Sorella morte (2023)

Siccome all'epoca mi era piaciuto parecchio Véronica, ho deciso di recuperarne il prequel uscito da poco su Netflix, Sorella morte (Hermana Muerte), diretto e co-sceneggiato dal regista Paco Plaza.

Trama: Nella Spagna post-seconda guerra mondiale, la novizia Narcisa va in un convento che funge anche da collegio femminile. Lì cominceranno ad accadere fatti inspiegabili e terribili...

Sorella morte era la suora cieca che, nel film Véronica, cercava in qualche modo di aprire gli occhi alla protagonista su ciò che la perseguitava. Onestamente, mai mi sarei aspettata che Paco Plaza ne avrebbe fatto la protagonista di un prequel, peraltro così diverso da Véronica, ma tant'è. Sorella morte è uno slow burn sovrannaturale che getta giustamente ombra sull'intera istituzione della Chiesa, che già si era dimostrata inutile nel film precedente e, in questo, risulta addirittura dannosa. La protagonista, la novizia Narcisa, da bambina era assurta agli onori della cronaca perché "miracolata" da visioni religiose e ciò l'ha ovviamente privata dell'infanzia, oltre a indirizzarla su un cammino già tracciato. Una volta cresciuta, tuttavia, Narcisa non riesce più a comunicare con la Madonna e Dio, e ciò le causa dubbi e timori che nessuno può aiutarla a superare, presa tra chi vorrebbe strumentalizzarne la fama (come la madre superiora) e chi, invece, non le ha mai creduto oppure la invidia (come sorella Julia). Nel periodo più confuso della sua vita, Narcisa si ritrova in un convento segnato dall'orrore della guerra e, come ben sappiamo noi amanti dell'horror, certi eventi violenti lasciano tracce anche dopo tanto tempo; poco dopo il suo arrivo, la novizia comincia infatti a venire perseguitata da incubi terribili e misteriosi eventi che si susseguono non solo all'interno della sua cella, ma anche in giro per il convento, coinvolgendo le piccole studentesse ospiti, le quali cominciano a parlare di una fantomatica "bambina" in grado di maledire chiunque profani i suoi inquietanti disegni. Sorella morte è un nome quantomai calzante, perché sono i dubbi e la convinzione di essere stata abbandonata da Dio che portano Narcisa a stuzzicare le possibili presenze, a mettere alla prova se stessa e la sua capacità di vedere oltre il velo della realtà, con conseguenze ovviamente tragiche che non risparmiano né gli innocenti né chi professa una fede solo di facciata, da preservare ad ogni costo. 

Dire altro sulla trama significherebbe scivolare in spiacevoli spoiler, ma a me Sorella morte è sembrato più interessato a scavare nel rapporto ambiguo che gli spagnoli hanno da sempre con una Chiesa ben poco trasparente, che a terrorizzare lo spettatore; inoltre, Aria Bedmar è un'attrice ottima e lo spettatore rischia quasi di essere più coinvolto dal suo doloroso tormento interiore che da ciò che potrebbe mettere in pericolo le piccole studentesse del convento. Non che manchino i momenti spaventosi, ovviamente. Paco Plaza rifugge il jump scare a effetto e preferisce giocare di atmosfera, sfruttando inquadrature insistite dei corridoi, sale e ombre che sembrano essere la cifra stilistica del vecchio convento e che concorrono a rendere l'ambiente in cui viene a trovarsi la protagonista ancora più soffocante ed inquietante. Se, come ho detto all'inizio, Sorella morte è uno slow burn che si affida prevalentemente alle atmosfere, quando si tratta di fare sul serio con l'horror Plaza non si tira però indietro, e il prefinale è zeppo di momenti brutali (uno in particolare, anche se non sanguinoso) e decisamente spaventosi, che potrebbero compensare chi preferisce un tipo di pellicola più "diretto". Io stessa devo ammettere di avere più apprezzato Véronica, dove Plaza ha mescolato i cliché del genere "possessioni demoniache" in modo a me più congeniale, ma il regista dimostra, come sempre, di essere un finissimo conoscitore dei meccanismi che governano l'horror e di essere in grado di rivisitarli in maniera originale e coinvolgente, diversamente da pellicole come The Nun (sempre per rimanere in tema) che, in confronto, risultano stantie e banali. Considerato che il finale, direttamente legato a Véronica, è un tocco di classe che mi ha fatto venire voglia di vederlo per la terza volta, vi consiglio di non sottovalutare Sorella morte e di dargli una chance se avete Netflix. Nel caso vi mancasse il primo film, non preoccupatevi perché è comprensibilissimo anche visto da solo!

