Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 30: They Look Like People (2015)

Eccoci arrivati all'ultimo post dedicato alla Nuovi Incubi Halloween Challenge! Domani, su Instagram, troverete un carosello sul meraviglioso Trick'r'Treat e la settimana prossima tornerò alla normale programmazione del blog. Oggi invece parliamo di "bromance", tema che mi ha portata scegliere il film They Look Like People, diretto e sceneggiato nel 2015 dal regista Perry Blackshear.

Trama

Dopo anni, l'impiegato Christian incontra sotto casa l'amico di una vita, Wyatt, in fuga da una presunta invasione aliena...

Recensione

Non ho assolutamente idea di dove abbia tirato fuori questo They Look Like People. Probabilmente, quando sono usciti i temi giornalieri della challenge devo avere scritto su Letterboxd o addirittura su Google una roba come "bromance horror" ed è uscito questo titolo. Non particolarmente interessante, mi spiace dirlo, né particolarmente horror, ma di sicuro molto attinente all'argomento del giorno. Infatti, il fulcro di They Look Like People è proprio la profonda amicizia tra Wyatt e Christian, due uomini che, nonostante una separazione di anni, ci mettono ben poco a rinstaurare le dinamiche, talvolta anche sciocche ed infantili, del loro storico legame. Il motivo della "separazione" risiede nel fatto che Wyatt si era trovato la fidanzata ed era in procinto di sposarsi, ma qualcosa è andato storto; questo qualcosa sono le allucinazioni di cui soffre Wyatt, vittima di una malattia mentale che lo porta a sentire suoni simili a quelli che farebbe uno sciame di mosche, ad immaginare di ricevere delle telefonate, a vedere persone che sembrano tali ma, in realtà, sono dei mostri alieni pronti ad invadere la Terra. O forse non si tratta di una malattia, Perry Blackshear non scioglie tutti i dubbi sul finale, anche perché non è la "verità" il tema del film. Ciò che interessa al regista e sceneggiatore è mostrare come questa convinzione di Wyatt impatti sul suo rapporto con la realtà e con i suoi affetti, in particolare con Christian, il quale, a sua volta, non è privo di problemi personali. Solo, senza alcuna fiducia in sé stesso (al punto da stordirsi di registrazioni motivazionali ed estenuanti esercizi in palestra per dimostrare di poter essere un maschio “alfa”), Christian si aggrappa disperatamente al ritorno dell’amico di sempre, soltanto per poi trovarsi coinvolto in qualcosa di folle e terribile, che richiede una cieca fiducia verso l'altro. Nel corso del film i due si metteranno alla prova a vicenda, immersi in un'atmosfera di paranoica inquietudine che sfocia in un finale al cardiopalma che è la cosa migliore di They Look Like People.

Per il resto, il film di Perry Blackshear è una produzione indie nel senso più stretto del termine. Intanto, They Look Like People è un'opera orgogliosamente mumblegore (più mumble che gore), nel corso della quale i personaggi discutono, si confrontano, vivono eventi quotidiani non particolarmente emozionanti o necessari ai fini della trama. Come ho scritto su, le sequenze più prettamente horror si contano sulle dita di una mano; le allucinazioni di Wyatt, a causa del basso budget a disposizione, sono soprattutto uditive, e solo in alcuni momenti si vedono delle persone trasformate in creature dagli occhi vuoti e dagli ampi, inquietantissimi sorrisi. Anche il numero di location interne è ridotto, il che è comunque funzionale alla rappresentazione di una vita squallida, ripetitiva (quella di Christian) e della quotidianità di una persona intrappolata, che sa di non poter fuggire alla minaccia aliena che ne sconvolge le percezioni, condannandolo alla solitudine perpetua, prima che sopraggiunga una possibile morte. Ciò detto, pur riconoscendo che The Look Like People non è un film realizzato senza alcuna cognizione di causa o comunque da un dilettante allo sbaraglio, devo purtroppo ammettere di essermi annoiata non poco durante la visione, proprio perché la natura di bromance è preponderante rispetto al discorso horror o sci-fi, il che si traduce in un ritmo mooolto lento, in grado di stemperare anche quei pochi momenti di tensione paranoica legati al personaggio di Wyatt e alle sue allucinazioni. Sicuramente non è un film da vedere la sera, dopo una giornata di lavoro; sono miracolosamente riuscita a non addormentarmi ma la tentazione era davvero fortissima!

Cast

Perry Blackshear è il regista e sceneggiatore del film. Americano, ha diretto film come The Siren e When I Consume You. E' anche produttore, attore e compositore. 

Curiosità

MacLeod Andrews (Wyatt), Evan Dumouchel (Christian) e Margaret Ying Drake (Mara) hanno partecipato anche dagli altri due film del regista. Se They Look Like People vi fosse piaciuto recuperate Bug, Take Shelter e The Voices. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 29: Giovani diavoli (1999)

Anche oggi la Nuovi Incubi Halloween Challenge si incrocia con quella di Letterboxd. E' uscito fuori Giovani diavoli (Idle Hands), un film in cui avrei voluto recitare, presente nella videoteca del creatore della challenge di Letterboxd, diretto nel 1999 dal regista Rodman Flender.

Trama

Anton, ragazzo pigro dedito al divano e alle canne, scopre di avere una mano indemoniata e assassina...

Recensione

Sento già i commenti di quei quattro lettori rimasti: "Ma veramente, con tutti i film che esistono, tu hai scelto Giovani diavoli come opera in cui recitare?". A parte che la risposta è "Perché no?", il fatto è che tutti gli horror in cui avrei bramato recitare sono stati già trattati sul Bollalmanacco, e l'unico che era rimasto fuori dal blog non era stranamente presente nella videoteca di Kynky. C'era però Giovani diavoli e, appena l'ho visto, mi è tornato in mente quanto amore avessi all'epoca (e ce l'ho tutt'ora) per Seth Green, e quanto avrei voluto recitare assieme a lui, in primis perché è un gran figo, e seconda cosa perché immaginavo le grassissime risate che si saranno fatti in un set dove, tra l'altro, erano capitati anche gli Offspring a suonare. Quindi, Seth Green, Devon Sawa e un concerto gratis degli Offspring. Capite bene che, a 18 anni, non c'era nulla di più cool per me. All'epoca dell'uscita italiana di Giovani diavoli avevo consumato la videocassetta registrata dalla TV, mi ero comprata il DVD appena l'avevo visto in un negozio di Genova e, prima ancora, avevo scaricato interi file wav. di dialoghi pronunciati da Seth Green per riascoltarli al PC, assieme alle canzoni della ruffianissima, perfetta colonna sonora; insomma, è un film che ho sempre amato con tutta me stessa, però non lo riguardavo da anni e avevo paura che, a 45 anni, mi sarei resa conto che non era così bello come ricordavo. Donna di poca fede! In realtà, Giovani diavoli non è bello, è bellissimo. Prosegue spedito come un treno in equilibrio tra horror serio e commedia "stoned", senza mai prendere in giro lo spettatore, perché è una delle poche horror comedy che fa sul serio nelle sequenze gore. Questo a prescindere da quanto sia cretino l'assunto, legato al titolo originale, per cui le mani pigre sono terreno fertile per il diavolo, o forse proprio per questo motivo. E non esistono mani più pigre di quelle di Anton, liceale che passa il tempo a guardare la TV sul divano e farsi canne assieme agli amici di sempre, Mick e Pnub. Il fulcro del film è la pigrizia, lo scoglionamento cosmico di questi tre adorabili scappati di casa, con Anton che non si accorge della morte dei genitori se non dopo tre/quattro giorni, finché lui e i due amici si rendono conto che il killer è proprio Anton, la cui mano pigra (la sinistra, perché la destra usa il telecomando e si fa le pippe, quindi insomma!) è stata posseduta da un demone dotato di un fortissimo istinto omicida. Già questa è un'idea che dà il la ad una serie infinita di possibilità, ma le cose migliorano quando, dopo essere stati uccisi da Anton, Mick e Pnub tornano come non-morti e come consiglieri "fraudolenti" del povero ragazzo, che si ritrova tra i piedi due adolescenti resi ancora più pigri e menefreghisti dalla loro condizione di morti. Tra perle di umorismo nero, un crescente numero di cadaveri, druide destinate a combattere il male, gemelli che fanno cose strane nei fast food, ragazze disnibite che limonano con gioia il vicino di casa, ma solo quando ne notano la creepytudine, e mani indemoniate che scalpano cantanti punk, Giovani diavoli prosegue per accumulo senza mai esagerare, inanellando tuttavia una serie di scelte talmente azzeccate da sembrare miracolose.

