Mad Heidi (2022)

L'avevo perso al Tohorror dell'anno scorso, ma adesso è approdato su Prime e, siccome gli facevo la posta da anni, ho recuperato Mad Heidi, diretto e sceneggiato nel 2022 dai registi Johannes Hartmann e Sandro Klopfstein.

Trama: Heidi, ragazza delle Alpi, viene rapita dalle truppe di una Svizzera nazistoide, governata con formaggio e pugno di ferro...

Sospiro. Sto forse diventando troppo vecchia per queste stronzate? Premetto, non è che mi aspettassi un capolavoro guardando Mad Heidi. E' un progetto nato anni fa, cresciuto grazie a passaparola e crowfunding, che è riuscito a venire proiettato nei festival giusto l'anno scorso, di conseguenza immaginavo ci sarebbero stati effettacci speciali al limite della decenza, con eccesso di CGI d'accatto, e attori di livello Occhi del Cuore. Anzi, vi dirò che ciò, per quanto mi riguarda, faceva parte del fascino dell'operazione, a cui guardavo con la speranza di avere un livello di so bad it's so good da rimanere negli annali del cinema di serie Z. Ciò che proprio non mi aspettavo, invece, è che mi sarei fatta due palle cubiche durante la visione di un film che di matto ha solo il titolo. Mad Heidi, purtroppo, si gioca tutte le sue carte nei primi cinque minuti, senza più allontanarsi dal concetto di una Svizzera sotto il giogo di un dittatore amante del formaggio (al posto degli ebrei ci sono gli intolleranti al lattosio) e di una Heidi adulta, circondata da versioni distorte dei personaggi del celebre romanzo/anime. In pratica, la cosa più simpatica del film è vedere come sono stati resi Peter (chiamato, nell'adattamento italiano, Peter il pastore, in ogni occasione, persino dal padre), Clara (introdotta in maniera fighissima e poi abbandonata a se stessa), il vecchio dell'alpe e la signorina Rottelmeier, diventata Rottweiler per chissà quale motivo, per il resto Heidi diventa leggermente "mad" dopo quasi un'ora di menoso prison movie al femminile, seguito da un addestramento zen che è un omaggio a quello della sposa in Kill Bill e che si conclude con uno showdown talmente rapido da risultare ben poco soddisfacente. Sì, la sceneggiatura è piena di battute e citazioni, si ride degli inevitabili stereotipi degli svizzeri o di oggetti tipici trasformati in armi, si punta il dito nel riconoscere i vari riferimenti cinematografici di genere, ma è un gioco che, pur durando per fortuna poco, stanca fin da subito.

Avendolo guardato con Mirco (poveraccio...) mi sono "goduta" sicuramente un doppiaggio italiano più penoso e svogliato del solito (nell'arena, sotto la gente che scandisce "A morte!" si sente ancora il "kill, kill!" originale, ma scherziamo??), ma ho paura che l'originale fosse anche peggio. La protagonista, più che mad, è perennemente scoglionata, quanto a doti atletiche è sicuramente più adatta di me, e grazie al pazzo, tuttavia è legnosa come un gatto di marmo e i corpo a corpo che la vedono coinvolta sono imbarazzanti. Casper Van Dien, però, è ancora più imbarazzante e io mi chiedo come abbia fatto a farsi coinvolgere nell'operazione e interpretare il presidente scemo in tuta da ginnastica; va bene che il suo momento di gloria è iniziato e finito a cavallo del nuovo millennio, ma così è aggiungere crimini alla fedina penale, santo cielo. Stendo un velo pietoso anche su tutto il resto del cast, dove si salva solo David Schofield nei panni del vecchio dell'alpe, con nota di demerito a Max Rüdlinger il quale, vuoi per il già citato doppiaggio vuoi per altro, più che una parodia dell'ispettore Kemp di Frankenstein Junior sembra il fratello scemo di Rupert Sciamenna. L'unico elemento che ho davvero apprezzato di Mad Heidi, a fronte di un comparto gore gradevole ma sottoutilizzato, è stato l'omaggio a Lenzi e al suo Incubo sulla città contaminata, anche se temo il modello dei due registi fosse, più banalmente, il Planet Terror di Rodriguez. Voglio avere ancora fiducia nell'umanità e sperare che non sia così, e incrocio contestualmente le dita perché l'esperimento Mad Heidi si concluda qui, senza sfociare nel minacciato sequel Heidi & Klara.

Di Casper Van Dien, che interpreta il Presidente Meili, ho già parlato QUI.

Johannes Hartmann e Sandro Klopfstein sono i registi e co-sceneggiatori della pellicola. Entrambi svizzeri e al loro primo lungometraggio, il primo è anche montatore, produttore e ha 38 anni, il secondo lavora come tecnico degli effetti speciali e ha 42 anni.

Se Mad Heidi vi fosse piaciuto recuperate Iron Sky, Machete e Machete Kills. ENJOY!

Once Upon a Crime (2023)

L'incontro settimanale cinematografico con Toto era diventato troppo serio, così ho rimediato proponendogli la visione su Netflix di Once Upon a Crime (赤ずきん、旅の途中で死体と出会う- Akazukin, tabi no tochu de shitai to deau), diretto e co-sceneggiato dal regista Yūichi Fukuda e tratto dalla raccolta di racconti omonima scritta da Aito Aoyagi.

Trama: poco dopo aver intrapreso un viaggio in solitaria, Cappuccetto Rosso si imbatte in Cenerentola e, assieme a due streghe buone, l'aiuta ad andare al ballo del principe. Purtroppo, l'esperienza è funestata dal misterioso omicidio di Hans, il parrucchiere reale...

