Nati con la camicia (1983)

Siccome un po' di tempo fa mi è capitato di vedere in TV Porgi l'altra guancia, mi sono resa conto che non guardavo seriamente un film con Bud Spencer e Terence Hill dal almeno 20 anni e, dato che era disponibile su Netflix, ho deciso di riguardare Nati con la camicia, diretto da E.B. Clucher nel 1983.

Trama: un'ex galeotto e un ventriloquo vengono scambiati per due super spie e ingaggiati dalla CIA per sconfiggere un criminale che vorrebbe distruggere il mondo...

A 42 anni suonati, posso dire che i film di Bud Spencer e Terence Hill sono l'unica certezza che ho, granitica ed immutabile. Non importa se sono passati decenni da quando, bambina, mi sbellicavo dalle risate in braccio a mio padre guardandoli, mi fanno sempre lo stesso effetto e sono una piccola scintilla di gioia in grado di ravvivare anche le giornate più buie. Nati con la camicia, di cui pure ricordavo poche sequenze e battute rispetto agli altri film del duo, non fa eccezione. La trama si sviluppa dal più classico e "budspencereterencehilliano" dei pretesti, ovvero quando due scappati di casa (Bud ex galeotto appena uscito di prigione e Terence vagabondo ventriloquo) vengono scambiati prima per dei ladri ricercati da tempo e poi, proprio per scappare da queste accuse infamanti, vengono presi per due infallibili super spie e trascinati di peso nelle trame della CIA, costretti a smascherare e sconfiggere un supervillain dal sapore Bondiano. E Bondiana è, per l'appunto, tutta la struttura parodica che regge il film. Una volta accettato di fare buon viso a cattivo gioco per amore di un milione di dollari, Bud e Terence vengono dotati di tutta una serie di accessori di lusso indispensabili per il mondo delle spie, di una macchina talmente accessoriata (nonché tamarrissima) da fare invidia all'Ispettore Gadget, e costretti ad affrontare vari scagnozzi dall'aspetto e dall'accento esotici, oltre a ritrovarsi bloccati in ambienti fantascientifici che, a un certo punto, fanno virare il film verso la direzione del nonsense più totale. Non che questo sia un difetto, beninteso. Anzi, Nati con la camicia sembra proprio voler puntare all'esagerazione crescente, quasi a voler sottolineare come la vita dei due poveri buzzurri Doug e Rosco, fatta di espedienti e scazzottate, sia normalissima e spartana in confronto al mondo "altro" delle superspie Steinberg e Mason (che, per inciso, non vengono mai mostrati); nonostante ciò, questo mondo bizzarro e "superiore" viene spesso messo in ridicolo dal semplice buonsenso dei nostri, ai quali bastano un po' di astuzia e faccia tosta per smascherare la cortina di fumo che cela funzionari pasticcioni (la gag del "Potreste non scriverlo nel rapporto?" è esilarante) e cattivoni da operetta, costretti a soccombere davanti al cervello e, soprattutto, ai pugni dei due agenti per caso.

A proposito di pugni, sapete benissimo che io ADORO le scazzottate di Bud Spencer e Terence Hill, è una passione che ho fin da piccola e che già all'epoca mi portava a non aspettare altro che quelle. Quindi è con un po' di delusione che mi tocca sottolineare come Nati con la camicia non sia particolarmente zeppo di pestaggi, anzi, passa anche troppo tempo tra una scazzottata e l'altra. Certo, il film in questione conta una delle scene più iconiche tra quelle aventi Bud Spencer come protagonista, ovvero quella in cui con un "guarda là" e un perfetto gesto dell'ombrello fa fesso il quartetto di "cinesi" mandati ad ucciderlo, ma giustamente Clucher aveva probabilmente per le mani il budget delle grandi occasioni e ha preferito puntare su inseguimenti in auto, lussuosi hotel, panoramiche di Miami e grandi navi da crociera, oltre a un paio di terrificanti capi d'abbigliamento da far indossare ai due protagonisti. A proposito di abbigliamento, il film è del1983 e un paio di cose a cui, ovviamente, non avevo fatto caso da bambina mi hanno letteralmente agghiacciata. Bud Spencer per metà film porta un berretto in testa con su scritto "Kiss me, I'm black" (tradotto in uno dei dialoghi come "Baciatemi, sono ne*ro") e l'intera sequenza in cui, con l'ausilio di un filtro d'amore, l'integerrima segretaria del capo della CIA viene ridotta a una cutrettola sognante dopo essere stata presa in giro dagli uomini in quanto "quella non sa nemmeno cos'è il sesso", vista al giorno d'oggi raggiunge livelli di cringe altissimo. Per fortuna, l'enorme simpatia di Bud e Terence e la loro enorme alchimia compensano ampiamente, e lo stesso vale per la gradevolissima colonna sonora di Franco Micalizzi, che acquista punti in più in quanto autore anche della sigla di Lupin III cantata da Castellina Pasi. Vedete quanto è piccolo il mondo delle cose belle bellissime e quanto fa bene, ogni tanto, ricordarci della loro esistenza?