Come ho detto, la caratteristica di Giovani diavoli è quella di rispettare, senza snaturarle, le due anime che lo compongono, a partire dallo stile. Le parti horror sono curatissime, cominciando da una sequenza introduttiva che mette davvero inquietudine, passando poi alle splatterate causate dalla mano di Anton (i ferri da calza!!), realizzate con ottimi effetti speciali che reggono il passare del tempo senza alcun problema. La mano di Anton subisce un'interessante metamorfosi dopo la separazione dal ragazzo, ampliando ulteriormente il ventaglio di ramificazioni horror della trama, e il make-up di Mick e Pnub è semplicemente stupendo; in particolare, l'animatronic della testa di Pnub è allucinante, e lo stesso vale per tutti i momenti in cui il personaggio si ritrova ad interagire con gli altri senza testa, toccando un altissimo picco di genialità nell'istante in cui Mick decide di "aggiustarlo" per consentirgli di mangiare un burrito. Il trio di protagonisti, a tal proposito, è molto affiatato. Vero, Devon Sawa è il protagonista e regge da solo senza problemi intere sequenze che lo vedono lottare disperato contro la crescente sete di sangue della mano, ma il film non varrebbe nemmeno la metà senza due spalle come Seth Green ed Elden Henson. Assieme, i due fanno faville, alternando momenti in cui il caustico umorismo di Mick (il cui aplomb ricorda, a tratti, l'adorato Oz di Buffy) la fa da padrone ad altri in cui è il goffo, ma non meno irriverente, Pnub ad essere sotto i riflettori e a causare ancora più problemi al povero Anton, che piano piano arriva a mettere in discussione il loro stile di vita. Di fatto, Mick e Pnub sono protagonisti tanto quanto Anton, e non vengono mai eclissati dagli altri comprimari, ai quali viene comunque concesso tutto lo spazio necessario per non essere soltanto delle semplici macchiette. Diciamo che, ad oggi, l'unico personaggio invecchiato un po' male è quello di Jessica Alba, dipinto come una ragazzetta dall'aria profonda e tormentata, in realtà pronta a darla al primo che le palpa violentemente le chiappe, la cui funzione nella trama è quella di essere la damsel in distress che, come anticipato in un dialogo all'inizio, aspetta il suo knight with a shining armour. E peccato che questa "armour" siano una vestaglia da casa, una t-shirt strappata e un paio di boxer che Anton non si cambia per tutto il film. EEW. A parte questo dettaglio trascurabile, se non avete mai visto Giovani diavoli è giunto il momento di rimediare e innamorarvi perdutamente di questa adorabile commedia horror!

Cast

Devon Sawa (Anton Tobias), Seth Green (Mick), Elden Henson (Pnub), Jessica Alba (Molly), Vivica A. Fox (Debi LeCure), Jack Noseworthy (Randy), Sean Whalen (McMacy) e Fred Willard (Papà Tobias) li trovate ai rispettivi link. 

• Rodman Flender è il regista del film. Americano, ha diretto film come Leprechaun 2 ed episodi di serie quali I racconti della cripta, Millenium, Dawson's Creek, Una mamma per amica e Scream: La serie. Anche produttore, attore e sceneggiatore, ha 64 anni.

Curiosità

La mano di Giovani diavoli è "interpretata" da Christopher Hart, lo stesso attore che aveva dato vita a Mano nei due film de La famiglia Addams. In mezzo allo staff del Burger Jungle ci sono poi facce familiari come Kyle Gass dei Tenacious D e Tom DeLonge dei Blink 182, non bastassero già gli Offspring che si esibiscono al ballo di Halloween! Se Giovani diavoli vi fosse piaciuto recuperate The Faculty, Splatters - Gli schizzacervelli, The Babysitter, La Babysitter: Killer Queen e Freaky. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 28: Mammina (2026)

Per venire incontro alla Nuovi Incubi Halloween Challenge, il cui tema odierno è "Mutaforma", ho rimandato di un paio di settimane il post su Mammina, diretto dal regista Rob Savage e tratto dal romanzo L'altra mamma di Josh Malerman.

Trama

Bela vive assieme ai due genitori, ma di tanto in tanto parla e gioca con "l'altra mamma", un'entità apparentemente amichevole, che tuttavia diventerà sempre più inquietante e pericolosa...

Recensione

Sinceramente, non capisco perché ci sia così tanta gente che ha odiato Mammina, al di là dell'orrendo titolo italiano con cui è stato distribuito. Il film è un dignitosissimo horror commerciale che, in maniera magari un po' goffa (ma, non avendo letto il romanzo di Malerman, non so quanto della "colpa" sia attribuibile alla sceneggiatura e quanto all'opera originale), racconta la progressiva perdita dell'innocenza di una bambina, Bela, e delle bugie che la piccola è costretta a raccontarsi e a sopportare dagli altri, per mantenere salda l'idea di vivere sicura all'interno di un nucleo familiare perfetto. Si dice che i bambini sappiano più di quanto danno a vedere, e per Bela è così; disgraziatamente, benché mamma e papà pensino di avere in casa una creaturina persa nel suo mondo fatato, Bela nota tanti piccoli dettagli, legge tra le righe del non detto, capisce che "papo" è l'anello debole di una catena familiare tenuta con polso fermo da una mamma che, allo stesso tempo, non mette figlia e marito in cima alle priorità. Inevitabilmente, l'enorme amore di Bela cerca uno sbocco che non ritrova completamente nella mamma "reale", e richiama così nella nostra dimensione l'Altra Mamma. Una creatura fantastica, un mutaforma in grado di piegare lo spazio e il tempo, di portare Bela dove desidera ed inventare giochi sempre nuovi, quando mamma è troppo occupata col lavoro e papà deve sbrigare le faccende di casa. Col tempo, però, l'Altra Mamma si rivela un essere bugiardo e infido, il cui unico scopo è rubare il corpo e lo spirito di Bela per diventare umano, e più la bambina oppone resistenza, più la maschera gentile dell'Altra Mamma va in frantumi. Parallelamente, anche la facciata perfetta della famiglia di Bela viene distrutta, con bugie che vengono progressivamente a galla, fino alla crudele rivelazione finale, inusuale per un film avente per protagonisti dei bambini ma coerente con una realtà non viziata da preconcetti sociali inculcati in primis alle donne. Questo è un aspetto che accomuna Mammina a un altro film visto di recente, Verity, due opere non perfette (anzi) ma che infilano il dito nella piaga di una scomoda verità, ovvero che esistono anche donne che non hanno alcun desiderio di maternità, e non per questo devono essere demonizzate o, peggio, forzate a seguire un percorso deciso da altri, pena la nascita di bambini infelici e complessati. Sopravvivere all'Altra Mamma corrisponde ad infiniti anni di terapia, non tanto per la natura demoniaca del mostro, quanto per ciò che Bela viene a scoprire sul finale, che peraltro non è un happy ending al 100%, bensì dà ad intendere (a differenza della maggior parte degli horror aventi per protagoniste delle famiglie disfunzionali) come sia pressoché impossibile uscire più forti ed uniti da un'esperienza traumatizzante. In parole povere, siamo tutti "altre mamme", ben lontani dall'essere sinceri, innocenti e privi di macchia, e non è scontato che riusciamo ad imparare dai nostri errori, per quanto gravi. 

Al di là di queste seghe mentali personali, a me Mammina non è dispiaciuto neppure come horror. Il ritmo del film è sostenuto, si percepisce l'urgenza del progressivo pericolo che incombe sulla famiglia di Bela, e la sensazione claustrofobica di non potergli sfuggire. E' vero, in un paio di momenti gli snodi narrativi diventano faciloni, e persino la regia offre il fianco al trash involontario (diciamo che il momento "alla Poltergeist", gettato volutamente in caciara, si mantiene pericolosamente in bilico sul filo dell'imbarazzante, ma dove ho gettato la spugna è stato quando i personaggi tornano a casa e, senza alcun motivo particolare, decidono che per sconfiggere l'Altra Mamma l'ideale è fare finta che non esista e mettersi a fare festa), ma ci sono molti altri momenti drammatici e almeno una sequenza gore che riportano il film in carreggiata. Per quanto riguarda gli effetti speciali, altra fonte di critiche online, sapete bene quanto io patisca la CGI invasiva, eppure stavolta l'ho trovata abbastanza funzionale alla storia raccontata, e ho particolarmente apprezzato la sinergia degli effetti speciali col montaggio, soprattutto quando Bela e l'Altra Mamma passano da un ambiente all'altro senza soluzione di continuità. Anche gli attori mi sono piaciuti molto. La piccola Arabella Olivia Clark ha un faccino dolce, in alcune sequenze spezza il cuore, eppure è anche in grado di tirare fuori una vena inquietante, da piccolo mostriciattolo che non conviene prendere in giro, ma la vera mattatrice del film è Jessica Chastain. Grazie al meccanismo, talvolta scorretto, per cui non si è mai completamente certi che sullo schermo ci sia l'Altra Mamma oppure la mamma vera, ogni sguardo e gesto dell'attrice si caricano di valenze inquietanti, in perfetta risonanza con il terrore diffidente di Bela, e nei momenti horror tout court il sorriso della Chastain, con quello sguardo fisso da matta e le lacrime che le rigano il volto, gela il sangue nelle vene. Sono stata anche molto contenta di rivedere Karen Allen, anche se in un ruolo limitatissimo, e Jay Duplass, nonostante condivida la faccetta fessa del fratello, è un papà molto tenero, benché un po' patetico. Riassumendo, Mammina non è e non sarà mai l'horror dell'anno e nemmeno uno dei migliori, ma asfaltarlo come stanno facendo in molti la trovo una cosa scorretta; è un buon horror, divertente ed inquietante, anche piuttosto ben fatto, e credo meriti una visione senza preconcetti, per poi magari leggere il libro.

