Oscar 2020

Buon lunedì a tutti! Stanotte ero bella pimpante ma ora ho un sonno boia, quindi spero di non scrivere troppe belinate sul recap della notte degli Oscar da poco conclusa, che ha visto il giusto trionfo di Parasite, la triste "punizione" a un Maestro del Cinema che ha osato andare contro lo strapotere della Disney/Marvel e tanto diludendo per un altro snobbato, il povero Quentin. Ma andiamo con ordine e... ENJOY!

Penso che nessuno si sarebbe aspettato, dopo l'Oscar a Parasite come miglior Film Straniero, quello per la regia e quello per la sceneggiatura originale a Bong Joon Ho, che l'intero cast del film più amato dell'anno salisse sul palco per ritirare anche la statuetta per il Miglior Film. Giusto riconoscimento alla pellicola più particolare dello scorso anno e a un regista bravissimo, che probabilmente ora starà girando ubriaco per le strade di Los Angeles e a cui va tutto il mio amore (ha ringraziato, giustamente, Martin Scorsese, di cui si studiano i film persino in Corea, scatenando una standing ovation che mi ha spezzato il cuore, ché Martino meritava TUTTO, alla faccia dell'Academy di merda, ignorante e bieca; e, giusto per sottolineare la bieca ignoranza, ha ringraziato Tarantino, altrimenti col cazzo che in America avrebbero saputo dell'esistenza di una cinematografia coreana), però, se posso dire, agli Oscar o si fanno minchiate o si stroppia: a questo punto, l'Oscar per il Miglior Film Straniero FORSE potevano assegnarlo a un altro film, no? Pazienza, è andata come andata, la fortuna è avere al mondo Bong Joon Ho e il suo Parasite. 

E per un quartetto di premi inaspettati, ce ne sono due sui quali non c'erano dubbi, da settimane. Joaquin Phoenix vince l'Oscar per il Miglior Attore Protagonista con Joker, infilando nel suo spiazzante discorso di ringraziamento rimbrotti vegani, giustizia per i vitelli e una citazione del fratello morto. Poteva concludere sparando alla Zellweger, invece no, ahimé. Joker, ringraziando il cielo, porta a casa solo un altro premio, quello per la migliore colonna sonora originale. Per carità, Hildur Guðnadóttir è stata carinissima, ma quel premio sa tanto di contentino per le quote rosa, altrimenti abbastanza sacrificate quest'anno.

La terrificante (e non in senso buono) Renée Zellweger vince invece come Miglior Attrice Protagonista per Judy, film freddissimo salvato, in parte, dalla sua interpretazione, valida solo nelle parti cantate. Dispiace, e molto, per Saoirse Ronan e Scarlett Johansson, che con due nomination non ha vinto una cippa.

Laura Dern vince la statuetta di Miglior Attrice Non Protagonista per Marriage Story. Mi spiace storcere il naso davanti a Laura Dern, che adoro da sempre, però quest'anno avrei visto meglio come vincitrici Margot Robbie oppure Kathy Bates. Certo, in un mondo migliore, Florence Pugh si sarebbe contesa con Lupita Nyong'o il premio di Attrice Protagonista, l'una per Midsommar e l'altra per Noi, ma questo è un mondo brutto, e dobbiamo vedere nomination date a caso da gente che 99 su 100 non guarda film. Ah, a proposito di Laura Dern, David Lynch ha ottenuto, assieme a Lina Wertmuller e Wes Studi, l'Oscar alla carriera, mentre Geena Davis si è presa quello "umanitario".

Va a Brad Pitt l'Oscar come Miglior Attore Non Protagonista, e vabbé. Ogni Oscar che, indirettamente o meno, finisce a Quentin (purtroppo C'era una volta a... Hollywood ha vinto solo un altro premio, quello per la Migliore Scenografia, probabilmente quello meno adatto) è un Oscar ben speso, ma lasciatemi dire che Joe Pesci e Al Pacino meritavano molto ma molto di più. Gli Oscar non vanno dati "perché era l'unico rimasto ancora senza", ma per l'effettiva bravura, dai.

JoJo Rabbit vince invece il premio per la Miglior Sceneggiatura Non Originale, ahimé l'unico Oscar portato a casa dal film di Waititi, che se non altro non è rimasto a bocca asciutta.

Assieme a Scorsese, ad uscirne con le ossa rotte è stato il favoritissimo 1917, premiato "solo" con un Oscar importante, quello per la Fotografia (bravissimo Roger Deakins, che ha fatto un lavoro della Madonna percepibile persino da un'ignorante come me, ma non riconoscere la superiorità e l'eleganza di una mano come quella di Jarin Blaschke in The Lighthouse è davvero da stronzi), e quelli tecnici per gli effetti speciali e il missaggio sonoro. A proposito di vilipendio continuo e reiterato a Scorsese, la povera Thelma Schoonmaker è stata battuta dal montaggio di Le Mans '66, che ha vinto anche il premio per il miglior montaggio sonoro. Alle piccole gioie per le vittorie dei costumi di Piccole Donne, di Elton John con la miglior canzone originale e del make-up/acconciature di Bombshell, si accompagna invece l'incredula tristezza per la marchettona gigante alla Pixar: davanti a ottimi esempi di animazione non banale come Dov'è il mio corpo?, Missing Link e Klaus, si è preferito premiare Toy Story 4, che per quanto abbia trovato molto carino è il meno bello della quadrilogia. Insomma, questi Oscar non sono andati male, ma potevano andare molto, molto meglio. Andrò ad ubriacarmi assieme al nuovo eroe di Hollywood, Bong Joon Ho, dandovi appuntamento all'anno prossimo. ENJOY!