Del regista e co-sceneggiatore Paco Plaza ho già parlato QUI. 

Maru Valdivielso, che interpreta Sorella Julia, era la terribile Josefa di Véronica e ha partecipato anche a La abuela; la protagonista di quest'ultimo film, Almudena Amor, interpreta invece Sorella Socorro. Tornano ovviamente Sandra Escacena nei panni di Véronica e Consuelo Trujillo in quelli di Sorella Morte. Se non l'aveste ancora capito, se Sorella morte vi fosse piaciuto consiglio di recuperare Véronica. ENJOY!

When Evil Lurks (2023)

E' il caso horror del momento, quindi non potevo esimermi dal vedere When Evil Lurks (Cuando acecha la maldad), diretto e sceneggiato dal regista Demián Rugna.

Trama: due fratelli si ritrovano a dover proteggere se stessi e i loro cari da un male insinuante e inarrestabile...

Cercate un horror capace di fare realmente paura e di mettervi addosso anche una discreta tristezza? When Evil Lurks è ciò che fa al caso vostro. Per darvi un'idea di quello che si è messo in testa stavolta Demián Rugna (già responsabile, nel caso ve lo foste dimenticato, dell'angosciante Aterrados), dovete immaginare un ibrido tra The Outcast di Robert Kirkman, Il male di Dylan Dog e The Dark and the Wicked, "sporcato" da una doverosa punta di critica sociale che, tuttavia, non pretende di elevare un horror brutale e diretto come un'accettata in faccia. Il regista è partito dalla condizione sociale disagiata di chi vive nelle isolate campagne argentine, lontano dai luoghi di potere e decentrato rispetto agli interessi del governo, magari costretto anche a curare i propri campi con roba non proprio sana o regolamentata (andate a vedere la mostra World Press Photo a Torino. Lì si parla di Messico ma il senso del discorso è lo stesso), e da lì ha realizzato una tristissima riflessione sul Male ineluttabile, che non guarda in faccia a nessuno e distrugge, incontrollato, anche chi ha le migliori intenzioni. Il regista spiega ben poco e la storia comincia in medias res, ovvero in un universo narrativo dove capita che le persone vengano possedute e, di conseguenza, esista addirittura un protocollo governativo per disporre dei demoni senza che l'infezione si propaghi. Purtroppo, i due fratelli Pedro e Jimi scoprono a loro spese che, coi loro vicini, il governo se l'è presa molto comoda (un anno) e, come se non bastasse, l'addetto inviato ad eliminare il posseduto non ha fatto una bellissima fine; prede della paura, dell'ignoranza e della disperazione, i due fratelli e un signorotto del luogo cercano di metterci una pezza prima che sia troppo tardi, ma prendono ogni decisione sbagliata. Ora, il bello della sceneggiatura di Rugna non è solo che ti catapulta in un incubo ad occhi aperti senza prepararti, ma anche che i protagonisti (per quanto incappino inevitabilmente nelle scelte scellerate tipiche di un horror altrimenti la storia non andrebbe avanti) non risultano mai posticci o stupidi, bensì vittime di un meccanismo di malvagia predestinazione/furbizia demoniaca che, ad ogni perdita, si porta via una parte del cuore dello spettatore, il quale già dopo pochi minuti si lascia coinvolgere dal legame tra Pedro e Jimi e arriva a volergli bene.

Rugna lo sa, e giustamente infligge ai protagonisti i colpi peggiori, senza lesinare in schifo ripugnante e momenti di terrore. Questi ultimi li ricava con l'attesa, la semplice attesa di qualcosa di brutto anticipato con parole ed inquadrature insistite, ombre che si scorgono con la coda dell'occhio, luoghi bui dove non si può utilizzare la luce elettrica, attori persi in mezzo ad un inquadratura che li rende vulnerabili a tutto ciò che potrebbe entrare in campo da un momento all'altro. Lo schifo ripugnante passa invece attraverso il make up del posseduto che scatena l'orrore iniziale, talmente purulento e sporco che si sente praticamente la puzza dallo schermo, ma fosse solo quello. Animali e bambini non vengono risparmiati dalla violenza messa in scena da Rugna, che mostra tutto ciò che è lecito mostrare tra sangue e frattaglie, e più c'è dolcezza ed innocenza, più vi garantisco che verranno pervertite in modo da farvi venire un coccolone. When Evil Lurks però non è un mero campionario di efferatezze da superare sequenza dopo sequenza, alzando costantemente l'asticella del disgusto, bensì una vicenda narrata coi toni della tragedia, che parla di abbandono e pregiudizio, di forza di volontà schiacciata da qualcosa di più grande, della fine di una civiltà in cui anche chi è buono, chi ama con sincerità la sua famiglia, chi cerca di fare del suo meglio, viene alla fine inghiottito da un male alimentato da disinteresse, lassismo e tanta, troppa paura. When Evil Lurks non è un film perfetto, ci mancherebbe, ma in un anno dove, a livello di horror, a farmi battere seriamente il cuore c'è riuscito solo Flanagan con la sua Caduta della casa degli Usher, è diventato nel giro di pochissimo il primo della lista, riconfermando la capacità di Demián Rugna di entrare sotto pelle con pochi danari e tanto entusiasmo. Non perdetevelo nemmeno per sbaglio e pregate che venga distribuito presto in Italia!