Cast

Del regista Rob Savage ho già parlato QUI. Jessica Chastain (Mamma/Altra Mamma) e Karen Allen

(Nonna Ruth) le trovate invece ai rispettivi link

Curiosità

Jay Duplass, che interpreta Papo, è il fratello della mia nemesi Mark Duplass. Se Mammina vi è piaciuto recuperate La madre, Goodnight Mommy, Babadook e The Hole in the Ground. ENJOY! 

Nuovi Incubi Halloween Challenge day 27: Amityville Horror - La fuga del diavolo (1989)

Oggi mi tocca barare di nuovo o, meglio, infilare a forza dentro un tema un film che, di fatto, è proprio un po' stiracchiato. La Nuovi Incubi Halloween Challenge consiglia "Non rispondere al telefono". E insomma, il post su Amityville Horror - La fuga del diavolo (Amityville: The Evil Escapes), diretto e co-sceneggiato nel 1989 dal regista Sandor Stern, e vagamente basato sul libro omonimo di John G. Jones era già pronto per un altro tema della Challenge, poi ci sono dei telefoni indemoniati che si sciolgono o che non funzionano... Lo sentite il rumore mentre cerco di arrampicarmi sugli specchi?

Trama

Dopo che dei sacerdoti hanno esorcizzato la casa di Amityville, il demonio si rifugia all'interno di una lampada che, per tutta una serie di circostanze, finisce in California...

Recensione

L'anno scorso, con Death to Metal, ero stata colta di sorpresa. Quest'anno, la sòla me la sono cercata, ché non posso pretendere tanto da un film per la TV. Se non altro, siccome Amityville Horror - La fuga del diavolo si trova in italiano su Prime Video, mi sono fatta due risate con Mirco, il quale come al solito non si capacita degli abissi di squallore che possono toccare alcuni horror. Amityville Horror - La fuga del diavolo (da qui in avanti: La fuga del diavolo) si apre su un gruppo di preti che, finalmente, decidono di sbarazzarsi del male che abita la casa dei Lutz da secoli. Convinti di avere sconfitto il Maligno, lasciano che il proprietario della casa si sbarazzi di mobili e suppellettili approfittando di una svendita in giardino; lì, una signora decide di acquistare un lampada brutta in culo, dalla forma vagamente umanoide, e spedirla alla sorella in California, come scherzo di compleanno. Detta lampada brutta in culo, purtroppo, è l'oggetto scelto dal demonio come rifugio, e la sua presenza in casa della sorella (nel frattempo diventata anche dimora della figlia di lei e di tre orrendi nipoti, di cui una traumatizzata dalla recente morte del papà) trasformerà l'allegro edificio in un teatro di incidenti sempre più inquietanti e gente che muore male. Ciò che rende meritevole La fuga del diavolo di una visione da ubriachi, è la dabbenaggine atomica dei protagonisti, unita alla loro salda volontà di ignorare gli incidenti più improbabili, derubricandoli a mera sfiga. Tolto che una lampada così brutta andava fatta volare dalla finestra al primo minuto di film, ma ciò che ha ucciso me e Mirco dalle risate sono stati, nell'ordine: la vecchia che si ritrova con un dito in necrosi dopo essersi fatta un taglietto con la lampada e non va in ospedale perché "ho visto di peggio"; l'altra vecchia che non si chiede in che modo il pappagallino, dopo essere fuggito dalla gabbia, sia anche riuscito nell'ardua impresa di aprire il forno a microonde e andarsi a suicidare lì dentro (nei panni della vecchia, nel dubbio, io avrei calcioruotato fuori i tre nipoti, sospettando che almeno uno fosse psicopatico, PER ESEMPIO l'inquietante bambina catatonica); il tuttofare che blocca un interruttore con un pezzetto di scotch mollo, sperando basti a tenerlo fermo, rimettendoci una mano nel tritarifiuti; la madre dei tre potenziali psicopatici che, di fronte alla cameretta della figlia ridotta a un delirio di roba buttata all'aria e pareti scarabocchiate coi pastelli, urla di chiamare la polizia, perché sicuramente è entrato un estraneo, invece di scassare di sberle la pargola. 

Ci sono altri dettagli ed episodi esilaranti che vi lascio il piacere di scoprire, ma vi anticipo fin da ora che il finale è un anticlimax che sovverte ogni regola geografica, ignorando tutto ciò che la regia aveva mostrato, fino a quel momento, relativamente ai dintorni della casa (inutile dirvi, inoltre, che la vicenda viene lasciata aperta per eventuali sequel). In quanto film per la TV, La fuga del diavolo è privo o quasi di scene esplicitamente violente, le morti dei vari personaggi vengono mostrate a fatto compiuto, ed essendo un prodotto di fine anni '80, è particolarmente sciatto visivamente, fiaccato da una sovrabbondanza di sequenze in cui, semplicemente, i personaggi parlano di ciò che è accaduto o di cosa dovrebbero fare per risolvere i loro problemi, magari davanti a un superalcolico (i preti) o a una tazza di the (madre e figlia). Sugli attori stenderei un velo pietoso. Il giovane prete, la nonna e la mamma sono gli elementi salvabili, in particolare la nonna è dotata di quella cazzimma da vecchia che ha per il belino di avere dei nipoti tra i piedi, e vorrebbe solo fare la bella vita godendosi la pensione alla faccia di quella pezzente della figlia. I tre figlioli sono invece uno peggio dell'altro. La più grande è la mia nemesi dai tempi de Le notti proibite del marchese De Sade, film che mi aveva già confermato che la bonanima di Zoe Trilling aveva solo un'espressione valida, quella della morta di ca**o, abbastanza inutile in un film come questo; il povero Aron Eisemberg sembra un nano deforme che interpreta un ragazzino, ma siccome ciò era probabilmente dovuto ad avere avuto gravissimi problemi renali fin dalla nascita, non elaboro oltre perché mi parrebbe ingiusto; Brandy Gold, che interpreta Jessica, ha concluso la sua carriera di attrice bambina con questo film, quindi o lei o i suoi hanno capito che non era la sua strada e per questo la perdoniamo, non è colpa sua se era stata utilizzata come l'ennesimo surrogato di Heather O'Rourke. C'è poco altro da dire su La fuga del diavolo, tranne che, probabilmente, se fosse stato affidato a qualche regista italiano di serie Z in attività in quegli anni avrebbe trasceso il cheesy e sarebbe diventato uno scult, ma purtroppo è stato sventurato anche in questo. Lasciamolo nel dimenticatoio dov'è giustamente rimasto per 37 anni, anche se temo che quella lampada orrenda non abbandonerà mai più la mia mente. 

Cast

Del regista e co-sceneggiatore Sandor Stern ho già parlato QUI mentre Zoe Trilling, che interpreta Amanda Evans, la trovate QUA.

Curiosità

Aron Eisenberg, che interpreta Brian Evans, era il figlio del protagonista de La casa 7. Amityville Horror - La fuga del diavolo, è il seguito di Amityville Horror, Amityville Possession ed Amityville III, e precede Amityville: il ritorno, Amityville 1992: It's About Time (tratto dallo stesso libro), Amityville: A New Generation, Amityville Dollhouse e Amityville: Il risveglio. Se volete fare una bella maratona per Halloween, non sarò io ad impedirvelo! ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 22 & 26: The Loved Ones (2009)

Come ho scritto giovedì sul post dedicato a Street Fighter, oggi unisco due temi della Nuovi Incubi Halloween Challenge, ovvero Ballo scolastico e Mean Girls. E' uscito fuori un film che puntavo da parecchio tempo, ovvero The Loved Ones, diretto e sceneggiato nel 2009 dal regista Sean Byrne.

Trama

Il giorno del ballo scolastico, Brent viene rapito dal padre di Lola, una compagna di scuola dagli istinti sadici, e seviziato senza pietà...

Recensione

Era tanto che volevo vedere The Loved Ones, di cui avevo sentito parlare solo benissimo. Il film di Sean Byrne è l'ennesimo frutto malato dell'adorabile cinematografia di genere australiana, un'opera sporca e cattiva che strappa il cuore dello spettatore e lo getta nel cestino della pattumiera, mettendolo di fronte all'ordalia di un povero ragazzo innocente, già vittima di sensi di colpa inenarrabili. Il protagonista, Brent, è un adolescente che vive sotto il peso di avere causato la morte del padre mentre stava guidando l'automobile; il limbo di pena in cui vive il ragazzo, incapace di comunicare con la madre e legato alla fidanzata da un sentimento d'amore che non riesce ad esprimere, si trasforma in un inferno il giorno del ballo scolastico. Dopo avere educatamente rifiutato la richiesta della compagna di classe Lola, che avrebbe voluto andare al ballo con lui, Brent viene infatti rapito dal padre della ragazza. Nella casa dei due, Brent subisce le peggiori torture, perché Lola è in realtà una psicopatica incapace di gestire l'attrazione che prova verso i ragazzi, e il padre farebbe di tutto per rendere felice la sua "principessa", alla quale lo lega un rapporto morboso, che sfiora vagamente l'incesto. Sean Byrne, al suo primo lungometraggio, mette in scena l'orrore e il disagio dell'adolescenza, tutto lo squallore che circonda quelli che dovrebbero essere gli anni "più belli", concentrando il suo sguardo su un rito di passaggio tipico dei paesi anglosassoni, ovvero il prom (che però in Australia si chiama "formal", e dovrebbe consistere, come da definizione, solo in un ballo in abiti formali, senza tutte le pacchianate americane). Croce e delizia degli adolescenti d'oltreoceano e del downunder, il prom è l'ennesima fonte di disagio, ansia e inadeguatezza sociale; lo è per il migliore amico di Brent, che crede di aver vinto alla lotteria quando la bella Mia accetta di andare con lui, per poi ritrovarsi tra le mani una ragazza interessata solo a degradarsi quanto più possibile, per fare del male a se stessa e ai suoi genitori, e lo è ovviamente per Lola. Impossibilitata ad andare al ballo col ragazzo che le piace, Lola se ne crea uno tutto suo, aiutata da papà, con tanto di banchetto, incoronazione del re e della regina del prom, tutto il necessaire per una serata da sogno (o da incubo) in cui, per una volta, sono gli altri ad essere reietti e a soffrire, mentre ogni suo desiderio diventa ordine e si traduce in realtà, per quanto distorta.