Di Bud Spencer, che interpreta Doug O'Riordan/Mason, ho già parlato QUI mentre David Huddleston, che interpreta Tigre, lo trovate QUA.

E.B. Clucher (vero nome Enzo Barboni) è il regista della pellicola. Nato a Roma, ha diretto film come Lo chiamavano Trinità..., Continuavano a chiamarlo Trinità, Anche gli angeli mangiano fagioli, I due superpiedi quasi piatti, Non c'è due senza quattro e Renegade, un osso troppo duro. Anche direttore della fotografia e sceneggiatore, è morto all'età di 79 anni.

Terence Hill (vero nome Mario Girotti) interpreta Rosco Frazer / Steinberg. Nato a Venezia, lo ricordo per film come Il gattopardo, Dio perdona, io no!, I quattro dell'Ave Maria, Lo chiamavano Trinità..., Continuavano a chiamarlo Trinità, ... Più forte ragazzi!, ... Altrimenti ci arrabbiamo!, Porgi l'altra guancia, I due superpiedi quasi piatti, Pari e dispari, Io sto con gli ippopotami, Poliziotto superpiù, Chi trova un amico trova un tesoro, Don Camillo, Non c'è due senza quattro, Miami Supercops, Renegade, un osso troppo duro, Lucky Luke e Botte di Natale, inoltre ha partecipato a serie quali Lucky Luke, Un passo dal cielo e Don Matteo. Anche regista, produttore e sceneggiatore, ha 84 anni. 

Se Nati con la camicia vi fosse piaciuto, avete da sbizzarrirvi con la filmografia di Bud Spencer e Terence Hill, ovviamente! ENJOY!

Huesera (2022)

Mi ha fatta un po' penare per quanto riguarda la reperibilità ma mi ci sono incaponita perché volevo vederlo da mesi e, finalmente, sono riuscita a guardare Huesera, diretto e co-sceneggiato nel 2022 dalla regista Michelle Garza Cervera.

Trama: Valeria e il marito Raúl stanno cercando di avere un figlio e, quando Vero rimane incinta, sono entrambi al settimo cielo, almeno finché la ragazza comincia a venire perseguitata da una strana entità.

A leggere la trama di Huesera verrebbe da pensare al tipico horror a base di donne incinte e demoni pronti a possedere loro o il figlio che portano in grembo ma posso già assicurarvi, senza alcun ausilio di spoiler, che il film diretto e co-sceneggiato da Michelle Garza Cervera è molto più complesso ed interessante di così. Huesera sfrutta l'elemento horror per raccontare una condizione di disagio comune e, ahimé, reiterata dalla società "moderna", che è propria di chi è nato donna, ovvero quella terribile, insistente pressione sociale che ci vorrebbe tutte accasate e figliate in un lasso di tempo che copra, preferibilmente, dai 25 ai 30 anni, ché dopo si è già vecchie. Valeria è sposata con Raul e i due, a coronamento di una vita familiare perfetta, stanno cercando di avere un figlio (il primo amplesso mostrato tra i due è di rara tristezza, ed è un necessario metro di giudizio, oltre che una chiave di interpretazione fondamentale, per tutto ciò che verrà dopo); quando Valeria rimane incinta, la ragazza sembrerebbe al culmine della felicità, non fosse per delle terribili visioni legate a "qualcosa" che comincia a perseguitarla e privarla della tranquillità, una creatura fatta di ossa scrocchianti e in grado di piegarsi ad angoli impossibili, che nessun altro, a parte lei, è in grado di vedere o percepire. La cosa interessante di Huesera è vedere come al progressivo disagio mentale di Valeria si accompagni il "naturale" disagio fisico di chi subisce i cambiamenti indotti dalla gravidanza, qualcosa che trasforma completamente una donna e che non necessariamente chiunque vive come una gioia, anzi; l'altra cosa interessante è vedere come la metaforica diga mentale eretta da Valeria per conformarsi alla società e ai desideri di una famiglia già privata del primogenito maschio (e che, probabilmente, da lei si è sempre aspettata ben poco, come si evince dai dialoghi al vetriolo che si scambiano i personaggi), ceda a poco a poco per rivelare una persona completamente diversa dalla protagonista introdotta dalle prime sequenze, un nucleo di caos ed indipendenza costretto all'interno di limiti imposti o indotti, che preme, letteralmente, per tornare a reclamare il posto che gli è stato sottratto.