Del regista Demián Rugna ho già parlato QUI.

Se When Evil Lurks vi fosse piaciuto, recuperate Aterrados e The Dark and the Wicked. ENJOY!

Five Nights at Freddy's (2023)

Non mi ispirava per nulla, ma non dico mai no a un horror al cinema, quindi sono andata anche io a vedere Five Nights at Freddy's, diretto e co-sceneggiato dalla regista Emma Tammi.

Trama: vittima di un passato traumatico e alla costante ricerca di un lavoro per poter mantenere la sorellina, Mike finisce per fare il guardiano notturno in un ristorante per famiglie abbandonato e popolato da inquietanti pupazzi robotici...

Essendo una vecchia di 42 anni non ho mai giocato a Five Nights at Freddy's e ho giusto una vaga idea della trama del videogioco, ma già dal trailer mi aspettavo un blando horror per ragazzi privo della follia di operazioni simili, come Willy's Wonderland e The Banana Splits Movie, quindi partivo già poco convinta. Il mio livello di convinzione non è aumentato a fine visione, anzi, ho riconfermato ogni mio pregiudizio. A onor del vero, il povero Five Nights at Freddy's partiva già svantaggiato a causa della "scorrettezza" di chi ha deciso di trarne un film con Nicolas Cage cambiando il titolo e il design dei pupazzi malvagi per non incappare in cause legali, stabilendo un livello di badassitudine difficile da superare con un PG 13 e la fazzetta fessa di Josh Hutcherson, ma l'operazione è moscia in generale. Invece di gettarla in caciara, infatti, gli sceneggiatori hanno deciso di puntare su un dramma famigliare che sbaglia praticamente ogni mossa (togliamo pure il momento "Mystic River", ma all'inizio si fatica persino a capire il legame tra Mike e Abby, la zia cattiva ha delle motivazioni talmente risibili che è impossibile accettare il suo piano arzigogolato di pagare degli scappati di casa così da ottenere l'affidamento di Abby per avere i soldi del mantenimento, e non voglio neppure cominciare a parlare della poliziotta, per carità), "arricchito" da una storia sovrannaturale che dovrebbe coinvolgere emotivamente lo spettatore e lo lascia invece basito, a chiedersi se 'sti bambini spettrali non fossero degli stronzetti già prima di venire traumatizzati. Freddy e i suoi compari, inquietanti pupazzoni che esulano da ogni logica della fisica (ma minchia, quale uomo avrebbe la capacità di camallarsi addosso chili di ferraglia e pelo finto??), vengono sfruttati il minimo indispensabile, giusto il tempo di un paio di omicidi fuori campo e del WTF più grosso di tutta la trama, ed è un peccato perché l'ambientazione del ristorante abbandonato e il loro sembiante sono il punto forte dell'intero film.

Proprio per questo, la regista Emma Tammi da il meglio di sé quando trasforma il ristorante di Freddy in un luna park del terrore dove i pupazzoni spadroneggiano, tra cunicoli bui e corridoi che sfociano in magazzini dal contenuto terrificante, con quel tocco d'ironia dato dalle canzoni allegre e dai colori sgargianti che traggono in inganno gli sprovveduti, per il resto le sequenze risultano persino ripetitive, soprattutto quella del sogno, inquietante giusto la prima volta ma riproposta all'infinito. I pupazzoni sono belli (d'altronde sono stati realizzati ed animati dal Jim Henson Creature Shop), sicuramente più di quelli di Willy's Wonderland che erano brutti come il peccato e anche poco omogenei a livello di stile, e ci sono dei momenti in cui fanno passare la voglia di scappare e spingerebbero ad abbracciarli (a nostro rischio e pericolo, ovvio). Sono, perlomeno, migliori del cast moscio tirato fuori per l'occasione, con Matthew Lillard che, da solo, spazza via a colpi di carisma tutti quelli che lo circondano nel poco tempo che gli è stato concesso, mentre il pubblico è costretto a seguire le vicissitudini di un Josh Hutcherson più sonnacchioso e inespressivo del solito, cosa che mi ha portata ad invocare il nome di Nic Cage in ogni maledetto secondo. A 'sto punto, esigo che facciano un remake degli Hunger Games con Cage travestito da pietra di fiume, o non ci sarà giustizia a questo mondo. E già questa mia ultima affermazione si avvererà quando usciranno fiumi di sequel per Five Nights at Freddy's, che sta facendo sfracelli al bottteghino. Buon per tutti i coinvolti, ai quali faccio i miei migliori auguri di un roseo futuro, ma a meno di guest star allucinanti le mie notti con Freddy finiscono qui.