Se la messa in scena delle torture a cui viene sottoposto Brent è brutale e reiterata al punto che, in alcune occasioni, ho dovuto staccare gli occhi dallo schermo per l'ansia di ciò che rischiavo di vedere, il resto del film si appoggia a due stili distinti e ben definiti. Gli aspetti quotidiani di ciò che circonda Brent, al di là della claustrofobica trappola in cui viene rinchiuso da un certo punto in poi, sono filtrati da un punto di vista atto a sottolinearne la prosaicità, persino lo squallore (due esempi su tutti: il sesso tra ragazzi è sporco, sudato, quasi privo di romanticismo, trasmette proprio una disperata "fame" di contatto; viceversa, gli adulti sembrano disinteressati a tutto ciò che li circonda, persi in un cupo mondo che li separa persino dai loro affetti più prossimi). All'interno della casa di Lola, invece, spiccano l'allucinante fucsia del suo abito da principessa, il colore vivido del sangue, persino l'azzurro elettrico della candeggina all'interno della siringa nelle prime sequenze di tortura. Paradossalmente, quello di Lola è un mondo vivido, più reale e presente del quotidiano, perché scuote il desiderio di vivere sopito nel cuore di Brent, e conseguentemente ogni sua percezione. La stessa Lola è vivida, uno dei villain horror migliori mai creati, una ragazza incapace di affrontare il suo profondo dolore e la propria solitudine senza riversare una rabbia infantile e distorta sulle sue vittime; invece di accettare il rifiuto, Lola preferisce circondarsi di mostri privi di raziocinio, sostenuta da un padre incapace di guidarla come avrebbe dovuto. Una mean girl, certamente, ma una mean girl triste e disagiata, come tutti gli adolescenti che popolano The Loved Ones, che siano belli o brutti, soli o innamorati. 

Cast

Del regista e sceneggiatore Sean Byrne ho già parlato QUI mentre Xavier Samuel, che interpreta Brent, lo trovate QUA.

Curiosità

Jessica McNamee, che interpreta Mia, ha partecipato agli ultimi due Mortal Kombat come Sonya Blade. John Jarratt ha rifiutato il ruolo del papà per evitare il  typecasting. Se The Loved Ones vi è piaciuto recuperate Misery non deve morire e Pet. ENJOY! 

Nuovi Incubi Halloween Challenge day 23: God Told Me To (1976)

I protagonisti della Nuovi Incubi Halloween Challenge oggi sono gli Investigatori del paranormale. Siccome la challenge si intersecava oggi con quella settimanale, che voleva un film del 1976, ho chiesto a Lucia se potesse andare bene God Told Me To, diretto e sceneggiato proprio quell'anno dal regista Larry Cohen, e lei mi ha risposto di sì!

Trama

New York viene scossa da un'ondata di omicidi, perpetuati da persone che dichiarano di avere seguito la volontà di Dio. Un investigatore indaga, ma scopre più di quanto avrebbe voluto...

Recensione

God Told Me To è un altro incredibile prodotto di quel matto di Larry Cohen, un autore che ha sempre diretto film interessanti e originali, alla faccia dei budget risicatissimi. In questo caso, abbiamo un'opera che non è proprio horror, o meglio, lo è solo in parte, e in parte è almeno altri tre generi differenti, tra poliziesco, fantascienza e thriller a sfondo terroristico. Protagonista è il detective Peter Nicholas, fervente cattolico, il quale un giorno si ritrova a faccia a faccia con un cecchino improvvisato, responsabile di una strage; quando il detective gli chiede il motivo di un'azione così atroce, l'assassino risponde solo "God told me to". Profondamente sconvolto (e coinvolto) dalla risposta, Nicholas decide di andare a fondo della vicenda quando altri incensurati, a New York, cominciano ad uccidere persone a caso, adducendo la medesima motivazione, mentre la polizia sembrerebbe non dare troppo peso alla cosa. Le indagini di Nicholas, sulle quali non vi spoilero nulla perché God Told Me To merita di essere visto sapendo il meno possibile della trama, lo porteranno a scoprire una verità sconvolgente, non solo sulla natura di questo fantomatico "Dio", ma anche su se stesso. Cohen, anche alla sceneggiatura, gestisce con abilità tutti i vari registri che compongono la trama del film, maneggiando tutta una serie di twist "shyamalani" ad altissimo rischio di incappare nel ridicolo involontario, e uscendone invitto, anzi, conferendo dignità anche a qualcosa che, personalmente, di solito non tollero nemmeno quando a tirarlo in ballo è Stephen King. God Told Me To non prosegue in bilico solo sul sottile filo del ridicolo, ma anche su quello, ancora più impervio, della blasfemia. Pur con un occhio rispettoso, filtrato dal punto di vista di un personaggio profondamente cattolico e per questo vittima di pesanti sensi di colpa legati alla gestione della propria vita privata e del lavoro, Cohen collega spesso la religione a rivolte e gesti violenti, ad istituzioni elitarie che gestiscono importanti segreti con un pugno di ferro che si abbatte sulle teste degli innocenti, solo per mantenere uno status quo millenario.

L'abilità di Cohen nel gestire elementi diversissimi e "difficili", si manifesta non solo nella sceneggiatura, ma anche nella regia, con alcuni aspetti che potrebbero ridefinire l'arte di arrangiarsi in campo cinematografico. La mancanza di budget è stata arginata riutilizzando frame di una famosa serie televisiva di cui non faccio il nome (se siete interessati, documentatevi sul web dopo avere visto il film), e la mancanza di permessi per le riprese è stata semplicemente ignorata, come nelle sequenze ambientate durante la parata di St. Patrick, il che ha conferito a God Told Me To un fascino grezzo e quasi documentaristico, che si unisce perfettamente ad uno stile già di per sé asciutto e realistico, tipico dei film indipendenti a basso budget dell'epoca. Uno degli aspetti del film che mi ha coinvolta maggiormente, però, è l'interpretazione di Tony Lo Bianco. L'attore, la cui carriera lo ha sempre visto principalmente come caratterista, qui interpreta un personaggio tormentato che fatica a conciliare la fede cattolica di cui è stato imbevuto fin dall'infanzia con ciò che gli richiedono il lavoro e la vita privata; integerrimo per certi aspetti, al punto da non guardare in faccia a nessuno, nemmeno a sé stesso, pur di scoprire la verità e punire chi ha abusato del proprio potere, Nicholas si ritrova impotente e terribilmente umano di fronte all'ex moglie, dalla quale i dogmi della sua religione gli impediscono di divorziare, e la nuova, giovane compagna, un'insegnante colta e assai distante dalla fede. I confronti tra Lo Bianco e le due donne, la sequenza profondamente emotiva che lo vede duettare con Sylvia Sidney e persino le scene più surreali e "horror", sono tra i momenti più alti del film proprio per la dolente espressività dell'attore. Se non avete mai sentito parlare di God Told Me To, o non lo avete mai visto, potrebbe essere giunto il momento di recuperarlo, in virtù del suo avere 50 anni e non dimostrarli affatto, anzi!

Cast

Del regista e sceneggiatore Larry Cohen ho già parlato QUI mentre Sylvia Sidney, che interpreta Elizabeth Mullin, la trovate QUA.

Curiosità

Sandy Dennis, che interpreta Martha Nicholas, era la Honey di Chi ha paura di Virginia Woolf?; nei panni del poliziotto assassino alla parata c'è, invece, Andy Kaufman. Se God Told Me To vi è piaciuto, recuperate Cure e Il tocco del male. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 21: Radio Killer (2001)

Il tema della Nuovi Incubi Halloween Challenge oggi è On the Road, e per l'occasione ho scelto Radio Killer (Joy Ride), diretto nel 2001 dal regista John Dahl.

Trama

Durante un lungo viaggio in auto, Lewis e il fratello Fuller decidono di giocare uno scherzo radiofonico a un camionista, senza rendersi conto di aver pestato i piedi alla persona sbagliata...