Sia dietro la macchina da presa che alla sceneggiatura, Michelle Garza Cervera imprime alla pellicola una forte personalità "nazionale" che allontana Huesera dai modelli dell'horror americano pur appropriandosi di alcuni elementi formali tipici del genere. Il folklore del Messico, la commistione totale di elementi cattolici e riti pagani, si fa sentire fin dalle prime sequenze, per poi deflagrare nel cupo, affascinante rito con cui Valeria cerca di liberarsi di ciò che la perseguita, un insieme di scene terrificanti e interessanti in egual misura, dove si erge a protagonista non solo un mondo "altro", ma anche un gruppo sociale fatto di persone considerate diverse e in qualche modo "mancanti", eppure necessarie in virtù della loro empatia ed apertura mentale, indispensabili per capire e contrastare ciò che chi è normale fatica a vedere. L'orrore, a tal proposito, in Huesera non viene mai dissimulato, al contrario, la Cervera confeziona scene abbastanza raccapriccianti e momenti in cui l'inquietudine la fa da padrone. Nonostante questo, ciò che mi ha colpita maggiormente guardando il film non è tanto l'orrore "fantastico", quando piuttosto quello verosimile, dipinto negli occhi di una ragazza che si vede ridurre a mera incubatrice inaffidabile, a madre depersonalizzata prima ancora di mettere al mondo un figlio, circondata da persone (l'amorevole maritino in primis, ma anche la suocera, la sorella pronta a difendere quei due figli mostruosi che si ritrova e persino la mamma di Valeria) preoccupate non tanto per la sua salute, quanto che il deterioramento di quest'ultima causi danno al bambino. Non dovrebbero servire horror come questi per aprire un po' gli occhi, ma magari guardatelo comunque che male non fa, e ricordatevi che le mamme, anche quelle che lo sono da poco, sono sempre esseri umani senzienti ed indipendenti, ai quali fa piacere sentirsi sinceramente chiedere "come stai?", non "come state?", come se non potessero scindersi dal figlio neonato. 

Michelle Garza Cervera è la regista e co-sceneggiatrice della pellicola. Messicana, ha partecipato all'antologia México Bárbaro II. Anche produttrice, ha 36 anni.

John Wick 4 (2023)

Ammetto che ci avevo quasi rinunciato, tra impegni e malanni, ma domenica siamo riusciti finalmente ad andare al cinema a vedere John Wick 4 (John Wick: Chapter 4), diretto dal regista Chad Stahelski.

Trama: dopo essere quasi morto nel film precedente, John Wick riprende il suo sanguinoso cammino pr liberarsi dal giogo della Gran Tavola e stavolta il suo principale avversario è il Marchese Vincent de Gramont.

E' finita. Forse. Dico forse perché in una scena post-credit che non vi spoilero stiamo già guardando al MCU del Continental e della Gran Tavola, di cui in effetti ci manca di vedere i pilastri fondamentali, ma dopo 9 anni possiamo dire che è finita la saga che ha sdoganato il cinema "di menare" (TM) al pubblico bue, quello che del cinema in questione non conosce nemmeno le basi e che magari, chessò, è riuscito ad incuriosirsi dopo tutto questo tempo. E' finita, e quella di John Wick è una fine a cui non potrò MAI voler male, nonostante tutti i difetti che mi hanno spinta a ridere come una pazza in sala, perché ci sono anche tanti pregi e momenti epici. Di trama ormai non si può più parlare da un paio di episodi, ci mancherebbe. Ogni film di John Wick, salvo forse il primo, è una serie di scuse e deviazioni per far sì che Keanu Reeves, per arrivare dal punto A al punto B, ci metta più o meno tre ore e, nel frattempo, si profonda in coreografie malmenanti sempre più lunghe e complesse (ma non per questo varie. Ci arrivo) e, ovviamente, John Wick 4 non fa eccezione, cosa che porta il nostro eroe a viaggiare dal Marocco ad Osaka, da New York a Berlino e, per il gran finale, a raggiungere una Parigi da cartolina. Ciò che in primis salva il franchise dalla noia perpetua è, come sempre, il bellissimo, interessante world building che lo accompagna, fatto di alberghi misteriosi, concierge efficacissimi (ciao Lance, mi mancherai tanto) e terribili Gran Tavole che giocano con la vita altrui millantando regole perse nell'alba dei tempi e perfino codificate in latino, con tutto il codazzo di personaggi e assassini sui generis che si portano appresso. La seconda cosa sono le infinite sequenze di combattimento, ogni volta più assurde ed esilaranti, che dopo tutti questi anni ancora regalano delle gioie, non tanto quando c'è di mezzo Keanu Reeves (mai stato particolarmente atletico, poverello, ma ci mette l'impegno instancabile di chi ha le giunture sempre un po' rigide e deve compensare con l'entusiasmo) ma quando arriva gente tipo Donnie Yen e Scott Adkins, il primo sempre una gazzella elegantissima e il secondo, pur costretto nel ruolo di Ciccio Bastardo, sempre capace di tirare calci come se non portasse una fat suit addosso.