Josh Hutcherson (Mike) e Matthew Lillard (Steve Raglan) li trovate ai rispettivi link. 

Emma Tammi è la regista e co-sceneggiatrice del film. Americana, ha diretto film come The Wind ed è anche produttrice e attrice.

Se Five Night at Freddy's vi fosse piaciuto recuperate Willy's Wonderland e The Banana Splits Movie. ENJOY!

Mad Heidi (2022)

L'avevo perso al Tohorror dell'anno scorso, ma adesso è approdato su Prime e, siccome gli facevo la posta da anni, ho recuperato Mad Heidi, diretto e sceneggiato nel 2022 dai registi Johannes Hartmann e Sandro Klopfstein.

Trama: Heidi, ragazza delle Alpi, viene rapita dalle truppe di una Svizzera nazistoide, governata con formaggio e pugno di ferro...

Sospiro. Sto forse diventando troppo vecchia per queste stronzate? Premetto, non è che mi aspettassi un capolavoro guardando Mad Heidi. E' un progetto nato anni fa, cresciuto grazie a passaparola e crowfunding, che è riuscito a venire proiettato nei festival giusto l'anno scorso, di conseguenza immaginavo ci sarebbero stati effettacci speciali al limite della decenza, con eccesso di CGI d'accatto, e attori di livello Occhi del Cuore. Anzi, vi dirò che ciò, per quanto mi riguarda, faceva parte del fascino dell'operazione, a cui guardavo con la speranza di avere un livello di so bad it's so good da rimanere negli annali del cinema di serie Z. Ciò che proprio non mi aspettavo, invece, è che mi sarei fatta due palle cubiche durante la visione di un film che di matto ha solo il titolo. Mad Heidi, purtroppo, si gioca tutte le sue carte nei primi cinque minuti, senza più allontanarsi dal concetto di una Svizzera sotto il giogo di un dittatore amante del formaggio (al posto degli ebrei ci sono gli intolleranti al lattosio) e di una Heidi adulta, circondata da versioni distorte dei personaggi del celebre romanzo/anime. In pratica, la cosa più simpatica del film è vedere come sono stati resi Peter (chiamato, nell'adattamento italiano, Peter il pastore, in ogni occasione, persino dal padre), Clara (introdotta in maniera fighissima e poi abbandonata a se stessa), il vecchio dell'alpe e la signorina Rottelmeier, diventata Rottweiler per chissà quale motivo, per il resto Heidi diventa leggermente "mad" dopo quasi un'ora di menoso prison movie al femminile, seguito da un addestramento zen che è un omaggio a quello della sposa in Kill Bill e che si conclude con uno showdown talmente rapido da risultare ben poco soddisfacente. Sì, la sceneggiatura è piena di battute e citazioni, si ride degli inevitabili stereotipi degli svizzeri o di oggetti tipici trasformati in armi, si punta il dito nel riconoscere i vari riferimenti cinematografici di genere, ma è un gioco che, pur durando per fortuna poco, stanca fin da subito.