Recensione

Radio Killer, più che un horror, è un ottimo thriller on the road, che acquista ulteriori punti perché è uno dei pochi film che non mi ha fatta addormentare sul divano, il che di questi tempi è un lusso non da poco. Scritto da J.J. Abrams, Radio Killer ha parecchi rimandi allo spielberghiano Duel, ma a differenza dell'esordio del buon Steven e di The Hitcher, è saldamente ancorato alla realtà e non ha quella qualità onirica capace di renderlo un incubo ad occhi aperti. Tutto comincia quando Lewis e Fuller (il primo ha appena acquistato un'auto usata per fare il viaggio di ritorno dal college a casa con l'amica d'infanzia Venna, di cui è innamorato da sempre, il secondo è appena uscito di prigione e il fratello ha fatto una deviazione per andarlo a recuperare) decidono, per sconfiggere la noia del viaggio, di usare un baracchino per giocare uno scherzo a un camionista. Il camionista, tale Chiodo Arrugginito, ci casca con tutte le scarpe ma non la prende benissimo e, dopo aver mandato un "danno collaterale" in coma, inizia a perseguitare i due fratelli, alzando ulteriormente la posta quando alla coppia si aggiunge un'ignara Venna. Radio Killer si può, idealmente, dividere in due parti, con un "prima e dopo Venna", come se la presenza della ragazza scatenasse qualcosa in Chiodo Arrugginito, in grado di farlo diventare più machiavellico e crudele. Quando la trama ruota attorno a Lewis e Fuller c'è la tensione di un inseguimento sulle autostrade notturne, fatto di minacce via radio, figuri poco raccomandabili e camion scatenati che sembrano usciti dritti da un fotogramma di Brivido. Quando viene aggiunta Venna, la posta si alza, e il contrappasso per lo scherzo crudele di Lewis e Fuller travalica la "mera" persecuzione, trasformandosi in un gioco perverso fatto di indizi, prove da superare e vittime innocenti che rischiano di perdere la vita nei modi peggiori. In tutto questo, la sceneggiatura prova anche ad inserire la carta del triangolo tardo-adolescenziale, ma è una cosa andata persa all'interno di svariati finali scartati, che lascia il tempo che trova. 

John Dahl è bravissimo a mantenere alta la tensione, preferendo evitare sequenze esplicite ed affidandosi maggiormente a stimoli "sonori"; in primis, c'è la voce inquietante di Ted Levine, capace di dare forma e sostanza ad un killer di cui si intravvedono giusto alcuni dettagli, o una silhouette fusa nelle ombre, ma la tensione sonora è parte integrante di molte sequenze al cardiopalma, come quella in cui Lewis e Fuller rimangono in silenzio ad ascoltare ciò che accade nella stanza accanto, oppure sul finale, quando la vita di Venna è legata a doppio filo al countdown delle stanze del motel. La potenza della figura di Chiodo Arrugginito risiede proprio nell'aura di mistero che lo circonda, nell'incertezza di ciò che quest'uomo ha fatto in passato e, di conseguenza, di quali siano i limiti della sua furia, se ce ne sono, una scelta che, in questo caso, risulta molto più efficace rispetto al mostrare immagini gore per il solo gusto di sconvolgere lo spettatore. La tensione viene anche alimentata dal fatto che Lewis e Fuller sono, sostanzialmente, due bravi cristi molto ben delineati, i quali sono incappati in uno stupido errore che non merita una vendetta così feroce, quindi lo spettatore è ulteriormente coinvolto dalle loro disavventura, e preoccupato per il loro destino. La coppia, tra l'altro, è molto bene assortita, perché le mattane dell'incontenibile Steve Zahn, che interpreta Fuller, sono equilibrate dall'occhio spento col viso di cemento da bravo ragazzo della buonanima Paul Walker; i due attori si rimpallano a vicenda i tratti tipici dell'eroe e del sopravvissuto, così risulta molto più difficile capire chi dei due ci rimetterà la pelle, se ce la rimetterà. Ed è anche difficile capire chi dei due sia il preferito della bella Venna, la quale parrebbe sempre un po' indecisa, e pronta a tirare fuori una salda cazzimma solo quando c'è da affrontare il maniaco persecutore. Per quanto mi riguarda, meglio così, la storia d'amore all'interno di Radio Killer ci sarebbe stata come i cavoli a merenda, invece in questo modo il film risulta una visione dinamica ed interessante! 

Cast

Di Steve Zahn (Fuller), Leelee Sobieski (Venna), Jay Hernandez (Marine) e Ted Levine (la voce di Chiodo Arrugginito) ho parlato ai rispettivi link.

• John Dahl è il regista del film. Americano, ha diretto film come Il giocatore - Rounders ed episodi di serie quali Fear Itself, Breaking Bad, True Blood, Dexter, The Strain, House of Cards, Hannibal, Jessica Jones, Iron Fist e The Walking Dead. Anche sceneggiatore e produttore, ha 70 anni. 

• Paul Walker interpreta Lewis. Americano, lo ricordo per film come Pleasantville, Fast and Furious, 2 Fast, 2 Furious, Fast & Furious - Solo parti originali, Fast & Furious 5, Fast & Furious 6, Fast & Furious 7. Anche produttore, è morto nel 2013, all'età di 40 anni. 

Curiosità

Walton Goggins compare, non accreditato, nel finale alternativo, nei panni di un poliziotto. Radio Killer ha generato due seguiti, Radio Killer 2 - Fine della corsa e Radio Killer 3 - La corsa continua, ma non li ho mai visti. Quindi, se il film vi è piaciuto, mi limito a consigliarvi Duel, The Hitcher, Jeepers Creepers e Il giorno sbagliato. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 20: Office Killer (1997)

Il tema della Nuovi Incubi Halloween Challenge di oggi è Lavorare è un horror. Con questa saggia massima in mente ho guardato Office Killer, diretto e co-sceneggiato nel 1997 dalla regista Cindy Sherman.

Trama

Dorine lavora nella redazione di un giornale in crisi, dove molti dipendenti, lei compresa, si sono visti dimezzare l'orario da un giorno all'altro. Quando un suo collega muore all'improvviso, proprio nella sua postazione di lavoro, Dorine decide di portarsi il cadavere a casa...

Recensione

Office Killer era un altro di quei film che avevo nella mia ormai infinita watchlist su Letterboxd, senza neppure sapere come ci fosse finito. Se dovessi definire Office Killer, parafraserei la storica citazione di Balto: "non è un horror, non è una commedia. Sa soltanto quello che non è". Questo perché il film della Sherman non prende mai una posizione netta sulla sua doppia natura e il risultato è un'opera senza particolare nerbo, poco divertente e con parecchie inibizioni per quanto riguarda la parte horror. Di sicuro è un film che mette tantissima carne al fuoco, tuttavia la affronta con superficialità. La trama, infatti, tocca temi come la riduzione dei posti di lavoro in favore di una tecnologia che, all'epoca, si stava cominciando ad affacciare, timidamente ma inesorabilmente, nelle nostre vite quotidiane; la conseguente alienazione legata al lavoro da remoto; i rapporti meno che idilliaci all'interno dei posti di lavoro, con arrivismo e servilismo messi sempre prima dell'oggettiva competenza del singolo; i problemi mentali legati a traumi infantili di natura sessuale, e il conseguente senso di colpa unito al desiderio, comunque, di "appartenere" a un luogo, a un gruppo di persone. Tutto ciò passa per la figura di Dorine, topolino spaventato che fa parte della redazione da decenni, eppure ancora è come se non esistesse. Timida ed impacciata, Dorine vive con la madre paralitica, con la quale condivide un rapporto di amore e odio, e viene generalmente disprezzata dai colleghi. Qualcosa, nella sua mente, scatta quando, costretta a lavorare fino a tardi con un laido redattore, senza volerlo ne causa la morte facendogli prendere la scossa. Dorine chiama la polizia, ma mette subito giù il telefono e si porta a casa il cadavere del collega, sistemandolo nel seminterrato. Da lì, la donna comincia a mettere in piedi l'ufficio"ideale", facendo fuori sempre più colleghi (e non solo!) e affinando le proprie conoscenze per quanto riguarda le nuove tecnologie, usandole al meglio per coprire i propri misfatti. Il film è tutto qui, e procede per accumulo di morti, tra persone che continuano a vedere Dorine come una povera fessacchiotta limitata, e la collega Kim che, invece, comincia a nutrire pesantissimi sospetti; la critica social-lavorativa è chiara, e i personaggi rappresentati sono riconoscibilissimi e tutti mediamente sgradevoli, Dorine in primis, nulla che non sia stato raccontato meglio prima o dopo Office Killer.