Missing Link (2019)

Fresco di un Golden Globe, tra i nominati per l'Oscar come miglior lungometraggio animato c'è il delizioso Missing Link, scritto e diretto nel 2019 dal regista Chris Butler. Questo tra l'altro è l'ultimo post che pubblicherò prima della fatidica Notte: i compiti li ho fatti tutti ma cosa penso dei film mancanti lo scoprirete nei prossimi giorni.

Trama: Sir Lionel Frost tenta invano da anni di ottenere l'ingresso nella "Società dei Grandi Uomini", un esclusivo club di avventurieri, ma viene tacciato di essere un cialtrone. Per provare il suo valore, Sir Frost intraprende dunque un viaggio alla ricerca del leggendario Sasquatch il quale, una volta trovato, gli sottoporrà una richiesta inusuale...

Adoro la Laika. A partire da Coraline non c'è stato un solo cartone animato prodotto da questo splendido e coraggioso studio di animazione che non mi sia piaciuto. Adoro le sue storie particolari e spesso inquietanti, i messaggi che veicolano, il modo arguto in cui affrontano temi anche non facili per dei bambini o ragazzini, e ovviamente mi sciolgo davanti alla realizzazione sopraffina di questi gioielli in stop-motion. Missing Link non fa eccezione, pur essendo, per temi e storia narrata, forse il più "infantile" dei cartoni della Laika, almeno in apparenza. Missing Link è infatti un perfetto film d'avventura che va a braccetto con l'umorismo slapstick dei buddy movies e quello surreale dei Fratelli Marx; se dovessi trovare un esempio recente per indicare quanto mi sono entusiasmata proprio durante la visione dei viaggi, delle ricerche e delle rocambolesche fughe di Sir Lionel e compagni mi viene in mente solo Le avventure di Tin Tin - Il segreto dell'unicorno, e lì c'era Spielberg nella sua forma migliore. Qui abbiamo Chris Butler, che era stato molto più "avanti" ai tempi di ParaNorman ma che, comunque, confeziona un'opera divertentissima, emozionante e punteggiata di tante piccole stoccate alla società odierna, retrograda quanto quella in cui vive Sir Lionel, borioso avventuriero incapace di pensare ad altri che a se stesso e talmente cieco di fronte alla pochezza dei "Grandi Uomini" da voler diventare uno di loro. E' l'incontro col Sasquatch Mr. Link a cambiarlo a poco a poco, assieme alle parole dell'antica fiamma Adelina, due personaggi borderline e molto ben caratterizzati, i quali incarnano rispettivamente l'innocente libertà di essere quello che desidera il cuore, a prescindere da regole e convenzioni, e la forza di aspirare a finali non convenzionali, anche a costo di rimanere soli. E' interessante, a proposito di solitudine, come all'interno del film si sottolinei spesso l'inutilità del branco e si privilegi un'idea di amicizia basata su un costante e reciproco arricchimento, sul rispetto e la generosità, pur contemplando la possibilità di non riuscire a trovare "soddisfazione" anche davanti a simili premesse, nel qual caso l'amicizia è comunque destinata a continuare, anche se "a distanza". Un'idea assai moderna, che conferma l'incredibile finezza delle opere della Laika, mai banali e scontate.

Detto questo, come ho scritto prima Missing Link è anche e soprattutto estremamente divertente. Il contrasto tra l'aplomb inglese unito al complesso da supereroe di Sir Lionel e la goffaggine di Mr. Link, "cugino di campagna" del ben più nobile Yeti e talmente ingenuo da prendere alla lettera qualsiasi frase, è una delle cose più spassose viste quest'anno in un film ed è ben sottolineato dai diversi accenti di Hugh Jackman e Zach Galifianakis (purtroppo Missing Link non ha ancora una data di distribuzione italiana, vai a sapere perché, ma se non altro c'è la gioia di poter ascoltare le voci originali dei doppiatori visto che il contrasto tra i due nell'edizione italiana verrà notevolmente appiattito in tal senso); onestamente, sul finale viene voglia di assistere ancora ad altre spedizioni della strana coppia e chissà che per una volta la Laika non decida di fare un sequel. Di sicuro, realizzare Missing Link è stato uno sbattimento anche per via della miriade di dettagli presenti in ogni scena, tra oggettini, espressioni facciali, mezzi e costumi (ma questo vale per tutti i film realizzati in stop-motion) e il cartone animato presenta delle sequenze esaltantissime e fluide, talmente ben costruite non solo a livello di tecnica animata ma anche di regia da far invidia ai cosiddetti live action: nel mio cuore rimarranno sempre la scazzottata da film western, l'inseguimento all'interno di una nave che sfida ogni legge della fisica e della gravità e, ovviamente, lo showdown finale sulle nevi himalayane, per me anche troppo tachicardico. Se mai Missing Link uscirà in Italia sarò la prima a correre a vederlo al cinema per godermi al 100% la bellezza visiva di questo gioiellino, nel frattempo incrocio le dita perché l'ambita statuetta finisca tra le zampe di Mr. Link!