Avendolo guardato con Mirco (poveraccio...) mi sono "goduta" sicuramente un doppiaggio italiano più penoso e svogliato del solito (nell'arena, sotto la gente che scandisce "A morte!" si sente ancora il "kill, kill!" originale, ma scherziamo??), ma ho paura che l'originale fosse anche peggio. La protagonista, più che mad, è perennemente scoglionata, quanto a doti atletiche è sicuramente più adatta di me, e grazie al pazzo, tuttavia è legnosa come un gatto di marmo e i corpo a corpo che la vedono coinvolta sono imbarazzanti. Casper Van Dien, però, è ancora più imbarazzante e io mi chiedo come abbia fatto a farsi coinvolgere nell'operazione e interpretare il presidente scemo in tuta da ginnastica; va bene che il suo momento di gloria è iniziato e finito a cavallo del nuovo millennio, ma così è aggiungere crimini alla fedina penale, santo cielo. Stendo un velo pietoso anche su tutto il resto del cast, dove si salva solo David Schofield nei panni del vecchio dell'alpe, con nota di demerito a Max Rüdlinger il quale, vuoi per il già citato doppiaggio vuoi per altro, più che una parodia dell'ispettore Kemp di Frankenstein Junior sembra il fratello scemo di Rupert Sciamenna. L'unico elemento che ho davvero apprezzato di Mad Heidi, a fronte di un comparto gore gradevole ma sottoutilizzato, è stato l'omaggio a Lenzi e al suo Incubo sulla città contaminata, anche se temo il modello dei due registi fosse, più banalmente, il Planet Terror di Rodriguez. Voglio avere ancora fiducia nell'umanità e sperare che non sia così, e incrocio contestualmente le dita perché l'esperimento Mad Heidi si concluda qui, senza sfociare nel minacciato sequel Heidi & Klara.

Di Casper Van Dien, che interpreta il Presidente Meili, ho già parlato QUI.

Johannes Hartmann e Sandro Klopfstein sono i registi e co-sceneggiatori della pellicola. Entrambi svizzeri e al loro primo lungometraggio, il primo è anche montatore, produttore e ha 38 anni, il secondo lavora come tecnico degli effetti speciali e ha 42 anni.

Se Mad Heidi vi fosse piaciuto recuperate Iron Sky, Machete e Machete Kills. ENJOY!

Once Upon a Crime (2023)

L'incontro settimanale cinematografico con Toto era diventato troppo serio, così ho rimediato proponendogli la visione su Netflix di Once Upon a Crime (赤ずきん、旅の途中で死体と出会う- Akazukin, tabi no tochu de shitai to deau), diretto e co-sceneggiato dal regista Yūichi Fukuda e tratto dalla raccolta di racconti omonima scritta da Aito Aoyagi.

Trama: poco dopo aver intrapreso un viaggio in solitaria, Cappuccetto Rosso si imbatte in Cenerentola e, assieme a due streghe buone, l'aiuta ad andare al ballo del principe. Purtroppo, l'esperienza è funestata dal misterioso omicidio di Hans, il parrucchiere reale...

Non conosco a menadito il catalogo Netflix, ma dubito che riuscirete a trovare un film più scemo di Once Upon a Crime. Attenzione, però: scemo non vuol dire anche divertente, perché il più grande difetto di Once Upon a Crime (anche se Toto potrà dissentire trovandone mille altri) è un ritmo altalenante che si assesta troppo spesso in un mood letargico che farebbe invidia ai peggiori episodi di Detective Conan. La citazione all'opera di Gosho Aoyama non è campata in aria, perché la protagonista del film è un'inedita Cappuccetto Rosso (in originale Akazukin) in versione detective, la quale, come da meraviglioso titolo originale della pellicola, "durante il suo viaggio si imbatte in un cadavere". La Cappuccetto Rosso interpretata da Kanna Hashimoto è infatti la versione in gonnella dello Sherlock Holmes di Robert Downey Jr e, come tale, è vittima di flash zeppi di indizi da ricollegare con la sua mente acutissima, che a un certo punto le vale persino l'appellativo di "sensei" da parte di un ammiratissimo Gran Ciambellano; i flash cominciano durante l'incontro con Cenerentola, la cui triste storia viene subito intuita da Cappuccetto Rosso, e diventano parte fondamentale della trama nel momento in cui, andando al ballo, le due si ritrovano sotto le ruote della carrozza/zucca un parrucchiere reale già cadavere. La trama verte quindi sulla ricerca dell'assassino del parrucchiere in un regno dove la bellezza è l'unica virtù riconosciuta, e si intreccia con un mistero legato al passato del principe amato da Cenerentola, con rivelazioni e twist che vanno dal vagamente interessante all'idiota totale. Purtroppo, come ho scritto sopra, la capacità di sopportazione e la voglia di stupidità dello spettatore non vengono granché ricompensate, perché buona parte del film è dedicata ai ragionamenti della protagonista, che si traducono in inquadrature statiche dove i personaggi parlano e spiegano, accompagnate talvolta da flashback esplicativi.