C'è da dire che, leggendo dichiarazioni e interviste, è venuto fuori che Cindy Sherman, al suo primo lungometraggio di "fiction" come regista, non avesse assolutamente idea di come procedere, e lasciasse moltissima libertà agli attori. L'approccio, ahimé, si vede; da una parte, ciò consente ai membri del cast, soprattutto quello femminile, di brillare, mentre altri sembrano un po' spersi, e pare che non sappiano di preciso quale direzione avrebbe preso il film, di conseguenza come impostare la propria interpretazione. Carol Kane nei panni di Dorine regge da sola tutta la baracca, mettendo anima e corpo in un personaggio che non è difficile immaginare all'interno di qualsiasi realtà lavorativa (l'approccio è simile a quello iniziale di Rachel McAdams in Send Help), socially awkward al punto che, anche ricorrendo a tutta l'empatia disponibile, verrebbe voglia di scrollarlo per svegliarlo un po'; l'attrice, però, fin dall'inizio si assicura anche di mostrare la doppiezza di Dorine, il suo essere anaffettiva a causa di un trauma subito durante l'infanzia, persino la caparbietà con cui la donna intende raggiungere il proprio obiettivo, per quanto allucinante e perverso. Molly Ringwald e Jeanne Tripplehorn le fanno da ottime spalle, ognuna esprimendo al meglio i lati negativi dell'arrivismo lavorativo, che non guarda in faccia neppure amici o fidanzati, e Barbara Sukowa nei panni della capa Virginia è semplicemente un mostro. Gusto puramente personale, ovviamente, ma credo che Office Killer sarebbe potuto diventare un capolavoro di humour nero, un po' come La signora ammazzatutti, per intenderci, se solo la Sherman non avesse avuto timore di spingere sul pedale dell'horror, perché, per esempio, la sequenza in cui Norah si risveglia nello scantinato di Dorine ha tutte le caratteristiche di un incubo disgustoso, ed è una delle migliori del film, assieme alla morte del primo collega. Purtroppo, così non è stato, e Office Killer, per quanto sicuramente "strano" e particolare, rimane un prodotto deboluccio, non particolarmente memorabile.

Cast

Di Carol Kane (Dorine Douglas), Molly Ringwald (Kim Poole), Jeanne Tripplehorn (Norah Reed), Michael Imperioli (Daniel Birch) ed Eric Bogosian (non accreditato, interpreta Peter Douglas) ho già parlato ai rispettivi link.

• Cindy Sherman è la regista e co-sceneggiatrice del film, al suo primo e unico lungometraggio. Anche attrice, ha 72 anni. 

Se vi è piaciuto...

Se Office Killer vi è piaciuto recuperate May ed Excision. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 19: L'implacabile (1987)

Dopo la visione di The Running Man, avevo scritto anche un post su L'implacabile (The Running Man), diretto nel 1987 da Paul Michael Glaser, molto liberamente tratto dal romanzo L'uomo in fuga di Richard Bachman. Non ho mai avuto occasione di pubblicarlo, quindi ve lo ciucciate oggi, visto che torna buono per il tema odierno della Nuovi Incubi Halloween Challenge, "Giochi mortali".

TRAMA

L'ex poliziotto Ben Richards fugge dal carcere in cui è stato ingiustamente rinchiuso solo per venire ricatturato e condannato a partecipare a Running Man, un gioco televisivo in cui il vero premio è riuscire a sopravvivere...

Mentre sto scrivendo queste righe, sono passate settimane dalla visione de L'implacabile e giuro su tutto ciò che ho di più caro, non ricordo quasi nulla. L'unica cosa di cui sono certa è che da bambina/ragazzina non mi era mai capitato di guardarlo, nonostante Schwarzenegger fosse praticamente un'istituzione a casa mia (ma meno di Stallone), quindi non sono cresciuta, come alcuni, nel mito del film. E onestamente, visto per la prima volta a 44 anni, a me è parso una baracconata della peggior specie, in più è riuscito ad annoiarmi mortalmente. Per chi non si fosse mai imbattuto ne L'implacabile, sappiate che del romanzo L'uomo in fuga riprende soltanto il nome del protagonista e l'idea di farlo partecipare a un gioco televisivo mortale. Il resto è pura fantasia dello sceneggiatore Steven E. de Souza, che ha riscritto la prima bozza dello script, più fedele al romanzo, modellandola sulle possenti spalle di Arnold Schwarzenegger. Di conseguenza, Richards è diventato un ex poliziotto, il testosteronico leader di una rivolta carceraria e, infine, il pozzo di frasi culto pronunciate tra un cazzotto e l'altro, fortemente voluto da un presentatore a caccia di talenti da inserire nei suoi mortali giochi a premi. Al posto di un'intera America, inoltre, il campo da gioco di Schwarzy è rappresentato da quattro quadranti in cui i partecipanti devono sfuggire alla versione macho delle guerriere Sailor, armati di ghiaccio, elettricità e fuoco, e della versione da discount di Leatherface, armato di motosega (mentre mi sono addormentata e non capito cosa facesse di preciso la versione wrestler di Ron Jeremy nei panni di Captain Freedom). La critica sociale presente del romanzo la si ritrova, all'acqua di rose, anche nel film, ma se cercate il pessimismo cosmico Bachmaniano, a parte un paio di morti eccellenti "dovute" per cementare la coscienza di classe del protagonista, cascate male: Schwarzy non è tipo da buttarsi giù, anzi, per non lasciare nemmeno un minimo dubbio, gli hanno pure affiancato un love interest peperino al punto giusto.

Preso per il trionfo del camp che è, L'implacabile potrebbe anche funzionare. Schwarzenegger ci crede e gigioneggia come solo lui sa fare, e i comprimari che gli hanno affiancato hanno fatto comunque la storia di un certo cinema di genere, Yaphet Kotto in primis. Anche Maria Conchita Alonso, pur ingabbiata in un personaggio abbastanza prevedibile e "limitato" nel suo essere prima di tutto un corpo, man mano che il film prosegue tira fuori una personalità discreta, a patto di sorvolare sul terrificante accento col quale pronuncia le parole in v.o. L'altro che si è palesemente divertito molto, assieme ai vari(opinti) Cacciatori, è Richard Dawson, che trasforma il pacato Killian del romanzo in un affabulatore nato, un bastardo dall'ironia nerissima che è forse una delle cose più indimenticabili del film. Purtroppo, il vero problema de L'implacabile è la regia di Paul Michael Glaser, sicuramente funzionale e priva di sbavature, ma anche meno emozionante di una partita a bocce tra ultraottantenni. C'è da dire che l'ex Starsky è entrato a giochi fatti come il rimpiazzo di almeno quattro registi che hanno rifiutato il progetto, come vi racconterò a fine post, e a quel punto forse serviva giusto un mestierante che non ci mettesse troppo del suo, e rispettasse i tempi di produzione, quindi non gliene si può nemmeno fare una colpa. D'altronde, non è solo la regia ad essere invecchiata male, ci sono anche gli effetti speciali e le scenografie, di sicuro divertenti all'epoca ma pacchianissime al giorno d'oggi, vittime di un'estetica sciatta che non apprezzavo granché all'epoca, figuriamoci oggi. So che L'implacabile è un film cult per molti e mi spiace parlarne in modo così antipatico, ma probabilmente c'era un motivo se non lo avevo mai guardato prima e posso dire che avrei continuato a vivere serena anche mantenendo l'ignoranza!

CAST

Di Arnold Schwarzenegger (Ben Richards), Maria Conchita Alonso (Amber Mendez) e Yaphet Kotto (Laughlin) e Lin Shaye (agente della propaganda) ho già parlato ai rispettivi link.

• Paul Michael Glaser è il regista della pellicola, ma i più lo conoscono come il detective Starsky della serie Starsky e Hutch. Americano, ha diretto altri film come Kazaam - Il gigante rap ed episodi di serie quali Starsky e Hutch e Miami Vice. Anche produttore e sceneggiatore, ha 82 anni. 
• Jesse Ventura (vero nome James George Janos) interpreta Captain Freedom. Americano, ex wrestler e persino ex governatore del Minnesota, ha partecipato a film come Predator, Una pallottola spuntata, Riposseduta, Demolition Man, Batman & Robin e a serie quali Super Vicky, Hunter, Renegade e X-Files. Anche produttore, ha 74 anni.

CURIOSITÀ

Le guest star presenti all'interno del film sono parecchie. Si comincia con "l'eroe di Hogan" Richard Dawson, che interpreta Damon Killian, per passare al Mr. Blue Edward Bunker, che interpreta Lenny, Mick Fleetwood dei Fleetwood Mac, nei panni di Mic, il figlio di Frank Zappa e veri wrestler come il già citato Jesse Ventura o il Professor Toru Tanaka (Subzero), per arrivare a Jim Brown, famoso giocatore di football americano, qui nei panni di Fireball. Sven-Ole Thorsen, che interpreta Sven, era invece lo stuntman di Schwarzenegger in Predator. Il ruolo di Killian era stato offerto a Burt Reynolds, ma l'attore ha rifiutato dopo avere saputo che il suo nome sarebbe stato messo come ultimo nel cast, mentre lui voleva venire subito dopo Arnold Schwarzenegger. La situazione "registi" è stata invece ancora peggiore. Prima di Paul Michael Glaser, il produttore Rob Cohen si era rivolto ad altri quattro registi, il primo dei quali era George P. Cosmatos. Cosmatos, tuttavia, avrebbe voluto ambientare il film in un centro commerciale, quindi Cohen si è rivolto a Carl Schenkel, che è scappato intimorito all'idea di dover affrontare una produzione così grande, a Ferdinand Fairfax, il quale aveva un approccio troppo grottesco al tema, e a Andrew Davis, che dopo otto giorni di riprese aveva già sforato il budget di 8 milioni ed era in ritardo di quattro giorni. Ciò detto, se L'implacabile vi fosse piaciuto, recuperate Atto di forza e, ovviamente, The Running Man. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge day 16: L'estranea (2026)

Per la Nuovi Incubi Halloween Challenge di oggi, Casa dolce casa, mi gioco l'horror familiar-casalingo L'estranea, diretto e co-sceneggiato da Paolo Strippoli. Niente spoiler, ovviamente. (Oggi avrei dovuto anche guardare un film per la Horror Challenge settimanale, ma siccome il tema era "TV Movie", baro un po' e vi rimando al Carrie del 2002, in quanto ho scoperto oggi che i film si possono anche non guardare in ordine!). 