Non conosco a menadito il catalogo Netflix, ma dubito che riuscirete a trovare un film più scemo di Once Upon a Crime. Attenzione, però: scemo non vuol dire anche divertente, perché il più grande difetto di Once Upon a Crime (anche se Toto potrà dissentire trovandone mille altri) è un ritmo altalenante che si assesta troppo spesso in un mood letargico che farebbe invidia ai peggiori episodi di Detective Conan. La citazione all'opera di Gosho Aoyama non è campata in aria, perché la protagonista del film è un'inedita Cappuccetto Rosso (in originale Akazukin) in versione detective, la quale, come da meraviglioso titolo originale della pellicola, "durante il suo viaggio si imbatte in un cadavere". La Cappuccetto Rosso interpretata da Kanna Hashimoto è infatti la versione in gonnella dello Sherlock Holmes di Robert Downey Jr e, come tale, è vittima di flash zeppi di indizi da ricollegare con la sua mente acutissima, che a un certo punto le vale persino l'appellativo di "sensei" da parte di un ammiratissimo Gran Ciambellano; i flash cominciano durante l'incontro con Cenerentola, la cui triste storia viene subito intuita da Cappuccetto Rosso, e diventano parte fondamentale della trama nel momento in cui, andando al ballo, le due si ritrovano sotto le ruote della carrozza/zucca un parrucchiere reale già cadavere. La trama verte quindi sulla ricerca dell'assassino del parrucchiere in un regno dove la bellezza è l'unica virtù riconosciuta, e si intreccia con un mistero legato al passato del principe amato da Cenerentola, con rivelazioni e twist che vanno dal vagamente interessante all'idiota totale. Purtroppo, come ho scritto sopra, la capacità di sopportazione e la voglia di stupidità dello spettatore non vengono granché ricompensate, perché buona parte del film è dedicata ai ragionamenti della protagonista, che si traducono in inquadrature statiche dove i personaggi parlano e spiegano, accompagnate talvolta da flashback esplicativi.

In soccorso del nipponofilo amante del trash arriva la natura parecchio sopra le righe di detti personaggi, accentuata da costumi/parrucche che si abbandonano al kitsch più sfacciato. E' già strano, per un occidentale abituato all'iconografia Disney/occidentale, vedere volti dai tratti orientali su personaggi di fiabe famosissime, ma ovviamente la sensazione viene estremizzata dall'utilizzo di colori sgargianti sia nelle parrucche che negli abiti, che trasformano ogni attore del film in un cosplayer improbabile. A dire la verità, protagonisti come Cappuccetto Rosso (che si profonde tuttavia in una faccia malvagia da "delitto perfetto" che mi ha fatta ridere fino alle lacrime), Cenerentola e il principe vengono stravolti nei limiti, e la palma d'oro del trash va invece ai personaggi minori o quelli inventati per l'occasione: il topo/cocchiere Paul, assurdo e tenerissimo nel suo squittire utilizzato come intercalare o risposta ad ogni domanda, la sorellastra Margot coi macaron in testa e l'abito decorato da fette di mela è un altro genio del male, il re con la faccia da rospo in un mondo di belli tocca l'apice dell'ipocrisia, ma i vincitori sono la volgarissima ed incapace strega Barbara (anche se non capite una mazza di giapponese, per favore, non perdetevi il suo intercalare da vajassa perché merita tantissimo) e, ovviamente, quel laido maniaco del parrucchiere Hans, sul quale non ricamo oltre perché le parole non renderebbero. Aggiungete setting e oggetti di scena poco meno scadenti di quelli utilizzati nel vergognoso Descendants e colori vividi sparati negli occhi che nemmeno nei peggiori fondi di magazzino di H&M, e avrete un'idea del risultato. Ovviamente, non starò a consigliarvi Once Upon a Crime a meno che non siate incredibilmente indulgenti verso ogni castroneria che viene dal Paese del Sol Levante, ma mentirei se non dicessi di attendere eventuali seguiti interpretati sempre dalla valida Kanna Hashimoto... d'altronde, dovrebbero esserci altri otto racconti da cui attingere, tratti da Hansel e Gretel, Pinocchio, La piccola fiammiferaia, Il pifferaio di Hamelin, Biancaneve e altri ancora! Machikirenai!! 

Yûichi Fukuda è il regista e co-sceneggiatore della pellicola. Giapponese, ha diretto film come HK: Hentai Kamen e Wotakoi - L'amore è difficile per gli otaku. Anche attore, ha 55 anni.

Kanna Hashimoto aveva interpretato Ritsu nei due live action dedicati ad Assassination Classroom. ENJOY!

Saw X (2023)

Ho lasciato passare Halloween poi sono andata al cinema a vedere Saw X, diretto dal regista Kevin Greutert. Vi avviso, non sarà una recensione seria e c'è persino qualche spoiler qui e là. 

Trama: condannato a morire da un cancro allo stadio avanzato, John Kramer va in Messico, attirato dalla promessa di una cura miracolosa. La speranza lascia però presto spazio all'orrore...