In soccorso del nipponofilo amante del trash arriva la natura parecchio sopra le righe di detti personaggi, accentuata da costumi/parrucche che si abbandonano al kitsch più sfacciato. E' già strano, per un occidentale abituato all'iconografia Disney/occidentale, vedere volti dai tratti orientali su personaggi di fiabe famosissime, ma ovviamente la sensazione viene estremizzata dall'utilizzo di colori sgargianti sia nelle parrucche che negli abiti, che trasformano ogni attore del film in un cosplayer improbabile. A dire la verità, protagonisti come Cappuccetto Rosso (che si profonde tuttavia in una faccia malvagia da "delitto perfetto" che mi ha fatta ridere fino alle lacrime), Cenerentola e il principe vengono stravolti nei limiti, e la palma d'oro del trash va invece ai personaggi minori o quelli inventati per l'occasione: il topo/cocchiere Paul, assurdo e tenerissimo nel suo squittire utilizzato come intercalare o risposta ad ogni domanda, la sorellastra Margot coi macaron in testa e l'abito decorato da fette di mela è un altro genio del male, il re con la faccia da rospo in un mondo di belli tocca l'apice dell'ipocrisia, ma i vincitori sono la volgarissima ed incapace strega Barbara (anche se non capite una mazza di giapponese, per favore, non perdetevi il suo intercalare da vajassa perché merita tantissimo) e, ovviamente, quel laido maniaco del parrucchiere Hans, sul quale non ricamo oltre perché le parole non renderebbero. Aggiungete setting e oggetti di scena poco meno scadenti di quelli utilizzati nel vergognoso Descendants e colori vividi sparati negli occhi che nemmeno nei peggiori fondi di magazzino di H&M, e avrete un'idea del risultato. Ovviamente, non starò a consigliarvi Once Upon a Crime a meno che non siate incredibilmente indulgenti verso ogni castroneria che viene dal Paese del Sol Levante, ma mentirei se non dicessi di attendere eventuali seguiti interpretati sempre dalla valida Kanna Hashimoto... d'altronde, dovrebbero esserci altri otto racconti da cui attingere, tratti da Hansel e Gretel, Pinocchio, La piccola fiammiferaia, Il pifferaio di Hamelin, Biancaneve e altri ancora! Machikirenai!! 

Yûichi Fukuda è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Giapponese, ha diretto film come HK: Hentai Kamen e Wotakoi - L'amore è difficile per gli otaku. Anche attore, ha 55 anni.

Kanna Hashimoto aveva interpretato Ritsu nei due live action dedicati ad Assassination Classroom. ENJOY!

Saw X (2023)

Ho lasciato passare Halloween poi sono andata al cinema a vedere Saw X, diretto dal regista Kevin Greutert. Vi avviso, non sarà una recensione seria e c'è persino qualche spoiler qui e là. 

Trama: condannato a morire da un cancro allo stadio avanzato, John Kramer va in Messico, attirato dalla promessa di una cura miracolosa. La speranza lascia però presto spazio all'orrore...

Oh, che bene, dopo 19 anni ci siamo arrivati. La glorificazione di John Kramer è giunta con il decimo episodio, signori, ma non nascondiamoci dietro un dito, ci hanno preparato con almeno sette dei film precedenti, togliendo il primo e lo spin-off Spiral: Jigsaw, il maniaco omicida che ti costringe a scegliere se perdere una mano o morire male, nel caso tu abbia osato mettere la macchina in divieto di sosta sotto casa sua, è un buono, siamo noi a non averlo mai capito. Hanno provato a dircelo in tutte le salse, mettendo di mezzo la pazza Amanda e il bovino Hoffman, ma comunque questi ultimi prendevano ordini da lui, quindi la cosa veniva lasciata ancora nell'ambiguità, non eravamo proprio sicuri-sicuri che John fosse una brava, sfortunata persona. Adesso ne abbiamo la certezza, grazie all'ottimo escamotage narrativo già utilizzato nell'"onestissimo" L'uomo nel buio - Man in the Dark, per cui basta prendere un villain deprecabile e metterlo contro una persona ancora più orribile, una completamente priva di codice d'onore, anche distorto, una persona brutta capace di fare male a malati terminali, bambini e forse anche animali. Che importa se detta brutta persona, nella sequenza migliore del film, sottolinea la natura essenzialmente ipocrita e paracula di Kramer, convinto fino alla morte di agire solo per il bene degli altri e, soprattutto, di avere le mani pulite perché lui comunque una possibilità di sopravvivere te la dà, sei tu (o perché sei minchione o perché non hai abbastanza volontà di sopravvivere), al limite, che non riesci a superare la versione horror di Giochi senza frontiere nell'abbondante lasso di tempo di ben TRE minuti; in pratica, le uniche, somme verità della saga le hanno dette Amanda nel film in cui è stata fatta passare per matta, e l'antagonista di Saw X, quindi si sono perse nel fischiettare innocente degli sceneggiatori che, guarda là!, ci hanno distratti col trucco della folaga. D'altronde, l'inizio e la fine di Saw X sono costruiti come una puntata particolarmente triste de Il medico in famiglia e Tobin Bell sta talmente sciupato e malinconico in volto (per non parlare di make-up ed abiti dei coinvolti nella truffa di cui finisce vittima Kramer, che bloccano ogni possibile empatia dello spettatore) che è impossibile non volerlo abbracciare ed adottarlo come un dolce nonnino.