Del regista e sceneggiatore Chris Butler ho già parlato QUI. Hugh Jackman (Sir Lionel Frost), Stephen Fry (Lord Piggot - Dunceby), Matt Lucas (Mr. Collick), Zach Galifianakis (Mr. Link/Susan), Timothy Olyphant (Willard Stenk), Zoe Saldana (Adelina Fortnight) e Emma Thompson (L'anziana) li trovate invece ai rispettivi link.

Underwater (2020)

Per fuggire alla prima serata di Sanremo sono corsa al cinema a vedere Underwater, diretto dal regista William Eubank.

Trama: un gruppo di ricercatori rimane bloccato in una stazione sottomarina sul fondo della Fossa delle Marianne e i vari membri dovranno cercare di sopravvivere in un oceano improvvisamente zeppo di misteriosi pericoli.

Non sono fatta per certi film. Solo due cose, viste al cinema, mi fanno realmente morire d'ansia (lasciamo perdere le bambole assassine): gente in procinto di precipitare da altezze vertiginose, assieme a Spider-Man che zompetta tra i grattacieli, e gente bloccata sott'acqua. Il film può essere anche una zozzeria inguardabile a livello Alien degli abissi ma se mi tocca vedere per più di cinque minuti dei subacquei impossibilitati a risalire in superficie mi si ferma il cuore. Questo per dire che Underwater, benché non sia la stella più fulgida all'interno del panorama horror/sci-fi subbaqui, mi ha innervosita così tanto che, complici anche gli antibiotici che mi avvelenano l'organismo, ho passato l'ultima mezz'ora preda di attacchi di nausea e desiderio compulsivo di respirare aria fresca. Quindi il post potrebbe non essere molto obiettivo per quanto riguarda una pellicola "catastrofica" che sarebbe stata perfetta anche negli anni '80 o '90, popolata da personaggi tagliati con l'accetta e ben riconoscibili (final girl, macchietta di colore, capitano duro & puro, uomo mezzo matto ma di buon cuore, tipa dolcissima ed ingenua, tizio che permane morto per metà film), gettati in mezzo a tutto ciò che di orribile potrebbe comparire negli oceani a causa del dissennato sfruttamento delle risorse naturali, con una comparsata finale di Lui in persona. Il problema, guardando Underwater, è che non c'è il tempo materiale di riflettere sui suoi difetti o sul suo essere un Alien/Leviathan meets Armageddon, perché William Eubank e i suoi sceneggiatori ci catapultano già dopo 3 minuti scarsi nel vivo dell'azione, laddove per "azione" intendo esplosioni ininterrotte e fughe dalla morte imminente come se piovessero, e hai voglia a chiedere un attimo di tregua per mancanza d'ossigeno.

Ad aggravare la sensazione di claustrofobia ci pensano delle riprese subacquee fatte di ombre, sporadiche lucette al neon, filtri torbidi e jump scare tentacolati ed esplosivi; a un certo punto Cassel (sprecato, mi duole dirlo, unico reale neo del film) minaccia di passare all'infrarosso e lì ho pensato davvero di alzarmi e uscire, perché è un'altra cosa che mi terrorizza. Per fortuna la parentesi all'infrarosso dura poco, il resto sono visioni di mostri tentacoluti e più o meno schifidi e sequenze concitatissime di fuga dalla morte&distruzione, con qualche incursione in uno splatter scoppiereccio che talvolta stona con le atmosfere "raffinate" evocate da colei che è passata dall'essere inespressiva ragazzetta protagonista di commercialate scrause ad essere fascinosa musa di autori indipendenti. Sì, lasciatemi spendere due parole su Kristen Stewart, ché solo gli scemi non cambiano mai idea. Con la testa rasata e la tinta bionda, l'ex Bella Swan si getta con "gioia" (si fa per dire, la ragazza la gioia la lascia sempre altrove) in un ruolo che sarebbe stato perfetto per una Milla Jovovich più giovane, sfoggiando, maledetta lei, un fisico invidiabile quando è costretta a recitare senza le pesantissime tute da immersione e ad omaggiare Ripley in mutande e top (lo stesso vale per Jessica Henswick e prima che inveiate contro Eubank per l'eventuale sessismo, dico solo che costui è un signore e gente come David Ayer o Mark Tonderai dovrebbero solo imparare a realizzare inquadrature che non si concentrino solo su tette e culi) ma anche l'intensa espressività di chi è tormentato dalla paura e da orribili traumi passati. Per dire, la sequenza finale è di una bellezza incredibile e non solo grazie al regista e ai mostroni ma anche e soprattutto grazie alla Stewart. Quindi, onestamente devo ancora capire se ho visto un b-movie pompato dalle mie paure oppure quello che potrebbe definirsi un sci-fi/horror subacqueo con tutti i crismi ma poco importa: sono uscita dal cinema molto soddisfatta e questo è quello che conta!