Oh, che bene, dopo 19 anni ci siamo arrivati. La glorificazione di John Kramer è giunta con il decimo episodio, signori, ma non nascondiamoci dietro un dito, ci hanno preparato con almeno sette dei film precedenti, togliendo il primo e lo spin-off Spiral: Jigsaw, il maniaco omicida che ti costringe a scegliere se perdere una mano o morire male, nel caso tu abbia osato mettere la macchina in divieto di sosta sotto casa sua, è un buono, siamo noi a non averlo mai capito. Hanno provato a dircelo in tutte le salse, mettendo di mezzo la pazza Amanda e il bovino Hoffman, ma comunque questi ultimi prendevano ordini da lui, quindi la cosa veniva lasciata ancora nell'ambiguità, non eravamo proprio sicuri-sicuri che John fosse una brava, sfortunata persona. Adesso ne abbiamo la certezza, grazie all'ottimo escamotage narrativo già utilizzato nell'"onestissimo" L'uomo nel buio - Man in the Dark, per cui basta prendere un villain deprecabile e metterlo contro una persona ancora più orribile, una completamente priva di codice d'onore, anche distorto, una persona brutta capace di fare male a malati terminali, bambini e forse anche animali. Che importa se detta brutta persona, nella sequenza migliore del film, sottolinea la natura essenzialmente ipocrita e paracula di Kramer, convinto fino alla morte di agire solo per il bene degli altri e, soprattutto, di avere le mani pulite perché lui comunque una possibilità di sopravvivere te la dà, sei tu (o perché sei minchione o perché non hai abbastanza volontà di sopravvivere), al limite, che non riesci a superare la versione horror di Giochi senza frontiere nell'abbondante lasso di tempo di ben TRE minuti; in pratica, le uniche, somme verità della saga le hanno dette Amanda nel film in cui è stata fatta passare per matta, e l'antagonista di Saw X, quindi si sono perse nel fischiettare innocente degli sceneggiatori che, guarda là!, ci hanno distratti col trucco della folaga. D'altronde, l'inizio e la fine di Saw X sono costruiti come una puntata particolarmente triste de Il medico in famiglia e Tobin Bell sta talmente sciupato e malinconico in volto (per non parlare di make-up ed abiti dei coinvolti nella truffa di cui finisce vittima Kramer, che bloccano ogni possibile empatia dello spettatore) che è impossibile non volerlo abbracciare ed adottarlo come un dolce nonnino.

 

Dunque, constatato che la trama di Saw X è imbarazzante (al di là delle questioni morali, non statevi nemmeno a chiedere come faccia un malato terminale a costruire trappole allucinanti all'interno di un magazzino non suo, anche volendoci mettere in mezzo un mese di preparazione - che, comunque, nel film non viene specificato -, arrivando persino al punto di piazzare un Billy the puppet in bicicletta), c'è se non altro da dire che le torture sono tra le più efficaci e meglio coreografate della saga, quindi ammetto di essermi divertita assai. In un paio di momenti ho distolto gli occhi per il realismo e lo schifo, il livello di male fisico e prolungato a cui sono sottoposti i "concorrenti" è da applausi, l'affronto verso ogni coerenza medica è totale e, a tratti, non sapevo se ridere o piangere. Anzi, non è vero. Ho riso tantissimo, ammutolendo parte della sala e spingendo pochi altri illuminati a ridere con me, nel momento "Machete" (o "saltare la corda", se preferite) e mi sono trasformata nella versione vivente del meme di Vince McMahon quando SPOILER una delle vittime viene costretta non solo ad aprirsi il cranio per scoprire il cervello ma anche a staccarne un pezzo mettendolo in una di quelle piastre petri per farlo sciogliere. Ma porco Hoffman, il cervello non è un dito, rischio di staccarmi qualcosa che comprometta parola, movimento, intelletto, ecc., alla faccia delle trappole superabili perdendo "qualcosa"! FINE SPOILER Se volete sapere invece quando ho pianto, beh, dovete aspettare la scena mid-credit. Siccome a me non sembra di avere mai fatto nulla per ingiuriare John Kramer, credo che potrò tranquillamente evitare un possibile Saw XI, se ci sarà QUELL'UOMO come protagonista. Ma lasciatelo dov'è, nel cestone dei film di serie Z, e mandate in pensione sia Tobin Bell, poverello, che la rovinatissima Shawnee Smith, la quale ormai di Young ha giusto più il cognome del personaggio e non è più credibile nei flashback in cui deve interpretare Amanda!

Del regista Kevin Greutert ho già parlato QUI. Tobin Bell (John Kramer) e Shawnee Smith (Amanda Young) li trovate invece ai rispettivi link.

Se Saw X vi fosse piaciuto recuperate Saw - L'enigmista, Saw II - La soluzione dell'enigma (il film si colloca tra questi due capitoli), Saw III - L'enigma senza fine, Saw IV - Il gioco continua, Saw V - Non crederai ai tuoi occhi, Saw VI, Saw 3D - Il capitolo finale, Saw Legacy e lo spin-off Spiral - L'eredità di Saw. ENJOY!

Mixed by Erry (2023)

Lo avevo perso per vari motivi al cinema e volevo assolutamente vederlo col Bolluomo musicista, quindi sono riuscita a recuperare su Netflix solo qualche settimana fa Mixed By Erry, l'ultimo film diretto e co-sceneggiato dal regista Sydney Sibilia.

Trama: Enrico Frattasio è un giovane napoletano che vorrebbe fare il deejay. Il suo sogno frustrato si traduce nella creazione di musicassette che diventano, nel tempo, le fondamenta di un'impresa finanziaria tanto remunerativa quanto illegale...