Le infinite sequenze di cui sopra, signori miei, le avrei onestamente scorciate un po', perché risentono dello stesso difetto del film precedente, ovvero quello di mostrare Reeves rotolare per dieci minuti attorno all'attaccante per poi freddarlo con un headshot, ma quest'anno ci sono anche picchi di sfacciataggine notevole, forieri dell'ilarità isterica di cui parlavo sopra. Per esempio, John Wick 4 introduce "ottimi" abiti in kevlar coi quali basta coprirsi il viso col bavero per sopravvivere anche alle piogge di proiettili peggiori, o ancor più ottimi fucili d'assalto che non si limitano a colpire l'avversario, ma lo incendiano proprio, facendolo quasi esplodere; è stato poi introdotto un concetto di universo espanso secondo il quale John Wick discende direttamente dal clan MacLeod, o non si spiega perché lui riesca a sopravvivere a incidenti stradali reiterati e continue cadute da palazzi di 10 piani, mentre gli sventurati che condividono il suo stesso destino devono arrendersi alla morte impietosa dopo appena un singolo incidente/caduta. Ciò detto, John Wick 4 tocca picchi di commozione plurimi, soprattutto nelle scene ambientate a Parigi, con la rotonda degli Champs Elysées trasformata nel set di Carmageddon e la scalinata che porta al Sacro Cuore trasfigurata in una sorta di tormento di Sisifo, il tutto creato per omaggiare I guerrieri della notte grazie alla sensualissima (e bastardissima) DJ pronta a vendere agli assassini della Ville Lumière il povero Jonathan. Non dimentichiamo, infine, le guest star che come sempre pullulano. Al di là di Donnie Yen e Scott Adkins, per me i top del cast, Bill Skarsgård fa sempre la sua porca figura (e credo che il doppiaggio italiano ci abbia messo una bella pezza, almeno stavolta), di Clancy Brown non parliamo nemmeno, ché la grandezza è troppa, Hiroyuki Sanada è sempre elegante e bellissimo, Marko Zaror un'eccellente ingresso forse poco sfruttato e Ian McShane è perfetto oggi come 9 anni fa. Dite quello che volete, a me John Wick mancherà veramente tantissimo ma, come ho già detto, l'intenzione di tenere la saga in vita c'è (il primo spin-off cinematografico è previsto già per l'anno prossimo!), perché si potrebbero raccontare ancora mille storie su questo universo, stando però bene attenti a giocarsi al meglio la carta del picchiare/uccidere/headshottare bene, cosa che, purtroppo, una serie TV non potrebbe mai fare, ma chi sono io per porre dei limiti alla tamarreide e alla fantasia? Attendo speranzosa!

Del regista Chad Stahelski ho già parlato QUI. Keanu Reeves (John Wick), Laurence Fishburne (Bowery King), Lance Reddick (Charon), Clancy Brown (Harbinger), Ian McShane (Winston), Bill Skarsgård (Marchese), Donnie Yen (Caine), Hiroyuki Sanada (Shimazu) e Scott Adkins (Killa) li trovate invece ai rispettivi link.

Lance Reddick, Keanu Reeves, Ian McShane e persino Anjelica Huston dovrebbero comparire in Ballerina, il primo spin-off della saga, programmato per l'anno prossimo e avente Ana De Armas come protagonista. Nell'attesa, ovviamente, recuperate i primi tre film della saga e aggiungete Atomica Bionda, Bullet Train e I guerrieri della notte. ENJOY!

Candy Land (2022)

Oggi parlerò di uno slasher dal titolo ingannevole, ovvero Candy Land, diretto e sceneggiato nel 2022 dal regista John Swab.

Trama: le vite dei sex worker che gravitano attorno a una stazione di servizio vengono sconvolte quando i clienti cominciano a venire trucidati da mano ignota...

Dopo un paio di horror "divertenti", Candy Land è la mazzata inaspettata che ti riporta alla depressione. Avrei dovuto pensarci, in effetti, visto che l'ambientazione di partenza è già triste e squallida: la Candy Land del titolo altro non è che una zona stradale compresa di stazione di servizio dove gravitano le cosiddette "lot lizards", ragazze (e un ragazzo) dedite alla prostituzione e costrette a subire le peggio porcate da gente che a definire leppegosa, salvo pochissime eccezioni, si fa loro un complimento. Ciò che però rende Candy Land ancora più difficile da guardare è che i protagonisti, tratteggiati con poche, intense pennellate intrise di personalità, entrano nel cuore dello spettatore nel giro di un paio di minuti, quelli necessari per percepire tutto il cameratismo, l'affetto e il forte legame che unisce tutti i sex workers del luogo, in grado di creare un ambiente dove non esiste la sicurezza totale (almeno a livello fisico) ma c'è sempre qualcuno pronto ad aiutare il/la lizard in difficoltà, a consolarl* e proteggerl*. Sono proprio i valori che li legano a spingerli ad accogliere nel gruppo Remy, cacciata da una setta religiosa e in cerca di un posto dove stare, e ciò succede proprio nel momento in cui la stazione di servizio comincia a diventare teatro di un paio di omicidi violenti. Se vi fidate di me, potete smettere di leggere qui, perché poi dovrò per forza entrare nel regno dello SPOILER, e correre a recuperare un film che non si trattiene di fronte a nulla per quanto riguarda gore, scene erotiche abbastanza esplicite e un paio di momenti incredibilmente disgustosi, eppure riesce lo stesso a risultare commovente, oltre che affatto banale. Certo, alla fine vi salirà addosso la voglia di alcoolizzarvi, probabilmente, perché Candy Land non lascia speranza alcuna, oppure vi chiuderete in camera ad ammazzarvi di Venditti, chissà, ma avrete perlomeno la certezza di avere visto un bell'horror. Quelli che sanno già di cosa sto parlando, invece, possono continuare la lettura!