Di Kristen Stewart (Norah), Vincent Cassel (Capitano), T.J. Miller (Paul) e John Gallager Jr (Smith) ho parlato ai rispettivi link.

William Eubank è il regista della pellicola. Americano, ha diretto film come The Signal. Anche sceneggiatore e produttore, ha 38 anni.

Jessica Henwick, che interpreta Emily, è stata la Colleen Wing delle serie Iron Fist e The Defenders. Il film è stato girato nel 2017 ma l'acquisizione della Fox da parte di Disney ne ha ritardato l'uscita di tre anni. Detto questo, se Underwater vi fosse piaciuto recuperate The Abyss, Leviathan, Crawl e 47 metri. ENJOY!

(Gio)WE, Bolla! del 6/02/2020

Buon giovedì a tutti! Questa settimana la distribuzione italiana non è scarsa: di più. Invece di portare in sala due film come Bombshell o Un amico straordinario, che usciranno invece a marzo inoltrato, in occasione degli Oscar imminenti, hanno pensato bene di far uscire solo quello che si prospetta essere il cinecomic dell'anno... ENJOY!

Birds of Prey (e la fantasmagorica rinascita di Harley Quinn)

Reazione a caldo: Avete tutta la mia attenzione.

Bolla, rifletti!: Chi l'ha visto lo ha definito un incrocio tra John Wick e Deadpool ma buttato in psichedelia. Posso sottrarmi alla visione di quella che si preannuncia una cafonata da primato, capace di far dimenticare l'inguardabile Suicide Squad?

Al cinema d'élite torna Parasite, sia in v.o. che doppiato, consiglio a chiunque se lo fosse perso di correre in sala senza esitare!!

Ed's Corner: Beyond the image, journey through the hidden meaning of movies - Inland Empire

Oggi è mercoledì, giorno in cui Edoardo sviscera i film di Lynch facendoli comprendere anche a chi è dummy come la sottoscritta. In effetti, mai mi sono sentita più interdetta di quando ho incautamente deciso di guardare Inland Empire, come avevo scritto QUI: Edoardo ci ha visto ben più lungo e questa è la sua interessantissima disamina. ENJOY!

Every time I watch a film of the so-called genre “weird”, I use to spend particular attention on every single dialogue and image. So usually I don’t need more than one view to understand the meaning of what I’m watching.
Having said that, I’ll list below the five steps I went through when I watched this film:
1. I watched the film;
2. I was completely disoriented and full of rage against humanity;
3. I cursed David Lynch;
4. The very next day I watched it again;
5. All the elements were there and finally I realised what a masterpiece it was.

In this film the deconstruction is something UNSPEAKABLE, it is absolutely high level, and the length of the film doesn’t help at all to keep the focus on.
On the internet there’s no explanation to the film, apart from a humoristic post that I found years ago, that I’ll past below. It is a few lines of pure genius and if someone recognises the snippet as its own, please don’t hesitate to write so in the comments:

Finally a straight film from David Lynch, very flat and linear, with the plot that goes on without any jump. There’s basically no need of explanation, but I want to write something down anyway for those who didn’t watch the film very carefully. There are four parallel readings of the story, that can be identified like so:

• Immediate reading: the main character Susan/Nikki/Laura Dern is the representation of the screwdriver’s subconscious, waken up by her therapist that in reality is an arms dealer that tries to perform in the little theatres of Broadway with a YMCA’s choreography performed with a group of 47 prostitutes, daughters of the old lady with the wrinkled face, who is just a Polish ex actress escaped from Birkenau and married to the monkey with a wooden leg.
• Sociopolitical reading: the film is clearly an anti-abortion manifest that supports the end of the Cuban embargo, promoting the candidacy of Mitt Romney to the presidential elections of 2008.
• Cinephile reading: enough with the digital shooting, enough with the abuse of Steadycam, enough with clear images, enough with the stop-motion, enough with those pseudo-tarantinian flashbacks. The film has to be shot following fist the even and than the odd pages  of the script. Enough with the editing.
• Lynch reading: the film is mine and I put all the rabbits I want!