Grazie a Sidney Sibilia, l'ignorantissima sottoscritta ha conosciuto un'altra storia italiana di cui non avevo assolutamente contezza. Dopo la scoperta de l'Isola delle Rose, la novità di quest'anno è stata l'etichetta discografica Mixed by Erry, nata negli anni '80 a Napoli per mano di Enrico "Erry" Frattasio, ragazzo di belle speranze col sogno frustrato di fare il deejay che, per "consolarsi" ed alimentare la sua enorme passione per la musica, creava musicassette contenenti mix personalizzati per gli abitanti del quartiere. Nel giro di qualche anno, questa innocente distribuzione di cassettine si è evoluta, affiancando ai mix personalizzati la duplicazione di interi album (o, nel caso di Sanremo, addirittura la produzione di compilation che uscivano prima di quella ufficiale), fino a trasformarsi in un business miliardario ed allargato non solo ai fratelli di Enrico, ma persino a qualche centinaio di dipendenti, con ramificazioni al di fuori di Napoli e della Campania. Ciò che Sibilia racconta, in pratica, è la nascita della pirateria musicale moderna, con un occhio alla genialità di chi ha saputo predire, inconsapevolmente, un futuro di playlist basate sui gusti del pubblico, capaci di guidarne gli acquisti successivi. Lo fa con lo sguardo indulgente ma consapevole di chi apprezza l'innocenza sognatrice del protagonista e, al contempo, ne condanna l'attività illegale che tinge il sogno di sfumature cupe ed ambigue, romanzando le vicende reali senza indorare però troppo la pillola; dall'infanzia alla prigione, i Frattasio sono sempre stati seguiti dall'ombra della malavita, hanno percorso un sentiero borderline e talvolta sporcato di sangue, e la loro rivoluzione gioiosa contro lo squallore della povertà o i soprusi dei prepotenti ha comunque consentito loro di fare la bella vita senza restituire nulla di tangibile alla società ed evadendo tasse come non ci fosse un domani. Certo, come già accadeva per quegli adorabili scappati di casa di Smetto quando voglio, è impossibile odiare Erry e i suoi fratelli e, anzi, non si smette per un istante di sperare che il debordante ispettore Ricciardi venga fatto fesso dalle trovate dei tre, mentre il vero "villain" ha, neanche a dirlo, il fastidioso accento del tipico imprenditore baüscia. 

A differenza de L'isola delle rose, che mi era sembrato facilone e svuotato di contenuti, la storia di Mixed by Erry è invece perfetta per lo stile accattivante e molto "cinematografico" di Sibilia, regista che, da sempre, riesce a fare propri gli stilemi tipici del cinema di genere americano, aggiornandoli a un gusto tutto italiano. La diffusa parabola di ascesa e caduta dei protagonisti, unita a uno sguardo nostalgico verso tempi più innocenti in cui si parlava più di espedienti per sopravvivere che di vera e propria criminalità (e comunque anche quest'ultima era regolata da codici rigidi e valori, per quanto distorti), si mescola alla commedia all'italiana fatta di accenti regionali e "maschere" ben riconoscibili, dando vita a un film frizzante e gradevolissimo, che non annoia nemmeno per un istante. Da ligure, contesto solo l'assenza di sottotitoli costanti, ché spesso facevo fatica a seguire i dialoghi, ma la simpatia di tutti i coinvolti è indubbia. A partire dai tre attori semi-esordienti che interpretano i fratelli Frattasio, tutti bravissimi e convincenti, passando a due caratteristi divertenti e divertiti come Francesco Di Leva e Fabrizio Gifuni (ti ho odiato, amico, mi spiace, ma è una deformazione professionale!), per arrivare al devastante colpo di nostalgia dato dal vedere il "piccolo" Adriano Pantaleo nei panni di papà Frattasio, ho adorato tutto il cast e, arrivata alla fine, avrei voluto che il film continuasse ancora un po'. Purtroppo, il vero difetto di Sibilia è quello di non riuscire mai a confezionare personaggi femminili interessanti, che superino la dicotomia scassacazzi/love interest, ma continuo a sperare per il futuro. Nel frattempo, consiglio senza remore questo Mixed by Erry, un'ottima aggiunta al catalogo Netflix!

Del regista e co-sceneggiatore Sydney Sibilia ho già parlato QUI. 

Francesco Di Leva interpreta Fortunato Ricciardi. Nato a Napoli, ha partecipato film come Una vita tranquilla, Il sindaco del Rione Sanità, Nostalgia e L'ultima notte di Amore. Anche sceneggiatore e produttore, ha 45 anni e un film in uscita. 

Adriano Pantaleo interpreta Pasquale Frattasio. Probabilmente il bambino napoletano più famoso degli anni '90, lo ricordo per film come Io speriamo che me la cavo, Ci hai rotto papà e le serie Amico mio e Amico mio 2. Anche sceneggiatore e produttore, ha 40 anni. 

Fabrizio Gifuni interpreta Arturo Maria Barambani. Nato a Roma, ha partecipato a film come Hannibal, La meglio gioventù, Romanzo di una strage, Il capitale umano, Esterno notte e a serie quali Boris e L'amica geniale. Anche sceneggiatore e produttore, ha 57 anni. 

