature demoniache che non sono altro che una mera, pittoresca espressione di qualcosa di ancora più orribile ed insinuante. E' l'intero "baraccone" di Fear Street a distrarre, come le creature di cui sopra, a fornire una maschera commerciale e divertente a un'opera più coraggiosa di quanto appare ad un'occhiata distratta, che si spera riuscirà a parlare molto chiaramente al pubblico di ragazzi a cui si rivolge e infondere coraggio a molti degli spettatori, fornendo dei modelli di reietti forti e "veri", non infighettati alla bisogna, con i quali riconoscersi. Anche per questo la trilogia di Fear Street è una delle opere horror (e non solo) più interessanti e coerenti degli ultimi anni, oltre che un'operazione molto ambiziosa, che spero vivamente non offrirà il fianco alla serialità che la piattaforma impone (maledetta manina sui titoli di coda...), a rischio di privarsi di significati e anima. Al momento, Leigh Janiak ha realizzato un vero gioiellino e io non posso che unirmi alla folta schiera di chi le sarà eternamente grato!

Della regista e co-sceneggiatrice Leigh Janiak ho già parlato QUI. Sadie Sink (Constance/Ziggy Berman) e Gillian Jacobs (C. Berman) le trovate invece ai rispettivi link.

Randy Havens, che interpreta George Fier, è il Mr. Clarke della serie Stranger Things. Ovviamente, se il film vi fosse piaciuto, recuperate Fear Street parte 1 e parte 2 e aggiungete The VVitch. ENJOY!