SPOILER

L'aspetto interessante di Candy Land, che svela le sue carte neppure troppo tardi e, probabilmente, all'occhio dello spettatore avvezzo le scopre praticamente subito, è proprio il personaggio di Remy. Connotata come una "donna angelicata", troppo innocente e pura per sopportare di vivere all'interno di una setta religiosa che, invece, fin da subito viene descritta come intransigente al punto da rendere possibile il ricorso all'omicidio violento da parte dei membri, la ragazza viene accolta con gioia dai lot lizards per tutti i motivi di cui sopra. Purtroppo, Remy è il classico esempio di come non si debba giudicare un libro dalla copertina, in quanto la giovane (interpretata divinamente da un'Olivia Luccardi sempre più brava e a suo agio con i personaggi borderline) è stata sì cacciata dalla setta, ma perché pronta a purificare i peccatori pugnalandoli; il voltafaccia di Remy è lento ma inevitabile e, se all'inizio non si può fare altro che applaudire le sue scelte in fatto di vittime (il prete in particolare mi ha rivoltato lo stomaco, grazie John Swab!!), mano a mano che alla sua follia si aggiunge il desiderio di "andare in un mondo migliore", anche le morti a cui ci tocca testimoniare diventano più dolorose e difficili da sopportare, mentre Candy Land va letteralmente in frantumi. John Swab riesce a tratteggiare una realtà in scala di grigi più o meno intensi, dove i valori "tipici" della società vengono completamente stravolti da un senso di speranza e amore distorto (non si tratta solo di Remy, che uccide a causa di un senso di pietà totalmente stravolto e vorrebbe portare con sé nella morte amici e amanti, ma anche dello sceriffo Rex, capace di provocare nello stesso tempo disgusto e compassione), dove nessuno è innocente o perfetto e dove c'è il rischio di venire inghiottiti da una nera e violenta oscurità mai chiaramente identificabile proprio a causa delle vite che conducono i protagonisti. Candy Land non è un film perfetto e mette spesso alla prova lo spettatore con una rozzezza anche troppo diretta, ma è un'interessante mosca bianca all'interno di un genere sempre più patinato, dove è raro trovare prodotti che non si nascondono dietro un dito quando si tratta di essere brutti, sporchi e cattivi e riescono lo stesso a ritagliarsi il tempo di creare personaggi tridimensionali e non solo carne da macello. Ripeto, recuperatelo, se potete! 

Olivia Luccardi, che interpreta Remy, la trovate QUI, mentre William Baldwin alias lo Sceriffo Rex, lo trovate QUA.

John Swab è il regista e sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto film come Gioventù perduta e Ida Red. Anche produttore e attore, ha 34 anni e un film in uscita.

Owen Campbell interpreta Levi. Americano, ha partecipato a film come Crazy, Stupid, Love., Depraved e X. Anche regista, sceneggiatore e produttore, ha 29 anni. 

Sam Quartin, che interpreta Sadie, aveva già lavorato con John Swab nei film Let Me Make You a Martyr, Gioventù perduta e Body Brokers; Eden Brolin, che interpreta Riley, è invece la figlia di Josh Brolin. Ciò detto, se Candy Land vi fosse piaciuto, recuperate X. ENJOY!

Bollalmanacco on Demand: A caccia di un sì (2019)

Alla fine del recupero degli Oscar mi sono ripromessa che avrei ripreso un paio di rubriche fisse, una delle quali è il Bollalmanacco On Demand, fermo ormai da OTTOBRE 2021. Cercherò di riprendere a cadenza un po' più regolare, cominciando proprio oggi con A caccia di un sì (Solteras) chiesto non so nemmeno quanti decenni fa dalla mia sister mancata Alessandra di Director's Cult! Il prossimo film On Demand sarà Greta. ENJOY!  

Trama: dopo essere stata mollata dal fidanzato storico, Ana decide di iscriversi a un corso per trovare marito...

Se seguite il Bollalmanacco già da qualche tempo, vi sarete resi conto che le commedie sentimentali non sono proprio il mio genere. Non è che le schifo, solo che non mi metto mai a guardarle, perché è un tipo di film che non m'interessa. A caccia di un sì rientra per un soffio nella definizione di commedia sentimentale, però è più un "racconto di formazione", se mi passate il termine, perché si focalizza sulla progressiva presa di coscienza di Ana, thirtysomething (o treintacualcuiera?) disperata all'idea di rimanere zitella a vita mentre tutte attorno a lei si sposano. E' più commedia, inoltre, che film sentimentale, perché le vicissitudini di Ana sono spesso esilaranti come le persone che la circondano e i realizzatori si sono impegnati a definire il tono ironico della vicenda fin dall'inizio; Ana è un personaggio esagerato, caricaturale ed esasperante, il suo desiderio di sposarsi rasenta la psicosi e lo stesso vale per le "balde" fanciulle che le si affiancheranno al corso, zitelle disperate tanto quanto lei ma, chissà perché, più fortunate (o sarà che si accontentano? Mah!). Queste due piccole particolarità sono ciò che hanno reso la visione di A caccia di un sì piacevole e divertente, non solo per me ma anche per il Bolluomo, il quale probabilmente ha cercato di capire se la vena di pazzia che caratterizza Ana sia la stessa presente in me, anche se io non ho mai fatto pressioni per sposarmi, ci mancherebbe (serve un pezzo di carta per stare bene con una persona? Dalla regia - non solo del film ma anche del mio cervello - mi dicono di no, ma ne ho conosciute a bizzeffe di donne che "o ci sposiamo o ci molliamo", quindi non dissimili per certi versi da Ana, e mi chiedo come facciano gli uomini a non fuggire a gambe levate davanti a queste alte esponenti del sesso femminile!). Ciò che insegna A caccia di un sì, film per una volta dotato di un finale "sospeso" ma verosimile e molto coerente con ciò che viene raccontato in precedenza, è che per non rimanere soli come dei cani bisogna innanzitutto imparare ad amare se stessi per riuscire ad accettare i pregi e i difetti di chi ci sta accanto, impegnandosi quotidianamente a costruire un rapporto che non può essere univoco, ma che deve tenere conto dei sentimenti e delle esigenze di entrambe le parti.