Visioni dal ToHorror Fantastic Film Fest 2023

La settimana scorsa, scansando il pericolo influenze e un po' di sfighe all'orizzonte, sono riuscita a salire tre giorni a Torino per il Tohorror Fantastic Film Fest, ormai giunto alla ventitreesima edizione. Il tema di quest'anno era C’era una volta il cyberpunk e molti spettatori hanno avuto la fortuna di godersi opere miliari come Tetsuo e il suo seguito su grande schermo; inoltre, chi è riuscito a fermarsi fino a domenica ha avuto anche l'onore di guardare un documentario a cui tenevo molto, King on Screen, e un film che mi interessava parecchio, Trim Season (purtroppo sono dovuta correre a casa e ho mancato entrambi). Mio malgrado, ho perso anche Best Wishes to All, il vincitore del premio del pubblico, perché era proiettato in contemporanea a un altro film su cui puntavo moltissimo, in compenso è successo un piccolo miracolo, ovvero ho apprezzato parecchio il vincitore del premio della giuria lungometraggi, cosa che non accadeva da qualche anno. Complessivamente, è stata di nuovo un'esperienza bellissima e interessante, quindi ringrazio gli organizzatori di questo amatissimo festival, per la cura con cui scelgono programmazione ed eventi "collaterali" e per la palese passione che ci mettono annualmente. Aspettando con incuriosita trepidazione di sapere quale sarà il tema del prossimo ToHorror e approfittando di Halloween, vi lascio con un piccolo riassunto delle visioni di questa edizione, con attenzione particolare ai film da tenere d'occhio o da recuperare! ENJOY!

Satan Wants You (Steve J. Adams e Sean Horlor, 2023) 

Se mi seguite da un po' sapete che è raro che io guardi documentari, un genere che mi attira poco, però questo mi interessava fin dal titolo. Ho fatto bene a guardarlo: Satan Wants You parla del "Satanic Panic" che ha investito l'America dopo l'uscita del libro biografico Michelle Remembers, scritto dallo psichiatra Lawrence Pazder e da una delle sue pazienti, Michelle Smith, in seguito alle sedute durante le quali quest'ultima ha ricordato di essere stata rapita e seviziata da bambina da una setta di satanisti. Con piglio ironico ed occhio critico, attraverso le testimonianze talvolta commoventi di chi si è ritrovato la vita stravolta dal libro (e quelle ormai disilluse di chi ha capito che la gente non ha imparato nulla dall'esperienza), i due autori raccontano non solo l'assurdo impatto mediatico di Michelle Remembers, che ha sconvolto l'America degli anni '80 causando un'isteria di massa senza precedenti, ma anche tutto il marcio che si nascondeva dietro la facciata rispettabile di Padzer e della Smith. Se vi piacciono le storie incredibili ma vere alla Gli occhi di Tammy Faye e guardate con sospetto tutto ciò che riguarda la Chiesa intesa come organizzazione, al di là della fede, avrete pane per i vostri denti. 

Les Chambres Rouges (Pascal Plante, 2023) 
Vincitore del premio ufficiale come miglior lungometraggio

Glaciale thriller psicologico che si prende tutto il tempo di creare la giusta atmosfera, inquietante ed asettica, prima di deflagrare poco prima del finale disgustando il pubblico pur senza mostrare neppure una goccia di sangue. L'orrore dell'ossessione e del completo distacco dalla realtà passa attraverso una regia elegantissima, una colonna sonora splendida e, soprattutto, una protagonista (la bravissima Juliette Gariépy) che rimane ambigua e "respingente" fino al finale, che lascia libera interpretazione allo spettatore. Io ve lo dico, raramente vedrete una partita di poker on line più coinvolgente e moralmente terrificante di quella mostrata in Les Chambres Rouges, film che non si dimentica facilmente. Per la cronaca, tra le fonti di ispirazione del regista ci sono Possession e Tesis, quindi traete le vostre conclusioni; io, per una volta, sono molto contenta del premio ottenuto!

She is Conann (Bertrand Mandico, 2023) 

La rivisitazione al femminile del Conan di R. E. Howard e del film di John Milius, scritta e diretta da un regista che non conoscevo, ma a cui il termine "eclettico" non rende giustizia. Not my cup of tea, troppo allucinato ed incomprensibile per potermi anche solo piacere a livello superficiale, considerato anche che io di Conan il Barbaro so meno di zero. Nonostante questo, gli riconosco un fascino innegabile che, per quanto mi riguarda, deriva dalla messinscena molto artistica anche quando il regista ricorre al gore più estremo; inoltre, il personaggio del cane/demone Rainer è la perfetta, rarissima unione di fascino carismatico e disgustosa repulsione, e il regista non lesina il glitter, che rende anche le splatterate più truci scintillanti come un servizio di moda. Chapeau.

Kick Me (Gary Huggins, 2023) 

Uno di quei rari film demenziali in grado di non stufare, perché c'è tanta di quella carne al fuoco da chiedersi dove voglia andare a parare l'autore. L'odissea di un consulente scolastico che, a causa della sua bontà, si infila in una situazione sgradevole dietro l'altra è costellata di personaggi che non sfigurerebbero in un film di John Waters (ma Kick Me è molto meno corrosivo e disgustoso dei vecchi film del regista) e profuma un po' di Fuori orario, perché lascia allo spettatore quella sgradevole sensazione di pericolosa claustrofobia che si ha quando si osa fare il passo più lungo della propria gamba, in territori sconosciuti e senza via d'uscita. Il coro surreale sul finale e il cane a tre zampe sono due tocchi di classe.

Abruptio (Evan Marlowe, 2023) 

L'esecuzione è a dir poco splendida, perché è un film splatterosissimo, fatto di marionette dall'aspetto inquietante, che danno fin da subito un tocco surreale al tutto e mettono nella giusta predisposizione d'animo. L'assunto iniziale è appetitoso: un giorno, moltissime persone (tra cui il protagonista) si ritrovano con una bomba impiantata alla base del collo e vengono spinte a compiere le azioni più abiette da mandanti sconosciuti, il che getta la società mondiale nel caos. Capire come e perché il protagonista sia tra gli "eletti" è coinvolgente e spaventoso, almeno finché non subentra uno dei twist di genere che meno sopporto sulla faccia della terra, e il finale è il trionfo dell'anticlimax. Con una sceneggiatura più centrata e coerente nella sua cattiveria sarebbe stato un capolavoro, così a me è parsa un'occasione sprecata. Complimenti però per il cast di voci, che vanta attori come James Marsters, Jordan Peele, Robert Englund e Sid Haig.