Trama

Un incidente rischia di distruggere la perfetta armonia familiare di Anna. Nel massimo momento di disperazione, la donna viene avvicinata da un'estranea, che le propone un patto...

Recensione

Ho promesso di non fare spoiler e ho intenzione di mantenere la parola, ma non sarà facile, così, parlare de L'estranea. Al suo quarto lungometraggio, Strippoli si riconferma un regista originale, una voce freschissima del panorama cinematografico italiano, in grado di rielaborare suggestioni internazionali, immergerle in un contesto nostrano assolutamente riconoscibile, e realizzare opere coinvolgenti ed ipnotiche. L'estranea mi ha ricordato tantissimo, per stile e temi, i film che Lanthimos ha realizzato da inizio carriera a Il sacrificio del cervo sacro, ma Strippoli ha qualcosa che manca al cineasta greco, ovvero un minimo di empatia verso i suoi personaggi, che non sono solo archetipi di una tragedia umana. Nel caso de L'estranea, i protagonisti sono i membri di una famiglia altoborghese del sud (degli arricchiti, detto proprio volgarmente, che si credono, a torto, però meno cafoni di altri), i cui genitori sono vittime delle più tipiche brame italiane: il padre vorrebbe il figlio nella nazionale di calcio, la madre vorrebbe che la figlia diventasse un'attrice famosa, anche perché i ragazzini avrebbero tutte le carte in regola per farcela. Nel corso di un'unica, opulenta giornata di festa, tutto va a catafascio a causa di un incidente e Anna, la madre, viene avvicinata dall'estranea del titolo, che le offre di rimetterle la vita in carreggiata, ma ad una condizione. Da qui in poi non posso essere più esplicita o la visione del film perderebbe di valore. Dico solo che L'estranea è un'angosciante spirale di caos, messa in moto da un singolo evento, che si espande sempre più, nel tempo e nello spazio, trascinando con sé Anna e la sua intera famiglia. L'occhio del ciclone è proprio Anna, mossa da un amore filiale che cela un egoismo strisciante e la rende comunque cieca a ciò che è davvero importante per i suoi ragazzi, misurati in base ad uno stretto metro di giudizio che non ammette sorprese, né deviazioni. Sono i medesimi sentimenti che muovono suo marito Walter, però lui è connotato molto peggio, un maschio "alfa" che perde il controllo al minimo intoppo, ed è per questo che le attenzioni dell'estranea si rivolgono ad Anna. Nelle contraddizioni e nella caparbia durezza della donna, l'estranea trova terreno fertile e una fonte di potere,

la certezza che, per quanto venga alzata la posta, quell'egoismo mascherato da amore, pronto a cambiare pelle come un serpente, non avrà mai una fine, né un limite. 

L'empatia del regista, nominata a inizio post, risiede nella sua capacità di tratteggiare personaggi spesso odiosi, senza mancare di evidenziare quelle fragilità umane che impediscono di giudicarli in maniera tranchant, e senza "disinteressarsi" di loro, trasformandoli in granitiche figurine. In questo senso, per me L'estranea è stato un po' un'ordalia, perché mi sono presa a cuore un personaggio in particolare, pur non essendo mai stata vittima dei suoi stessi problemi, forse perché la persona in questione non segue i soliti cliché che l'avrebbero voluta antipatica, supponente e persino un po' crudele. Vedere il suo destino deciso nel giro di una notte, sacrificato a un bene più grande, è una cosa che mi ha fatto salire un groppo in gola, rimasto lì fino alla fine del film, enfatizzato da un finale tristissimo che dovrebbe suonare come una liberazione, ma che io ho vissuto come una sconfitta. E pensare che l'estranea, come personaggio, non è solo inquietante, ma è dotata di un profondo senso dello humour nero che "alleggerisce" ogni interazione con Anna, quindi il film non avrebbe dovuto risultarmi così deprimente. Mi viene da pensare, allora, di essere finita vittima di un effetto nostalgia. La canzone Liquido, utilizzata per uno dei momenti più scioccanti del film e ripresa durante i titoli di coda, è uno dei pilastri della mia vita al liceo, e sentirla utilizzata in quel contesto mi ha richiamato l'idea di occasioni sprecate, decisioni sbagliate a cui ormai non si può più porre rimedio. Lo stesso vale per la sequenza ambientata nel 2006, la sera in cui l'Italia aveva battuto la Francia ai mondiali. E' un evento che avevo vissuto in Australia, lontana dalla famiglia e dagli affetti, e che quindi mi aveva resa inusualmente patriottica; L'estranea sfrutta quella fatidica sera per veicolare tante di quelle sensazioni potenti (la speranza vana di ricucire un rapporto genitore-figlio, il coraggio di rivelarsi al mondo per ciò che si è, il gesto disperato di chi sa di non avere più una via d'uscita, l'attesa prima e la consapevolezza poi di aver compiuto un gesto irreparabile, la stupida gioia di una vittoria che, per una sera, ha dato l'illusione all'Italia e agli italiani di avere risolto tutti i loro problemi) che l'esperienza ha avuto lo stesso effetto di una commovente madeleine proustiana.

A livello tecnico, L'estranea è un film stupendo. Il mio unico problema, con i film di Strippoli, è l'audio in presa diretta che, unito alla dizione non sempre perfettissima degli attori, a volte mi fa perdere interi pezzi di dialogo, spesso soverchiati da una colonna sonora anche troppo invasiva. Ma, davvero, è l'unico difetto che ho riscontrato, a fronte di una regia e di una fotografia splendide, che un minuto prima travolgono lo spettatore con riprese corali di luminosa gioia, quasi artefatta e surreale (la festa iniziale è il trionfo del bianco abbacinante tirato fuori di peso da una pubblicità, e la ripresa dall'alto in cui la gente corre verso le urla strazianti di Alice la rende, col senno di poi, più simile a un incubo che a un sogno), e un minuto dopo comprimono i personaggi all'interno di luoghi cupi, zeppi di dettagli sfocati, ripresi da angolazioni sghembe e resi per questo ancora più claustrofobici. Gli attori, poi, li ho trovati molto bravi, al netto della mia solita "repulsione" verso le parlate troppo strascicate e gli accenti marcati. Romana Maggiora Vergano, a mio avviso, è la giovane attrice italiana più brava in circolazione, e Jasmine Trinca trasmette allo spettatore tutte le contraddizioni del personaggio di Anna, quell'apparenza di calma, materna dignità che nasconde l'orrore di chi ha perso talmente tanti pezzi della sua anima da non essere più nemmeno umano. Ammetto di non conoscere la filmografia di Valeria Bruni Tedeschi, tanto le opere in cui compare l'attrice sono distanti dai miei gusti cinematografici, ma mi azzardo a scommettere che Strippoli le abbia offerto il ruolo della vita, o almeno quello in cui è potuta uscire dalla comfort zone e mettersi alla prova con un personaggio borderline, sempre un po' sul filo del grottesco, e capace di imprimersi a fuoco nella mente dello spettatore. Mi rendo conto di avere scritto un post un po' confuso ed emotivo, quindi concluderò dicendo solo che, al momento, L'estranea è per me uno dei film più belli visti quest'anno, se non il più bello. Se entrerà nella cinquina delle opere candidate all'Oscar per miglior film straniero, tanto meglio, perché avrà molta più visibilità e le case di produzione italiane forse ricominceranno a puntare sull'horror. Se non sarà così, spero ugualmente che Strippoli continuerà su questa strada, perché il nostro Cinema ha bisogno di autori come lui per sopravvivere.  

Cast

Del regista e co-sceneggiatore Paolo Strippoli ho già parlato QUI. Jasmine Trinca (Anna) e Adriano Giannini (Walter) li trovate invece ai rispettivi link.

• Romana Maggiora Vergano interpreta Alice. Nata a Roma, la ricordo per film come C'è ancora domani e La valle dei sorrisi, inoltre ha partecipato a serie quali Don Matteo e Portobello. Ha 29 anni e due film in uscita.

• Valeria Bruni Tedeschi interpreta l'estranea. Nata a Torino, ha partecipato a film come La balia, Munich, Un'ottima annata - A Good Year, Baciami ancora, Il capitale umano, La pazza gioia e Duse. Anche sceneggiatrice e regista, ha 62 anni e un film in uscita. 

Se vi è piaciuto...

Se L'estranea vi è piaciuto, recuperate Il sacrificio del cervo sacro. ENJOY!

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 15: Deliria (1987)

Il tema del 15simo giorno di Nuovi Incubi Halloween Challenge era Giallo, così ho scelto di riguardare, dopo tantissimi anni, Deliria, diretto nel 1987 dal regista Michele Soavi.

Trama

Durante le prove di un musical, un killer mascherato comincia ad uccidere assistenti, attori e ballerini, impossibilitati ad uscire dallo studio...