 

Dunque, constatato che la trama di Saw X è imbarazzante (al di là delle questioni morali, non statevi nemmeno a chiedere come faccia un malato terminale a costruire trappole allucinanti all'interno di un magazzino non suo, anche volendoci mettere in mezzo un mese di preparazione - che, comunque, nel film non viene specificato -, arrivando persino al punto di piazzare un Billy the puppet in bicicletta), c'è se non altro da dire che le torture sono tra le più efficaci e meglio coreografate della saga, quindi ammetto di essermi divertita assai. In un paio di momenti ho distolto gli occhi per il realismo e lo schifo, il livello di male fisico e prolungato a cui sono sottoposti i "concorrenti" è da applausi, l'affronto verso ogni coerenza medica è totale e, a tratti, non sapevo se ridere o piangere. Anzi, non è vero. Ho riso tantissimo, ammutolendo parte della sala e spingendo pochi altri illuminati a ridere con me, nel momento "Machete" (o "saltare la corda", se preferite) e mi sono trasformata nella versione vivente del meme di Vince McMahon quando SPOILER una delle vittime viene costretta non solo ad aprirsi il cranio per scoprire il cervello ma anche a staccarne un pezzo mettendolo in una di quelle piastre petri per farlo sciogliere. Ma porco Hoffman, il cervello non è un dito, rischio di staccarmi qualcosa che comprometta parola, movimento, intelletto, ecc., alla faccia delle trappole superabili perdendo "qualcosa"! FINE SPOILER Se volete sapere invece quando ho pianto, beh, dovete aspettare la scena mid-credit. Siccome a me non sembra di avere mai fatto nulla per ingiuriare John Kramer, credo che potrò tranquillamente evitare un possibile Saw XI, se ci sarà QUELL'UOMO come protagonista. Ma lasciatelo dov'è, nel cestone dei film di serie Z, e mandate in pensione sia Tobin Bell, poverello, che la rovinatissima Shawnee Smith, la quale ormai di Young ha giusto più il cognome del personaggio e non è più credibile nei flashback in cui deve interpretare Amanda!

Del regista Kevin Greutert ho già parlato QUI. Tobin Bell (John Kramer) e Shawnee Smith (Amanda Young) li trovate invece ai rispettivi link.

Se Saw X vi fosse piaciuto recuperate Saw - L'enigmista, Saw II - La soluzione dell'enigma (il film si colloca tra questi due capitoli), Saw III - L'enigma senza fine, Saw IV - Il gioco continua, Saw V - Non crederai ai tuoi occhi, Saw VI, Saw 3D - Il capitolo finale, Saw Legacy e lo spin-off Spiral - L'eredità di Saw. ENJOY!

Mixed by Erry (2023)

Lo avevo perso per vari motivi al cinema e volevo assolutamente vederlo col Bolluomo musicista, quindi sono riuscita a recuperare su Netflix solo qualche settimana fa Mixed By Erry, l'ultimo film diretto e co-sceneggiato dal regista Sydney Sibilia.

Trama: Enrico Frattasio è un giovane napoletano che vorrebbe fare il deejay. Il suo sogno frustrato si traduce nella creazione di musicassette che diventano, nel tempo, le fondamenta di un'impresa finanziaria tanto remunerativa quanto illegale...