Jokes apart, before starting with the analysis of the film I’ll spend some words about the direction and the cast: the film is completely shot in digital, which maybe makes it lose a bit of that visual power that was characteristic in Mulholland Drive, even if it still is at a very high level. There are bits of the film where the dialogues are cult, destined to be remembered, and the actors play very strong characters: Laura Dern, Jeremy Irons, Harry Dean Stanton, Justin Theroux, Grace Zabriskie, Julia Ormond, Terry Crews, etc…

The film starts with a black and white scene of a gramophone that plays Axxon N, “the most long-lived radio broadcast in history”. The next scene, still in black and white, shows a man and a woman, both with blurred face, coming into a luxurious hotel room. The two of them speak Polish. The woman is confused and scared while the man seems to have everything under control (the girl is probably a prostitute). The next scene shows a girl sitting on a bed, that cries whilst watching a sitcom with three anthropomorphic rabbits (that is the first episode of the series Rabbits by David Lynch). At a certain point, one of those rabbits gets out of the room. The camera moves to a big room, luxurious and dark, where the rabbit goes in, and suddenly disappears. In the room, that is now bright, there are two men that speak Polish. Everything changes again and we are now in Los Angeles. Here a local actress named Nikki Grace doesn’t know if she’s going to get the main part in a film called On High in Blue Tomorrows. The day before the audition the girl receives a visit from her new neighbour, a mysterious old woman who knows that Nikki will get the part. Than the old woman tells her two stories. The first one is about a little boy who went out to play, he opened his door and saw the world, and as he passed through the doorway he caused a reflection, “evil was born” and it followed the boy. The second one is a different version of the first one and is about a little girl who went out to play and got lost in the market place, as if half born. And the old woman continues saying that not through “the market place”, but through the alley behind the market place is “the way to the palace”. After those premises starts the real film, which is a complex succession of scenes in balance between dream and reality, according to the typical style of the director. End of the plot.

Well time has come for the explanation of the film: in order to better understand it, it’s important to pay attention to the title, INLAND EMPIRE, a general area of San Bernardino, full of prostitutes (very important clue). After that you have to distinguish four different time lines:
1. The one where Laura Dern is an actress (Nikki) who is about to take part in a movie;
2. The one of the movie our actress is playing a part in (On High in Blue Tomorrow);
3. The one of the original Polish film (47);
4. The one of Rabbits (the tv series by Lynch).

Having said that, I’ll tell you a trick that is going to help you better understand every single Lynch’s weird work: David Lynch always uses two “parallel planes” (call it “dimensions” if you prefer, even if it’s not the correct expression). One of them represents the reality; the other one is represented by the mind of one character in the film, who filters the reality. The trick is finding that character, which in this case is not Nikki/Susan (Laura Dern), but the girl that at the beginning of the film watches the tv. Trough the tv she filters her own personal experience, and here is the fifth temporal line of the film: the reality.
As you can understand, the other four lines listed above are not real, they are the creation of her own mind. This time we are not in front of a dream, as it was on Eraserhead, Lost Highway or Mulholland Drive, the girl is awaken, she watches the tv, she thinks, she combines her own story to what she’s watching on the tv.

The “dimension” where Nikki is an actress that is going to take part in a film is the one where she’s married, and there is the old woman that goes to her house and talks through metaphors (I’ll come back to those metaphors later). On the movie set she meets Devon (Justin Theroux) and she cheats on her husband (Peter J. Lucas) with him. Nikki is an alter-ego of the girl that watches the tv in the hotel room, we’ll call her Lost Girl like it is in the credits (and here too the name is a big clue about her role on the film).

The “dimension” of the film where she’s taking part on (On High in Blue Tomorrows) is the one where Nikki plays Susan, married woman that cheats on her husband (Peter J. Lucas) with Billy (Justin Theroux). She gets pregnant, her husband finds out about her affair (because he is sterile) and attacks her. She has an abortion, than he goes for a journey around Europe with a group of Baltic gypsies. She is destroyed and becomes a prostitute (on Inland Empire). One day she gets in a club and starts talking about her story with a pseudo-terapist. When she gets off on the street, she gets attacked by Billy’s wife (who has been hypnotized) handing a screwdriver, passes out next to a group of tramps and dies. During this phase Nikki can’t tell herself from Susan, the character she plays in the movie.

The “dimension” of the Polish film 47, unlucky number (the two main actors are dead), of which “On High in Blue Tomorrows” is a remake. This dimension takes place in Poland during the 50s, and there’s no Laura Dern. There is the Lost Girl, whose role I’m about to explain later.
The “dimension” of Rabbits is the easiest to understand, and I don’t think you need any help to distinguish it from the others.

What happens in reality is this: the girl that’s watching the tv is a Polish prostitute (the scene where the man goes with a prostitute, both with blurred face, is emblematic, also they speak Polish). She fell in love with a man (in 47 he is played by Peter J. Lucas), and she got pregnant while his wife couldn’t have babies. She wants him to leave his wife, maybe he doesn’t want to, so she goes in his flat (number 47) armed with a screwdriver and the wife gets killed, probably as a mistake.