Tiger Stripes (Amanda Nell Eu, 2023) 

Delizioso coming of age che celebra l'originalità e l'empatia in una società schiacciata da religione e ignoranza, dove le donne sono talmente represse da arrivare a odiarsi tra loro. E' quello che succede a Zaffan, la prima del suo gruppetto ad avere il ciclo e bullizzata per questo ancora prima che altri, terribili mutamenti accorrano al suo corpo; la disperazione seguente al cambiamento, il bisogno di venire accettati e amati, la difficoltà ad accettare se stessi e gli altri, il coraggio di affermare le proprie convinzioni vanno a braccetto con leggende antiche, in un film che mescola body horror, commedia, suggestioni pop e delle protagoniste talmente carine che vi verrà voglia di portarvele a casa. O, come minimo, di imparare il loro balletto su Ticktock. A Cannes ha vinto il premio della Settimana della Critica ed è il film scelto per rappresentare la Malesia agli Oscar 2024 (purtroppo, le autorità malesiane hanno deciso di censurarne alcune scene proprio il giorno della sua uscita al ToHorror, quindi chissà quale versione arriverà in sala...) quindi potrebbe essere una delle poche pellicole a venire distribuite anche da noi, chissà.

The Seeding (Barnaby Clay, 2023) 

Horror "classico", di cui bastano il titolo e le prime sequenze per indovinare, senza timore di sbagliare, ogni snodo, twist e persino il finale. C'è poco da dire sull'esecuzione, lineare e pulita, con qualche guizzo quando la pellicola sconfina un po' nel folk horror, perché i punti forti del film sono l'ambientazione originale e la bravura degli attori principali, che si compensano a vicenda nelle loro interpretazioni diametralmente opposte. Altra pellicola ad alto "rischio" distribuzione, in quanto più vicina al genere mainstream rispetto al resto della selezione del festival.

Eight Eyes (Austin Jennings, 2023) 

A dimostrazione di quanto non capisca una mazza di cinema, ammetto vergognosamente che, per quanto riconosca la superiorità di Les Chambres Rouges e Tiger Stripes, questo è il film del ToHorror che ha rapito il mio cuore e che riguarderei anche domani. Dall'assunto più banale del mondo (coppia di sposini americani in crisi vanno in viaggio in Europa e cadono sotto la brutalità degli autoctoni dediti ad empie malvagità) nasce un omaggio all'horror anni '70, zeppo di echi fulciani che ricorrono negli effetti speciali e nella splendida colonna sonora, pasticciato e incoerente come un qualsiasi Il treno, talmente matto sul finale che non sapevo se mettermi a ridere o piangere. La mia perversione si manifesta ulteriormente nella convinzione che, per quanto laido e abietto, Bruno Veljanovski nei panni di St. Peter abbia un fascino tutto suo. In Italia dubito arriverà mai, ma magari su Shudder...

La mesita del comedor (Caye Casas, 2022) 

Era il titolo su cui puntavo di più quest'anno e non mi ha affatto delusa. Mi raccomando, assolutamente, EVITATE QUALSIASI SPOILER sul film e lasciatevi trascinare dall'atmosfera di questo angosciante "dramma da camera", interamente giocato sulle interpretazioni di attori bravissimi e su ciò che la sapiente regia lascia solo intendere, fermandosi appena un istante prima di andare oltre, scavando nelle emozioni devastanti dei protagonisti. Godetevi i divertentissimi momenti di commedia finché potete, perché più il film andrà avanti, più vi passerà la voglia, garantito. Santa Netflix, pensaci tu a portarlo da noi, grazie. 

Hardware (Richard Stanley, 1990) 

Capolavoro seminale del cyberpunk horror, non lo avevo mai visto e me lo sono goduto nel migliore dei modi, in sala e su pellicola, leggermente rovinata e per questo ancora più gustosa. Lascio a Lucia e Germano l'onore di parlare di questo film come merita, ché io, come dice Crozza, sono una guitta, non so una mazza; posso solo dire che ho adorato il concetto modernissimo di eroe maschio ma "inutile", di eroina (donna portatrice di vita, bella come una dèa) che lotta con le unghie e coi denti contro le aberrazioni di un mondo dominato dalla morte, e di uomo della strada sincero e coraggioso. Inoltre, quel robot che troneggia come una divinità maligna (ma anche come un terrificante pupazzo a molla) nelle visioni allucinate di Dylan McDermott lo ricorderò finché campo.  

Killers of the Flower Moon (2023)

Siccome è uscito al ridosso del ToHorror, ho dovuto aspettare fino a martedì per vedere il nuovo film diretto e co-sceneggiato da Martin Scorsese, Killers of the Flower Moon, tratto dal libro omonimo di David Grann. Ne è valsa la pena? (Che domande, ovviamente SI'!)

Trama: anni '20, città di Fairfax. Al ritorno dal fronte della Prima Guerra Mondiale, Ernest Burkhart trova una terra dove gli indiani Osage si sono arricchiti grazie al petrolio. Lavorando come autista, conosce la giovane Osage Mollie e la sposa, ma il ricco zio Bill Hale trama nell'ombra...