Sembra una banalità ma vi posso assicurare che ci sono fin troppe coppie che continuano ad andare avanti, inspiegabilmente, senza tenere conto di questi presupposti e ci sono fin troppe persone, come Ana (oh, io per prima sono così!), che vedono solo nero quando si tratta di loro stesse e solo rosa e perfezione quando si tratta degli altri, cosa che le fa cadere ancora più in depressione e le fa diventare orribilmente egoiste. Ana stessa è l'incarnazione dell'egocentrismo che rende tristi e perfidi, anche se l'abilità degli sceneggiatori è quella di essere riusciti a non renderla mai odiosa, nemmeno al picco della sua insopportabilità. Buona parte del merito, in questo caso, va a Cassandra Ciangherotti e alla sua spassosa interpretazione (sostenuta da una serie di personaggi secondari scritti bene ed interpretati ancora meglio, nonostante siano le figure "tipiche" di questo genere di film); l'attrice riesce, nonostante a mio avviso sia bellissima, a rendere Ana una goffa da primato, una fabbrica di brutte figure e scelte opinabili che, nel corso del film, acquista una serie di altre sfumature più serie e riflessive, in grado di umanizzarla ancora di più e renderla maggiormente sopportabile. Molto bella, infine, la scelta di concludere il film con una canzone dal testo assolutamente perfetto per i temi trattati, ovvero A Quién Le Importa della pop star messicana Thalía, peccato solo sentirla al matrimonio di un metallozzo!! Sono strani questi Messicani, ed è strana anche la mia sister mancata Alessandra che per l'On Demand ha scelto questa pellicola peculiare, ma la ringrazio lo stesso tantissimo per avermi regalato il film leggero che mi ci voleva in questo periodo!

Luis Javier Henaine è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Messicano, ha diretto film come Disappear Completely. Anche produttore, ha 43 anni.

Se vi chiedete sono riuscita a scovare A caccia di un sì, sappiate che fa parte del catalogo Netflix quindi non avete scuse per sottrarvi alla visione! ENJOY!

Children of the Corn (2020)

E' uscito su Shudder un nuovo episodio dell'ormai infinita saga nata dal racconto omonimo di Stephen King, Children of the Corn, diretto e co-sceneggiato nel 2020 dal regista Kurt Wimmer, vuoi non guardarlo?

Trama: dopo la morte dei suoi compagni di orfanotrofio, una ragazzina viene "plagiata" da Colui che Cammina tra i Filari e comincia a vendicarsi di tutti gli adulti...

Personalmente, non sono una di quelle che vive nel culto de I figli del grano. Ho apprezzato tantissimo il racconto di King, inquietante a più livelli, crudele e ben scritto, mentre Grano rosso sangue, il primo adattamento dello stesso, mi ha lasciata abbastanza indifferente e, avendo visto alcuni dei ben nove film a seguire, posso dire che non ce n'è uno che mi abbia entusiasmata (anzi, uno ero persino finita a vederlo al cinema a causa di un titolo improprio come Gli adoratori del male, cosa che mi aveva portata ad esclamare dopo 10 minuti "Ma vaffanc*lo, questo è un altro Children of the Corn!!". Ah, i bei tempi in cui non c'era internet a metterci in guardia da tutto!). Ciò nonostante, l'idea di un remake/prequel in qualche modo mi intrigava, e mi ispirava parecchio la presenza di una fanciulletta paffutella ma dallo sguardo omicida al posto dello storico Isaac, quindi ho deciso di dare una chance a questa versione della storia. Che dire, se non MEH. Children of the Corn (realizzato nel 2020 ma distribuito solo ora, il che di solito è già un ottimo campanello d'allarme) è la sagra delle occasioni sprecate e della CGI orripilante, ed è un peccato perché l'incipit iniziale non è per nulla malvagio e "profuma" di Greta Thunberg e lotta all'inquinamento e alla stupidità degli adulti; gli abitanti della cittadina in cui si ambienta il film sono degli idioti da primato, incapaci non solo di salvare ciò che dà loro da mangiare ed alimenta l'economia locale, incappando in un errore dopo l'altro e dimostrandosi pigri e svogliati, ma sono proprio noncuranti quando si tratta di vite umane da salvaguardare, come dimostra lo scioccante inizio. Non serve una divinità oscura del grano per far saltare la mosca al naso ai ragazzini della cittadina, però aiuta, ed aiuta soprattutto l'idea (ahimé non sviluppata a sufficienza per renderne il peso) che forse Colui che Cammina tra i Filari non sia nato malvagio, ma sia stato corrotto dall'inopportuna gestione di campi di grano lasciati in pasto ad incuria, malattie ed avidità, che lo hanno spinto a sua volta ad irretire innocenti come Eden, la ragazzina che ha "preso il posto" di Isaac e che diventa portavoce della divinità e braccio della sua giusta vendetta. Riluttante antagonista di Eden è Bo, studentessa di biologia pronta ad andare a Boston e convinta che il mondo si possa cambiare con la razionalità e lo studio. La presenza di quest'ultima, in un film un po' meno rozzo, avrebbe dato vita ad un interessante dibattito tra estremismo (da entrambe le parti, ché la riunione iniziale degli adulti ricorda tantissimo un comizio trumpiano di redneck) e posizioni più equilibrate relativamente a natura, tradizioni e futuro, ma Kurt Wimmer non è particolarmente raffinato, quindi tutto rimane in superficie, lasciato lì a marcire come il grano.