Her pimp though, after finding her affair and her will to leave the street, has the man killed by some hitmen (the old Polish men, probably related to the mafia). She is devastated and decides to have an abortion. Then she runs away, goes to USA, but even there she has to be a prostitute, on Inland Empire. One night, while she’s watching the tv crying, she feels like she can see her story through the images. So we can say that Nikki is an alter-ego of her (there’s a line at the end of “On High in Blue Tomorrows” that explains everything: “my cousin… she is a prostitute… she looks very good in her blonde wig... just like a movie star”), and every character and every dialogue is connected to her story: the two murders that the neighbour (the nephew of an actor from the cast of 47) talks about to Nikki (one happens at 9.45, the one of the man loved by the Lost Girl in 47, and another one at midnight, which is the one of the wife of that same man, executed by the Lost Girl); the prostitutes (as already said she is a prostitute, and here we understand the importance of the title of the film, because Inland Empire is a street full of prostitutes); the many cheating of Nikki/Susan to her husband (thing that shows her low level of moral dignity); Billy’s wife that kills Susan with a screwdriver whilst hypnotized (thing that shows her repentance about the murder of her lover’s wife, also inside her mind is the wife that kills Susan, like she killed her because Susan is her alter-ego).
The pimp is another important character, which appears in 47, in “On High in Blue Tomorrows”, in Nikki’s reality, and represents evil: he has killed the man who the Lost Girl loves, he is part of the group of gypsies which Susan’s husband goes with, and is called Crumpy, and hypnotizes Devon’s wife to kill Susan with a screw driver (in reality is the Lost Girl to kill her lover’s wife with a screwdriver).

In “Nikki’s reality” he appears at the end, like a ghost, to whom she shoots. After the shot he disappears, but before doing that he shows her own sneering face to her, as a reflex on a mirror (thing that proves that he is an evil person, but no one is free from evil, she was the one to kill her lover’s wife).
A little critique regarding the representation of evil is necessary: the monster behind the wall in Mulholland Drive was much more effective.

Axxon N was a radio broadcasting show, it appears at the beginning of the film, and every time we see it written, Nikki splits personality, and can’t distinguish “her reality” from the “reality of the film she is playing on”.

Rabbits is a web series made of eight episodes, by the same film maker, and it’s very important for what he wants to say: it connects all the characters in the film, because Rabbits is a representation of the reincarnation after death, other than a ferocious and disturbing critique to the tv audience (I recommend to watch it, it’s amazing). Whoever (every single living creature) did some evil in life, has to reincarnate, and in the meantime “wait” in some sort of limbo, under the form of anthropomorphous rabbit. I WONDER WHO I WILL BE.

Beautiful is also the metaphor about evil that the old woman tells to Nikki: the little boy that for the first time goes out through the door to play, and once he’s out, evil is born. Good and evil are recurring concepts in Lynch’s films (i.e. Mulholland Drive and Lost Highway), and they exist for everyone, beyond space and time.
Do not lose the main stream though, it doesn’t matter if you couldn’t make it to follow the reconstruction of the events that I’ve done so far, because everything that I just described IS NOT REAL, it’s all inside the mind of the girl who’s watching the tv, the result of the process of association between images and moments of her life. Her name (Lost Girl), the fact that she’s crying, all details that denote her mood, she’s desperate, maybe she wants to commit suicide, and there’s only one way out: she must forgive herself, or she’ll kill herself.
So at the end of the film she sees her own alter-ego Nikki that looks towards her from the tv, materializing inside the room, kissing her, and than disappearing. After that the Lost Girl imagines of hugging her lover again, together with the child she never had. What’s going to happen in her future we cannot know.

Inside this film there is everything, it’s really beautiful: an analysis of the life conditions of the ones who need to emigrate to another country; the control that tv and cinema make on people’s mind; decay; religion; good and evil. Also great is the tribute that Lynch makes to Ingmar Bergman, in particular to his masterpiece: Persona. He honors him on his way of shooting, the continuous changes of scene “life/set”, the oniric black and white of the film 47.

In this film David Lynch puts all his love, and at the same time all his hate, for the seventh art, and regarding to that some says that Tarantino’s Once upon a time in...Hollywood is the greatest tribute to Hollywood ever made. Well, I can tell you for sure that the Tarantino’s movie is a great movie and a great tribute, but the greatest tribute to Hollywood and cinema ever made so far is INLAND EMPIRE.

And inside this amazing tribute, besides the concepts of good and evil, there’s death and the constant fear that characterizes every single living being. IT’S OK SWEETHEART, YOU’RE DYING THAT’S ALL. That’s the line at the end of On High in Blue Tomorrow, and denotes the “artist’s purpose” that characterizes Lynch, finding a meaning to the existence, telling the viewer he shouldn’t be afraid, through the use of words and images.
Nevertheless, after the line followed by the Susan/Laura Dern’s death we can see the camera zooming out, framing what is the ending scene of a film, remembering us that what we’re watching is still a film.

EDOARDO ROMANELLA

Special thanks to Alessandro Cardena and Glenda Fontana for the translation.
Versione italiana: http://ilbuioinsala.blogspot.com/2019/04/oltre-limmagine-viaggio-nel-significato.html

I due Papi (2019)

Quest'anno Netflix aiuta parecchio a fare i compiti per gli Oscar. Anche I due Papi (The Two Popes), diretto nel 2019 dal regista Fernando Meirelles e candidato a tre statuette (Miglior Attore Protagonista, Miglior Attore Non Protagonista e Miglior Sceneggiatura Non Originale), si può trovare infatti sulla piattaforma streaming.