Recensione

Di Deliria avevo ricordi vaghissimi, salvo per la mise particolare del killer, una testa di barbagianni poi ripresa in molti altri film di genere, anche solo come omaggio. Riguardandolo, mi è tornato in mente che, forse, la prima volta non lo avevo apprezzato granché, mentre stavolta mi ha catturata fin dalle prime scene, pur non essendo un film esente da difetti. Deliria spicca per la sua particolarità fin dalla trama, che mescola realtà e finzione partendo dalla messa in scena di un musical a tema horror, all'interno del quale un killer dalla maschera da barbagianni uccide le prostitute del quartiere a luci rosse. Quando una delle ballerine, per colpa di una storta, viene convinta da una delle costumiste ad andare a farsi curare in un ospedale psichiatrico in quanto "più vicino" rispetto ad altre strutture più consone, un pericoloso maniaco evade dalla cella e si rifugia proprio nella loro macchina, cominciando a mietere vittime all'interno del teatro di posa, sostituendosi al killer del musical. La trama, come vedete, è molto semplice, e più che un giallo Deliria sembra uno slasher, anche perché l'identità dell'assassino si conosce fin dall'inizio. Inoltre, la sceneggiatura del film strizza l'occhio agli horror americani dove il killer ha caratteristiche quasi sovrannaturali; non solo muore con grande difficoltà, ma riesce anche ad eludere trappole all'apparenza infallibili, tornando alla carica ancora più incattivito ed assetato di sangue. Un altro fil rouge di Deliria è la perdita di dignità di un lavoro artistico come quello della ballerina o dell'attore/attrice, ridotto qui a un mero mezzo di sopravvivenza per persone che non hanno più il becco di un quattrino, trattate a pesci in faccia da registi senza scrupoli che fanno il paio con produttori discutibili. Paradossalmente, è proprio l'assassino che, ritrovatosi all'improvviso in una sorta di "Paese delle Meraviglie" che gli consente anche di assumere l'identità di un misterioso serial killer mezzo umano e mezzo bestia, riscopre il fascino della musica e della teatralità, divertendosi come le sue vittime non riescono più a fare da tempo.

Al suo primo film come regista, Soavi fa sua la lezione appresa sui set di Dario Argento, con il quale ha lavorato come regista di seconda unità, ed unisce l'amore per i colori sgargianti come il rosso e il blu elettrico, oltre ad un gusto per morti ad effetto che sembrano quasi delle opere d'arte, a suggestioni più legate allo slasher americano. Il risultato è un ibrido affascinante, soprattutto quando la finzione dell'opera teatrale si confonde con la terrificante realtà vissuta dai protagonisti; lo spettatore, a un certo punto, sa che sotto la maschera da barbagianni non si nasconde un attore, bensì il killer, il che crea sequenze scioccanti come quella della morte sul palco per strangolamento prima e fendenti all'arma bianca poi. Anche quando gli omicidi si fanno più gore, per esempio quando uno dei protagonisti si ritrova diviso in due con profluvio di interiora sparse sul pavimento, c'è sempre un gusto coreografico per la composizione della scena, e un che di artistico legato alle luci, ai colori e alle ombre , che lasciano allo stesso tempo orripilati ed affascinati. Anche la colonna sonora utilizzata, che si compone di melodie diegetiche e non, concorre a creare un effetto straniante, aumentando non solo la tensione, ma anche la sensazione che i protagonisti, chiusi all'interno di un teatro di posa, siano finiti in una dimensione infernale separata dalla nostra, popolata da incubi e mostri sanguinari (impressione rafforzata da quel pre-finale onirico, fatto di corpi ricomposti e piume che cadono dall'alto come neve). Gli intermezzi quasi comici dedicati ai due poliziotti che, ignari di tutto ciò che accade nel teatro, rimangono di "guardia" nell'auto di pattuglia a parlare del più e del meno, rinfocolano ulteriormente questa sensazione e fanno di Deliria una bestia assai strana, figlia di un regista sfortunato che, nato in un'epoca diversa, sarebbe probabilmente diventato uno dei nomi di spicco dell'horror italiano, invece di perdersi in ignominiose schifezzuole come QUESTA.

Cast

Del regista Michele Soavi, che compare, non accreditato, come un giovane poliziotto, ho già parlato QUI. David Brandon (Peter), Barbara Cupisti (Alice), Giovanni Lombardo Radice (Brett) e George Eastman (co-sceneggiatore del film, compare quando Irving Wallace indossa la maschera) li trovate invece ai rispettivi link.

Nuovi Incubi Halloween Challenge Day 14: Colony (2026)

Il tema odierno della Nuovi Incubi Halloween Challenge, "Best Make Up", mi fornisce l'occasione per parlare di Colony (군체 - Gun-che), diretto dal regista Yeon Sang-ho.

Trama

Uno scienziato avvisa la polizia che, di lì a poco, rilascerà un potentissimo virus, di cui lui solo detiene l'antidoto, all'interno di un edificio. Costretti ad affrontare persone improvvisamente impazzite ed altamente contagiose, i pochi rimasti sani cercano di mettersi in salvo...

Recensione

Colony è l'ennesima variante di un genere, lo zombie movie, che puntualmente mi stupisce ogni volta che penso non abbia più nulla da dire. Uno degli esempi più eclatanti, guarda caso, era Train to Busan, sempre diretto da Yeon Sang-ho, che mi aveva atterrita e ridotta in lacrime copiose. Colony non raggiunge i livelli di Train to Busan, ma è un action horror spettacolare, spalmato in due ore che sembrano trenta minuti; la trama si concentra sull'esplosione di un'epidemia all'interno di un enorme e centralissimo edificio, per mano di uno scienziato il cui scopo è dimostrare di poter superare quello che per lui è il fulcro di tutti i problemi dell'umanità, ovvero l'incomunicabilità. Gli zombie (i quali, tecnicamente, non sono tali, poiché malati sì, ma ancora vivi) di Colony, come da titolo, si comportano come le formiche all'interno di una colonia, passandosi informazioni di vitale importanza non tanto per la loro sopravvivenza, quanto per il perpetuarsi della loro "specie", trovando la forza nel numero. La cosa interessante del film è vedere messo in pratica questo passaggio di informazioni e la conseguente, progressiva evoluzione degli infetti, di fronte ai quali gli esseri umani ci fanno una ben magra figura, per un paio di motivi. Certo, lo scienziato responsabile dell'epidemia è uno stronzo patentato e vanesio, le cui motivazioni sono quantomeno risibili, ma rimanendo in tema di "comunicazione" e "condivisione", che sono gli elementi portanti del film, la sceneggiatura fa un ritratto delle istituzioni, e di come vengono manipolate le informazioni, più inquietante degli stessi infetti. Chi mostra un minimo di empatia oppure ragiona veramente per il bene comune, invece di riempirsi la bocca di belle parole con l'unico obiettivo di risultare immacolato davanti all'opinione pubblica, viene trattato come un paria quando va bene o sacrificato quando va male; Colony racconta un'umanità appesa a un filo e chiusa in un pericoloso individualismo, tanto che i vaneggiamenti dello scienziato responsabile del contagio, riflettendoci con attenzione, non sembrano poi così campati in aria.

Al di là di queste importanti considerazioni morali, che arricchiscono ulteriormente il film, Colony si distingue sia per  il make up e la fisicità degli infetti (caratterizzata da contorsioni da brividi e movimenti a scatti alternati ad una velocità micidiale) sia, soprattutto, per un'enorme varietà di dinamiche soluzioni visive che vanno sensibilmente oltre quelle classiche di un film di zombie, per non parlare della disgustosa abbondanza di muco biancastro che trasforma lentamente il gigantesco edificio in un ricettacolo di schifezze insalubri. Il modo in cui gli infetti comunicano tra loro crea dei momenti di "stasi" in cui la tensione si taglia col coltello, e quando attaccano non ce n'è per nessuno, tra perfette coreografie di morte, un montaggio dinamico che consente comunque allo spettatore di non perdere neppure un dettaglio dell'azione, e una regia che lascia spazio anche a momenti riflessivi e persino commoventi, durante i quali la già flebile speranza viene annientata senza possibilità di recupero. Un'altra cosa che ho molto apprezzato di Colony è l'evoluzione dei personaggi e la loro imprevedibilità, caratteristiche attribuibili sia ai due poli della vicenda, l'imperscrutabile Seo Young-chul e la razionale Kwon Se-jeong, sia ai componenti della sparuta banda di sopravvissuti, ad ognuno dei quali è data la possibilità di "brillare" e, spesso, di spiazzare lo spettatore, il quale arriva presto a capire che è meglio non affezionarsi a nessuno. A fronte dell'evidente sforzo produttivo di Colony, non è poi così sbagliato considerarlo un blockbuster (ma esistono ancora?) horror capace di fare impallidire buona parte delle produzioni commerciali occidentali, ed è veramente un peccato non avere l'occasione di goderselo in una sala, su uno schermo quanto più grande possibile. Colony verrà proiettato mercoledì prossimo al ToHorror; speriamo che questo evento dia il la ad una ben più ampia distribuzione in tutta Italia, magari senza aspettare 10 anni com'è successo a Train to Busan!

Cast

Del regista Yeon Sang-ho ho già parlato QUI.

Se vi è piaciuto...

Se Colony vi è piaciuto, recuperate 28 giorni dopo con tutti i suoi seguiti e Train to Busan. ENJOY!