Fa piangere comunque il cuore che, nonostante la mancanza di raffinatezza, Wimmer sia riuscito lo stesso a lesinare sul gore e, soprattutto, sul senso di inquietudine. Children of the Corn gioca allo scoperto fin dall'inizio ed elimina gli adulti dalla scacchiera con una facilità estrema, tra l'altro al 90% o fuori dall'inquadratura oppure con metodi di sicuro terrificanti per chi li subisce ma ben poco soddisfacenti per lo spettatore, e quel paio di scene dove il sangue scorre sembrano un contentino messo lì tanto per. Anche a livello di atmosfera, però, siamo messi male. Persino i campi di grano, che a me sono parsi quasi interamente realizzati in CGI, non mettono la solita ansia se i bambini ci si nascondono poco e preferiscono essere teatrali fin dall'inizio, se poi aggiungiamo anche un'orripilante divinità la cui resa è leggermente migliore (ma nemmeno tanto) degli squali di Sharknado, abbiamo fatto filotto. L'unico highlight del film è Kate Moyer, all'epoca dodicenne, una perfetta, piccola scheggia di follia dotata di un tale disprezzo per l'umanità che è quasi impossibile non fare il tifo per lei, anche perché il resto del cast, salvo Elena Kampouris, a suo agio nel ruolo della final girl col cervello (per quanto, poverina, un po' inutile vista la micidiale combo ragazzina demoniaca/adulti imbecilli contro la quale non potrebbe nulla nemmeno Sherlock Holmes), oscilla tra l'imbarazzante e il dimenticabile e gli stessi, anonimi children non fungono da buona spalla per la giovane villain. Insomma, qualcosa non ha funzionato in questo Children of the Corn, vuoi per la sceneggiatura poco coraggiosa e "pigra", vuoi per la regia non particolarmente ispirata e per gli effetti speciali insipidi, vuoi per il cast poco memorabile. Dubito che ciò sarà un buon motivo per sotterrare definitivamente la saga, che si ripropone come la peperonata ogni cinque/sei anni, ma se fosse mio potere decidere, chiederei che la finiscano qui. 

Di Callan Mulvey, che interpreta Robert Williams, ho già parlato QUI mentre Bruce Spence, che interpreta il Pastore Penney, lo trovate QUA.

Kurt Wimmer è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Americano, ha diretto film come Equilibrium e Ultraviolet. Anche produttore e attore, ha 59 anni.

Se volete immergervi nella saga che ha anticipato Children of the Corn, potete recuperare Grano rosso sangue, Grano rosso sangue II: Sacrificio finale, Grano rosso sangue III: Urban Harvest, Inferno a Grand Island, Gli adoratori del male, Children of the Corn 666 - Il ritorno di Isaac (questi ultimi tre si possono noleggiare su Prime Video), Children of the Corn: Revelation, Children of the Corn: Genesis e Children of the Corn: Runaway; oltre a questi, esiste anche un film TV del 2009 intitolato Campi insanguinati, giunto anche sui canali satellitari italiani. ENJOY!

Luther: Verso l'inferno (2023)

Mi campeggia il faccione gnoccolone di Idris Elba sulla home page di Netflix col thriller Luther: Verso l'inferno (Luther: The Fallen Sun), diretto dal regista Jamie Payne, posso forse non guardarlo?

Trama: il detective Luther è costretto ad evadere dal carcere per fermare un serial killer che si serve del web per ricattare e uccidere le sue vittime...