Trama: sette anni dopo l'elezione di Ratzinger come Papa Benedetto XVI, l'arcivescovo di Buenos Aires Jorge Bergoglio attende il permesso di potersi ritirare dalla sua carica ma un giorno viene chiamato in Vaticano proprio dal Papa. Lì si confronterà con un uomo che, nonostante la sua carica, non riesce più ad ascoltare la voce di Dio...

Ci ho messo un po' a recuperare I due Papi, perché mi aspettavo una mattonata della peggior specie condita da terrificanti spiegoni moralisti. Invece, dopo aver provato a guardare l'inizio una mattina e aver catturato l'attenzione del Bolluomo, qualche sera fa ci siamo accinti all'apparentemente ingrato compito e devo dire di essermi trovata piacevolmente coinvolta dalle vicende raccontate sullo schermo. Ora, il mio naturale cinismo mi porta a pensare che nessuno dei dialoghi o delle situazioni di convivialità papale si siano svolti in quel modo, però il cinema è finzione e sai che noia se fosse stato riportato qualcosa di più verosimile; detto questo, è interessante il confronto tra due figure che non potrebbero essere più diverse tra loro, quella del Papa Emerito Benedetto XVI e quella dell'attuale Papa Francesco. Partendo dallo scandalo denominato "Vatileaks" e dal clima conservatore all'interno della Chiesa, estremizzato dal "Rottweiler di Dio", I due Papi contestualizza la sua storia in un clima di rottura, in un periodo in cui i fedeli tendevano ad allontanarsi da una Chiesa incapace di abbracciare il rinnovamento e si mostrava come un'istituzione indegna di fiducia, tanto da spingere l'arcivescovo Bergoglio a ritirarsi dalla carica per seguire le sue idee più liberali e aperte. Consapevole di essere parte del problema eppure non ancora convinto delle capacità di Bergoglio, Benedetto XVI lo convoca in Vaticano rimandando l'approvazione del ritiro tanto bramato e il film, di fatto, può essere descritto come un lungo "colloquio di lavoro" in cui Ratzinger cerca di capire non solo se Bergoglio possa essere l'uomo giusto per rinvigorire una Chiesa morente, ma anche come poter venire aiutato da lui, in senso pratico e spirituale. Il risultato è un coinvolgente ritratto di due esseri umani (prima ancora che di due Papi), entrambi dotati di pregi ma anche di moltissimi difetti, e se Ratzinger rischia di essere quello connotato più negativamente, è anche vero che la sceneggiatura non sorvola sulle macchie celate nel passato del più amabile Bergoglio e sulle azioni da lui compiute durante la dittatura militare in Argentina negli anni '70, facilmente passabili per "collaborazionismo" col regime.

Buona parte del merito relativo alla riuscita dell'operazione va, ovviamente, ai due attori. Lontani dall'essere due caricature alla Tale e quale show o la sagra del cosplay senz'anima, sia Jonathan Pryce (aiutato da una somiglianza naturale) sia Anthony Hopkins calzano i panni dei Papi con naturalezza e spontaneità, tirando fuori la loro umanità senza lesinare una dose di ironia; il contrasto tra Ratzinger, l'uomo solitario e "aristocratico", nato e cresciuto per essere uno studioso prima ancora che un ambasciatore di fede, e un Bergoglio che ha sempre vissuto tra la gente ed è stato costretto, a un certo punto suo malgrado, ad essere il più umile tra gli umili, è il motore su cui si regge il film e i due attori sono molto abili ad enfatizzarlo senza risultare pedanti o forzati. Interessante anche la tecnica di regia di Meirelles, di cui non avevo mai visto un film prima de I due papi. Il suo stile si avvicina spesso al documentario e, da quello che mi è parso di capire, il regista ha scelto più volte di utilizzare non solo i droni ma anche la camera a mano, come se non stesse realizzando un'opera di finzione ma si trovasse davanti i due Papi in persona e dovesse consegnare un documento ai posteri; la cosa è un po' straniante, anche perché tutti gli ambienti vaticani sono stati ricostruiti al computer per mancanza di autorizzazioni (nemmeno avessero chiesto i luoghi veri per girarci un horror... cambia il Papa ma la Chiesa continua ad essere ridicola, con tutto il rispetto) e così si ha una combinazione di riprese "artigianali" e tecniche più moderne che, a pensarci bene, rispecchiano il cuore del contrasto tra i due protagonisti, oltre a rendere l'opera più dinamica. Insomma, mi aspettavo di addormentarmi dopo cinque minuti, invece I due Papi mi ha soddisfatta. A mio avviso non c'è trippa per Oscar (con tutto il bene che voglio a Pryce e Hopkins) ma ne consiglio comunque la visione.

Anthony Hopkins (Joseph Ratzinger/Papa Benedetto XVI), Jonathan Pryce (Jorge Bergoglio/Papa Francesco) e Libero De Rienzo (Roberto) li trovate ai rispettivi link.

Fernando Meirelles è il regista della pellicola. Brasiliano, ha diretto film come City of God e The Constant Gardener - La cospirazione. Anche produttore, sceneggiatore e attore, ha 65 anni.