Tra poco Scorsese compirà 81 anni e io vorrei arrivarci, alla sua età, con questa coerenza e lucidità. Killers of the Flower Moon (film che, per inciso, non metterei mai nella lista dei suoi primi 5, ma ciò non vuol dire sia brutto) è l'ennesima conferma della solidità della poetica Scorsesiana, legata alle radici più profonde della nazione Americana, una nazione che affonda nel sangue fin dalle sue origini e che vive pregna di sangue e violenza, vittima di mille contraddizioni e destinata a dimenticare il proprio passato o rinnegarlo. E' anche, ovviamente, una storia di persone che sono condannate ad un destino orribile nel momento esatto in cui si allontanano dal loro ambiente originario, vittime di un mondo che non comprendono appieno, e questo vale sia per gli Osage che, neanche a dirlo, per il protagonista Ernest Burkhart. Nel corso degli anni Scorsese si è fatto più cinico e, se prima i suoi personaggi erano comunque dotati di un'intelligenza che veniva obnubilata dal "vizio" e dall'eccesso, ora ci troviamo spesso davanti dei babbei senza arte né parte, mossi come marionette da gente che se la crede e sicuramente sa come stare al mondo, ma dimostra lo stesso ben poco cervello in più. Ernest, in questo, è emblematico. Il "coyote dagli occhi azzurri" più che un coyote è un cojone, un fannullone assetato di soldi che, pur amando di cuore la sua sposa indiana, non riesce a spezzare la pesante influenza che ha su di lui lo zio Bill, il Re di Fairfax, e corre allegro verso il baratro della rovina sua e della sua famiglia senza quasi neppure capire le implicazioni di ogni suo gesto. D'altra parte, Re Bill non è più furbo. Sovrano di un piccolo regno fatto di bianchi buzzurri e indiani troppo ingenui o resi sicuri dalla ricchezza per capire chi hanno davanti, Bill è in grado di giocare solo secondo le sue regole, consapevole di avere le spalle coperte anche nell'eventualità di dover buttare all'aria la scacchiera, ma crolla come un castello di carte nel momento in cui subentrano giocatori esterni neppure troppo abili. La pietà di Scorsese è, piuttosto, riservata agli Osage, nonostante la "colpevolezza" di avere rinnegato (con dolore, come testimonia la commovente sequenza iniziale) buona parte del loro retaggio, sporcandolo con la ricchezza dell'oro nero; come buona parte dei "vinti" scorsesiani, gli Osage sono stati divorati da una società che ha sfruttato proprio il loro desiderio di fare parte di un altro mondo e, in seguito, dimenticati quando la storia è stata riscritta dai vincitori, ridotta a mero racconto per casalinghe o piccola nota a pié di pagina. 

L'andamento del racconto (sì, il film dura tre ore e mezza, no, a me sono passate in un lampo ma capisco che non siamo tutti uguali) è inevitabilmente quello di un'epopea, di un noir atipico dove il colpevole si conosce fin dall'inizio, e va in netta contrapposizione con la velocità con cui i protagonisti bianchi sembrano dimenticarsi delle vittime Osage; per lo stesso motivo, la violenza sulle vittime è ripresa in campo lungo, a rispecchiare la loro natura poco importante agli occhi della città di Fairfax, e il regista preferisce insistere invece sui primi piani e piani americani, indagando sulla natura dei protagonisti, sulle maschere che indossano, sul lampo brutale di disprezzo di occhi che si fingono amici, sulla malinconica, terribile dignità di chi è costretto a vivere terrorizzato nella sua stessa casa eppure ancora si affida, speranzoso, a un briciolo di amore e umanità. Killers of the Flower Moon è un mosaico di sequenze inaspettatamente poetiche che si inseriscono in un contesto spesso triviale, e in esso la storia vera (quella raccontata da foto in bianco e nero) si mescola ad embrioni di fiction spettacolarizzante (la sequenza dello show radiofonico è spettacolare), passando attraverso gli occhi di chi non capisce letteralmente nulla e rimane lì, a provare dolore senza capire bene perché, oggetto di una lunghissima sequenza di court drama dove i concetti vengono ribaditi più e più volte (nulla me lo toglie dalla testa) a suo uso e consumo, con sommo scorno di uno spettatore già provato. Per questo, l'interpretazione di Di Caprio è perfetta. Ernest passa il tempo a cercare di imitare il Re, a cui guarda come una divinità e come esempio da seguire, conseguentemente la sua mimica facciale è la versione distorta e quasi caricaturale di quella di De Niro, che invece è l'apoteosi del vecchio bastardo che ha in odio il mondo intero e pensa solo a se stesso. In una sfilata di facce davvero brutte (ma amate. Ciao Brendan, ciao John, ciao Martin, ciao Larry e Pat!!) spicca il volto bellissimo di Lily Gladstone, con la sua espressione compassata e gli occhi tristi e profondi, rappresentazione vivente di un popolo forte ma ridotto, con "amore", a folkloristico ricordo celebrato dai pochi che hanno ancora memoria, e danzano sotto la Flower Moon in un finale di inenarrabile tristezza. Dite quello che volete, ma per me Scorsese ha fatto centro anche stavolta, e quando avrà voglia di rapirmi per altre tre ore e mezza saprà sempre dove trovarmi.