Più invecchio più mi rendo conto di essere come John Snow e di non sapere nulla. Ad esempio, scopro solo ora che il film Luther: Verso l'inferno è il sequel diretto della serie Luther, durata cinque mini-stagioni e avente per protagonista sempre quel gran figo di Idris Elba. Avendolo scoperto il giorno dopo avere visto il film, non sono nemmeno andata in panico, per carità: sono la dimostrazione vivente che Luther: Verso l'inferno è perfettamente fruibile anche se non avete visto la serie creata dallo sceneggiatore Neil Cross, e al limite vi chiederete come mai il personaggio titolare, pur essendo un detective pluridecorato, è stato sbattuto in carcere per crimini che non vengono mai davvero chiariti ma solo accettati con un'alzata di spalle da gente che, ovviamente, ne sa ben più di me. Ciò detto, Luther: Verso l'inferno mi è piaciuto abbastanza e sarei interessata al recupero della serie, che potrebbe essere anche pane per il Bolluomo, ma poiché in Italia si trova solo su TimVision 'sti cazzi, ne farò a meno. La trama, comunque, racconta di questo infallibile detective che viene incarcerato proprio quando un serial killer sta cominciando a mietere vittime sfruttando il web e la doppia vita segreta (spesso vergognosa) che alcune persone hanno su internet; legato da una promessa fatta alla madre di una delle vittime, Luther decide di evadere dal carcere e di catturare il killer da solo senza tuttavia mettere i bastoni tra le ruote alla polizia, e l'aspetto assai interessante della pellicola è proprio questo moltiplicarsi della "caccia", con Luther che cerca il killer, il killer che cerca di re-incastrare Luther e la polizia che indaga per catturare entrambi, lasciando però che Luther tolga loro qualche castagna dal fuoco. Altro aspetto molto intrigante del film è la natura inquietante e dark del serial killer in questione, un mostro spietato capace di arrivare a chiunque senza farsi troppi scrupoli, sfruttando i piccoli/grandi segreti delle persone fino a spingerle al suicidio per timore di venire scoperti da famiglia, amici e colleghi, cosa che lo rende piuttosto tentacolare e offre al regista l'occasione di imbastire parecchie scene spettacolari e ad effetto (anche se forse l'atto finale è un po' tirato per i capelli).

A tal proposito, per essere un "film TV" (passatemi il termine), Luther: Verso l'inferno ha tutte le caratteristiche di un film pensato per la sala, o di una grande produzione Netflix. Nonostante l'aria piatta e patinata che accomuna, per quanto riguarda la fotografia, buona parte dei film nati in seno alla piattaforma, Jamie Payne non ha affatto una brutta mano e confeziona un paio di sequenze al cardiopalma, molto ben dirette, in particolare quella della rissa in carcere, quella ambientata a Piccadilly Circus e tutte quelle che vedono Andy Serkis scivolare alle spalle delle persone con intenzioni terrificanti. Anzi, diciamo che Andy Serkis è la cosa migliore di Luther: Verso l'inferno. Penalizzato, in parecchie scene, da una parrucchetta inguardabile, Serkis riesce a risultare comunque inquietantissimo in ogni singolo fotogramma e si annulla all'interno di un personaggio repellente che non sfigurerebbe in un horror, sia per lo sguardo che per il lavoro, sempre egregio, sulla voce (io ho sempre detto che quest'uomo è uno dei migliori attori in circolazione ma nessuno mi dà retta). In presenza di Serkis persino Idris Elba scompare, mentre per tutto il resto del film il protagonista fa la sua porchissima figura (pun intended. Mi basta vederlo in maniche di camicia per avere pensieri "tinti"). Non avendo visto la serie, in realtà, in alcuni momenti sono rimasta leggermente perplessa dall'aria agitata e folle del detective e mi sono chiesta se Elba non stesse caricando un po' troppo il personaggio, ma immagino che se avessi guardato Luther non mi sarei posta nemmeno la domanda, quindi lascio la questione in sospeso e apprezzo con gratitudine 'sto pezzo di Marcantonio che, per quanto mi riguarda, sarebbe un perfetto James Bond. Io ve la butto lì. Quindi sì, consiglio senza remore la visione di Luther: Verso l'inferno. Come sempre quando si ha a che fare con gli originali Netflix, non è un capolavoro né un film particolarmente memorabile, ma è una pellicola godibilissima per il divertimento di una sera e, soprattutto, è perfetta anche per chi non conosce la serie. 

Di Idris Elba (John Luther), Cynthia Erivo (Odette Raine) e Andy Serkis (David Robey) ho parlato ai rispettivi link.

Jamie Payne è il regista della pellicola. Inglese, ha diretto episodi di serie come Doctor Who, L'alienista e Luther. Anche produttore e montatore, ha 55 anni.

Dermot Crowley interpreta Martin Schenk. Irlandese, ha partecipato a film come Il ritorno dello Jedi, Octopussy - Operazione piovra, Il figlio della pantera rosa, La migliore offerta, Morto Stalin se ne fa un altro, Il prodigio e a serie quali Luther. Anche produttore, ha 76 anni. 

Se vi fosse piaciuto Luther: Verso l'inferno recuperate la serie Luther, che vanta ben tre remake, uno francese, uno coreano e uno indiano. ENJOY!