Judy (2019)

Trascinato dalla febbre per gli Oscar, il film Judy del regista Rupert Goold è uscito in Italia ben prima della data di distribuzione prevista fino a poche settimane fa e, per amor di completezza (è candidato per la Miglior Attrice Protagonista e il Miglior Make-up) mi sono ritrovata a guardarlo.

Trama: negli ultimi anni della sua esistenza, Judy Garland è costretta ad abbandonare i figli e imbarcarsi in una serie di concerti londinesi, funestati da problemi di alcoolismo e depressione.

Due premesse. Sono una brutta persona e sono una brutta persona che di Judy Garland sa poco o nulla. So che è stata una delle molte "attrici prodigio" rovinate negli anni da una vita fatta di eccessi e depressione, che tutti la ricordano per Il mago di Oz ma ha quasi vinto un Oscar vent'anni dopo con E' nata una stella, che la sua carriera in realtà non si è quasi mai interrotta ma la sua stella si è purtroppo spenta e più non dimando, al momento, anche se vorrei leggere una sua biografia, se qualcuno potesse consigliarmene una valida. Purtroppo, non rientra nel mio concetto di "validità" il film Judy, biopic costruito interamente sulla performance di Renée Zellweger (sulla quale poi tornerò) apposta per accalappiare i soliti Oscar legati all'imitazione perfetta di personaggi famosi defunti, senza alcun nerbo né sorpresa, focalizzando l'attenzione dello spettatore su un'inevitabile parabola discendente fatta di piccoli, sconvolgenti episodi negativi, flashback di una carriera invidiabile, pochi momenti costruiti ad hoc per scaldare il cuore del pubblico e gran finale celebrativo atto a far sentire in colpa chiunque, perché di fatto la morte della Garland "è colpa anche un po' tua / se non ti batti per un mondo migliore". Grazie al piffero che sul finale ci si commuove: i realizzatori si tengono ben stretto l'asso nella manica Over the Rainbow schiaffandola all'ultimo con tanto di standing ovation aperta da due "diversi", una deliziosa coppietta gay infilata nella trama alla bisogna, per sottolineare l'empatia della protagonista verso chi, come lei (occhiolino, occhiolino), non riesce a trovare spazio nella società, ma per il resto la noia e la banalità regnano sovrane. Come già Bohemian Rhapsody, che almeno aveva dalla sua il ritmo travolgente delle canzoni dei Queen, il difetto di Judy è quello di santificare la protagonista nonostante i suoi mille difetti rendendo chiunque la circondi o quasi un mostro di malvagità. Non c'è modo, dunque, di vedere come esseri umani l'ex marito ed ex manager o la nuova fiamma Mickey, men che meno il babau Louis B. Meyer (ma forse lui era davvero così), e in generale anche coloro che dovrebbero essere alleati di Judy hanno spesso sguardi di disprezzo da rivolgerle.

Vero è che il film non è proprio una biografia della Garland ma un'opera ispirata alla pièce teatrale End of the Rainbow, che tocca gli ultimi anni di vita dell'attrice, ma a questi punti avrei preferito allora qualcosa di più fantasioso e affine a Rocketman invece di questo biopic freddo e stantio. Tanto, canzoni nel film ce ne sono già e questo è da apprezzare per quel che riguarda l'interpretazione della Zellweger: durante i numeri musicali l'attrice è molto coinvolgente e canta davvero benissimo (per quel che ne posso capire io di canto e musica), trasmettendo tutta la voglia di riscatto e di essere amata dal pubblico di Judy Garland, ma nominarla all'Oscar solo per questo è davvero poco. Siccome infatti, e qui torniamo all'inizio del post, sono una brutta persona, per il resto Renée Zellweger mi ha messo ansia e anche un po' di disgusto. L'attrice è un campionario ininterrotto di smorfiette, sguardi strabuzzati e tic imbastiti all'interno di un involucro di plastica, con quel terrificante taglio tra il naso e il labbro superiore che non riuscivo a smettere di guardare senza sentirmi male, tanto da farmi giurare che MAI mi metterò nelle mani di un chirurgo plastico se nemmeno i soldi delle attrici riescono ad ottenere un lavoro fatto bene; dal mio umilissimo punto di vista un'interpretazione più misurata avrebbe giovato al personaggio, con tutto questo overacting la povera Garland sembra spesso una caricatura, una QuasimodA per la quale è facile provare pietà ma per i motivi sbagliati. Sicuramente sono io ad essere limitata visto che Judy e la Zellweger stanno riscuotendo consensi ovunque, ma di tutti i film visti in preparazione agli Oscar direi che questo è uno dei più deboli. Non odiatemi, per questo.  

Di Renée Zellweger (Judy Garland), Finn Wittrock (Mickey Deans), Rufus Sewell (Sid Luft), Michael Gambon (Bernard Delfont) e Andy Nyman (Dan) ho già parlato ai rispettivi link.

Rupert Goold è il regista della pellicola. Inglese, ha diretto film come True Story. Anche sceneggiatore e produttore, ha 48 anni. 

Se Judy vi fosse piaciuto recuperate Rocketman e Florence. ENJOY!