Grazie a Sidney Sibilia, l'ignorantissima sottoscritta ha conosciuto un'altra storia italiana di cui non avevo assolutamente contezza. Dopo la scoperta de l'Isola delle Rose, la novità di quest'anno è stata l'etichetta discografica Mixed by Erry, nata negli anni '80 a Napoli per mano di Enrico "Erry" Frattasio, ragazzo di belle speranze col sogno frustrato di fare il deejay che, per "consolarsi" ed alimentare la sua enorme passione per la musica, creava musicassette contenenti mix personalizzati per gli abitanti del quartiere. Nel giro di qualche anno, questa innocente distribuzione di cassettine si è evoluta, affiancando ai mix personalizzati la duplicazione di interi album (o, nel caso di Sanremo, addirittura la produzione di compilation che uscivano prima di quella ufficiale), fino a trasformarsi in un business miliardario ed allargato non solo ai fratelli di Enrico, ma persino a qualche centinaio di dipendenti, con ramificazioni al di fuori di Napoli e della Campania. Ciò che Sibilia racconta, in pratica, è la nascita della pirateria musicale moderna, con un occhio alla genialità di chi ha saputo predire, inconsapevolmente, un futuro di playlist basate sui gusti del pubblico, capaci di guidarne gli acquisti successivi. Lo fa con lo sguardo indulgente ma consapevole di chi apprezza l'innocenza sognatrice del protagonista e, al contempo, ne condanna l'attività illegale che tinge il sogno di sfumature cupe ed ambigue, romanzando le vicende reali senza indorare però troppo la pillola; dall'infanzia alla prigione, i Frattasio sono sempre stati seguiti dall'ombra della malavita, hanno percorso un sentiero borderline e talvolta sporcato di sangue, e la loro rivoluzione gioiosa contro lo squallore della povertà o i soprusi dei prepotenti ha comunque consentito loro di fare la bella vita senza restituire nulla di tangibile alla società ed evadendo tasse come non ci fosse un domani. Certo, come già accadeva per quegli adorabili scappati di casa di Smetto quando voglio, è impossibile odiare Erry e i suoi fratelli e, anzi, non si smette per un istante di sperare che il debordante ispettore Ricciardi venga fatto fesso dalle trovate dei tre, mentre il vero "villain" ha, neanche a dirlo, il fastidioso accento del tipico imprenditore baüscia. 

A differenza de L'isola delle rose, che mi era sembrato facilone e svuotato di contenuti, la storia di Mixed by Erry è invece perfetta per lo stile accattivante e molto "cinematografico" di Sibilia, regista che, da sempre, riesce a fare propri gli stilemi tipici del cinema di genere americano, aggiornandoli a un gusto tutto italiano. La diffusa parabola di ascesa e caduta dei protagonisti, unita a uno sguardo nostalgico verso tempi più innocenti in cui si parlava più di espedienti per sopravvivere che di vera e propria criminalità (e comunque anche quest'ultima era regolata da codici rigidi e valori, per quanto distorti), si mescola alla commedia all'italiana fatta di accenti regionali e "maschere" ben riconoscibili, dando vita a un film frizzante e gradevolissimo, che non annoia nemmeno per un istante. Da ligure, contesto solo l'assenza di sottotitoli costanti, ché spesso facevo fatica a seguire i dialoghi, ma la simpatia di tutti i coinvolti è indubbia. A partire dai tre attori semi-esordienti che interpretano i fratelli Frattasio, tutti bravissimi e convincenti, passando a due caratteristi divertenti e divertiti come Francesco Di Leva e Fabrizio Gifuni (ti ho odiato, amico, mi spiace, ma è una deformazione professionale!), per arrivare al devastante colpo di nostalgia dato dal vedere il "piccolo" Adriano Pantaleo nei panni di papà Frattasio, ho adorato tutto il cast e, arrivata alla fine, avrei voluto che il film continuasse ancora un po'. Purtroppo, il vero difetto di Sibilia è quello di non riuscire mai a confezionare personaggi femminili interessanti, che superino la dicotomia scassacazzi/love interest, ma continuo a sperare per il futuro. Nel frattempo, consiglio senza remore questo Mixed by Erry, un'ottima aggiunta al catalogo Netflix!

Del regista e co-sceneggiatore Sydney Sibilia ho già parlato QUI. 

Francesco Di Leva interpreta Fortunato Ricciardi. Nato a Napoli, ha partecipato film come Una vita tranquilla, Il sindaco del Rione Sanità, Nostalgia e L'ultima notte di Amore. Anche sceneggiatore e produttore, ha 45 anni e un film in uscita. 

Adriano Pantaleo interpreta Pasquale Frattasio. Probabilmente il bambino napoletano più famoso degli anni '90, lo ricordo per film come Io speriamo che me la cavo, Ci hai rotto papà e le serie Amico mio e Amico mio 2. Anche sceneggiatore e produttore, ha 40 anni. 

Fabrizio Gifuni interpreta Arturo Maria Barambani. Nato a Roma, ha partecipato a film come Hannibal, La meglio gioventù, Romanzo di una strage, Il capitale umano, Esterno notte e a serie quali Boris e L'amica geniale. Anche sceneggiatore e produttore, ha 57 anni.