Del regista e co-sceneggiatore Martin Scorsese (che compare nei panni del produttore radiofonico) ho già parlato QUI. Leonardo DiCaprio (Ernest Burkhart), Robert De Niro (William Hale), Jesse Plemons (Tom White), John Lithgow (Peter Leaward, avvocato dell'accusa), Brendan Fraser (W.S. Hamilton), Pat Healy (Agente John Burger), Michael Abbott Jr. (Agente Frank Smith) e Larry Fessenden (interprete radiofonico di Hale) li trovate invece ai rispettivi link.

Leonardo DiCaprio doveva inizialmente interpretare l'agente Tom White, ma il ruolo è andato a Jesse Plemons (che ha rinunciato così a partecipare a Nope nei panni di Jupe) perché Scorsese ha deciso di rendere il rapporto tra Mollie ed Ernest il fulcro del film. Ciò detto, se Killers of the Flower Moon vi fosse piaciuto, recupererei Gangs of New York, Quei bravi ragazzi, Casinò e The Irishman. ENJOY!

Saw: Legacy (2017)

Non me lo sarei mai aspettata ma sono arrivata alla fine! Oggi parliamo di Saw: Legacy (Jigsaw), diretto nel 2017 dagli Spierig Brothers.

Trama: dieci anni dopo la morte di John Kramer, i giochi di Jigsaw ricominciano...

Al momento in cui scrivo queste righe non ho ancora visto Saw X, quindi redigerò il post come se Saw: Legacy fosse l'ultimo film della serie. Per questo motivo, vi confesso, non saprei davvero cosa scrivere di diverso rispetto alle altre volte, e forse è questo il problema che si sono trovati davanti gli sceneggiatori e i registi di Saw: Legacy. Voglio dire, Saw 3D aveva chiuso il cerchio, magari in maniera un po' goffa, di una gigantesca serie di indizi, twist e personaggi ricorsi nel giro di quasi un decennio, quindi cos'altro rimaneva a Saw: Legacy, se non ricominciare da capo? Il nuovo inizio, però, si ritrova a riproporre pedissequamente gli schemi dei film precedenti, non solo a livello di struttura (ci sono persone più o meno colpevoli di qualcosa, che devono sopravvivere al gioco di Saw seguendo le regole, ma grazie al piffero) ma anche per il modo in cui cerca di gabbare lo spettatore e portarlo ad avere determinate convinzioni, in un whodunnit abbastanza pigro culminante in un (non) twist improbabile che mi ha fatta saltare dalla poltrona urlando "mafffigurati!!". E infatti, maffigurati, per l'appunto, e va dato credito a Saw: Legacy di avere mandato un po' a quel paese la continuity che i film precedenti avevano fatto i salti mortali per mantenere coerente. Quindi, alla fine della fiera, rimane giusto la "gradevolezza" delle trappole di Jigsaw, meno deprimenti che in passato e più sciocchine e, soprattutto, "rapide", prive di quel pesantissimo carico di responsabilità che un singolo, povero stronzo era costretto a caricarsi sulle spalle ammazzando gente al posto di John Kramer; inoltre, Saw: Legacy, per quanto comunque gore, si allontana un po' dallo stile voyeristico del torture porn e dal terribile desiderio di spingere lo spettatore ad identificarsi con Jigsaw per assolvere un desiderio recondito di farsi vendetta da sé anche nella realtà.

Per quanto riguarda la regia, tutto appare molto più patinato e pulito rispetto ai capitoli precedenti. Manca lo stile di Darren Lynn Bousman, che mirava a rendere tutto squallido e sporco, oltre che allucinato, manca (per fortuna) l'anonimo piattume televisivo dei film affidati ad altre mani, e il rinnovato aspetto di Billy il pupazzo riassume tutta la modernità della nuova via. Persino le trappole e il sangue sembrano innocui, se mi passate il termine, ma sicuramente c'è maggiore chiarezza nella messa in scena e tutto ciò che accade sullo schermo è lì, ben visibile, scandito da un montaggio fluido. Conseguenza di ciò è che persino gli attori meno carismatici o memorabili sembrano comunque dei professionisti navigati, non come Costas Mandylor e Betsy Russell che parevano usciti dalla telenovela piemontese, con menzione speciale per i membri femminili del cast, bellissime facce che hanno giustamente fatto faville in altri horror migliori di questo. In pratica questo Saw: Legacy mi è parso un Saw 2.0 poco coraggioso, realizzato per dare un colpo al cerchio e uno alla botte che non tenesse distante potenziali nuovi spettatori e che non facesse gridare i fan all'orrore. A me, che non sono ammiratrice sfegata della saga (anzi) non è dispiaciuto perché comunque è ben fatto e regala un'ora e mezza di splatterate disimpegnate, ma basta rifletterci dieci minuti in più e saltano fuori tutte le magagne di una sceneggiatura particolarmente scema e svogliata. Chissà come sarà Saw X, ho già paura ma non in senso buono!! 

Dei registi Spierig Brothers ho già parlato QUI. Tobin Bell (Jigsaw / John Kramer), Callum Keith Rennie (Detective Halloran), Laura Vandervoort (Anna) e Brittany Allen (Carly) li trovate invece ai rispettivi link.

Hannah Emily Anderson, che interpreta Eleanor Bonneville, era protagonista del bellissimo What Keeps You Alive proprio assieme a Brittany Allen. Se il film vi fosse piaciuto, ecco l'elenco delle altre pellicole della saga: Saw - L'enigmista, Saw II - La soluzione dell'enigma, Saw III - L'enigma senza fine, Saw IV - Il gioco continua, Saw V - Non crederai ai tuoi occhi, Saw VI, Saw 3D - Il capitolo finale e lo spin-off Spiral - L'eredità di Saw. ENJOY!